»Sei nett zur Maschine, sie lernt noch«

Die inhaltliche Dramaturgie des Tages spannte den Bogen von technologischer Neugier bis zu analoger Rückbesinnung. Liza Enebeis von Studio Dumbar/DEPT schien den Tag mit einem leidenschaftlichen Plädoyer für kreative Verantwortung zu untermauern: KI sei ein Werkzeug, »das wir erst verstehen lernen müssen«, wie sie mit einem Augenzwinkern in ihrer Keynote »For the love of sound and motion« betonte. Zu Projekten ihrer Agentur zählen etwa die visuelle Identität für das van Gogh Museum sowie das Podcast-Projekt Typeradio.org, zusätzlich engagiert sie sich in internationalen Designnetzwerken wie der Alliance Graphique Internationale. Diese Kombination aus Branchenkenntnis und großer Liebe zu einer gestalterischen Bandbreite von strategischem Branding bis Motion Design macht sie zu einer Idealfigur für den Vortrag über KI & Gestaltung – sie verbindet technologischen Ansatz mit dem klassischen Gestalterblick. Ihre Haltung prägte den Grundton der Konferenz: Optimismus statt Angst, Experiment statt Abwehr.

Marina Willer, Partnerin bei Pentagram London, brachte eine tiefere Dimension ins Spiel und plädierte unter dem Titel »More human than ever« fürs Spielen, Experimentieren, das Händische und Kindliche. Als Gestalterin ikonischer Identitäten wie für Tate Modern, Amnesty International, Oxfam oder Rolls-Royce erinnerte sie daran, dass »die Zukunft des Designs stark vom menschlichen Gespür für Kreativität und Vorstellungskraft abhängt – gerade, um KI sinnvoll einzusetzen.« Zudem betonte sie, mit Referenz zu ihrer brasilianischen Herkunft und ihren daraus resultierenden kreativen Ressourcen, sich auf seine einzigartige Perspektive auf die Welt zu verlassen.

Das Herz schlägt noch

Beinahe emotional war die Keynote »Serious Fun.« des Schweizer Gestalters Niklaus Troxler, der als Jazz-Plakatkünstler und Tape-Art-Pionier längst Designgeschichte geschrieben hat; er hatte Typografie/Grafik an der Schule für Gestaltung Luzern studiert, war Art Director in Paris und gründete dann 1973 eine eigene Grafik-Werkstatt in Willisau. Sein Hintergrund im analogen, typografischen Handwerk und seine jahrzehntelange Praxis im Gestalten von grafischen Statements sorgten für eine starke Verbindung zur Debatte um das Unersetzbare, Menschliche im Design: Sein Appell, »auf das Herz zu hören und aus dem Bauch zu arbeiten«, wirkte wie ein poetischer Gegenentwurf zur datengetriebenen Diskussion – und gleichzeitig wie deren notwendige Ergänzung.

Auch Prof. Jochen Rädeker, ehemaliger ADC-Vorstand und Mitgründer von Strichpunkt Design, brachte die Haltung des Tages schon eingangs auf eine treffende Formel: »Wir müssen nicht gegen die KI spielen, sondern mit ihr. Wir sind nicht ihr Gegner, sondern Schiedsrichter.«

Design als »visible strategy«

Um die Frage nach strategischem Design ging es im Panel »Design als Strategie – Zwischen Revolution und radikaler Transformation«, das von unserer stellvertretenden Chefredakteurin moderiert wurde. Corinna Asmus, die bei Beiersdorf die Markenentwicklung von Nivea verantwortet, gewährte Einblicke in die Evolution eines Designklassikers. Die Beratung von Arne Schultchen, Design for Human Nature, versteht Gestaltung als Brücke zwischen Business und Impact – als Katalysator für Veränderung, nicht als deren Dekoration. Und wie sich diese Haltung im Unternehmensalltag durchsetzt, illustrierte Head of Strategy Lisa Krick mit Beispielen aus ihrer Arbeit bei der Markenberatung MetaDesign, die Design als »visible strategy« definierte.

Zwischen den drei Positionen entspann sich schließlich ein aufschlussreiches Gespräch: Wie oft folgt man der Analyse, und wann entscheidet das Bauchgefühl? Während bei manchen Kunden Daten und Konsumentenforschung essenziell für die interne Überzeugungsarbeit sind, betonte etwa Krick, dass wahre Innovation häufig dort beginne, »wo man den Intent konsequent priorisiert.« Das Fazit der Runde: Designer:innen und Strateg:innen brauchen einander für Vision und Reflektion gestalterischer Projekte, erst gemeinsam können sie sinnvoll wirtschaftliche Faktoren, Empathie und Vision verbinden – und sich in der Sprache der Vorstände ebenso sicher bewegen wie in der der Nutzer:innen.

Handwerk trifft Hightech

Überraschend aktuell auf beiden Bühnen: die Renaissance des Handwerks. Tilla Goldberg von der Ippolito Fleitz Group formulierte es so: »So sehr sich die Welt gerade verändert, umso mehr brauchen wir reale Räume und Produkte, die faszinierende Möglichkeitsräume gestalten.« Das Business-Panel mit Walter Knoll und Gaggenau unterstrich wiederum: Handwerk ist kein Gegenpol zur Digitalisierung, sondern kulturelles Kapital.

Und Ina Yamaguchi und Julian Zimmermann von der Stuttgarter Agentur Deutsche & Japaner sprachen ein Problem an, das viele kennen: Bei der heutigen Fülle an Inspiration fällt es schwer, die eigene Lösung zu finden statt fremde zu adaptieren. Lucas Hesse bleibt sich dagegen konsequent treu: »Statt das große Feuerwerk zu zünden, simple Bewegungen auf interessante Art kombinieren.«

Stuttgart als kreativer Hotspot

»Mit der ADC Design Conference haben wir Stuttgart als lebendigen Hotspot für internationale Kreativität etabliert«, resümierte Patrick Amor vom ADC Vorstand. Die Mischung aus internationalen Größen mit lokalen Talenten – die drei Gewinner:innen des »42 x 30 Design Wettbewerbs« wurden vor Ort gekürt – machte die besondere Atmosphäre aus. Die ADC Design Conference 2025 hat gezeigt: Die Designbranche steht nicht vor einem Entweder-oder. Es geht um das Sowohl-als-auch von menschlicher Intuition und maschineller Präzision, von Tradition und Innovation, von Herz und Algorithmus.

Die ADC Design Conference wird im Herbst wieder stattfinden, aktuelle Events finden sich hier, sowie auch der Nachbericht zur diesjährigen Konferenz.

Das Grafikmagazin ist als Medienpartner auch bei der ADC Digital Conference in Düsseldorf dabei, hier Tickets für den 10. November 2025 reservieren.

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Nicht nur der wachsende Erfolg von Animé-Filmen bei jungen Leuten und die wachsende bedienerfreundliche und einfachere Produktion von Animationsfilm durch Computer-Unterstützung sorgte dafür, dass diesmal 18.200 Badgeholder aus 118 verschiedenen Ländern vor Ort waren. Wieder fast tausend mehr Besucher als im Vorjahr! Um dem gerecht zu werden, gab es dieses Jahr mehr Kinos (u.a. Pathe 6 und Dome) für das Screening von Programmen. Das Festival-Angebot war mit Wettbewerbsfilmen, Premieren, Workshops, Ausblicken, Konferenzen und Ausstellungen überwältigend. Zudem lockten ja bei bestem Wetter auch die historische Stadt und der See (der klarste Bergsee der Savoie-Region). Ab dem dritten Festivaltag dann zusätzlich auch die Eröffnung der MIFA-Messe, die neben Ständen, Software-Vorstellungen, Merchandising, Jobbörsen und Filmhandel auch Networking-Möglichkeiten bereithielt.

Nicht zu vergessen: Ohne die 650 Freiwilligen, die auf dem gesamten Festivalgelände rund um das Bonlieu-Zentrum, in den verschiedenen Kinos, den Info-Ständen, den Ausstellungsräumen und dem MIFA-Gelände am Imperial-Palast ihren vielfältigen Organisationsaufgaben nachgingen, wäre so eine gigantische Veranstaltung nicht möglich gewesen. Doch CITIA-CEO Mickael Marin lobte auch die Offenheit, Toleranz und Kreativität der vielen Besucher des Festivals selbst, als er bei der Schlussveranstaltung im Bonlieu-Theater sein Fazit zog: »Rund um die geplanten einzelnen Veranstaltungen und Ereignisse unseres Festes der Animation ist unsere besondere Rezeptur das Lachen der Besucher, die gute Laune, die Begeisterung zwischen den Filmen, das emotionale Schweigen während der Screenings und passionierten Diskussionen der Festival-Goer am See! All das gibt diesem Festival seine ganz spezielle Bedeutung und Schönheit!«

Drei besondere Persönlichkeiten bekamen schon bei der Eröffnung des Festivals den großen Annecy-Award (Kristall) für ihr Trickfilm-Lebenswerk überreicht: Eingerahmt von den beiden männlichen Ikonen Matt Groening (Vater der »Simpsons«) und Michael Gondry (»L’écume des jours«) war es besonders die britische Trickfilmerin Joanna Quinn, die von den Zuschauern tosenden Beifall für ihr Schaffen erntete. Unvergessen ihre Frauenpower-Filme wie »Girls Night out« oder »Body Beautiful« mit dem unvergleichlichen Quinn-2D-Zeichenstil! Gondry präsentierte in Annecy diesmal sein neues Werk »Maya – Give me a Title«, das bereits auf der Berlinale 2025 in Berlin lief. Da Annecy dieses Jahr einen Scheinwerfer auf das Thema »Animation in Musik-Videos« warf, passte auch zu diesem Thema Michael Gondry als Star-Gast. Ist er doch bestens bekannt für seine Arbeit als Director in Zusammenarbeit mit Pop-Größen wie u.a. Björk, The White Stripes und Daft Punk.

Große Präsenz zeigten diesmal auf dem Festival amerikanische Majors. Vom 3D-CGI-Marktführer Pixar waren im Bonlieu-Center erste animierte Teile in Reinausführung vom kommenden Feature »Elio« zu sehen. Pixars Partner Disney Animation Studios gewährten einen ersten Blick auf »Zootopia 2«. Disney kündigte zudem eine von den Festival-Besuchern gefeierte Rückkehr zum eigentlichen eigenen Markenzeichen – dem handgezeichneten Zeichentrickfilm – an! Den hatte der Major 2011 zum Entsetzen der weltweiten Fan-Gemeinde komplett aufgegeben. Jetzt müssen bei Disney verdiente grauköpfige Animatoren aus dem Ruhestand zurückgeholt werden, um eine neue Generation von Trickfilm-Zeichnern neu zu schulen! Wettbewerber DreamWorks präsentierte fertige Ausschnitte von »Bad Guys 2« – zudem als fertiges Werk die Premiere vom CGI-unterstützten Kino-Realfilm »Drachenzähmen leichtgemacht« (»How to train your Dragon«). 

Jedes Jahr zeigt Annecy einen aktuellen Überblick über das Trickfilmschaffen eines bestimmten Landes. Diesmal wurde der Scheinwerfer auf Ungarn und geworfen. Partner aus dem sogenannten »Gastgeberland« waren das Nationale ungarische Filminstitut, das Institut Liszt und das einheimische Ungarn-Kulturcenter Paris. Eingeladen waren aber auch unabhängige Autorenfilmer des Landes, die sich vom Staat Ungarn aus Angst vor umfangreicher staatlicher Zensur nicht fördern lassen wollen. Festival-Director Jean wies besonders darauf hin, dass das Annecy-Festival hier in seinen Entscheidungen für die Programmgestaltung frei und unabhängig bleiben wolle und keine politischen Vorschriften der Regierung Orban dulde.

Die Trickfilm-Ausbildung war immer schon ein Schlüssel für die Existenz des Festivals in den französischen Alpen. 24 Prozent der diesjährigen Festival-Goer waren wieder Studentinnen und Studenten. Viele kamen das erste Mal und werden sicherlich wiederkehren in den nächsten Jahren. Auch wenn das Leben hier im touristischen Städtchen mittlerweile recht teuer geworden ist – gerade in der Festival-Woche. Wer sich von den Studierenden die Nacht im Hotel oder Privatzimmer nicht leisten kann, kommt günstig auf dem städtischen Belvedere-Campingplatz unter. Die normalen Wohnmobilisten müssen den idyllischen Platz hoch über Stadt und See dann verlassen und weichen einer sich rasch aufbauenden Zelt-Stadt der jungen Trickfilmschaffenden. Aber nicht nur die akkreditierten Studenten möchten die schönsten Festival-Highlights erleben vor den großen Leinwänden. Zu oft sind die Plätze von den Trickfilm-Interessierten schnell ausgebucht!.

Geduld zählt sich dann aus, nicht nur beim Trickfilm-Nachwuchs. Festival-Director Jean hat hier einen Rat. Besonders für Neulinge, die während des Festivals die Geduld nicht verlieren sollten. »Wenn Du wirklich etwas sehen willst und keinen Platz mehr bei der Reservierung erhalten hast, einfach nicht aufgeben! Komm´ rechtzeitig für die obligatorische Annecy-Festival-Warteschlange! Eine Stunde und früher solltest du da sein. Es gibt dort jede Menge Kommunikation zwischen den Besuchern gratis! Dort kannst Du die besten Infos und Tipps bekommen von den ebenfalls wartenden Fachleuten. Quasi Akquise und Networking gratis! Typisch Annecy Festival.« Überall zeichnen Trickfilmschaffende in ihrer Wartezeit vor den Kino-Eingängen. Üben sich in Skizzen, Porträts, künstlerischen Studien. Verschenken ihre Werke an andere Wartende! Give Aways zwischendurch als Andenken an eine schöne und kreative Woche in Annecy.

Das Annecy-Festival 2025 begann übrigens diesmal mit dem Start der Programm-Buchungsmöglichkeiten etwas unglücklich. Denn das Onlinesystem stürzte erst einmal durch einen Bot-Angriff von außen ab. Hunderte von Anfragen innerhalb von Sekunden für bestimmte Programme machten eine Restaurierung der Plattform notwendig. Erstmalig in der Geschichte des Festivals. Hier zahlte sich aber aus, dass es für die vielen Bagdeholder unterschiedliche Kategorien der Zuteilung gibt. Die Buchungen konnten schließlich ohne Komplikationen abgeschlossen und verteilt werden.

Eines der Highlights des diesjährigen Events war die Uraufführung der neu als Animationsfilm umgesetzten Version von »Animal Farm« – der weltbekannten Novelle von George Orwell. Verantwortlich für die Neu-Interpretation ist niemand anderes als Andy Serkis, der sich nach seiner Schauspieler-Karriere (»Herr der Ringe«/ »Hobbit«/ »Planet der Affen« etc.) in den letzten Jahren besonders einen Namen als Regisseur gemacht hat. Andy präsentierte die Premiere des fertiggestellten Werks selbst im Bonlieu – das große Theater hätte beim großen Zuschauer-Andrang mehrmals ausgebucht sein können! 2012 hatte Serkis mit seinem Partner Jonathan Cavendish die Rechte für den Film von den Orwell-Nachkommen erworben und wollte die Story in die heutige Zeit transportieren. Parallel zu »Planet of the Apes« arbeitete er sofort am Film, der anfangs noch nicht als reiner Animationsfilm geplant war. Performance Capture und Motion-Capture durch Computerunterstützung sollten es dann auf jeden Fall sein. Reiner Zeichenrickfilm-Look wurde nach anfänglichen Versuchen ausgeschlossen. Serkis wollte kein märchenhaftes Werk, sondern eines mit Realität und Perspektive. »Man sollte beispielsweise das Gewicht der Schweine im Film sehen und spüren. Wenn sie durch den Schlamm laufen, versinken sie regelrecht im Matsch!« Verschiedenen Produktionshäusern wurde der langsam wachsende Film über Jahre angeboten, bis er 2018 bei Netflix landete. Das Unternehmen erkannte aber nicht das Potential des Werks für das Streaming. So wurde es schließlich durch die Umsetzung von Imaginarium/ Aniventure ein großartiger Langfilm mit Kino-Qualität. Durch die langjährige Arbeitszeit von 2012 bis 2025 ist die Umsetzung auch mit aktuellem politischen Hintergrund garniert. Die Figur »Napoleon«, der bekannte Herrscher der Schweine auf der Farm, erinnert durch sein Agieren und Outfit doch sehr stark an Donald Trump. Serkis lobte bei der Vorstellung besonders Filmpartner Aniventure, die ihm bei der Umsetzung des Films freie Hand gelassen hätten. »Das ist in der heutigen Zeit sehr selten«, so Serkis. »Ich kenne mittlerweile genug andere Film-Unternehmen, die das nicht zulassen und angstgetriebene Entscheidungen fällen. Jeder Film soll seine Produktionskosten sofort wieder einspielen. Meine Partner waren mutig, daher konnten wir eine stimmige Umsetzung des Stoffes in neuem Gewand schaffen!«

Groß gefeiert wurde in Annecy diesmal auch, denn die Trickfilmmesse MIFA zelebrierte ihren 40. Geburtstag! Film-Einkäufer der TV-Anstalten, Softwarehersteller, Fernsehanstalten, Produzenten, Unternehmen, Hochschulen, Autoren, Filmemacher und Headhunter gaben sich hier die Hand und kommunizierten auf dem großen Gelände zwischen Imperial-Palast und dem Seeufer. Neue Projekte wurden den Vertretern aus mehr als 100 Ländern vorgestellt. Länder wie Australien, Neuseeland, Vietnam, Schottland, Bangladesh, Costa Rica und Kosovo hatten erstmalig einen großen Messe-Stand. Die deutschen Vertreter von German Films, German Animation und der Kurzfilm AG veranstalteten wieder den »Deutschen Empfang« am Dienstag der Annecy-Woche und luden ganz originell einen Tag später Festival-Goer zu einem »Animation-Picknick« am Seeufer ein. Stark vertreten auf der MIFA war 2025 Japan – in Nachbarschaft mit Ständen aus China und Südkorea. Auch hier wurde deutlich, dass der Markt für Animé-Filme deutlich wächst.

Deutschland war in Annecy mit mehreren Filmen vertreten, konnte aber in den Wettbewerben die Annecy-Jurys – bis auf den den Bereich der TV-Serien – nicht entscheidend beeindrucken. Viel Lob und Aufmerksamkeit bekamen aber besonders das Feature von Heinrich Sabl (»Memory Hotel«) und der animierte Unterwasser-Kurzfilm »9 Millionen Farben« von Bara Anna. Im Off Limits- und Perspektives-Shortfilmprogramm bekamen »Gerhard« von Ulu Braun und »All this Death« von Fadi Syriani viel Beifall. »Gerhard« war insofern außergewöhnlich, weil Ulu Braun bei der Entstehung des Films KI eingesetzt hatte. Ein großes aktuelles Thema im Filmschaffen, heiß diskutiert vom Fachpublikum des Festivals und auf der MIFA! Das sicherlich zukünftig im Kontext von Vergleichbarkeit der Wettbewerbskriterien auch eine Herausforderung für die Annecy-Jurys werden wird!

Auch VR bleibt ein großes Gesprächsthema, hat aber bereits seinen eigenständigen Wettbewerb im Annecy-Programm. Der deutsche Filmemacher Pedro Harres, im Vorjahr mit einem Award für seine VR-Arbeit ausgezeichnet, präsentierte diesmal auf der MIFA sein neues Projekt »LaLaLabyrinth«. An seiner Stelle starteten 2025 im Wettbewerb »VR Works« Aria Wolf und Janina Zlotos für Deutschland mit dem VR-Film »Lichtung« (Filmakademie Baden-Württemberg), der aber schließlich ohne Auszeichnung blieb. 

Das Festival wurde mit der großen Vergabe-Zeremonie der Awards abgeschlossen. Besonders wichtig waren die großen Preise für Kurz- und Langfilm. Hier gewann in der Langfilm-Kategorie den Kristall für Feature-Film Ugo Bienvenu (Frankreich/2D-Zeichentrick) für »Arco«. Der Grimault-Award ging an »Dandelion’s Odyssey« von Momoko Seto (Belgien/ verschiedene Animation-Techniken). Für das Feature »ChaO«, eines der überraschend starken Animé-Werke in Annecy 2025, bekam Director Yasuhioro Aoki (Japan/ 2D-Zeichentrick) den Jury Award überreicht. Das Annecy-Publikum hatte sich für den Audience Award »Little Amelie or the Character of Rain« von Mailys Vallade und Liane-Cho Han (Frankreich/2D-Zeichentrick) ausgesucht. Aber auch in der Kategorie Kurzfilm gab es vielfältige Awards zu überreichen. Gleich mehrere Preise verdiente sich Pierre-Luc Granjon (Frankreich/2D-Bleistift-Zeichentrick) für seinen Short-Film »Night Boots«, gewann dabei den Kristall von Annecy.

Der Jury-Award für Shorts war diesmal die einzige Auszeichnung für einen amerikanischen Film (Michael Granberry/ Puppentrick). Auch die Studenten-Filme hatten in Annecy ihren besondern Platz im Wettbewerb mit einem eigenen großen Award. Dieses Jahr ging der Kristall für den besten Debut-Short an Lena Martinez (Frankreich) mit »Zootrope« (2D-Zeichentrick). Martin Bonnin (Frankreich) wurde für »Between the Gaps« (2D/3D-CGI) mit dem Jury-Award für Studentenfilm bedacht. Preisträger im Bereich VR war Ondrej Moravec (Tschechische Republik) mit »Fragile Home« (3D-CGI). Auch für den besten Video-Clip war ein Kristall vorgesehen, den die Jury an Lola Lefevre (Frankreich/ 2D-Zeichentrick) überreichte. Sie hatte das Musikvideo »Naive New Beaters« für die Pop-Gruppe Ye Kou si Kuo produziert.

Dieses Jahr wurde in Annecy nur eine einzige deutsche Produktion mit einem Award bedacht. Der Jurypreis für eine TV-Serie wurde der Regisseurin Elena Walf der Stuttgarter Trickfilmschmiede Studio Film Bilder für die Serie »Lenas Hof« (»Lena’s Nest«) verliehen. Die Reihe wurde in Koproduktion mit Minya Film aus Zagreb und dem ZDF produziert (Producer: Thomas Meyer-Herrmann). Die Trickfilm-Serie besteht aus 26 Episoden mit einer Laufzeit von je 5 Minuten und 40 Sekunden, die alle auch als eigenständige Kurzfilme funktionieren. Zielgruppe der Shorts sind Kinder im Vorschulalter und ihre Familien, sie beschreiben das bunte Zusammenleben auf einem Bauernhof mit all seinen unterschiedlichen Tier-Charakteren. Regisseurin Elena Walf hat die tierischen Beziehungen mit Empathie und Humor in poetische Geschichten und liebevoll gezeichnete Bilder in einem originellen klassischen Zeichentrickfilm-Stil umgesetzt.

Zum Abschluss des Festivals konnte Director Marcel Jean noch die große Neuigkeit verkünden, dass gerade zentral in Annecy ein neuer beeindruckender Ort gebaut wird, der zukünftig das ganze Jahr außerhalb der jährlichen Festival-Woche jeden Besucher der Stadt mit Aktionen/Screenings/Ausstellungen daran erinnern soll, Zeit in der Welt-Hauptstadt des Animationsfilms zu verbringen! Jean hatte diesmal mit ausgesuchten Gästen während des Festivals schon die Baustelle besucht, auf der dieses neue Trickfilm-Mekka aktuell entsteht. Auch ein weiteres Groß-Kino mit vielen Plätzen wird dort eingerichtet, das vielleicht schon nächstes Jahr bei sicherlich erneut wachsender Besucherzahl des Festivals zusätzliche Zuschauer aufnehmen kann. Au revoir 2026, Annecy-Festival!

Autor: Jürgen Keuneke

Mehr zu den Trickfilmfestivals der vergangenen Jahre finden Sie hier …

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»Die Zukunft der Wirtschaft ist auch die Zukunft des Designs«

Die Plattform, die einst als niederschwelliges browserbasiertes UI-Tool begann, wird zunehmend zum Allround-Betriebssystem für kollaboratives Gestalten. Mit der jüngsten Produktoffensive auf der Londoner Config 2025 zeigt Figma, dass Designprozesse nicht nur effizienter, sondern auch freier und vielseitiger werden können – besonders für interdisziplinäre Teams, wie sie unserer Leser:innen heute führen oder begleiten. Die Keynote von Dylan Field, CEO von Figma, gab den Ton vor: Es ging nicht um kleine Verbesserungen. Es ging darum, einen Schritt in die Zukunft der Arbeit, der Kreativität und der Wirtschaft selbst zu machen. »Die Zukunft der Wirtschaft ist auch die Zukunft des Designs«, erklärte Field. »Wir möchten, dass Figma ein Ort ist, an dem Ideen zu Produkten werden, an dem hohe Standards und exzellentes Handwerk auf einer vernetzten Plattform zusammenkommen.«

Field betonte, dass über zwei Drittel der Figma-User keine Designer:innen seien, zudem ist ein Großteil aller Nutzer:innen außerhalb der USA, rund 40% in Europa. Die Plattform reagiert darauf mit einer verstärkten Lokalisierung und einer globaleren kulturellen Ausrichtung – »die Kultur und Geschichte des Designs sind tief in Europa verwurzelt«, merkte er an, zitierte etwa Jan Tschichold’s wegweisende Entwürfe und gab damit den Ton an – und zeitgenössisches, modulares Gestalten als konsequente Fortführung relevanter Designtraditionen begreift.

Eine Idee, vier neue Tools

Chief Product Officer Yuhki Yamashita beschrieb die neuen Angebote von Figma als eine vollständige End-to-End-Lösung: von der Ideenfindung über die Abstimmung bis hin zur Umsetzung und zum Storytelling.

Figma Sites: Vom Entwurf ins Netz – direkt aus der Gestaltung
Für viele Designerinnen war Figma bislang der Ort, an dem Screens und Komponenten entstehen. Mit Sites erweitert sich dieser Raum nun um den finalen Schritt: die Veröffentlichung. Was früher Webentwicklerinnen übergeben oder via Dritttools umgesetzt werden musste, kann jetzt direkt in Figma geschehen – mit responsiven Layouts, Code-Komponenten und sogar KI-generierten Interaktionen. Ideal für Agenturen, Studios oder Einzelpersonen, die Design und Umsetzung aus einer Hand denken wollen.

Figma Make: Ideen in Code gießen – ohne Entwicklungsabteilung
Mit Make kommt ein KI-Tool, das aus Textbeschreibungen funktionierende Prototypen generiert. Ob App-Konzept, Microtool oder interaktive Präsentation – ein einfacher Prompt reicht aus, um einen Entwurf zu visualisieren – und dann iterativ von Hand zu verfeinern. Wie Product Manager Holly Li es ausdrückte: »KI ist nur bis zu einem gewissen Grad hilfreich. Ihr als Gestalter:innen seid leistungsfähiger.«

Figma Draw: Raum für illustrative Ausdruckskraft
Wer bisher für Vektorillustrationen in andere Programme ausweichen musste, darf sich freuen: Draw bringt neue Werkzeuge für freiere Pfadbearbeitung, dynamische Pinsel, Texturen und Textpfade direkt in die Designumgebung. Besonders spannend für Editorial-Designer:innen, Illustrator:innen oder auch sonst alle Kreative, die mit visuellem Storytelling arbeiten und dabei eine ausdrucksstärkere, analog inspirierte Bildsprache bevorzugen, etwa strukturierte Farbverläufe oder Unschärfe.

Figma Buzz: Marketing Assets mit System
Buzz richtet sich an alle, die regelmäßig visuelle Assets produzieren – ob im Content-Team, im Branding oder in der Unternehmenskommunikation. Designvorlagen können definiert, mit KI variiert und in großem Stil ausgerollt werden – etwa für Social-Media-Kampagnen oder Promotion-Materialien. Die Stärke: kreative Präzision bei maximaler Wiederverwendbarkeit, dabei sollen auch Nicht-Designer:innen mit flexiblen Vorlagen vereinfachen.

Figmas Plattform wächst – und mit ihr die Erwartungen

Der rote Faden bei allen Neuheiten? Eine einheitliche Erfahrung, bei der alle Akteur:innen – ob Designer:in oder nicht – ohne Reibungsverluste von der Idee zur Umsetzung gelangen kann. Yamashita betonte, dass es die Mission von Figma sei, »nicht nur Pixel zu verschieben, sondern Ideen voranzubringen«. Deutlich wird, dass Figma sich nicht mehr als einzelnes Tool, sondern als end-to-end Plattform versteht – und bringt damit vieles unter ein Dach, was vormals über mehrere Softwarelösungen verteilt war. Was User:innen gerne auch skeptisch sehen, wie sich in Gesprächen mit Config-Besucher:innen zeigt – ob es Figma gelingt, nahbar und community-orientiert Feedback einzuarbeiten oder »das neue Adobe werde, das später wieder von einem Underdog abgelöst wird«, wie ein Gestalter spekuliert, wolle man abwarten. Doch allgemein ist Begeisterung zu spüren: Für die designorientierte Praxis bedeuten die Neuheiten schließlich: mehr Ausdruck, mehr Output, weniger Brüche. Eine Einladung, digitale Gestaltung nicht nur funktional, sondern auch kreativer, effizienter und zugänglicher zu denken.

Design im Zeitalter der KI menschlicher gestalten

Gesunder Menschenverstand, kritische Einordnung und ganzheitlichere Betrachtung der Tech-Welt zog sich auch durch die Vorträge: UX Writer Ningfei Ou forderte etwa die Design-Community auf, sich gegen die Einheitlichkeit, »the sea of sameness« zu wehren und sich der Post-Nudge- und Post-UX-Skepsis anzuschließen. »Viele Reflexe bleiben uns von klein auf erhalten«, sagte er und plädierte für emotionale Spezifität und sprachliche Nuancen: »Die Sprache ist unendlich vielfältig.«

Gary Hustwit schloss die Veranstaltung im Gespräch mit Figma’s VP of Design, Noah Levin, mit einer filmischen Perspektive auf Design und Storytelling: »Wenn ihr von etwas besessen seid, das es nicht gibt, gibt es wahrscheinlich jemanden, der es auch will. Kreiert etwas, von dem ihr euch wünscht, dass es existiert!«

Seine Worte unterstrichen ein übergeordnetes Thema, das sich durch die gesamte Config London zog: gutes Design ist nicht nur eine Frage von Systemen und Stilrichtlinien. Es geht immer auch um Urheberschaft, das Hinterfragen von Absichten  –und eine Menge gesundert Neugier.

Mehr zu Figma’s Produktneuheiten hier im Blogartikel von CEO Dylan Field

Mit Yuhki Yamashita und Dylan Field sprachen wir auch für die Ausgabe 04.22 »Editorial« für unseren Fokus Kollaboration, hier bestellen

Gary Hustwit und sein Buch »The New York Subway Map Debate« haben wir in unserer Ausgabe 06.21 »Information Design« vorgestellt, hier bestellen

Mehr zu seinem Film über Brian Eno hier auf seiner Website nachlesen

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»In den letzten zwei Jahren hat künstliche Intelligenz die Kunstwelt grundlegend verändert. An der Schnittstelle von Mensch und Maschine entstehen neue kreative Ausdrucksformen, die traditionelle Konzepte von Kunst und Konzeption neu definieren. Diese Symbiose eröffnet nicht nur neue ästhetische Möglichkeiten, sondern fordert auch eine tiefere Auseinandersetzung mit der Rolle des Menschen in einer zunehmend digitalisierten Welt.« So beschreiben die Initiatoren Mike Brauner (Co-founder polardots.studio) und Christoph Grünberger (The Age of Data) den Hintergrund ihres ungewöhnlichen Projekts. Mit dem AI Art Magazine möchten sie Schaffensprozesse und die Intensionen der Kunstschaffenden sichtbar machen, sowie die Schnittstelle beleuchten, an der zwischen Mensch und Maschine Kunst entsteht.

So schnell KI Ergebnisse produzieren kann, so langwierig war der Entstehungsprozess des AI Art Magazine. Bereits im Mai 2024 verteilten die Initiatoren Flyer auf der Offf in Barcelona, um Künstler:innen auf das Projekt aufmerksam zu machen. »Dann haben wir eine Nullnummer erstellt, um das Konzept zu zeigen«, erklärt Mike Brauner. »Das Cover war von Julia Hermine Ulmer und im Innenteil bestand das Magazin aus unbedruckten Papierresten – weil wir ja noch auf Content der Community gewartet haben. Damit waren wir auch auf Veranstaltungen wie der Indiecon und über Social Media konnten wir dann weltweit weitere Künstler erreichen, besonders über Instagram.« Ab September konnten Kreative ihre Arbeiten über eine Online-Plattform einreichen und erste Musterseiten wurden erstellt. Im Oktober begann dann der Kurationsprozess und die Juror:innen wählten die Kunstwerke aus und konnten mit einem Golden Ticket jeweils einen Favoriten oder eine Favoritin sicher in die Endrunde schicken.

Zur Jury gehörten Adriana Mora, Boris Eldagsen, David Carson, Grit Wolany, Götz Ulmer, Hannah Johnson, Ingo Faeks, Liri Argov, Sara Giusto, Vivien Schulze und der JuryAI Xiaomi. Über das Goldene Ticket des Jury-KI-Bots konnte sich beispielsweise Jan Wölfel freuen, der von Xiaomi auch zu seinem Entwurf befragt wurde. Nachdem eine Auswahl getroffen war, ging es daran, die Arbeiten in einem Magazin zu präsentieren. Im AI Art Magazine werden nun insgesamt 50 Artists vorgestellt, die 11 Golden Tickets mit einem Kommentar der Juror:innen sowie verschiedene Artikel zu Kunst, Design, KI und Machine Learning.

Warum sie sich ausgerechnet beim Thema KI für ein gedrucktes Medium entschieden haben, erläutert Mike Brauner. »Für Print haben wir uns aus mehreren Gründen entschieden«, sagt er. »Wir wollen Leute erreichen, die keinen Zugang zu digitaler Kunst haben. Begrenzter Platz heißt zudem, dass man eine Auswahl treffen muss und wir fanden den Kontrast zum Digitalen spannend. Das Magazin ist das Archiv eines bestimmen Zeitpunkts und Haptik erzeugt Wertigkeit. Und schließlich einfach deshalb: Wir lieben Print.« Das AI Art Magazine präsentiert sich nun auf 176 Seiten mit unterschiedlichen Papierwechseln, die Spannung erzeugen und der digitalen Kunst Haptik verleihen. Eine offene Fadenheftung kontrastiert reizvoll mit dem glatten Cover und seiner artifiziellen Anmutung.

Wer bisher noch keinen Zugang zu KI-Kunst hatte, findet hier einen guten Einstieg in die Thematik. Die Arbeiten sind inspirierend und wer selbst mit KI kreiert findet im Magazin viele Anregungen – technisch wie künstlerisch. Für einen theoretischen Überbau und einen Ausblick auf die Zukunft sorgen die Essays. Das AI Art Magazine ist also eine runde Sache und ebenso sehens- wie lesenswert. Und wem es gefallen hat, kann sich schon auf eine Fortsetzung freuen. Das Team um Mike Brauner und Christoph Grünberger plant zwei Ausgaben pro Jahr herauszubringen.

Magazin Bestellung 
https://shop.art-magazine.ai/shop

Weitere Beiträge aus dem Bereich Publishing finden Sie hier …, einen ausführlichen Beitrag über Grit Wolany und das Gestalten mit KI können wir ebenfalls empfehlen.

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Hybrides Arbeiten: Freiheit macht glücklich

Große Überraschung aus dem sonst eher nörglerischen Europa: Hier sind 71 % der Designer:innen und 75 % der Entwickler:innen mit ihrer hybriden oder Remote-Arbeitssituation zufrieden – weltweit die höchsten Werte. »Die Flexibilität, von überall aus zu arbeiten, ist für mich unbezahlbar«, wird eine befragte Designerin aus Europa in der Studio zitiert. Auch global arbeiten 97 % der Befragten zumindest teilweise remote, wobei der Anteil in der APAC-Region am niedrigsten ist. Die Möglichkeit, den Arbeitsplatz flexibel zu wählen, hat nach wie vor großen Einfluss auf die Zufriedenheit – was sicherlich mit einer deutlich besseren Vereinbarkeit von Privatleben und Job zu tun hat, das hören wir in unseren Gesprächen mit Designer:innen und Agenturen auch oft.

Zusammenarbeit: Mehr Meetings, mehr Glück?

Ein unerwartetes Highlight des Berichts geht jedoch in die andere Richtung: Meetings machen – zumindest zum Großteil – glücklich. Je enger Designer:innen und Developer:innen zusammenarbeiten, desto zufriedener sind sie. Über 84 % arbeiten mindestens einmal wöchentlich mit Kolleg:innen der jeweils anderen Disziplin zusammen, und 67 % bewerten diese Zusammenarbeit als effektiv oder sehr effektiv. »Es geht nicht darum, Designs über den Zaun zu werfen«, betont Diana Mounter, Head of Design bei GitHub. »Gute Zusammenarbeit bricht Silos auf und verbessert die Produktqualität.«

Trotz der Wertschätzung von hybriden Arbeitsmodi freuen sich Kreative also weiterhin über stetigen Austausch und disziplinübergreifende Kollaboration. Dabei stellt die zunehmende Nutzung digitaler Tools einen nachvollziehbaren Trend da, was Figma als dem Auftraggeber der Studie natürlich bestens entspricht: stolze 77 % der Designerinnen greifen, Zitat »mit hoher Zufriedenheit«, auf kollaborative Designplattformen zurück. Das zeigt also ganz gut, wie Technik Distanzen zwischen Büro und Homeoffice, aber auch global operierenden Teams überbrücken kann und quasi zur Norm geworden ist.

Als Redaktion, die auch weitestgehend hybrid organisiert ist, wissen wir die Flexibilität ebenfalls zu schätzen – und haben so manche Stunde gespart, die unser Art Director aus dem Allgäu nach München nicht im Stau stand …

KI: Hype, Hoffnung und Realität

Keine große Überraschung hier: Auch Künstliche Intelligenz spielt eine immer größere Rolle. Mehr als die Hälfte der Befragten glaubt, dass KI ihre Arbeitsweise in den nächsten 12 Monaten spürbar beeinflussen wird. »KI wird uns helfen, manuelle Aufgaben zu reduzieren, sodass wir uns auf das Wesentliche konzentrieren können«, sagt Mia Blume, Gründerin von Designing with AI. Doch während 59 % optimistisch auf die Rolle der KI blicken, gaben nur 16 % an, dass sie KI bereits als transformative Kraft in der Zusammenarbeit ansehen – ein kleiner, aber wachsender Anteil. Gleichzeitig geben 61 % an, dass die Auswirkungen bisher gering sind.

Leider geht der Bericht nicht detailliert auf die Jobsituation von selbständigen Kreativen wie Illustrator:innen oder Fotograf:innen ein, deren Auftragslage sich durch KI massiv verschlechtert hat. Davon sprechen auch die die 41 Prozent der Befragten, die eine Verschlechterung auf dem Arbeitsmarkt für sich bemerken – die Faktoren sind hier unklar. Doch scheint sich das Gros der Gestalter:innen und Entwickler:innen mit vorhandenen KI-Tools und deren Möglichkeiten gut zu arrangieren.

Fazit: Die Zukunft ist vernetzt – und eine gemeinsame Vision hat große Macht

Der Bericht zeigt: Zusammenarbeit, unterstützt durch Technologie, ist der Schlüssel zur Zufriedenheit in kreativen Berufen. Ob KI, hybride Arbeitsmodelle oder digitale Tools – die Designwelt 2025 ist bereit, Veränderungen zu begrüßen und gemeinsam von ihnen zu profitieren.

Was der »State of the Designer 2025«-Bericht eindrucksvoll zeigt, ist, dass die Zukunft von Design und Entwicklung nicht nur von Technologie, sondern vor allem von einer gemeinsamen Haltung abhängt. Wir schreiben es im Magazin immer wieder und sehen auch hier, dass die richtige Balance zwischen menschlichem Austausch, kreativen Prozessen und technologischen Hilfsmitteln entscheidend ist.

Die Herausforderungen – wie die Verbesserung von Handoffs oder die sinnvolle Nutzung von KI – sind echte Chancen, die Zusammenarbeit weiter zu optimieren. Denn echte Innovation entsteht nicht im Alleingang, sondern im Zusammenspiel unterschiedlicher Perspektiven. Vielleicht liegt hier der Kern der Zukunft: Eine Arbeitswelt, in der Teams nicht nur miteinander arbeiten, sondern voneinander lernen und gemeinsam Großes schaffen.

Hier geht’s zur »State of the Designer 2025«-Studie von Figma

Der Beitrag Kollaboration, KI und Kreativität: So arbeitet die Designwelt 2025 erschien zuerst auf Grafikmagazin.

Die Ergebnisse künstlicher Intelligenz können oft verwirrend, voreingenommen oder gar hässlich sein, das weiß Grit Wolany nur zu gut. Als AI-Scout und Trend Researcher sowie als langjährig erfahrene Art-Direktorin und Designerin möchte sie zeigen, dass es auch anders geht: In ihrer Hochschularbeit und in Workshops bringt sie Licht ins Dunkel und hilft Kreativen, diese Technologie stilvoll und verantwortungsbewusst zu nutzen.

Doch was macht ein AI-Trend-Scout überhaupt? »An der ZHdK haben wir die Stelle AI-Scout genannt, weil es ein bisschen offen sein sollte, was ich eigentlich dort mache«, lacht sie. »Ich hab ja Trends & Identity im Master dort studiert, davor Design. Als Expertin wollte ich mich nicht direkt bezeichnen, aber ich habe schon Wissen voraus und war deshalb mit AI-Scout ziemlich glücklich.«

Wer beim Begriff »Scout« – wie die Autorin dieses Textes – sofort an Wes-Anderson-Filme denkt, an ein neugieriges Mädchen, das mit dem Fernglas vom Turm aus den besten Überblick hat, liegt vielleicht nicht ganz falsch: Grit Wolany ist nicht nur über die Maßen neugierig, sie liebt es auch, in verschiedene Richtungen zu denken, Experimente auszuprobieren und sich nicht auf eine Persona festlegen zu müssen.

OKGO, typografische Experimente und ­Sonder­heft »Draussen« des Schweizer Archi­tektur­magazins »Modulør«

Grit Wolany hebt im Gespräch hervor, dass die optimale Nutzung von KI stark von den individuellen Bedürfnissen abhängt. Das Spannende an der KI sei, dass jeder sie für sich so nutzen kann, wie es für einen persönlich praktisch ist – von experimentellen AI Voice Personas bis hin zum pragmatischen Zusammenfassen von Meetings. »Als jemand, der so wie du gerne schreibt, würde man das vielleicht nicht gern ersetzen lassen, dafür sind andere Einsatzmöglichkeiten für dich praktisch«, meint sie. Aus ihrer Arbeit an der ZHdK berichtet Grit Wolany, dass sie die Studierenden als sehr reflektiert und kritisch erlebe: »Sie sagen oft zu mir: ›Ich möchte mir ja nicht die schönen Dinge wegnehmen lassen, Dinge, die mir Spaß machen.‹ Und das ist vielleicht ein guter Anfang, zu sagen: ›Was macht mir denn keinen Spaß und bei welcher Aufgabe wäre ich nicht böse, wenn es schneller ginge?‹«

Bei einem internen Agentur-Workshop bei der Peter Schmidt Group im Rahmen ihrer »Future-Playgrounds«-Serie, an dem ich letztes Jahr teilnehmen durfte, bekam ich ihre humorvolle und lockere Einführung in diverse KI-Tools selbst mit. Sie wirkte erstaunlich unaufgeregt im Vergleich zu der rasanten Entwicklung vieler Tools, deren ständige Neuerungen einen als Kreativen oft unter Druck zu setzen scheinen. Grit Wolany hingegen spürt man die Freude am Ausprobieren an, aber auch den Spaß am hartnäckigen Dranbleiben. »Ich selbst bin 2002 fertig geworden mit dem Studium. Zu dieser Zeit war es so, dass man sich eine Weile mit Briefings beschäftigen konnte, um ein Konzept auszuarbeiten«, erzählt sie. »Wir Kreativen sind ja keine Maschinen, bei denen automatisch die Lösungen rauskommen. Seither ist jedoch alles immer schneller geworden, Prozesse werden gestreamlinet, obwohl man manchmal andere Wege gehen müsste, um auf neue Ideen zu kommen.

Das Explorative hat oft den größten Reiz. Wir sind es leider gar nicht mehr gewohnt, nicht genau zu wissen, ob es überhaupt ein Ergebnis geben wird.« An KI begeistert sie deshalb besonders, ohne Briefing eigene Versuche anzustellen. Sobald kommerzielle Designaufträge ins Spiel kommen, herrsche wieder mehr Erfolgsdruck: »Ich merke jetzt schon, dass es anders ist, wenn ich nicht frei experimentiere, sondern KI in einem Job verwenden soll. Wenn ich gefragt werde, wie lang ich noch brauche, setzt mich das gleich unter Druck, Zeit zwischen drei Stunden und drei Monaten zu beziffern. Besonders, wenn ein Team von deinem Output abhängig ist oder du Leute bezahlst.« Dass es im Umgang mit künstlicher Intelligenz aktuell noch eine gewisse Unplanbarkeit gebe, sei nicht allen Auftraggeber:innen zu erklären.

In den freien Arbeiten liegt für sie auch deshalb die meiste Kraft, weil sie sich mit viel Freiheit dem kreativen Prozess widmet. Agenturen, so ihre Erfahrung, nutzen KI zum Beispiel eher für visuelle Recherche oder Storyboards. Weil sie dann eher als ein Tool eingesetzt wird, das die Arbeit unterfüttere, ist vielleicht nicht ganz so viel Leidenschaft im Spiel, ganz anders bei freien Arbeiten ohne Zeitdruck.

Grundsätzlich sei sie stark von der Frage angetrieben, welche Ästhetiken wir bislang vielleicht noch gar nicht entdeckt haben – und sieht die Zukunft der KI im kreativen Bereich daher zugleich kritisch und optimistisch: »In meiner Recherche finde ich schon so viel Neues, aber gibt es ein Zwischending zwischen Foto und AI, immersive Welten, Bewegtbild, das wir noch nicht entwickelt haben? Diese Frage fasziniert mich sehr. Aktuell dominieren noch stark die menschlichen Fehler gepaart mit den Fehlern der Maschine.«

Dazu gesellt sich bei ihr auch die gedankliche Herausforderung, dass die Menge an Bildern, die durch KI produziert werden, zu einer gewissen Beliebigkeit führen kann. Ganz zu schweigen von der irrsinnigen Datenmenge, die schon aus Gründen der Nachhaltigkeit wahnwitzig ist. Schon jetzt verbraucht die Datenspeicherung von KI bereits so viel Energie wie ein kleines Land und Expert:innen schätzen, dass sich der Bedarf bis 2026 verdoppelt. »Ich bin hin- und hergerissen zwischen Begeisterung für die Möglichkeiten und der Sinnlosigkeit, was man da an Bildermengen produziert«, gibt Grit Wolany zu. »Eigentlich müssten diese besser recycelt werden. Da bin ich zerrissen. Aber unterm Strich ist der Prozess das Interessanteste für mich, diese Freude am Machen – wie früher, wenn man mit den Händen gearbeitet hat.«

Dass genau an diesem Moment des Flows der kreative Prozess oft nicht planbar ist beschreibt sie auch als seine Stärke: schnell verschiedene Ideen ausprobieren zu können, um sich gestalterisch auch mal auf unerwarteten Resultate einzulassen. Ganz generell sei diese Form der Bilderflut im Grunde aber nichts Neues: »Das gab es schon vor generativem Design. AI ist oft nicht der Grund, sondern eher ein Symptom, eine Antwort auf kulturelle Muster«, sagt sie. »Es gab immer schon Templates, man suchte immer schon den einfachen Weg, es gab immer schon Gegenrechnungen und KPIs, man versuchte immer schon die beste, kreativste Idee irgendwie messbar zu machen, um sie dann zu beschleunigen.«

Gerade deshalb scheinen ihre spielerischen Workshops einen Gegenentwurf zu liefern, wie man sich Technologie ohne Druck annähern kann. Bei ihren Workshopteilnehmer:innen erlebe sie oft, dass die verschiedenen AI-Tools den Leuten viel Spaß bereiten, wenn sie prozessorientiert denken können: »Es ist dann beim Experimentieren und Dazulernen spannend, weniger für diejenigen, die hinterher nur das Ergebnis sehen, wie bei einem Kind, das der Mama ein selbstgemaltes Bild hinhält«, lacht sie.

Grit Wolany bietet thematisch eine Vielzahl an Workshops und Keynotes an, die nicht nur wertvolles Wissen, sondern auch praktische Tipps und Tricks vermitteln. Ihre Impulse reichen von tiefen Einblicken in Generative AI und Midjourney bis hin zu kurzen Inputs und Keynotes über das Potenzial von KI und Kreativität. Teilnehmende lernen, wie Text- und Bild-KIs funktionieren, welche ethischen und rechtlichen Herausforderungen es gibt – und vor allem, wie man diese praktisch anwendet.

Text: Sonja Pham

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Kein Wunder, dass The Verge die jährliche Konferenz von Figma scherzhaft als »Coachella für Produktdesigner:innen« bezeichnete: Die Config läutet unter dem Jubel von 10.000 leidenschaftlichen Fans spannende Produktnews ein und holt hierfür Protagonist:innen der Designwelt und Kulturszene nach San Francisco. Chapeau, Figma hat sich vom weitgehend nischigen kollaborativen, webbasierten Designtool zum unverzichtbaren Instrument für Produktentwicklungsteams emporgearbeitet, das gleichermaßen Soloselbständige wie Branchenriesen à la Google, VW und SAP täglich verwenden. Welche Produktnews gibt es für sie?

Come curious, leave more connected

Inspirierende Keynotes und gestalterische Deep Dives von mehr als 75 Keynotespeaker:innen aus der ganzen Welt schufen einen eindrucksvollen Rahmen für die Produktnews, die Co-Founder und CEO Dylan Field enthüllte, ganz unter dem Motto: Die neue, kollaborative Ära der Softwareentwicklung ist angebrochen und Figma steht an der Spitze dieser Revolution.

Von der Informatikerin und KI-Forscherin Dr. Fei Fei Li (»Math is clean, but humans are messy«) über Produktdesign-Enfant terrible Jesper Kouthoofd, CEO von Teenage Engineering, bis hin zu Medienmachern wie BBC Creative Director Laura Llewellyn oder der Chefkuratorin des Eames Institute, Llisa Demetrios, die in ihrem Talk »Infinite curiosity« das reiche Erbe der Eames mit den Herausforderungen unserer Zeit in Verbindung brachte: Das Lineup der Config verdeutlicht auf beeindruckende Weise die vielseitigen Touchpoints von Figma – genauso wie die Diversität der User:innen.

(Alle Talks und Panels sind übrigens hier frei zugänglich und thematisch sortiert verfügbar)

Figma AI: Groß denken, schnell umsetzen

Bereits in unserem Porträt der »Figma for Education«-Initiative in der Ausgabe 02.24 und bei einem kürzlichen Besuch von Chief Product Officer Yuhki Yamashita in München ließ das Team durchblicken, dass Generative AI eine immer wichtigere Rolle spielen wird – und zwar in all ihren Produkten und Prozessen. Kein Wunder also, dass die neuen KI-Designfunktionen einen Schwerpunkt der Produktneuheiten bildeten. »KI macht den Weg von der Idee zum Produkt greifbarer als je zuvor«, so Dylan Field. Mit Figma AI können Designer:innen nun mühelos Entwürfe per Texteingabe erstellen und sofort visuell umsetzen, in verschiedenen Stilen visualisieren, Texte und Bilder bearbeiten und realistische Prototypen erstellen – alles in Rekordzeit und mit nur wenigen Klicks.

Auf einen Blick:

• Designerstellung: Mit einem einfachen Texteingabebefehl lassen sich mobile und Web-UI-Mockups in verschiedenen Stilen und Layouts generieren. Das spart nicht nur Zeit, sondern ermöglicht auch eine schnelle Iteration und Anpassung.
• Visuelle Suchfunktion: Arbeiten lassen sich mithilfe eines Rahmens, Bildes oder Screenshots durchsuchen, um genau das gewünschte Design zu finden. Diese Funktion nutzt fortschrittliche KI, um den Suchkontext zu verstehen und die relevantesten Ergebnisse anzuzeigen.
• Ebenenorganisation: Mit einem Klick können alle Ebenen einer Datei kontextbezogen umbenannt und angeordnet werden, was das Management von komplexen Designprojekten erheblich erleichtert.
• KI-gestützte Prototypen: Statische Entwürfe lassen sich in funktionierende Prototypen verwandeln, ohne manuell alle Schritte durchführen zu müssen. Diese Funktion automatisiert viele der mühsamen Aufgaben, die Prototypoen sonst so mit sich bringen…

Dev Mode: Die Brücke zwischen Design und Code

Ein weiteres spannendes Update betrifft den Dev Mode, der bereits 2023 eingeführt wurde. Die neuen Funktionen im Dev Mode sollen die Zusammenarbeit zwischen Designer:innen und Entwickler:innen weiter optimieren. Mit Code Connect können nun Codes aus Design-Systemen oder unterstützten UI-Kits direkt verlinkt werden, was die Implementierung des korrekten Codes erheblich erleichtert. Die verbesserten Arbeitsabläufe und die neue Ansicht erhöhen die Transparenz und Effizienz im gesamten Entwicklungsprozess.

Figma Slides: Präsentationen neu gedacht

Großen Applaus gab es für Mihika Kapoor, die Figma Slides verantwortet und damit ein neues Tool für interaktive Präsentationen vorstellte. Es kombiniert die kreativen Möglichkeiten von Figma mit kollaborativen Präsentationstools. Damit können Teams ansprechende Präsentationen erstellen, einheitliche Looks kreieren und auf bestehende Visuals abstimmen. Besonders beeindruckend sind die KI-gestützten Assistenzfunktionen, die dabei helfen, Texte umzuschreiben, Bilder zu bearbeiten und die Tonalität anzupassen – alles an einem Ort.

Redesign für eine neue Ära der Softwareentwicklung

Mit den vorgestellten Neuerungen hat Figma auch eine neue Benutzeroberfläche eingeführt. Die verbesserte Ergonomie und der einfache Zugang zu neuen Funktionen wie Figma AI sollen dafür sorgen, dass die Benutzerfreundlichkeit weiter erhöht wird.

Die Produktneuheiten zeigen, dass Figma viel Herzblut in die Produktentwicklung steckt. Die Kombination aus KI-gestützten Design- und Entwicklungswerkzeugen und einer verbesserten Benutzeroberfläche bietet Teams weltweit die tolle Möglichkeit, ihre Ideen schneller und effizienter umzusetzen. In einer Zeit, in der Softwareentwicklung und Design immer komplexer werden, zeigt das Techunternehmen, dass es möglich ist, diese Prozesse zu vereinfachen – und für alle zugänglich zu machen.

Alle Bilder © Figma

Mehr zur Config 2024

Der deutschsprachige Blog von Figma mit allen Produktnews en detail

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2023, als der Hype um Künstliche Intelligenz gerade an Fahrt aufnahm, nutzte der Grafiker Robert Steinmüller die neuen Werkzeuge, um ein Buch zu schreiben und zu gestalten, das es ohne KI nicht gegeben hätte. Die fantasievolle Geschichte um einen Forschenden der Renaissance und die wundersamen Landschaften des Mondes ist nun auch als echtes Buch erschienen. Und es ist ein besonders schönes und handwerklich herausragendes Objekt geworden. »Die Meere des Mondes« zeigt beispielhaft, wie Kreative intelligente Tools nutzen können, um Dinge zu realisieren, die vorher nicht denkbar gewesen wären.

Dieser Text erschien ursprünglich im Grafikmagazin 04.23. Inzwischen ist das Buch im Reisedepeschen Verlag erschienen. In Anlehnung an die Thematik wurde bei der Produktion viel Wert auf Handwerkskunst und Qualität gelegt. »Die aufwändige Gestaltung, Typografie und Herstellung mit händisch eingehängten Bildern und verschiedenen Papieren erinnert an einen enzyklopädischen Bildband aus der Frühzeit der industriellen Buchproduktion«, heißt es aus dem Verlag.

Haben Sie sich schon einmal gefragt, warum es auf dem Mond Meere gibt? Zum Beispiel das Schlangenmeer, das Meer der Heiterkeit, das Wolkenmeer und den Ozean der Stürme. Darüber hinaus gibt es auch Seen, Buchten und Sümpfe, den See der Vergessenheit etwa oder den Sumpf des Schlafes. Diese Namen allein lassen im Kopf schon die schönsten Bilder und unglaublichsten Geschichten entstehen. Der Grafiker Robert Steinmüller ließ sich von ihnen zu einem Buch inspirieren – realisiert hat er es mithilfe verschiedener KI-Werkzeuge.

In der Renaissance begannen die Menschen sich wieder verstärkt den Wissenschaften zuzuwenden und die Welt zu erkunden, auch das Weltall. Die Erfindung des Fernrohrs führte zu weiteren Entdeckungen, Galileo Galilei etwa konnte so die Mondgebirge erkennen. Die dunklen Flecken auf der Oberfläche des Mondes kann man allerdings auch mit bloßem Auge sehen und sie beflügelten schon immer die Fantasie der Menschen. Da man annahm, es handele sich um Wasserflächen, benannte man sie entsprechend. Die poetischen Namen wiederum hatten es Robert Steinmüller angetan. Als Grafiker und Buchgestalter versucht er in freien Projekten immer wieder neue Techniken und Technologien auszuprobieren und mit den Mondmeeren hatte er den perfekten Aufhänger gefunden, um mit künstlicher Intelligenz zu experimentieren. 

Den italienischen Lehrschüler Enzo G. Benvolio machte Steinmüller zu seinem Protagonisten und ließ ihn die Mondlandschaften mit den Augen eines Renaissance-Menschen erkunden. Die »historischen« Aufzeichnungen allerdings generierte eine KI. Steinmüller überlegte sich zu ausgewählten Meeren jeweils zehn Stichpunkte und fütterte damit ein Tool zur Textgenerierung. Die Jasper-App lieferte ihm dann Textvorschläge, die der Gestalter als Rohmaterial für seine Erzählung nutzte. Auch die Bilder, mit denen »Meere des Mondes« illustriert ist, stammen von einer künstlichen Intelligenz. Hier nutzte Steinmüller die Wombo-App, da sie im Gegensatz zu anderen Bildgenerierungswerkzeugen die Möglichkeit bietet, sich schon vorab auf einen Stil festzulegen. 

Man muss sich also nicht mühsam über Prompts einer Ästhetik annähern und die Bilder besitzen eine größere visuelle Konstanz. Das war dem Grafiker wichtig, denn das Buch sollte ja so wirken, als hätte es ein Naturforscher der Renaissance verfasst. Prompts brauchte es natürlich trotzdem. Zu jedem Meer werden jeweils zwei Tiere und Pflanzen beschrieben, plus eine Besonderheit, die diesen speziellen Ort auszeichnet. Irgendwann fielen Steinmüller keine Besonderheiten mehr ein, also behalf er sich mit ChatGPT und schon konnte die Arbeit weitergehen.  

»Künstliche Intelligenz wird in Zukunft eine große Rolle in unserem Arbeitsalltag als Gestalter spielen. Dem sollten wir uns stellen«, sagt Robert Steinmüller. Es geht also darum, diese Werkzeuge nutzen zu lernen und ihr Potenzial zu erkennen. »Ohne KI wäre die Vertextlichung und Illustration meiner Buchidee nie möglich gewesen«, weiß er und freut sich darüber, dass es nach einer ersten kleinen Künstlerauflage für »Die Meere des Mondes« weitergehen wird und das Buch im Herbst auch in einem richtigen Verlag erscheint.

Die Meere des Mondes. Eine fiktionale Entdeckungreise zu den dunklen Flecken des Mondes

Robert Steinmüller, Reisedepenschen Verlag, 20,00 €, ISBN 978-3-96348-029-4

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Eine Sportroutine zu entwickeln und sich genügend im Alltag zu bewegen ist nicht immer leicht. Gerade deshalb ist es um so wichtiger, so früh wie möglich Sport aktiv ins Leben einzubauen. Mithilfe der App iYoou soll Studierenden ein spielerischer Zugang zu Bewegung ermöglicht werden. iYoou ist eine Art Tamagotchi, dessen Aussehen abhängig vom Bewegungsverhalten der Nutzer:innen ist. Je mehr man sich bewegt, desto besser geht es dem animierten Avatar, er wächst und verändert sich. Genauso verkümmert er, wenn man sich zu wenig bewegt. Die App arbeitet mit Augmented-Reality-Elementen, mit denen man nur durch Bewegung interagieren kann. Auch iYoou ist nur sichtbar, wenn man mindestens aufsteht, und für weitere Interaktionen mit dem Avatar benötigt es körperliche Aktivität.

Die Idee des Projekts hatte die Studentin bereits für ihre Bachelorarbeit und konnte sie nun innerhalb ihres Masterschwerpunkts Interaction Design an der HAWK Hildesheim/Holzminden/Göttingen mit neuen Erkenntnissen über User Experience Research and Design weiterentwickeln. Unter 7000 Bewerber:innen eine Auszeichnung des iF Design Student Awards zu bekommen, bestätigt Catharina Oeltjebruns, sich auf dem richtigen Weg zu befinden, um erfolgreich als UX-Designerin zu arbeiten.

Mehr über die Arbeit von Catharina Oeltjebruns erfahren Sie auf ihrer Website. In unserer Rubrik »Mensa« gibt es außerdem immer wieder neue Projekte von Studierenden.

Text: Paula Schneewind

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Das Smart-Home-System »Gira One« bietet eine moderne Bedienungshilfe der Technik in den eigenen vier Wänden. Ob Licht- oder Beschattungsregulierung, Musik, Temperatur oder Sicherheitssysteme – hiermit lässt sich alles einfach über eine App oder eine Bedienzentrale steuern. Diese Konzepte sind nichts Neues, aber die visuelle Aufbereitung dieses Mal schon.

Ähnliche Angebote präsentieren sich üblicherweise mit einer sehr technisch versierten Gestaltung, dem wollte Feedmee mit dem Konzept für diesen Messefilm gezielt entgegenwirken: Anstatt den Fokus auf trockene Produktdetails zu lenken, wird der Beobachtende gekonnt in eine Gefühlswelt eingeladen, die eine ganz andere, aber durchaus relevante Seite der Haustechnik beleuchtet: Ambiente und Anpassungsgabe.

Der Film beginnt mit der Aufnahme eines Lichtschalters, bevor den Betrachter:innen »The world behind the switch« eröffnet wird. Daraufhin folgen Szenen in einem dynamischen und minimalistischen Stil, die mit abstrakten Motiven, sowie Licht und Schattenspielen das Angebot von »Gira One« wiedergeben. Jede Funktion des Programms bekommt ihre eigene Bühne, und soll wirken wie eine Kunstinstallation. In gut zwei Minuten führt der Film durch eine Vielzahl an atmosphärischen Bildern, die einen Eindruck hinterlassen. Wer das Ergebnis in voller Länge ansehen möchte, gelangt hier zum Projekt. Diese Marketingstrategie ist zwar eine völlig andere, als es für die Branche üblich scheint, beweist aber, dass gute Bilder und ein feinfühliges Ambiente häufig viel signifikanter im Gedächtnis bleiben. Damit konnte der Film auch beim ADC Award 2023 punkten – und erhielt einen Bronze-Nagel.

Mehr über das Projekt und die Arbeit von Feedmee erfahren Sie auf ihrer Website. Um auch in Zukunft keine Neuigkeiten rund um das Thema Design mehr zu verpassen, abonnieren Sie gerne auch unseren Newsletter.

Text: Johanna Schmees

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Vorab hatten Verantwortliche der HAWK sowohl die positiven als auch die negativen Aspekte der KI diskutiert, da Studierende sie möglicherweise auch nutzen könnten, um Texte in ihre Seminararbeiten einzufügen, die nicht von ihnen selbst stammen. Anstatt den Einsatz von KI grundsätzlich zu verbieten, entschied man sich jedoch dafür, das Thema selbstbestimmt anzugehen. Die Vizepräsidentin für Forschung und Lehre, Katja Scholz-Bürig, betont, dass man die Chancen der neuen Technologie erkenne und nutzen möchte. Gleichzeitig sei es wichtig, sich Risiken bewusst zu machen und die Grenzen der KI zu kennen.

Die Idee für das Interface der KI entstand im Interaction Design Lab, unter Leitung von Vincent Timm. Gemeinsam mit dem wissenschaftlichen Mitarbeiter Jonas Trippler entwickelte er die Webseite, über die sich ­Hochschulangehörige anmelden. Die ChatGPT-Verläufe sind anonymisiert und nicht einem bestimmten Nutzer zuzuordnen, was den Datenschutz gewährleistet. »Wir nutzen die Plattform in unseren Seminaren zum einen zur Einarbeit in die Thematik KI und zum anderen zur Vorbereitung und Unterstützung ­größerer Gestaltungsprojekte oder auch des nächsten Prompt ­Battles«, so Stefan Wölwer, Professor für Interaction Design im Kompetenzfeld Digital Environments an der Fakultät Gestaltung. Der Prototyp werde sehr gern genutzt, auch hätten sich bereits einige andere Hochschulen gemeldet, die daran Interesse hätten.
Das HAWKI-Portal bietet drei Hauptbereiche: »Konversation« für allgemeine Aufgaben, »Virtuelles Büro« für Gespräche mit fiktiven Experten zu spezifischen Themen und »Lernraum«, der dabei hilft, die Möglichkeiten von KI zu verstehen und gute Prompt-Vorschläge zu lernen. Um das Angebot iterativ zu verbessern, setzt Wölwer auf die Hilfe der Nutzer:innen: »HAWKI ist ein Prototyp. Alle sind dazu eingeladen, daran mitzuwirken.«

Im Unterricht spielt KI mittlerweile ebenfalls eine ­Rolle, im Kurs Experimentelle Gestaltung entstand unter Leitung von Professorin Sabine Cole etwa jüngst das Projekt »KI:OSK«. Studierende formulierten Prompts, mit denen die KI diverse Kioskprodukte und deren Verkäufer:innen errechnete, und stellten ihre Ergebnisse der Realität gegenüber. Daraus entstand bei der Werkschau im August der reale Kiosk Snac:ki. »Hier stehen neben anderen auch KI-generierte Produkte bereit«, erklärt Sabine Cole. »Und natürlich auch eine Zeitung, denn ohne Zeitung ist ein Kiosk nichts.«

Falls Sie mehr über den »KI:OSK« erfahren wollen, haben wir hier bereits eine Artikel dazu veröffentlicht. Mehr über die HAWK und ihr KI-Lab finden Sie außerdem hier.

Der Beitrag Skepsis überwinden, Chancen mitgestalten erschien zuerst auf Grafikmagazin.

Josefa Rackl hat im Zuge ihrer Abschlussarbeit künstliche Intelligenz gezielt als Mittel eingesetzt, um Musik auf eine ganz neue Art und Weise erlebbar zu machen. Unterschiedlichste Formen, Bewegungen und Rhythmen erzeugen hierbei ein ganzheitliches Bild der vielseitigen Anwendbarkeit von KI im kreativen Bereich. 
Am 16. November wurde sie dafür mit dem Kulturpreis Bayern im Bereich Wissenschaft ausgezeichnet. Der Preis wird jährlich von der Bayernwerk AG vergeben, um besondere Leistungen von Künstler:innen, Absolvent:innen und Doktorand:innen aus der Kunst und Wissenschaft zu ehren. 

Das generative Designkonzept »Synergy« ist das Ergebnis einer intensiven Erforschung von künstlicher Intelligenz als gestalterischem und kreativem Hilfsmittel. Dazu wurde die KI »Cyanite« mit elektronischer Musik gefüttert, um sie verschiedenen musikalischen Eigenschaften in Bereichen wie Charakter, Stil oder Genre zuzuordnen. Diese Kategorisierungen sind an visuelle Parameter gekoppelt, sodass unterschiedliche Analyse-Ergebnisse unterschiedliche visuelle Effekte hervorrufen. Die Zusammensetzung aus verschiedenen visuellen Variablen führt zu einem Resultat, das Musik außerhalb der akustischen Welt facettenreich erlebbar macht. »Mein Projekt soll letztlich einen Weg zur Integration von KI in Design und Kunst aufzeigen«, betont Josefa Rackl. Sie setzte zu Umsetzung also sowohl die statistischen Daten, als auch intuitives gestalterisches Fingerspitzengefühl ein. 
Das Ergebnis ist ein synergetisches Designsystem, das sich durch ein Interface steuern lässt. Somit kann der Betrachtende interaktiv und individuell in die videografischen Effekte eintauchen und sich selbst davon überzeugen, dass Musik nicht nur akustische Dimensionen annehmen kann.

Mehr über Josefa Rackls Arbeit erfahren Sie auf ihrer Website. Stöbern Sie auch gerne mal durch unsere Rubrik Mensa, wo regelmäßig neue, interessante Abschluss- und Semesterarbeiten vorgestellt werden.

Text: Johanna Schmees

Der Beitrag Synergy – Musikvisualisierung mithilfe künstlicher Intelligenz erschien zuerst auf Grafikmagazin.

Text: Paula Schneewind

In Deutschland ist die Rap- und Hip-Hop-Szene nicht mehr wegzudenken. Sie zählt zu einem der erfolgreichsten Genres für die deutsche Jugendkultur und ist allgegenwärtig repräsentiert. Das merkt man auch an den Streaming-Zahlen auf Plattformen wie Spotify. 

»Modus Mio« ist hierbei die Hip-Hop-Playlist mit der größten Reichweite innerhalb Deutschlands, Österreichs und der Schweiz. Nicht ohne Grund ist sie das Ziel vieler aufstrebender Hip-Hop-Artists. Mit einem Song auf dieser Playlist vertreten zu sein, ist definitiv eine Auszeichnung des eigenen Könnens. Die 50 Songs der »Modus Mio« Playlist werden wöchentlich aktualisiert, um die 1,8 Millionen Follower:innen immer auf dem neusten Stand zu halten.

Die visuelle Kommunikation der »Modus Mio«, was sowohl »Mein Modus« als auch »Modus Million« bedeutet, geht Hand in Hand mit dem Reflektieren, wofür Hip-Hop eigentlich stehen kann. Er kann laut und selbstbewusst, aber auch leise und zurückhaltend sein. Manchmal geht es darum, anders und besonders zu sein, manchmal ein Teil der Menge. Hip-Hop kann vieles und das zeigt sich in der visuellen Umsetzung durch die dynamisch geneigte Typografie, die eine deutliche Präsenz zeigt. Die Typografie-Lockups sind hierbei in der Circular, der Hausschrift von Spotify, gesetzt. Durch die Hauptfarben schwarz und weiß, lassen sie die individuellen Artist-Bilder einheitlich im selben Kontrast einpflegen. Diese entwickelte Brand Identity präsentiert den Einfluss des Hip-Hops auf eine selbstbewusste und starke Art und Weise und bietet dadurch dem Genre eine visuelle Bühne. 

Das Rebranding wurde erstmals auf dem Splash!-Festival, einem der größten Hip-Hop-Festivals Europas, gezeigt und wurde von den dort performenden Berliner Artists wie 1019, Badmómzjay, Dante YN, 01099 und Juju gebührend zelebriert. Seitdem wird das Playlist-Cover und der »Modus Mio«-Instagramkanal wöchentlich mit neuen Visuals bespielt.

Falls Ihnen dieser Beitrag gefallen hat, ist auch das hier interessant zum Thema Musik: »Vinyl! Die Comic-Cover«

Der Beitrag Brand Identity für den Hip-Hop Meilenstein erschien zuerst auf Grafikmagazin.

Text: Paula Schneewind

Im Kurs »Experimentelle Gestaltung« haben sich insgesamt 22 Studierende der Hildesheimer Fakultät Gestaltung der HAWK Hochschule für angewandte Wissenschaft und Kunst Hildesheim/Holzminden/Göttingen mit der Vielfalt von Kiosken auseinandergesetzt. Jede:r Studierende sollte sich einen Kiosk aus der Umgebung heraussuchen und diesen per Steckbrief analysieren und deren Besitzende kennenlernen. Die Recherche war ausführlich und umfasste alle mehr oder weniger offensichtlichen Daten wie Öffnungszeiten, Größe, Angebotspalette, persönliche Aussagen und biografische Informationen.  

Nach dieser Recherchephase wurden verschiedene KIs dazu aufgefordert, aus den erarbeiteten Materialen Bilder zu generieren, die diesen Beschreibungen entsprechen sollten. Die Studierenden mussten jedoch feststellen, dass die Ergebnisse wenig mit der Realität zu tun hatten und auch die jeweiligen Ergebnisse mit derselben Anfrage völlig verschieden waren. Die Übung bestand dann darin, herauszufinden, wie ein Prompt formuliert sein muss, um ein möglichst realitätsnahes Ergebnis zu bekommen und der Weg dorthin war voller Überraschungen.

Dieser Weg kann unter dem Projekttitel »KI:OSK. Künstliche Intelligenz vs. Reality« an der diesjährigen Werkschau im Haus B verfolgt werden. Neben der Ausstellung an Ergebnissen, kann sogar der selbstgebaute Kiosk Snac:ki besucht werden, der auch KI-generierte Produkte bereithält. 

Die Werkschau der HAWK wird mit der Vernissage am Freitag, dem 4. August, um 20:30 Uhr im Haus E eröffnet. Hier können bis zum 6. August über 100 Abschlussarbeiten aus den Bachelor- und Masterstudiengängen, sowie Ergebnisse von Semesterprojekten wie die aus »Experimentelle Gestaltung« begutachtet werden.

Wenn Ihnen dieser Beitrag gefallen hat, lesen Sie gerne einen weiteren aus unserer Rubrik »Mensa«, in der wir Abschluss- und Semesterarbeiten von Studierenden vorstellen. Wie wäre es zum Beispiel mit »Man störe mir meine Kreise nicht«

Der Beitrag KI:OSK – Wie es aussieht, wenn eine KI einen Kiosk eröffnen würde erschien zuerst auf Grafikmagazin.

Text: Paula Schneewind

In Kooperation mit der Kölner Partneragentur dayy hat Dio Studios die Entwicklung der Markenidentität für die neue Reiseversicherungsmarke allyz kreiert. Diese Corporate Identity kommuniziert den Wandel von Versicherungen. Statt starren Verträgen, bietet allyz die Flexibilität, die man sich als junger Mensch auf Reisen wünscht. Das zeigt sich auch in der visuellen Sprache. Das Corporate Design arbeitet mit kräftigen, jungen Farbkombinationen und einer cleanen, aber vielseitig und dynamischen Bildsprache, die Reiselust weckt. Die Marke zeigt sich frisch, international und ganzheitlich digital vertreten. 

Der Claim »Amplify your journey« zeigt sich nicht nur in der Positionierung, sondern auch im neuen Logo der Marke. Das Dach des As repräsentiert hierbei die Reise an sich, der Querstrich die Verstärkung (engl. »amplification«) dieses Dachs und der Punkt den User selbst. Dadurch werden die drei Kernelemente des entwickelten Konzepts in einem vereint und bilden gleichzeitig den Anfangsbuchstaben der Marke.  

Insgesamt umfasste der Service der beiden Agenturen die Entwicklung einer Markenidentität, eines Corporate Designs, eine ausführliche digitale Design-Vision für Webinhalte, plattformübergreifender Social-Media-Content, Out-of-Home-Werbekonzepte und die Entwicklung eines detaillierten 50-seitigen Markenbuchs. In Zusammenarbeit entstand ein umfangreiches und ausgeklügeltes Ergebnis, das der Marke sicherlich einen erfolgreichen Markteinstieg ermöglicht.

Falls Ihnen dieser Beitrag gefallen hat, lesen Sie gerne einen anderen Beitrag zum Thema Corporate Identity, z.B. Ein neuer Look für Ecosia

Der Beitrag allyz: Amplify your journey erschien zuerst auf Grafikmagazin.

Nachdem KI derzeit in aller Munde ist und vor allem in der Designszene kritisch verfolgt wird, was sich da zusammenbraucht, wollten wir es einmal genauer wissen. Was können KI-gestützte Grafikanwendungen, was können sie nicht. Unser aktuelles Cover haben wir also mithilfe von Midjourney gestaltet, und 1000 verschiedene Versionen erstellt, die anschließend im Digitaldruck umgesetzt wurden. War das leicht? Nein. Haben wir dadurch einen echten Menschen eingespart? Absolut nicht. Im Gegenteil, unser Art Direktor hatte alle Hände voll zu tun, die KI so zu steuern, damit sich das Ergebnis am Ende sehen lassen kann. Aber es war ein Experiment, das trotz allem Spaß gemacht hat und bei dem wir viel hinzugelernt haben.

Ganz nach altbewährter Manier haben wir im Heft wieder viele unterschiedliche Projekte zusammengetragen und Themen beleuchtet. Das Klingspor Museum etwa hat seine Buchdruck-Schätze digital in einem Archiv zugänglich gemacht. Ein großartiger Exkurs in die Kunst der Schriftgestaltung. Den Wert analoger Gestaltung macht auch der BuchBauKasten deutlich, indem er zeigt, wie vielfältig man Bücher binden und gestalten kann. Wie so etwas dann im Endergebnis aussieht, beweist der 5 Years Plan sowie einige bemerkenswerte illustrierte Bücher, die wir ebenfalls vorstellen. Fotografisch geht es in der neuen Ausgabe um durch den Menschen geschaffene Welten – faszinierend und bedrückend zugleich.

Schwerpunkt »Digital Branding«

In unserem Grafik+ »Digital Branding« leuchten wir ein breites Spektrum rund um Marken im digitalen Umfeld aus: Wir fragten Creative Coding-Spezialisten Patrik Hübner, ob die Zukunft der Gestaltung generativ ist, und das Studio Weholo, wie man Gestaltung optimal mit Technologie verbindet. Saga Digital führte uns ein in die fabelhafte Welt der Online-Shops, Jäger & Jäger hingegen in die magischen Sphären digitaler Klangskulpturen. Diese und weitere Projekte lassen sich auf 18 Seiten entdecken.

Das Cover

1000 verschiedene Versionen fertige unser Art Director Tobias Holzmann mithilfe von Midjourney an und war gleichzeitig ehrfürchtig und erstaunt, was die KI mittlerweile kann. Doch klar wurde ihm dabei auch: von der totalen Automatisierung sind wir noch meilenweit entfernt – schließlich braucht es noch immer Experten, die bewerten, auswählen, die Druckabgabe vorbereiten. Dank Konica Minolta, die das Cover im Digitaldruck realisierten, kamen hier digitale und analoge Kräfte aufs Feinste zusammen.

Der Showroom

In unseren Showroom kommt wieder zur Geltung, was wir an unserem Job so lieben: die Vielseitigkeit unserer Branche, die zahlreichen nicht-linearen Biografien voller Dynamik und Ideenreichtum! Carlo Stanga ließ die Architektur zurück und folgte seiner Leidenschaft, der Illustration. MetaDesign arbeitet bereits seit 40 Jahren im Markendesign, setzt noch immer zeitgenössische Akzente und legt Wert auf großen Respekt. Morgane Tubiana vom französischen Studio Clac verzichtet auf Briefings und erarbeitet im individuellen Prozess kraftvolle Erscheinungsbilder. Und das Berliner Studio Last lässt sich die Freude an der Abwechslung nicht nehmen – das Team um Matthias Last setzt einerseits exquisite Printprojekte um, andererseits arbeitet es aber auch mit klarem Fokus auf digitales Branding. Perfekt für diese Ausgabe also.

Das Grafikmagazin 02.23 mit dem Schwerpunkt »Digital Branding« können Sie hier bei uns versandkostenfrei (innerhalb der EU) bestellen.

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