Wer sich für Typografie und Schriftgestaltung interessierte war bei der tgm schon immer richtig. In zahlreichen Workshops konnte man sich weiterbilden, in Vorträgen konnte man sehen, wie Schriftschmieden ihre Projekte entwickeln, junge Type-Designer:innen stellten spannende Schriftentwürfe vor, es gab Exkursionen und ab und an lud die tgm zum Type Walk durch München ein. Allesamt tollte Angebote, doch vor allem junge Leute fühlten sich immer weniger angesprochen. Das soll sich nun ändern, deshalb hat die tgm ihr Programm für 2025 neu ausgerichtet.

Frischen Wind bringt vor allem Xuyen Dam in die Sache. Er ist Professor für Typografie und Kommunikationsdesign an der Hochschule München und führt nun den Vorsitz der tgm. Als Dozent hat er zum einen ein Gespür dafür, was jüngere Menschen interessiert, zum anderen weiß er, gegen welche Angebots- und Informationsflut man sich heute als Veranstalter durchsetzen muss. »Die Frage ist«, sagt Xyuen, »wie kann man die Leute abholen? Wie müssen Vorträge heute aussehen, damit man sie attraktiv findet und gern vorbeikommt?« So vieles sei inzwischen online abrufbar, um Leute vom heimischen Sofa zu locken, müsse man schon etwas Besonderes bieten.

Klingt einleuchtend, doch was ist nun die Lösung? Zunächst einmal möchte die neue tgm jung, bunt und laut sein. Klassische typografische Themen werden natürlich weiterhin auf dem Programm stehen, aber es wird viel mehr als bisher über den Tellerrand geschaut. Vor allem ändert sich aber die Art der Vorträge. Verkürzt lautet das neue Konzept »tgm x X x X«. Wie bisher werden Kreative ihre Projekte und Arbeitsweisen vorstellen, bei Vortrag werden sie aber mit Kurator:innen zusammengespannt, die entweder in einem ähnlichen Bereich arbeiten oder auch etwas ganz anderes machen. Der oftmals peinliche Moment, wenn es heißt, »hat noch jemand Fragen im Publikum?«, entfällt. Das Tandem aus Speaker und Kuratorin sorgt für genügend Gesprächsstoff, die tgm mischt als dritte Partei kräftig mit und natürlich sind auch die Gäste Teil der Show.

Lebendig soll das Programm vor allem werden und Spaß machen. Dafür wird sicher auch die Auswahl der Referent:innen sorgen. Den Auftakt macht am 4. Februar Johannes Breyer von dinamo Type. Er spricht darüber, was man als Kreativer tun kann, um sichtbar zu sein. Ihm zur Seite steht die Schriftgestalterin Mona Franz als Kuratorin. Weiter geht es mit Zukunftsthemen in Grafikdesign und Typografie. Der dritte Event widmet sich der Frage, welche Werkzeuge Gestalter:innen verwenden sollten. Was macht eine gute Schrift aus? Wie geht man mit Kritik um und wie schafft man es zwischen ästhetischem Anspruch und ökonomischen Notwendigkeiten zu navigieren? Die Themen für dieses Jahr sind vielfältig, die Gäste auch, wie zum Beispiel Sternekoch Felix Schneider, der mit seiner Arbeit Kreativität noch einmal anders interpretiert. Auch wechselnde Locations werden für mehr Dynamik sorgen. 2025 wird es sich für Münchner Design-Fans also definitiv lohnen, vom Sofa aufzustehen.

Vortragsreihe: TGM × X × X 

04. Februar Johannes Breyer ist Schriftgestalter und Mitgründer von DINAMO TYPEFACES Berlin 

11. März Marcel Saidov arbeitet seit 2016 im Bereich Typografie und Type Design und lehrt in Weimar 

01. April Nicolas Bernklau studierte an ÉCAL und ist Grafik- und Type Designer in St. Gallen 

20. Mai Jiri Oplatik gestaltet in Basel Corporate Designs, Plakate und Bücher und ist AGI-Mitglied 

01. Juli Jonas Beuchert und Tilman Schlevogt haben seit 2015 das Studio PARAT.cc in München 

07. Oktober Felix Schneider ist Koch in seinem Restaurant Etz in Nürnberg und hat zwei Michelin-Sterne 

11. November intercom ist ein Kollektiv von Wissenschaftler*innen, Gestalter*innen und Entwickler*innen 

02. Dezember Sam Kim betreibt u. a. den Berliner Reading-Room Common Imprint für asiatische Kunstbücher 

Für Studierende sind die Vorträge teilweise kostenlos und für alle anderen erschwinglich. Weitere Informationen unter: www.tgm-online.de

Mehr Beiträge zum Thema Typografie finden Sie hier …

Der Beitrag So macht Typografie Spaß! erschien zuerst auf Grafikmagazin.

Die bereits fünfte Edition der Talk-Serie »New Modes of Being«, initiiert von BMW Group Design und Die Neue Sammlung – The Design Museum, zeigte einmal mehr, dass Design nicht nur Form und Funktion verbindet, sondern auch unsere Geschichten – und damit unser Leben – berühren und verändern kann. Angelika Nollert, Direktorin der Neuen Sammlung, leitete das Gespräch, das passenderweise im X-Depot umringt von Designklassikern stattfand, mit einer wichtigen Beobachtung ein: »Design ist immer auch Storytelling – funktional und lösungsorientiert.« Für Nollert ist es entscheidend, über Narrative Neugierde zu schaffen, die das Interesse der Menschen weckt und sie zum Nachdenken anregt.

Moderiert wurde das Panel von der Designjournalistin und Stilkolumnistin Valerie Präkelt, die die Diskussion gekonnt lenkte und spannende Einblicke herauskitzelte. Doris Dörrie, bekannte Filmemacherin und Schriftstellerin, eröffnete das Gespräch mit einer kritischen Perspektive auf das Storytelling. »Es ist für mich ein wenig beklagenswert, dass alles in eine Story verwurstet wird«, meinte Dörrie und hinterfragte die unersättliche Nachfrage nach Narrativen, die oft ausschließlich kommerzielle Interessen verfolgen. Ihrer Erfahrung seien die besten Geschichten diejenigen, die eine echte Transformation verlangen. »Man muss unterscheiden zwischen dem, was ein Held möchte und was er braucht – beides kann sehr unterschiedlich sein«, erklärte sie. Mit Bezug auf aktuelle Herausforderungen fügte sie hinzu: „Die Welt braucht etwas anderes als das, was wir oft möchten. Wir brauchen eine Welt, die überlebt.“

Christoph Niemann, Künstler und vielfach ausgezeichneter Illustrator, schloss an und sprach über den Einfluss des Schriftstellers Stephen King auf sein Verständnis des Erzählens – seine Illustrationen fänden seitdem oft ergebnisoffen statt. »Dinge, die keine konkrete Absicht haben, bewegen uns manchmal mehr«, erklärte er und betonte, dass wahre Kreativität oft dort entsteht, wo Kontrolle losgelassen wird. Niemann sieht die persönliche Perspektive als »eine Projektion und Empathietool« an, das die Menschen anzieht, weil es authentische Erinnerungen und Emotionen wiedergibt.

Der Designer Anders Warming, Leiter von BMW Group Designworks & Advanced Design, unterstrich, wie wichtig es sei, durch Design Erlebnisse zu schaffen, die für Menschen relevant sind: »Wir setzen uns bei unserer Arbeit in Menschen hinein, die in der Zukunft etwas erleben dürfen«, sagte er und betonte die Notwendigkeit, sich auf neue Ideen einzulassen, die über das Planbare hinausgehen. Diese Herangehensweise ermögliche es, das Unbekannte willkommen zu heißen und innovative Perspektiven zu entwickeln.

Abschließend kam das Gespräch auf die Frage der Vorhersehbarkeit in einer Welt, in der künstliche Intelligenz immer dominanter wird. Doris Dörrie warnte vor einer »Algorithmus-Kultur«, die Unvorhersehbarkeit zunehmend minimiert. »Das genaue Berichten über die eigene Wahrnehmung ist unser Schatz. Unsere Einzigartigkeit müssen wir pflegen, besonders in Zeiten von KI«, erklärte sie und hob hervor, dass gerade die Unvollkommenheit und Diversität des menschlichen Blicks einen unschätzbaren Wert darstelle.

Die Diskussion machte eindrucksvoll deutlich, dass Storytelling und Design auch in der heutigen Zeit ein kraftvolles Mittel sind, um persönliche und gesellschaftliche Transformationen zu begleiten. Mit dem Appell, Kreativität als individuelle und oft unvorhersehbare Ausdrucksform zu pflegen, hinterließen die Gäste eine inspirierende Botschaft, die über den Tag hinaus nachhallte.

Die nächste Edition von New Modes wird im Rahmen der MCBW 2025 stattfinden, alle Termine und Infos dazu finden Sie hier

Mehr zum X-D-E-P-O-T der Neuen Sammlung

Weitere Infos zu den Arbeiten von Christoph Niemann

Zum Durchklicken einige spannende Projekte von BMW Group Design

Weitere Infos zu Doris Dörrie auf ihrem Instagramkanal

Zur Website von Designjournalistin Valerie Präkelt

Der Beitrag New Modes V | From Imagination to Storytelling erschien zuerst auf Grafikmagazin.

»Print zeigt seine wahre Stärke«

Das diesjährige Motto sollte zeigen, was Print – besonders im digitalen Zeitalter – so großartig und relevant macht. Der Auftaktvortrag vom Sirene Design Studio schlug gleich eine inspirierende Richtung ein, und zeigte Print als Werkzeug der Transformation, dessen spielerische Gestaltung Sirene im Kollektiv angeht und dabei für die Freude an Experimenten und Solidarität plädiert.

Das Thema Haptik durchzog die Konferenz wie ein roter Faden. Chrish Knigge von Studio Grau erzählte eindrucksvoll, wie haptische Markenerlebnisse langfristige Verbindungen schaffen und im Gedächtnis bleiben. Am Nachmittag nahm Carolin Blöink von der Stiftung Buchkunst das Publikum mit auf eine Reise durch die Welt der Buchkunst. Seit mehr als fünfzig Jahren zeichnet die Stiftung die besten Buchgestaltungen aus und setzt sich für das gedruckte Buch als Kulturgut ein. »Unser Ziel ist es, die Qualität des Gebrauchsbuchs durch vielfältige Aktivitäten zu fördern«, sagt Blöink. Ein intensives Interesse ist spürbar, als die Zuhörer:innen über die kunstvollen Aspekte des Buchdesigns und mehr über die Kriterien des renommierten Auszeichnungen lernen.

Für Editorial Designer:innen besonders eindrucksvoll war auch der darauffolgende Vortrag von Florian Lamm vom Studio Lamm & Kirch, er sprach über die Gestaltung visueller Identitäten im Kultursektor und teilte mit dem Publikum seine Erfahrungen in der Buch- und Ausstellungsgestaltung. Lamm zeigte auf, wie herausragendes Design die Identität von kulturellen Projekten prägen und verstärken kann, und wie das Zusammenspiel von fantastischen Ideen und ausgefuchsten produktionstechnischen Clues in diesem Bereich genutzt werden kann.

Am späteren Nachmittag setzte Andreas Uebele von Büro Uebele mit seinem Vortrag über die gesellschaftliche Rolle des Designs ein klares Statement: »Kann Kommunikation die Welt verbessern?« Uebele beleuchtete die Verantwortung, die Designer:innen der Vermittlung komplexer Themen übernehmen können und stellte dabei das Corporate Design des Deutschen Bundestags als Beispiel vor. Er zeigte, wie prägnantes Design und durchdachte visuelle Kommunikation gesellschaftliche Werte transportieren und den öffentlichen Diskurs bereichern können.

Von Lithographie bis Markenentwicklung hinzu KI Trends

Auch der zweite Tag bot viele neue Perspektiven: Alexandros Michalakopoulos und Andreas Ruhe vom Morphoria Design Collective sprachen über kollaborative Kreativität, und begeisterte das Publikum mit globalen Print- und Ausstellungsprojekten von Palermo bis Shanghai. Raquel Ro von der Steindruck Werkstatt nahm uns mit auf eine Reise in die faszinierende Welt der Lithographie. »In der Lithographie steckt eine Kraft, die das Digitale nicht ersetzen kann«, erklärte sie und führte die Gäste in durch die Historie der ehemals transformativen Drucktechnik: »Wie so oft machten Kreative und Künster:innen vor, wie man sie einsetzen kann, und wurden von der Wirtschaft mit ihren Ideen kopiert«, erzählte sie.

Der Nachmittag startete mit der Session dreier Kurzvorträge von Sandra Teschow, Art Directorin des Wissenschaftsmagazins Science Notes, die Nachwuchsdesigner:innen Valeria Schriber und Niklas Wolf aus Hamburg, die über ihre vielfach ausgezeichnete Masterarbeit »Uprooted« sprachen, und der Prodiktioner und »Nachhaltig drucken«-Autor Marco Hanecke. Ihre kurzen, prägnanten Impulsen boten einen vielfältigen Überblick über aktuelle Ansätze – und Herausforderungen – im Design und der Druckproduktion.

Einen technologischen Kontrast bot Grit Wolany, Art Direktorin und Trend Scout aus Zürich, die in ihrem Vortrag über die Rolle von künstlicher Intelligenz in der Kreativbranche sprach: »KI eröffnet uns viele Möglichkeiten, stellt uns aber auch vor ethische Fragen. Wie weit wollen wir gehen? Wie können wir sicherstellen, dass menschliche Kreativität im Zentrum bleibt?« Wolanys Vortrag regte zu Überlegungen über Chancen und Grenzen von KI in der kreativen Arbeit an und zeigte humorvoll die Balance zwischen traditionellen Gestaltungsmethoden und innovativen Tools.

Mit ihr bildete die Keynote von Tom Ising und Hans Findling den Abschluss, der preisgekrönte Projekte zur Markenentwicklung kultureller Institutionen durch ihr Studio Herburg Weiland präsentierte – etwa die Arbeit für den Münchner Genusstempel Tantris Maison Culinaire oder die Stiftung Bauhaus in Dessau. Ein echtes Highlight, das den Stellenwert von Print in der kulturellen Kommunikation betonte.

Der Messebereich: Begegnungen mit Innovationen

Blättern, fühlen, mit allen Sinnen spüren: Einer der zentralen Dreh- und Angelpunkte der CPC war der Messebereich, in dem führende Unternehmen der Papier-, Druck- und Veredelungsbranche ihre Produkte präsentierten. Über 700 Quadratmeter, gefüllt mit innovativen Materialien und Veredelungstechniken. Die Begeisterung der Besucherwar spürbar, als sie bei Ausstellern wie G.F Smith, Igepa und Antalis neue Inspiration fanden. »Hier kann ich direkt erfühlen, was ich später für meine Designs nutzen werde«, erzählte uns eine Designstudierende, die mit zahlreichen Schätzen und Materialkatalogen von den Ständen wiederkehrte.

Wir sagen: Tausend Dank!

Wir freuen uns sehr über den Erfolg der Creative Paper Conference 2024, die lebhaft zeigte, dass Print vielen begeisterte Fans sowie einen festen Platz in der Kreativbranche hat. Zwei Tage voller kreativer Energie, inspirierender Vorträge und einzigartiger Begegnungen haben uns bestärkt: Print bleibt stark – weil es berührt, inspiriert und verbindet.

Es war eine große Freude für uns zu sehen, wie Designer:innen aus der ganzen DACH-Region, Branchenexpert:innen und Kreative sich über neue Ideen und Erfahrungen austauschen. Ein Aussteller, der beim Dinner an unserem Tisch saß, fasste es treffend zusammen: »Das ist das Besondere an der CPC – hier finden wir Gleichgesinnte, die die Leidenschaft für Print teilen. Man hat mit allen direkt ein Gesprächsthema.« Wir hoffen, dass viele neue Kontakte geknüpft oder alte Bekanntschaften aufgefrischt wurden – und wir spätestens bei der CPC 2026 von so manchem gemeinsamen Projekt hören werden. Das gilt natürlich auch für uns selbst: Die Dichte an frischen Ideen inspirierten auch uns zu intensiven Diskussionen und gaben uns neue Denkanstöße für die eigene Arbeit. Wir sagen tausend Dank an unsere Sponsor:innen, an die fleißigen Helfer:innen hinter den Kulissen, an alle Gäste und Aussteller:innen – und freuen uns aufs nächste Mal!

Alle Bilder: © Burke Akademie

Der Beitrag Creative Paper Conference 2024: Die Kraft von Print neu erleben erschien zuerst auf Grafikmagazin.

Das Line-up der Konferenz ist beeindruckend: Hochkarätige Speaker:innen wie Christina von Messling vom Future Today Institute, Sina Otto von Monotype oder Vincent Lammers vom preisgekrönten Designstudio BUCK, garantieren spannende Vorträge und Einblicke in die neuesten Entwicklungen. Von KI und AR über VR bis hin zu digitalen Transformationen wird alles diskutiert, was Marken, Kreative und Unternehmen in den kommenden Monaten beschäftigen wird.

Einer der großen Stars der Veranstaltung ist die Plattform selbst: Zwei Bühnen, vollgepackt mit international renommierten Expert:innen aus unterschiedlichen Disziplinen. Zentral für die Konferenz ist der Dialog zwischen visionären Kreativen und den Entscheider:innen führender Marken. Egal, ob es um neue Marketingansätze, zukunftsweisende Technologien oder konkrete Anwendungsfälle geht – die Teilnehmer:innen erwartet eine inspirierende Mischung aus praxisorientierten Tipps und visionären Ausblicken. Ein Höhepunkt ist zudem die Möglichkeit, sich in den ADC Masterclasses weiterzubilden. Hier teilen Branchenprofis ihre Erfolgsstrategien und bieten Workshops an, die helfen, Fachwissen zu erweitern.

Mit dabei sind große Namen wie Christian Mio Loclair von Journee, Franziska von Lewinski von The Observatory International, Karsten Kühn von HORNBACH und viele mehr. Die Speakerliste liest sich wie das Who-is-Who der digitalen Kreativszene, ergänzt von Unternehmen wie Lufthansa, Telekom, Procter & Gamble und Meta.

Parallel zur Konferenz lädt der Kunstpalast Düsseldorf mit einer Ausstellung von Gerhard Richter ein – die perfekte Gelegenheit, zwischen spannenden Vorträgen etwas Kunst zu tanken.

Kreativität trifft Zukunftstechnologie

Für Studierende gibt es übrigens ein besonderes Schmankerl: Mit einem stark vergünstigten Ticketpreis von 29 Euro bietet die ADC Digital Conference eine unschlagbare Gelegenheit, die ersten Schritte in die Welt der Kreativbranche zu machen und sich mit den Profis zu vernetzen.

Wohin die Reise in der digitalen Kommunikation geht, weiß natürlich keiner ganz genau. Doch wer sich von Expert:innen der Kreativbranche, Technologie und Wirtschaft inspirieren lassen möchte, findet bei der ADC Digital Conference 2024 Inspiration, die Zukunft der Kreativität selbst mitzugestalten.

Mehr Infos zum Lineup und den Speaker:innen

Der Beitrag ADC Digital Conference 2024: Ein Blick in die Zukunft der Kreativbranche erschien zuerst auf Grafikmagazin.

Ein Werk der Unvernunft

Bereits der erste Blick auf »Holy Smoke« lässt ahnen, dass es sich hier um ein besonderes Werk handelt: Verpackt in Kohlepapier und umhüllt von einer leuchtorangefarbenen Banderole, wird das Buch schon beim Auspacken zu einem Erlebnis. Doch Vorsicht: Wer die Verpackung entfernt, wird selbst Teil dieses Kunstwerks, denn die schwarze Kohle färbt auf die Finger ab und hinterlässt Spuren auf dem grauen Einband. Ein Buch, das sich nicht nur durch seinen Inhalt, sondern auch durch seine Haptik und die Interaktion mit den Leser:innen auszeichnet – ein wahres Unikat, das in den Händen seiner Besitzer:innen erst richtig zum Leben erwacht.

Das Thema des Buches – kultischer Rauch und die Gefäße, in denen er zubereitet wird – führt auf eine faszinierende Reise durch verschiedene Religionen und Epochen. Der Jury war klar: »Holy Smoke« ist ein Fest für die Sinne und ein mutiges Meisterwerk, das in jedem Bücherregal auffällt. »Dieses Buch hätte Ludwig XV. auf seinem berühmten Sekretär im Schloss Versailles platzieren können«, schwärmte Jurymitglied Markus Klose in seiner Laudatio. Ein Buch, das nicht nur gelesen, sondern auch erlebt werden will – ein Werk der Unvernunft, wie es selten ist.

Gedruckt wurde das ausgezeichnete Werk von der Druckerei Vogl, für die Bindung war Buchbinderei Terbeck verantwortlich, und für die Konfektionierung CP Chronos Papertime.

Der Förderpreis für junge Buchgestaltung

Doch »Holy Smoke« war nicht das einzige Highlight des Abends: Die Stiftung Buchkunst nutzte den feierlichen Rahmen auch, um die Preisträger:innen des »Förderpreises für junge Buchgestaltung« zu würdigen. Drei Projekte, die das Medium Buch auf innovative Weise weiterdenken, wurden mit je 2.000 Euro ausgezeichnet: Anja Dietmann mit Jonas Beuchert für »Umsatzübersicht«, Elfi Handina Murandu für »A Book about Hair« und Johanna Behrens für »Wölfinnen«. Diese jungen Gestalterinnen beweisen, dass die Zukunft des Buches alles andere als eintönig ist und dass es nach wie vor mutige und kreative Köpfe braucht, um neue Wege in der Buchproduktion zu beschreiten.

Zum Katalog von Neue Gestaltung

Als krönender Abschluss des Abends wurde der neue Katalog der »Schönsten Deutschen Bücher 2024« vorgestellt, der von dem Berliner Team Neue Gestaltung entworfen wurde. Der Katalog ist nicht nur eine Übersicht der prämierten Werke, sondern auch ein eindrucksvolles Beispiel dafür, was gute Buchgestaltung leisten kann. Wer sich für diesen Katalog interessiert, kann ihn bereits in seiner Lieblingsbuchhandlung vorbestellen.

Das Buch lebt – und wie!

Die ausgezeichneten Bücher gehen nun auf eine große Wanderausstellung und werden an verschiedenen Orten im In- und Ausland zu sehen sein. Ein absolutes Muss für alle, die sich für die Kunst des Buches begeistern können!

Die Stiftung Buchkunst setzt mit ihren Wettbewerben und den prämierten Büchern wichtige Impulse in der Buchbranche. Denn in einer Zeit, in der oft über die Zukunft des gedruckten Buches spekuliert wird, zeigt sie: Das Buch lebt – und wie! Es ist nicht nur Träger von Informationen, sondern auch ein sinnliches Erlebnis, das durch Qualität und Kreativität besticht. Wer einmal eines dieser außergewöhnlichen Bücher in den Händen gehalten hat, wird verstehen, warum das gedruckte Buch noch lange nicht ausgedient hat.

Mehr zur Arbeit der Stiftung Buchkunst

Alle Termine und Orte der Wanderausstellung hier nachlesen

Mehr Details zum Förderpreis für junge Buchgestaltung

Carolin Blöink von der Stiftung Buchkunst wird auch auf der Creative Paper Conference 2024 sprechen, hier geht’s zum ganzen Programm

Der Beitrag Holy Smoke! Der Preis der Stiftung Buchkunst 2024 erschien zuerst auf Grafikmagazin.

Am einem heißen Donnerstag Ende Juni öffnete der Digital Hub Mainz erneut die Türen für die lokale Kreativ- und Designbranche: Das Open Festival brachte als wegweisendes Eventformat den Nachwuchs in den Austausch mit renommierten Studios und Medien, samt vielseitigen Rundgängen durch die Agenturen der Landeshauptstadt, Vorträgen und Netzwerkmöglichkeiten. Besonders faszinierend für uns als Medienpartner: Organisiert wurde der Tag maßgeblich von Studierenden des Fachbereichs Gestaltung der Hochschule Mainz selbst.

Individuelle Routen durch die Mainzer Kreativlandschaft

Kein schlechter Ort, um einen tollen Tag zu verbringen: Das Open Festival Mainz fand am malerischen Rhein statt, genauer gesagt im zentral gelegenen Gutenberg Digital Hub, ein regionaler Hub für Vernetzung von Wirtschaft, Wissenschaft und öffentlichen Institutionen. Dort fanden sich morgens die rund 150 Teilnehmenden in sechs Gruppen zusammen, um auf individuellen Route die Vielfalt der Mainzer Kreativlandschaft zu erkunden: Von Foto- und Filmstudios über Digitalagenturen bis hin zu Architektur- und Designbüros – die Teilnehmenden erhielten einen tiefen Einblick in die unterschiedlichsten kreativen Disziplinen.

Erst der Rundgang, dann die Dialoge

Zu den 30 teilnehmenden Agenturen, Studios und Ateliers zählten etwa Tip-Top Express, Herzblut & Bock, Supernju, Funk, 
Mathilda Mutant, 3st Kommunikation, BB25, alma, Schiebezimmer, Designfunktion, MPM, Formaat, descom, Autorenkombinat, martin & Friends, N,Eis, Amor Coffee, Signalkraft, Worthafen, Frau Annika, Kontrastfilm, REZO, flyingshapes, Stephan Günther, tripmind, Eumel Film, Less, Labor und Faerber Architekten. Das Besondere an diesem Jahr war die Erweiterung des Veranstaltungsprogramms: Nach den Rundgängen und divseren Austauschmöglichkeiten fanden die »Open Talks« statt – eine Art Speeddating mit den Agenturen, die eine direkte und dynamische Austauschmöglichkeit boten. Hierfür kamen alle teilnehmenden Studios abends wieder im Gutenberg Digital Hub zusammen und standen bei Wein und Snacks zum Gespräch zur Verfügung. So konnten die Nachwuchskreativen in kurzer Zeit wertvolle Kontakte knüpfen, Visitenkarten oder Portfolios überreichen und Rückfragen zu den Vorträgen der verschiedenen Kreativen gewinnen.

Wer hat die besten Fragen? Der Nachwuchs!

Dass wir solch wegweisende Netzwerkevents als Medienpartner begleiten und den Austausch vor Ort direkt miterleben können, ist für uns vom Grafikmagazin ein großes Privileg. Wann kommen schon so viele namhafte Kreativagenturen an einem Ort zusammen, um Studierenden direkt Rede und Antwort zu stehen? Eigentlich eine simple Idee – doch natürlich aufwendig zu organisieren und umzusetzen. Umso beeindruckender also, dass unter Leitung von Silke Philipps-Deters vom Designforum Rheinland-Pfalz sowie Professor Gregor Ade von der Hochschule Mainz eine engagierte Gruppe von Studierenden die Planung eigenhändig verantwortete.

Eine große Freude für uns: den Seite an Seite mit unseren Fachkolleg:innen von Slanted Publishers und Verlag Hermann Schmidt zu erleben, und sich einerseits untereinander, andererseits mit den Studierenden zum Verlagswesen auszutauschen. Wir waren höchst begeistert von den vielen komplexen Fragen zur Printproduktion, zu Bezahlmodellen, der kreativen Ideenfindung und dem Redaktionsablauf, die sich nach unseren Impulsvorträgen anschlossen. Dass wir uns außerdem in Mainz quasi in der Wiege des Buchdrucks befinden, machte viel Hoffnung für die Zukunft der Printlandschaft…

Gemeinsamer Abschluss und Ausblick

Beim abschließenden Get-together sprachen die Präsidentin der Hochschule Mainz, Prof. Dr. Susanne Weissman, und die Wirtschaftsdezernentin der Landeshauptstadt Mainz, Manuela Matz, und schlossen den Tag mit enthusiastischen Worten ab, die die Bedeutung der kreativen und medialen Vernetzung in Mainz betonten. Die lockere Atmosphäre bot den idealen Rahmen für vertiefende Gespräche und das Knüpfen neuer Kontakte. Nicht zuletzt der Einsatz und die Förderung der Hochschule und der Stadt Mainz selbst machte das Festival zu einem eindrucksvollen Beispiel für studentisches Engagement und professionelle Umsetzung. Das Eventteam zeigte nicht nur ihr organisatorisches Talent, sondern auch eine kreative Vision für die ganze Region, die das Festival zu einem unvergesslichen Erlebnis machte – für alle Beteiligten.

Was bleibt? Große Dankbarkeit für solche inspirierenden Eventformate, die den Dialog fördern, und die Vorfreude aufs nächste Open Festival Mainz, das auch im nächsten Jahr wieder die vielseitige Medien- und Kreativbranche der Stadt zusammenbringen möchte und seine Türen für einen Tag voller Inspiration und Austausch öffnet. Bis dahin: Open your eyes for creativity!

Alle Fotos © Jan Bema

Zur Website des Open Festival Mainz

Mehr zur Arbeit des Designforum Rheinland Pfalz

Das Angebot der Hochschule Mainz

Zum Veranstaltungsangebot des Gutenberg Digital Hub

Der Beitrag Open Festival Mainz 2024: Die Freude am Austausch erschien zuerst auf Grafikmagazin.

Kein Wunder, dass The Verge die jährliche Konferenz von Figma scherzhaft als »Coachella für Produktdesigner:innen« bezeichnete: Die Config läutet unter dem Jubel von 10.000 leidenschaftlichen Fans spannende Produktnews ein und holt hierfür Protagonist:innen der Designwelt und Kulturszene nach San Francisco. Chapeau, Figma hat sich vom weitgehend nischigen kollaborativen, webbasierten Designtool zum unverzichtbaren Instrument für Produktentwicklungsteams emporgearbeitet, das gleichermaßen Soloselbständige wie Branchenriesen à la Google, VW und SAP täglich verwenden. Welche Produktnews gibt es für sie?

Come curious, leave more connected

Inspirierende Keynotes und gestalterische Deep Dives von mehr als 75 Keynotespeaker:innen aus der ganzen Welt schufen einen eindrucksvollen Rahmen für die Produktnews, die Co-Founder und CEO Dylan Field enthüllte, ganz unter dem Motto: Die neue, kollaborative Ära der Softwareentwicklung ist angebrochen und Figma steht an der Spitze dieser Revolution.

Von der Informatikerin und KI-Forscherin Dr. Fei Fei Li (»Math is clean, but humans are messy«) über Produktdesign-Enfant terrible Jesper Kouthoofd, CEO von Teenage Engineering, bis hin zu Medienmachern wie BBC Creative Director Laura Llewellyn oder der Chefkuratorin des Eames Institute, Llisa Demetrios, die in ihrem Talk »Infinite curiosity« das reiche Erbe der Eames mit den Herausforderungen unserer Zeit in Verbindung brachte: Das Lineup der Config verdeutlicht auf beeindruckende Weise die vielseitigen Touchpoints von Figma – genauso wie die Diversität der User:innen.

(Alle Talks und Panels sind übrigens hier frei zugänglich und thematisch sortiert verfügbar)

Figma AI: Groß denken, schnell umsetzen

Bereits in unserem Porträt der »Figma for Education«-Initiative in der Ausgabe 02.24 und bei einem kürzlichen Besuch von Chief Product Officer Yuhki Yamashita in München ließ das Team durchblicken, dass Generative AI eine immer wichtigere Rolle spielen wird – und zwar in all ihren Produkten und Prozessen. Kein Wunder also, dass die neuen KI-Designfunktionen einen Schwerpunkt der Produktneuheiten bildeten. »KI macht den Weg von der Idee zum Produkt greifbarer als je zuvor«, so Dylan Field. Mit Figma AI können Designer:innen nun mühelos Entwürfe per Texteingabe erstellen und sofort visuell umsetzen, in verschiedenen Stilen visualisieren, Texte und Bilder bearbeiten und realistische Prototypen erstellen – alles in Rekordzeit und mit nur wenigen Klicks.

Auf einen Blick:

• Designerstellung: Mit einem einfachen Texteingabebefehl lassen sich mobile und Web-UI-Mockups in verschiedenen Stilen und Layouts generieren. Das spart nicht nur Zeit, sondern ermöglicht auch eine schnelle Iteration und Anpassung.
• Visuelle Suchfunktion: Arbeiten lassen sich mithilfe eines Rahmens, Bildes oder Screenshots durchsuchen, um genau das gewünschte Design zu finden. Diese Funktion nutzt fortschrittliche KI, um den Suchkontext zu verstehen und die relevantesten Ergebnisse anzuzeigen.
• Ebenenorganisation: Mit einem Klick können alle Ebenen einer Datei kontextbezogen umbenannt und angeordnet werden, was das Management von komplexen Designprojekten erheblich erleichtert.
• KI-gestützte Prototypen: Statische Entwürfe lassen sich in funktionierende Prototypen verwandeln, ohne manuell alle Schritte durchführen zu müssen. Diese Funktion automatisiert viele der mühsamen Aufgaben, die Prototypoen sonst so mit sich bringen…

Dev Mode: Die Brücke zwischen Design und Code

Ein weiteres spannendes Update betrifft den Dev Mode, der bereits 2023 eingeführt wurde. Die neuen Funktionen im Dev Mode sollen die Zusammenarbeit zwischen Designer:innen und Entwickler:innen weiter optimieren. Mit Code Connect können nun Codes aus Design-Systemen oder unterstützten UI-Kits direkt verlinkt werden, was die Implementierung des korrekten Codes erheblich erleichtert. Die verbesserten Arbeitsabläufe und die neue Ansicht erhöhen die Transparenz und Effizienz im gesamten Entwicklungsprozess.

Figma Slides: Präsentationen neu gedacht

Großen Applaus gab es für Mihika Kapoor, die Figma Slides verantwortet und damit ein neues Tool für interaktive Präsentationen vorstellte. Es kombiniert die kreativen Möglichkeiten von Figma mit kollaborativen Präsentationstools. Damit können Teams ansprechende Präsentationen erstellen, einheitliche Looks kreieren und auf bestehende Visuals abstimmen. Besonders beeindruckend sind die KI-gestützten Assistenzfunktionen, die dabei helfen, Texte umzuschreiben, Bilder zu bearbeiten und die Tonalität anzupassen – alles an einem Ort.

Redesign für eine neue Ära der Softwareentwicklung

Mit den vorgestellten Neuerungen hat Figma auch eine neue Benutzeroberfläche eingeführt. Die verbesserte Ergonomie und der einfache Zugang zu neuen Funktionen wie Figma AI sollen dafür sorgen, dass die Benutzerfreundlichkeit weiter erhöht wird.

Die Produktneuheiten zeigen, dass Figma viel Herzblut in die Produktentwicklung steckt. Die Kombination aus KI-gestützten Design- und Entwicklungswerkzeugen und einer verbesserten Benutzeroberfläche bietet Teams weltweit die tolle Möglichkeit, ihre Ideen schneller und effizienter umzusetzen. In einer Zeit, in der Softwareentwicklung und Design immer komplexer werden, zeigt das Techunternehmen, dass es möglich ist, diese Prozesse zu vereinfachen – und für alle zugänglich zu machen.

Alle Bilder © Figma

Mehr zur Config 2024

Der deutschsprachige Blog von Figma mit allen Produktnews en detail

Der Beitrag Config 2024: »Think bigger, build faster« erschien zuerst auf Grafikmagazin.

2023, als der Hype um Künstliche Intelligenz gerade an Fahrt aufnahm, nutzte der Grafiker Robert Steinmüller die neuen Werkzeuge, um ein Buch zu schreiben und zu gestalten, das es ohne KI nicht gegeben hätte. Die fantasievolle Geschichte um einen Forschenden der Renaissance und die wundersamen Landschaften des Mondes ist nun auch als echtes Buch erschienen. Und es ist ein besonders schönes und handwerklich herausragendes Objekt geworden. »Die Meere des Mondes« zeigt beispielhaft, wie Kreative intelligente Tools nutzen können, um Dinge zu realisieren, die vorher nicht denkbar gewesen wären.

Dieser Text erschien ursprünglich im Grafikmagazin 04.23. Inzwischen ist das Buch im Reisedepeschen Verlag erschienen. In Anlehnung an die Thematik wurde bei der Produktion viel Wert auf Handwerkskunst und Qualität gelegt. »Die aufwändige Gestaltung, Typografie und Herstellung mit händisch eingehängten Bildern und verschiedenen Papieren erinnert an einen enzyklopädischen Bildband aus der Frühzeit der industriellen Buchproduktion«, heißt es aus dem Verlag.

Haben Sie sich schon einmal gefragt, warum es auf dem Mond Meere gibt? Zum Beispiel das Schlangenmeer, das Meer der Heiterkeit, das Wolkenmeer und den Ozean der Stürme. Darüber hinaus gibt es auch Seen, Buchten und Sümpfe, den See der Vergessenheit etwa oder den Sumpf des Schlafes. Diese Namen allein lassen im Kopf schon die schönsten Bilder und unglaublichsten Geschichten entstehen. Der Grafiker Robert Steinmüller ließ sich von ihnen zu einem Buch inspirieren – realisiert hat er es mithilfe verschiedener KI-Werkzeuge.

In der Renaissance begannen die Menschen sich wieder verstärkt den Wissenschaften zuzuwenden und die Welt zu erkunden, auch das Weltall. Die Erfindung des Fernrohrs führte zu weiteren Entdeckungen, Galileo Galilei etwa konnte so die Mondgebirge erkennen. Die dunklen Flecken auf der Oberfläche des Mondes kann man allerdings auch mit bloßem Auge sehen und sie beflügelten schon immer die Fantasie der Menschen. Da man annahm, es handele sich um Wasserflächen, benannte man sie entsprechend. Die poetischen Namen wiederum hatten es Robert Steinmüller angetan. Als Grafiker und Buchgestalter versucht er in freien Projekten immer wieder neue Techniken und Technologien auszuprobieren und mit den Mondmeeren hatte er den perfekten Aufhänger gefunden, um mit künstlicher Intelligenz zu experimentieren. 

Den italienischen Lehrschüler Enzo G. Benvolio machte Steinmüller zu seinem Protagonisten und ließ ihn die Mondlandschaften mit den Augen eines Renaissance-Menschen erkunden. Die »historischen« Aufzeichnungen allerdings generierte eine KI. Steinmüller überlegte sich zu ausgewählten Meeren jeweils zehn Stichpunkte und fütterte damit ein Tool zur Textgenerierung. Die Jasper-App lieferte ihm dann Textvorschläge, die der Gestalter als Rohmaterial für seine Erzählung nutzte. Auch die Bilder, mit denen »Meere des Mondes« illustriert ist, stammen von einer künstlichen Intelligenz. Hier nutzte Steinmüller die Wombo-App, da sie im Gegensatz zu anderen Bildgenerierungswerkzeugen die Möglichkeit bietet, sich schon vorab auf einen Stil festzulegen. 

Man muss sich also nicht mühsam über Prompts einer Ästhetik annähern und die Bilder besitzen eine größere visuelle Konstanz. Das war dem Grafiker wichtig, denn das Buch sollte ja so wirken, als hätte es ein Naturforscher der Renaissance verfasst. Prompts brauchte es natürlich trotzdem. Zu jedem Meer werden jeweils zwei Tiere und Pflanzen beschrieben, plus eine Besonderheit, die diesen speziellen Ort auszeichnet. Irgendwann fielen Steinmüller keine Besonderheiten mehr ein, also behalf er sich mit ChatGPT und schon konnte die Arbeit weitergehen.  

»Künstliche Intelligenz wird in Zukunft eine große Rolle in unserem Arbeitsalltag als Gestalter spielen. Dem sollten wir uns stellen«, sagt Robert Steinmüller. Es geht also darum, diese Werkzeuge nutzen zu lernen und ihr Potenzial zu erkennen. »Ohne KI wäre die Vertextlichung und Illustration meiner Buchidee nie möglich gewesen«, weiß er und freut sich darüber, dass es nach einer ersten kleinen Künstlerauflage für »Die Meere des Mondes« weitergehen wird und das Buch im Herbst auch in einem richtigen Verlag erscheint.

Die Meere des Mondes. Eine fiktionale Entdeckungreise zu den dunklen Flecken des Mondes

Robert Steinmüller, Reisedepenschen Verlag, 20,00 €, ISBN 978-3-96348-029-4

Der Beitrag Die Meere des Mondes – ein Buch, das es ohne KI nicht gegeben hätte erschien zuerst auf Grafikmagazin.

Die mcbw 2024 in ein paar Zahlen

Wenn man die Zahlen für sich sprechen lassen möchte, kommt bei der mcbw eine stolze Summe zusammen: Weit über 65.000 Besucher:innen und 190 Partner:innen kamen rund um das Motto »How to co-create with nature« in München zusammen, zwischen dem 11. und 19. Mai 2024 fanden mehr als 200 Events mit 290 Speaker:innen und Gästen statt. Und noch eine interessante Zahl: Die mcbw ist Mitglied der sogenannten World Design Week, ein Netzwerkverband aus über 40 Designwochen und Festivals auf der ganzen Welt. Ihr erklärtes Ziel ist, die Zusammenarbeit im Designbereich im Zeichen dieser Events und demnach auch die Kreativwirtschaft zu fördern.

Wie geht nature-centered design?

Exemplarisch für diese Mission stand bei der mcbw 2024 etwa der Design Summit 2024, der sich mit der drängenden Frage befasste, wie es sich mit der Natur leben, wirtschaften und gestalten lässt. Wie kann man also »nature-centered design« mit der Natur als Co-Creator umsetzen und mithilfe von Design Nachhaltigkeit begehrlich machne? Wie schaffen wir es, gängige Muster der Konsumgesellschaft zu überdenken und sowohl Designausbildung als auch Designverständnis darauf anzupassen? »Hier geht es nicht um Naturromantik, sondern um konkrete Fakten und Ergebnisse, denn die Zukunft unseres Planeten geht uns alle etwas an. Dabei kommt gerade dem Design eine Schlüsselrolle zu, denn 80% der Umweltauswirkungen eines Produkts werden tatsächlich schon in der Entwurfsphase festgelegt«, so hieß es seitens der mcbw. Zu dem komplexen Thema sprachen und diskutierten knapp 20 Speaker:innen, etwa der italienische Architekt und mcbw creative explorer 2024 Stefano Boeri, Daniela Bohlinger, Head of Sustainability Design der BMW Group sowie weiteren international renommierten Speaker:innen, die mit ihren diversen Perspektiven die Natur in den Mittelpunkt stellten.

Let’s walk together

Bei den Designwalks in Haidhausen konnten Besucher:innen das sogenannte Franzosenviertel mit neuen Augen erkunden. An neun inspirierenden Stationen luden die jeweiligen Gründer:innen mit ihren regionalen und nachhaltigen Konzepten dazu ein, kreative Köpfe, ihre Läden und Produkte kennenzulernen.

Wer den Designwalk nachträglich nochmal anhören möchte, hat Glück: das mcbw-Team hat hier alle Interviews mit den diesjährigen Stationen hinterlegt. Mit dabei: Jules & Mel im HIER Store, Suupinga, Macy Munich, Studio B, Studio 11, Wineslingers, REIBOLDS, Silberfabrik und die Stadtmöblierungs Insel der Städtischen. Viel Spaß beim Hören! 

Installationen und Publikumsmagnete in ganz München

Doch auch jenseits von Haidhausen hat die mcbw für die gesamten neun Tage maßgeblich den Münchner Stadtraum geprägt: Interaktiven Installationen, einem sehr präsenten Keyvisual bis hin zur Installation »Turning Point« von BLACKSPACE, die stellvertretend für die bedrohten Wälder eine 45 Jahre alte Bergkiefer auf der Grünfläche hinter der Alten Pinakothek inszenierte; mit einer Kurbel konnte sie durch Rotation, Licht und Sound interaktiv zum Leben erweckt werden. Besondere Publikumsmagneten waren die beiden mcbw pop up Container auf dem Königsplatz und »Am Pschorr« am Viktualienmarkt, und mit der Installation »Feierabendziegel« lockte man Passant:innen auf den Königsplatz: Drees & Sommer stellten mit ihrer Aktion Brand Experience und EPEA das Wegwerfen von Baustoffen nach deren Einsatz in Gebäuden in Frage. Die mit Zitaten namhafter Künstler:innen bedruckten Kunstwerke durften von den Besucher:innen mitgenommen werden. In unserer Redaktion erinnert ebenfalls einer dieser Ziegel sowohl an die Natur, als auch die mcbw, die wir als Medienpartner begleiten durften – und schürt schon die Vorfreude aufs nächste Jahr.

Mehr zur mcbw

Zur Website von bayern design

Der Beitrag Co-creating with nature: Das war die mcbw 2024 erschien zuerst auf Grafikmagazin.

Wie sind Sie auf das Thema gekommen, was hat Sie bewogen, ihm ihre Abschlussarbeit zu widmen?

Marit Hölting: Das eigentliche Thema ist entstanden, weil ich mich zu Beginn meiner Recherche viel mit der zunehmenden Queer-Feindlichkeit in Deutschland beschäftigt habe. Außerdem hatte ich zu Beginn meiner Bachelorarbeit Kontakt zu zwei Vorstandsmitgliedern des LSVD NRW (Lesben- und Schwulenverband NRW), die mir aktuelle, wichtige Themen genannt haben. Eines davon war das Selbstbestimmungsgesetz. Da die Verkündung des Gesetzes in den sozialen Medien bereits große Debatten ausgelöst hatte, die wenig mit der tatsächlichen Lebensrealität von Trans*-Menschen zu tun hatten, wollte ich meinen Teil dazu beitragen, dieser Stigmatisierung etwas entgegenzusetzen.

Warum haben Sie sich den FC St. Pauli als Absender Ihrer fiktiven Kampagne ausgesucht?

Bei der Wahl des Absenders war mir eine ehrliche Haltung zum Thema sehr wichtig. Angesichts des großen Aufschreis über den Gesetzesentwurf brauchte ich einen Absender, der bereits eine starke Meinung zu diesem und ähnlichen Themen hat und sich nicht scheut, diese zu vertreten. Pinkwashing wollte ich auf jeden Fall vermeiden und der FC St. Pauli setzt sich seit jeher für die Rechte seiner Fans und Spieler:innen ein. Das Wertesystem des Hamburger Vereins passte daher perfekt zu der Botschaft, die mein Projekt transportieren sollte. 

Die Fans von St. Pauli gelten als offen und progressiv. Ist das nicht »Preaching to the Converted«? Wäre eine solche Kampagne Ihrer Meinung nach auch für andere Vereine denkbar, könnte sie Vorbildcharakter haben?

Da trans* sein auch in Deutschland leider immer noch sehr umstritten ist und selbst bei progressiven Menschen teilweise noch Diskussionen auslöst, wollte ich meinem Projekt einen Rahmen geben, der von der Basis her auf jeden Fall die Rechte von Trans*-Personen unterstützt. Es ging mir um Rückhalt und Unterstützung einer breiten Community. Ich wollte verhindern, dass ich Trans*-Menschen mit noch nicht progressiven Vereinen oder Absendern schaden könnte. 
Aber ich bin mir sicher, dass die Kampagne Vorbildcharakter haben kann. Vor allem, weil sich in der Fußballwelt gerade viel bewegt und zum Beispiel mehr Unterstützung für homosexuelle Spieler gezeigt wird. Das zeigt auch das Gruppen-Coming-Out, das im Mai initiiert wurde und ein Startschuss für mehr Sichtbarkeit sein soll. Es bewegt sich in die richtige Richtung auch wenn noch viel Luft nach oben ist. 

Können Sie mir noch etwas zum Design der Kampagne sagen?

Bei der Farbwahl habe ich mich von dem Braun und Rot, das der FCSP normalerweise verwendet, entfernt und mich stattdessen auf Schwarz konzentriert, das auch in der Kommunikation des Vereins häufig verwendet wird. In Kombination mit dem hellen Rosa und Blau der Transflagge wollte ich die beiden Welten zusammenbringen. In der Gestaltung habe ich die Farbe Rosa hervorgehoben, um vor allem Transfrauen mehr Raum in der Gestaltung zu geben, denn sie sind es, deren Lebensrealitäten in der Diskussion meist ignoriert und verfälscht werden.
Die Logofarben habe ich für die Kampagne verändert. Die Modifikation des Logos spiegelt die sichtbaren Veränderungen wider, die transidente Menschen im Laufe ihres Selbstbestimmungsprozesses durchlaufen und soll den mutigen Schritt symbolisieren, der mit einer Namens- oder Geschlechtsangleichung verbunden ist. Diese visuelle Veränderung thematisiert nicht nur die äußere Transformation, sondern auch das Streben nach Authentizität und Selbstbestimmung. Der dunkle Stil unterstreicht die Ernsthaftigkeit des Themas Selbstbestimmung. Der FC St. Pauli bleibt als Absender erhalten, tritt aber in den Hintergrund, um dem wichtigen Thema genügend Raum zu geben.
Als Schrift wählte ich die OC Revolt 1, die mit ihrem Tape-Charakter den Look von Straßen-Demonstrationen auf die Kampagne übertragen soll. Ich wollte die Rohheit und Authentizität eines selbstgemalten Banners aufgreifen. 

Welche Kommunikationsmittel umfasst Ihre Kampagne?

Die Kampagne umfasst ein Keyvisual, eine Plakat Serie, zwei Großflächen und diverses Merchandise (Buttons / Sticker / Pullover / TShirts / Cap / Beanie), um die Kampagne in der Fan- und Unterstützer:innen-Community weiter zu streuen. 

Weitere Informationen rund um Ausbildung und Studium sowie Abschlussarbeiten finden Sie hier … und im Grafikmagazin 02.24 geht es auf 20 Seiten um den Schwerpunkt »Education«.

Der Beitrag Trans*Pauli erschien zuerst auf Grafikmagazin.

Schon die von Lorenz Boegli gedruckte Save-the-Date-Karte war ein Highlight und machte Lust auf mehr. Mit dem Motiv eines Papierfliegers nahm die Reise zur Independent Paper Show (IPS) ihre Anfang und wurde Ende April im Terminal 2 des Flughafens Genf fortgesetzt. Stilecht erhielten alle Besucher:innen einen Koffer aus Karton, gefertigt von der Sonderegger AG, um alle weiteren Schätze verstauen zu können, die ihnen die 21 Aussteller aus der Papier-, Druck- und Weiterverarbeitungsbranche präsentierten. Den Zutritt zur IPS gewährte ein aufwändig gefertigter und verpackter Reisepass, den Bubu umgesetzt hatte. Den Pass konnte man sich an jedem Stand abstempeln lassen und so ein schönes Erinnerungsstück an eine gelungene Veranstaltung mit nach Hause nehmen.

Neben hochwertigen und teilweise neuen Kreativpapieren konnten die Besucher:innen auch nachhaltige Materialien entdecken. Man konnte Papier schöpfen, sich informieren und beraten lassen. Den intensiven Austausch und die kreative Atmosphäre in der Gepäckabfertigungshalle, die nur während der Ski-Saison genutzt wird, schätzen die jungen Kreativen ebenso wie alte Hase der Branche.

Am 12. und 13. Juni 2024 findet erstmals eine IPS in London statt. Die nächste IPS in der Schweiz ist am 7. und 8. Mai 2025 in Zürich geplant.

www.papershow.ch

Der Beitrag Independent Paper Show in Genf erschien zuerst auf Grafikmagazin.

Soлomiya steht für Frieden

In Form einer unabhängigen Printpublikation wurde Soлomiya Magazine als Reaktion auf die russische Vollinvasion in der Ukraine 2022 ins Leben gerufen. »Soлomiya« ist ein ukrainischer Frauenname, der in etwa »Frieden« bedeutet; ein erstmal widersprüchliger Titel für eine Zeitschrift zum Krieg. Gerade deshalb möchte sie als Plattform für aufstrebende und etablierte ukrainische Kreative dienen, die ihrer Sehnsucht nach einem Ende des Kriegs Ausdruck verleihen. Sie bedienen sich einer breiten Palette von kreativen Mitteln, um persönliche Erfahrungen, emotionale Beobachtungen und intellektuelle Diskurse zu teilen.

Die harsche Realität des Kriegs

Künstler:innen wie Vsevolod Kazarin regen mit ihren Fotografien und Fragen zum Nachdenken über die Konzepte von Männlichkeit im Krieg an, während Alex Mashtalers bisher unveröffentlichte Fotografien die jugendliche Unschuld mit der harten Realität des Krieges konfrontieren.

Ivanna Kozachenko und das Künstlerkollektiv Commercial Public Art die Raum-Strategien der von russischen Streitkräften in den besetzten Gebieten errichteten Architektur. Essays von Lucy Zoria und Sebastian Wells bieten eine Vielzahl von Perspektiven auf die Lebenserfahrungen junger Ukrainer:innen im Ausland.

Eine herausragende Porträtserie mit dem Titel »War Dreams« des italienischen Fotografenkollektiv Caimi&Piccini etwa fängt die Gedanken eines jungen Soldaten aus Odessa ein, der nach »einer Reise, einem Flug und Freiheit« sehnt. Diese Serie beleuchtet die emotionalen Wirren des Krieges aus der Perspektive derjenigen, die an vorderster Front kämpfen.

Die dritte Ausgabe von Soлomiy bietet auch Einblicke in die koloniale Vergangenheit und die gegenwärtige Militarisierung der Ukraine durch Interviews mit bekannten Persönlichkeiten wie Asia Bazdyrieva, Maxim Dondyuk und Henrike Naumann. Diese Gespräche liefern eine tiefere Einsicht in die komplexen Zusammenhänge, die das Land prägen – sowie Realitäten, die Russland seit vielen Jahren zum Schweigen zu bringen versucht.

Ein großes Trotz-dem

Die dritte, 132-seitige Ausgabe von Soлomiya im Format 23 × 31 cm wurde erneut vom Kollektiv Scrollan feinfühlig gestaltet sowie klimaneutral und vegan gedruckt; Publisher ist SHIFT BOOKS (International), mit Unterstützung vom Reseller Readellion in der Ukraine. Das Editorial Design führt mit einer beeindruckenden Auswahl an Texten und Bildern in die tiefsten Ecken der ukrainischen Realität. Das Redaktionsteam von Soлomiya, bestehend aus Sebastian Wells, Vsevolod Kazarin, Andrii Ushytskyi und Ivanna Kozachenko, arbeitet mit Kollektiv Scrollan in enger Kooperation an der kreativen Vision des Magazins, das einerseits für die Realitäten des Krieges sensibilisieren, andererseits auch den Mut und Stolz der Ukraniner:innen übermittelt. »Wir spürten bei der Umsetzung ein großes Trotz-dem«, wie die Gestalterin und Designprofessorin Barbara Kotte vom Kollektiv Scrollan erzählt.

Die dritte Ausgabe von Soлomiya wurde am 13. März 2024 veröffentlicht und ist ein weiterer Meilenstein in der dekolonialen Auseinandersetzung von Künstler:innen mit der von imperialer Aggression geprägten Umwelt der Ukraine.

Hier das Soлomiya Magazin #3 bestellen

Mehr zum ausführenden Kollektiv Scrollan

Die erste Ausgabe von Soлomiya Magazine stellten wir in der Ausgabe 01.23 »Bars & Drinks« vor, hier bestellen

Der Beitrag Sehnsucht nach Freiheit: Soлomiya Magazine präsentiert die dritte Ausgabe erschien zuerst auf Grafikmagazin.

Auch wenn digitale visuelle Reize allgegenwärtig sind, spielt das gedruckte Plakat sowohl in der Gestaltung als auch in der Öffentlichkeit noch immer eine große Rolle. Welche Geschichten es zu erzählen hat und wie sich sein Zauber – sprichwörtlich – entfaltet, untersucht ein neues Buch aus dem Hause Slanted Publishers, das ohne Umschweife mit einem Poster aus hochwertigem Affichenpapier als Buchumschlag daherkommt.

Die besten Plakatdesigns der Hochschule Düsseldorf seit 1968

Die Hochschule Düsseldorf, ein Ort der Innovation und Kreativität, ist seit langem als Nährboden für herausragende Plakatgestaltung bekannt. Seit 1968 haben Künstler:innen wie Uwe Loesch, Fons Hickmann und Andreas Uebele die Grenzen des Plakatdesigns erweitert und neu definiert. Ihre Werke haben nicht nur die Wände der Universität geschmückt, sondern haben auch Einzug in renommierte Sammlungen wie das MoMA in New York und das Museum für Gestaltung Zürich gehalten.

Nun werden diese Meisterwerke in einem einzigartigen Buch zusammengeführt, »Das Plakat isst eine Fläche«. »Unser hier präsentierte recht große Plakatsammlung gibt somit auch einen Einblick in die wunderliche Historie des Grafik-Design-Studiums am Fachbereich Design der Hochschule Düsseldorf«, heißt es im einleitenden Text. »Das eine und andere Plakat wurde sogar Sammlerstück und mit Auszeichnungen geehrt, manche Plakate haben eine Woche gelebt, ihre Aufgabe erfüllt und sind in ihrer ganzen Schönheit verschwunden. Andere waren unleserlich aber schön, blöd aber leserlich, ärgerlich aber immerhin farbenfroh. Immer ging es um großen Gehalt & Wort, Form & wichtigen Sinn. Alle diese Plakate stehen jetzt, in diesem Buch, heiter wieder auf.«

Wenn die Grenzen zwischen Plakat und Buch verschwimmen

Konzeptionell ist das Buch nicht nur ein Sammelsurium von Plakaten, sondern ein »Plakatroman« im wahrsten Sinne des Wortes. Die Seiten sind fortlaufend bedruckt und werden wie eine Druckfahne behandelt. Texte und Bilder erstrecken sich über eine durchgehende Fläche, die später geschnitten und zu einem Buch gebunden wurden und die Grenzen zwischen Plakat und Buch verschwimmen lassen.

Die Vielfalt der Arbeiten ist beeindruckend. Von abstrakten typografischen Lösungen bis hin zu kraftvollen Bildkompositionen – jedes Plakat erzählt seine eigene Geschichte und lädt Betrachter:innen und Leser:innen ein, in eine Welt voller Farben, Formen und Ideen einzutauchen. Obwohl sie alle aus verschiedenen Epochen stammen, vereinen sie sich zu einem harmonischen Ganzen, das die Evolution des Plakatdesigns über die Jahre hinweg widerspiegelt.

Hinter den Kulissen dieses außergewöhnlichen Projekts stehen talentierte Köpfe wie Victor Malsy und Uwe J. Reinhardt, die als Professoren das Projekt initial betreuten, sowie die Gestalter Eric Fritsch, Filip Zdrojewski und Linus Knappe, die es fortführten. Mit viel Liebe zum Detail haben sie nicht nur die Plakate ausgewählt, sondern auch das Design des Buches selbst konzipiert. Das Ergebnis ist ein wahrer Augenschmaus, der die Essenz des Plakatdesigns auf unnachahmliche Weise einfängt.

»Das Plakat isst eine Fläche« richtet sich neben Plakatliebhaber:innen an alle, die sich für die Kraft der visuellen Kommunikation im öffentlichen Raum begeistern lassen. Es ist eine Hommage an die kreative Freiheit und den unermüdlichen Geist der Designer, die es verstehen, aus einer einfachen Fläche ein Kunstwerk zu zaubern.

»Das Plakat isst eine Fläche«, Slanted Publishers, hier kaufen

Redaktion: Victor Malsy, Uwe J. Reinhardt, Eric Fritsch, Linus Knappe, Filip Zdrojewski, HSD PBSA—Fachbereich Design
Design: Linus Knappe, Eric Fritsch, Filip Zdrojewski
236 Seiten, Offsetdruck, Buchblock mit offener Fadenheftung, Poster Index auf DIN A2 Affichenpapier-Poster als Buchumschlag
ISBN: 978-3-948440-70-1
30,– Euro

Passend zum Buch gibt es eine Website, auf die das Team Plakate fortlaufend einträgt

Hier finden Sie eine Rezension des »Yearbook of Lettering«, ebenfalls aus dem Hause Slanted Publishers

Unsere Schwerpunktausgabe zum Thema gibt es hier, das Grafikmagazin 05.21 »Plakatgestaltung«

Der Beitrag Slanted Publishers: »Das Plakat isst eine Fläche« erschien zuerst auf Grafikmagazin.

Mehr als nur bunte Bilder

Vorgestellt wurde die diesjährige Kampagne des ADC Festivals, entwickelt von der Münchner Agentur Saint Elmo’s, auf dem German Creative Economy Summit am 7. März. Passenderweise stand auch diese Veranstaltung, ein Branchentreff für Zukunftsthemen aus Politik, Wirtschaft und Design, ganz im Zeichen der Veränderung durch Kreativität.

Matthias Harbeck, CCO von Saint Elmo’s und Vorstandsmitglied des ADC, betont bei der Vorstellung der Kampagne, dass Kreativität nicht nur aufhübscht, sondern als treibende Kraft für Veränderungen bitter nötig ist: »Kreativität ist so viel mehr als nur bunte Bilder. Geniale Ideen können die Welt verändern. Wir feiern junge Kreative für ihre wegweisenden Projekte und ehren die rebellische Kraft der Kreativität.«

Inspiriert vom berühmten Porträt Albert Einsteins zeigen die Kampagnemotive fünf herausragende Kreative, die mit ihren Ideen die Welt nachhaltig beeinflusst haben, etwa durch gesellschaftlichem Engagement wie den Verkauf des »Flutweins« zugunsten der Flutopfer in der Region Ahrweiler bis hin zu technologischen Innovationen einer »Uncensored Library«, die zensierte Bücher via Minecraft zugänglich macht.

Die Kampagnenmotive sind in Zusammenarbeit mit dem renommierten Fotografen Markus Burke entstanden; zusätzlich zu den Plakaten sorgt die Kampagne mit animierten City Light Postern für aufmerksamkeitsstarke »Tongue-Moments«.

Auch das bisherige Programm des Festivals und des ADC Kongresses wurde gelüftet, auftreten werden etwa Musiklegende Blixa Bargeld, der Star-Architekt Hadi Teherani und die gefeierte Creative Director Liza Enebeis von Studio Dumbar, die mit der Vielfalt ihrer Arbeit den weitreichenden Einfluss der kreativen Community nur unterstreichen.

Das Festival verspricht inspirierende Tage voller Aktivitäten – Business-Panels, Masterclasses und einer Expo. Höhepunkte sind die Talent Award Show und die Award Show mit anschließender Party, die erstmals direkt hintereinander stattfinden.

Das ADC Festival 2024 soll vor allem auch eine Gelegenheit für die Teilnehmenden sein, sich zu vernetzen und auszutauschen. Die Ehrentitelverleihung würdigt herausragende Persönlichkeiten und Organisationen, die einen bedeutenden Beitrag zur Kreativwirtschaft geleistet haben.

Für alle Interessierten bietet das Festival eine Vielzahl von Ticketoptionen, darunter auch ermäßigte Tarife für Studierende und Gruppen. Der Early-Bird-Tarif ist bis zum 15. März verfügbar.

Alle Infos zum ADC Festival 2024 hier

Mehr zur Arbeit von St. Elmo’s

Das Portfolio von Fotograf Markus Burke

Der Beitrag ADC Festival 2024: Kreative Köpfe, die die Welt verändern erschien zuerst auf Grafikmagazin.

Ingo Maurer, der 2019 verstarb, hinterließ seinem Team der Ingo Maurer GmbH seine Designphilosophie, bei der – neben dem Formwillen und der Funktion – insbesondere die Wirkung der Lichtobjekte auf die Menschen im Fokus steht. Der Leuchtenhersteller ist seit über 50 Jahren in München ansässig und steht für außergewöhnliches Design sowie innovative Lichtkonzepte. Von internationalen Projekten wie der Lichtgestaltung des Radisson Collection Hotels in Tsinandali bis hin zur UNICEF Crystal Snowflake in New York City hat das Unternehmen seine kreative Vielfalt unter Beweis gestellt. Aber auch öffentliche Plätze wie U-Bahnhöfe in München oder Karlsruhe finden sich in im Portfolio der Firma.

Das Konzept für das Sendlinger Tor, in Zusammenarbeit mit Raupach Architekten entwickelt, hebt die Grenzen zwischen Licht, Raum und Struktur auf. Von oben herab umschließen emaillierte Wand- und Deckenpaneele aus Blech die Haltestellen, während Paneele aus Granit von unten heranwachsen, als würden sie den Raum umarmen. Lichtelemente, geschickt in die Decke eingelassen, betonen die stromlinienförmige Architektur des Bahnhofs und lassen Beleuchtung und Architektur nahtlos miteinander verschmelzen.

Das Herzstück des Konzepts liegt in der dynamischen Verschmelzung von Farbe und Licht. Auf den Bahnsteiggeschossen und den Zugängen sorgen farbige, emaillierte Metallpaneele und helle Werksteinplatten für ein durchgängiges Gestaltungselement. Die Farben Gelb und Blau, repräsentativ für die dortigen Bahnlinien, prägen das visuelle Erlebnis und dienen zugleich der Orientierung der Reisenden.

Besonders beeindruckend sind die linearen Lichtelemente, die in die Decken integriert sind und einzelne Bereiche des Bahnhofs optisch dynamisieren. Eine prismatische Streuscheibe, die eine Lichtspirale darstellt, verbessert die Entblendung und verleiht dem Raum eine faszinierende Ästhetik.

Im Foyer, als zentraler Treffpunkt des Bahnhofs, schaffen gelbe Akzente eine einladende Atmosphäre. Mattweiße Reflektorringe mit eingelassenen LEDs sorgen für eine moderne Beleuchtung, die Sicherheit und Ästhetik vereint. Schwarze Deckenelemente setzen dabei einen markanten Kontrast und verleihen dem Raum eine zeitlose Eleganz.

Das Lichtkonzept für den U-Bahnhof Sendlinger Tor ist nicht nur eine Bereicherung für die Stadt München, sondern ein leuchtendes Beispiel dafür, wie Licht und Design den urbanen Raum transformieren können und den Reisenden eine einzigartige, ästhetische Erfahrung bietet.

Alle Bilder © Ingo Maurer GmbH

Mehr zur Arbeit von Ingo Maurer

Das Fokusthema »Design im öffentlichen Raum« behandeln wir auch in der aktuellen Ausgabe

Der Beitrag Leuchtendes Beispiel für urbane Gestaltung: Neues Lichtkonzept von Ingo Maurer erschien zuerst auf Grafikmagazin.

Niemann, bekannt für seinen einzigartigen Stil und seine kreative Herangehensweise an visuelle Kommunikation, nutzt eine Vielzahl von grafischen Techniken und Medien, darunter Siebdruck, Linolschnitt, Letter Press, Tuschzeichnung, Aquarell und Fotoübermalungen. Diese Vielfalt ermöglicht es ihm, ein breites Spektrum an Werken zu schaffen, von Illustrationen über Editorial Design bis hin zu Comics, Animationen – und sogar Street Art.

Was diese Ausstellung »Konstrast« jedoch besonders macht, ist Niemanns Fähigkeit, den Ausstellungsraum selbst als integralen Bestandteil seines Werkes zu betrachten und zu gestalten. Durch eine geschickte Kombination aus Boden- und Wandgestaltung sowie seinen grafischen Arbeiten schafft er eine einzigartige Raumdeutung, die Betrachter:innen aktiv einbezieht und das Gefühl vermittelt, den Raum als Teil des Kunstwerks zu erleben.

Die Verbindung von Architektur und Kunst wird in Niemanns Werken auf eine Weise zelebriert, die den Raum in seiner Gesamtheit neu definiert. Besucher:innen werden dazu eingeladen, den Raum zu erkunden und dabei festzustellen, dass die Grenzen zwischen Raum, Wand und Kunstwerk verschwimmen. Es ist eine Erfahrung, die weit über die traditionelle Vorstellung einer Ausstellung hinausgeht – und den Raum selbst als lebendiges, gestaltbares Medium betrachtet.

Niemanns Wurzeln in Ludwigsburg und seine internationale Erfahrung, insbesondere in New York City, prägen seine Arbeit und verleihen ihr eine universelle Anziehungskraft. Sein Einfluss reicht weit über die Grenzen Deutschlands hinaus, und seine Werke sind auf den Titelseiten renommierter Publikationen wie The New Yorker, Atlantic Monthly und The New York Times Magazine zu finden.

Insgesamt ist die Ausstellung von Christoph Niemann nicht nur eine Feier seiner künstlerischen Brillanz, sondern auch eine Erinnerung an das Potenzial von Illustration, Räume zu transformieren und neue Perspektiven zu eröffnen.

Die Ausstellung läuft bis zum 28. April 2024; dazu erscheint ein begleitender Katalog im Klotz-Verlagshaus.

Mehr Infos zur Ausstellung und zum Mannheimer Kunstverein

Zur Website von Christoph Niemann

Der Beitrag Christoph Niemann im Mannheimer Kunstverein erschien zuerst auf Grafikmagazin.