Hara ist auf vielen Gestaltungsgebieten tätig. So ist er seit 2001 Art Director bei Muji und entwarf die Programme für die Eröffnungs- und Abschlussfeiern der Olympischen Winterspiele 1998 in Nagano. Außerdem schuf er, neben vielen anderen Designprojekten, die offiziellen Plakate für die EXPO 2005 in Aichi, das Orientierungssystem für das Umeda-Krankenhaus, das Corporate Design des Kunstmuseums der Präfektur Nagasaki und das neue Design für das Kaufhaus Matsuya in Ginza. Im Jahr 2008 arbeitete Hara für das Herrenparfüm Kenzo Power mit dem Modelabel Kenzo zusammen, um nur einige Aufgaben aus seinem reichen Schaffen zu nennen. Entsprechend vielfältig sind die ausgewählten Beispiele, denn der Prozess des Skizzierens und Zeichnens mit der Hand hat für ihn immer eine bedeutsame Rolle gespielt. 

Das beginnt in der Frühzeit seiner Karriere: Nach dem Studium an der Musashimo Art University wollte er unbedingt in das Studio von Eiko Ishioka. Sie war in den frühen 1980er-Jahren nicht nur eine herausragende Figur für Mode und kommerzielle Werbung in Japan, sondern offenbar auch eine unerbittliche, von Hara aber sehr geschätzte Lehrmeisterin. Sie legte großen Wert auf Illustration, das blieb für ihn nicht ohne Folgen. So finden sich in »Draw« zu Beginn kunstreiche, teils hochkomplexe Ornamente – wertvolle Fingerübungen für seine späteren Entwürfe. Doch ebenso sind zahlreiche Varianten für Etiketten und Flaschen vertreten sowie Modellzeichnungen für Ausstellungsgebäude und ganze Häuserareale. Teilweise sind die gezeigten Ideen verblüffend, lassen aber vor allem den einfallsreichen Schaffensprozess erahnen, der schließlich zu ikonischen Ergebnissen geführt hat. Für Kenya Hara soll dieses Buch die nächste Generation von Kreativen inspirieren und ist durchaus als Plädoyer für eine Rückkehr zu analogen Prozessen im Design zu verstehen. Skizzieren und Zeichnen mit der Hand kann die gewohnte Entwurfsarbeit am Computer wirkungsvoll fördern und ergänzen, das beweist »Draw« überzeugend.

Text: Herbert Lechner

Kenya Hara: Draw
Lars Müller Verlag, 2025
352 Seiten mit rund 720 Illustrationen. Text in Englisch
ISBN: 978-3-03778-761-8
60,– Euro

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Liberté, Créativité, Diversité

Rébecca Dautremer hat das Festivalplakat gestaltet. Unter dem Titel »Sechs Personen auf der Suche nach einem Autor« versammelt sie eine bunte Gesellschaft: eine Vampirgräfin, ein Monster, ein Wolfsmensch, eine Hexe, eine Kriegerin und eine eigens erfundene Gestalt namens Lukawa – halb Manga, halb Lucca. Sie stehen auf einer imaginären Bühne, inspiriert von Pirandellos berühmtem Theaterstück, und suchen nach dem Kuss, der ihre Geschichte fortschreibt. Ein Motiv, das für den Dialog zwischen Kulturen und Kunstformen stehen soll, so die französische Illustratorin. 
Dautremer wird zugleich mit einer großen Werkschau im Palazzo Guinigi vertreten sein. Dort gibt sie Einblicke in Skizzen und Arbeitsprozesse zu ihrem neuesten Werk »Ruby Rose«, das 2026 in Frankreich erscheinen wird.

An ihrer Seite gibt es weitere Höhepunkte im Palazzo zu entdecken: 

Kevin Eastman, Mitbegründer der Teenage Mutant Ninja Turtles, präsentiert Skizzen und Storyboards und erzählt von der Entstehungsgeschichte seiner Kultreihe.

Die Schau »L’Eternauta: Beyond Space and Time« dokumentiert anhand von hundert Originalzeichnungen ein Meisterwerk des argentinischen Comics. Die düstere Zukunftsvision von Héctor Germán Oesterheld steht als Allegorie gegen den Totalitarismus – und wurde für den Autor persönlich tragisch, da er später zu den »Desaparecidos« gehörte.

Mit Grazia La Padula wird eine der spannendsten Stimmen des italienischen Comics vorgestellt – von frühen Zeitschriftenbeiträgen bis zu ihrem neuen Werk »Les insoumises«.

Kulinarische Kunst bietet »Foodmetti – Artists of the Tables«: Rezepte, Getränke und Küchenwelten werden in Illustrationen, Workshops und Live-Kochen neu interpretiert.

Hexagones

Die kreative Tour de France setzt sich in der Ausstellung »Hexagones« fort. Im Sitz der Fondazione Banca del Monte di Lucca alias Palais de France werden zwölf prägende Stimmen der bande dessinée präsentiert – darunter Claire Bretécher, Moebius, Philippe Druillet, Gotlib, Jean-Marc Reiser und Jacques Tardi. Sie haben die Entwicklung der Bilderzählung hinsichtlich ihrer Bedeutung, Methoden und Wirkung tiefgreifend beeinflusst, indem sie die Emotionen der Leser:innen und neue Potenziale des Mediums freisetzten. Besonders Künstlerinnen erkundeten ab den 70er-Jahren ihre innere Welt durch sehr persönliche Werke und machten diese zu einer Erweiterung ihres Geistes und Körpers.

Ergänzt wird die Schau durch Podiumsgespräche und Signierstunden. Florence Cestac und Edmond Baudoin werden über ihren Werdegang und die gesellschaftliche Bedeutung der »Neunten Kunst« sprechen. Die Intention der Lucca Comics & Games 2025 ist es, in einem generationsübergreifenden Diskurs einen Bogen von der französischen Tradition in die Gegenwart zu spannen.

Internationale Stars

Neben den französischen Gästen hat das Festival ein vielversprechendes Line-up internationaler Illustrationsgrößen angekündigt:

Tetsuo Hara, legendärer Zeichner von »Fist of the North Star«, zeigt in der Chiesa dei Servi erstmals in Italien über hundert Originalzeichnungen und exklusive Sammlerstücke. Seine Werke verbinden Action mit spiritueller Dimension – sogar den Gegnern verleiht er Menschlichkeit.

Auch Kei Urana und Hideyoshi Andou, Schöpfer des Graffiti-Mangas »Gachiakuta«, werden nach Lucca für Panels und Workshops reisen.

Sollte man inmitten der vielen Cosplayer fokussiert bleiben, könnte man auch dem frankokanadischen Comiczeichner und Animator Guy Delisle begegnen. Er ist bekannt für seine autobiografischen Graphic Novels wie »Pjöngjang« oder »Aufzeichnungen aus Jerusalem«.

Liebhaber:innen unabhängiger US-Comics dürfen sich freuen: Aus den USA kommt Mike Richardson, Gründer und CEO von Dark Horse Media. Begleitet wird er von David Scroggy, einer prägenden Figur des 1986 gegründeten Verlags, der über fünf Jahrzehnte Erfahrung teilen wird – von Agent und Buchhändler bis hin zum Vizepräsidenten für Produktentwicklung.

Neues aus Italien

Auch die großen Namen der italienischen Szene kommen nicht zu kurz. Mit frischen Arbeiten werden Zerocalcare, Milo Manara, Leo Ortolani und Fumettibrutti (Josephine Yole Signorelli) dabei sein. Die Cartoonistin und Aktivistin aus Sizilien, die bereits 2019 mit dem Gran Guinigi Award ausgezeichnet wurde, gilt inzwischen als feste Größe im europäischen Comicbetrieb.

Mit Spannung erwartet werden die neuen, stark autobiografisch geprägten Projekte von Zuzu (Giulia Spagnulo), ebenfalls Preisträgerin von 2019. Damit setzt das Festival einen klaren Akzent auf junge Stimmen, die Illustration, Tagebuch und soziale Beobachtung miteinander verbinden.

Ein Fest der Begegnung

Das interessante Programm, eine erweiterte Kinder-Sektion, zahlreiche Neuheiten aus Gaming und Streaming sowie musikalische Live-Acts – unter anderem von der Kultband Elio e le Storie Tese – sind die besten Vorzeichen, um mit Fans aller Altersgruppen und Kulturen fünf volle Festivaltage zu feiern, mitten in der Toskana.

www.luccacomicsandgames.com

Lucca Comics & Games 2025

29. Oktober bis 2. November 2025

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Inzwischen hat es schon Tradition, dass die Künstler:innen beim ESC mit einem Introduction-Video angekündigt werden, das Impressionen aus dem jeweiligen Gastland vermittelt. Die Schweiz knüpfte in diesem Jahr an die eigene Illustrationsgeschichte an, und präsentierte gezeichnete Motive im Stil alter Plakate aus der goldenen Ära des Schweizer Tourismus. Der ESC knüpft so visuell an die Tourismus-Tradition der Schweiz an und lässt auch den Brauch des Versendens von Urlaubspostkarten neu aufleben, denn alle Motive wurden gedruckt und physisch an die Interpret:innen geschickt.

Das Kreativbüro Vaudeville Studios aus Zürich illustrierte alle Postkarten inhouse. Die 37 grossformatigen Illustrationen sind komplett von Hand und ohne jegliche KI-Unterstützung entstanden, zu sehen sind Orte aus allen Landesteilen. Eine solche illustrierte Serie habe es bisher noch nicht gegeben, sagen die Kreativen von Vaudevile Studios stolz.

Mehr zum Hintergrund

Die Vaudeville Studios wurden im November 2024 von der Zürcher Filmproduktionsfirma Dynamic Frame für die Mitarbeit am ESC-Pitch zur Erstellung der Artists-Introfilme, den sogenannten Postcards, angefragt. Die SRG als ausführendes Organ des ESC Basel 2025 lud sechs Produktionsfirmen ein, um für die Erstellung der Filme und der illustrierten Vintage-Postkarten zu pitchen. Zwei Firmen haben es in die zweite Runde geschafft. Hier musste eine Postkarte produziert werden. Jeder Artist der 37 Länder erhält von einem Ambassador aus der Schweiz (reguläre, diverse Personen, keine berühmten Persönlichkeiten) eine physische Postkarte zugeschickt und wird an einen speziellen Ort in der Schweiz für eine gemeinsame Aktion eingeladen. Basel als austragende Stadt hat die meisten vertretenen Events (inklusive Fasnacht, Beyeler Museum, Tramfahrt mit historischer Strassenbahn etc.).

»Eine der grössten Herausforderungen für uns war, die fertig gezeichneten und gedruckten Postkarten rechtzeitig vor Drehbeginn physisch bei Dynamic Frame abzuliefern. Denn in den Postcard-Filmen halten die Artists die physischen Postkarten in den Händen. Ab Entscheid Drehort und Interaktion Ambassador mit Artist(s) blieben uns oft nur 3 bis 5 Tage für eine komplette Umsetzung inklusive Druckproduktion pro Postkarte! Dies bei gleichzeitigem Dreh von diversen Postcards in wenigen Tagen. Das bedurfte der perfekten Planung unsererseits und der Bereitstellung von genügend Women- und Menpower in der Zeit von Mitte Januar bis Mitte April«, erklärt Roger Zürcher, Inhaber und Head 2D & Animation bei Vaudeville Studios.

»Alle Postkarten sind inhouse in Zürich Wipkingen mit unseren Angestellten entstanden. Ohne jegliche KI-Unterstützung. In der Pitch-Phase sind diverse generative KI-Tools zwar getestet, aber verworfen worden. Sie haben sich allesamt als nicht zielführend  herausgestellt. Keines der Tools besaß die nötige Präzision (exaktes Sujet inklusive Aktion mit Ambassador, Optimierung des Bildausschnittes durch Weglassung oder Ergänzung von Gewünschtem und Ungewünschtem etc.), Flexibilität (sehr vertikale Hierarchiestufen mit vielen Personen, die Korrekturwünsche anmerken) und Kontinuität (37 Postkarten im selben, neu entwickelten Stil).«

»Entstanden ist eine bisher – nach unserem Wissen – einzigartige, umfassende Serie von 37 grossformatigen Postkarten-Illustrationen (können problemlos auf A1 oder grösser ausgedruckt werden – Plakate sind im offiziellen Shop erhältlich) zu ausgewählten Locations in allen Landesteilen der Schweiz. Sobald alle 37 illustrierten Postkarten beim ESC veröffentlicht worden sind (die ersten 18 Sujets im 1. Halbfinale, weitere 19 beim 2. Halbfinale), werden sie als kultiges Set online erhältlich sein«, sagt Roger Zürcher.

Team

Verantwortlich bei Vaudeville Studios: Projektverantwortlicher und Creative Direction: Roger Zürcher. Illustration Postkarten: Nicolas Charly, Lead Artist. Marlene Low, Illustration. Zéa Schaad, additional Illustration. Dania Terzi, additional Illustration. Anaïs Voirol, additional Illustration. Giulia Laugel, additional Illustration.

Verantwortlich bei der SRG: Art’ur Deyneuve, Art Director. Mira Bürgi, Associate Show Producer.

Verantwortlich bei Dynamic Frame: Luzius Fischer, Executive Producer. Theresa Berres Creative Producer. Jen Ries, Creative Director. Luca Zurfluh, Creative Director.

Schriftgestaltung: Designstudio Tristesse 

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Die Ergebnisse künstlicher Intelligenz können oft verwirrend, voreingenommen oder gar hässlich sein, das weiß Grit Wolany nur zu gut. Als AI-Scout und Trend Researcher sowie als langjährig erfahrene Art-Direktorin und Designerin möchte sie zeigen, dass es auch anders geht: In ihrer Hochschularbeit und in Workshops bringt sie Licht ins Dunkel und hilft Kreativen, diese Technologie stilvoll und verantwortungsbewusst zu nutzen.

Doch was macht ein AI-Trend-Scout überhaupt? »An der ZHdK haben wir die Stelle AI-Scout genannt, weil es ein bisschen offen sein sollte, was ich eigentlich dort mache«, lacht sie. »Ich hab ja Trends & Identity im Master dort studiert, davor Design. Als Expertin wollte ich mich nicht direkt bezeichnen, aber ich habe schon Wissen voraus und war deshalb mit AI-Scout ziemlich glücklich.«

Wer beim Begriff »Scout« – wie die Autorin dieses Textes – sofort an Wes-Anderson-Filme denkt, an ein neugieriges Mädchen, das mit dem Fernglas vom Turm aus den besten Überblick hat, liegt vielleicht nicht ganz falsch: Grit Wolany ist nicht nur über die Maßen neugierig, sie liebt es auch, in verschiedene Richtungen zu denken, Experimente auszuprobieren und sich nicht auf eine Persona festlegen zu müssen.

OKGO, typografische Experimente und ­Sonder­heft »Draussen« des Schweizer Archi­tektur­magazins »Modulør«

Grit Wolany hebt im Gespräch hervor, dass die optimale Nutzung von KI stark von den individuellen Bedürfnissen abhängt. Das Spannende an der KI sei, dass jeder sie für sich so nutzen kann, wie es für einen persönlich praktisch ist – von experimentellen AI Voice Personas bis hin zum pragmatischen Zusammenfassen von Meetings. »Als jemand, der so wie du gerne schreibt, würde man das vielleicht nicht gern ersetzen lassen, dafür sind andere Einsatzmöglichkeiten für dich praktisch«, meint sie. Aus ihrer Arbeit an der ZHdK berichtet Grit Wolany, dass sie die Studierenden als sehr reflektiert und kritisch erlebe: »Sie sagen oft zu mir: ›Ich möchte mir ja nicht die schönen Dinge wegnehmen lassen, Dinge, die mir Spaß machen.‹ Und das ist vielleicht ein guter Anfang, zu sagen: ›Was macht mir denn keinen Spaß und bei welcher Aufgabe wäre ich nicht böse, wenn es schneller ginge?‹«

Bei einem internen Agentur-Workshop bei der Peter Schmidt Group im Rahmen ihrer »Future-Playgrounds«-Serie, an dem ich letztes Jahr teilnehmen durfte, bekam ich ihre humorvolle und lockere Einführung in diverse KI-Tools selbst mit. Sie wirkte erstaunlich unaufgeregt im Vergleich zu der rasanten Entwicklung vieler Tools, deren ständige Neuerungen einen als Kreativen oft unter Druck zu setzen scheinen. Grit Wolany hingegen spürt man die Freude am Ausprobieren an, aber auch den Spaß am hartnäckigen Dranbleiben. »Ich selbst bin 2002 fertig geworden mit dem Studium. Zu dieser Zeit war es so, dass man sich eine Weile mit Briefings beschäftigen konnte, um ein Konzept auszuarbeiten«, erzählt sie. »Wir Kreativen sind ja keine Maschinen, bei denen automatisch die Lösungen rauskommen. Seither ist jedoch alles immer schneller geworden, Prozesse werden gestreamlinet, obwohl man manchmal andere Wege gehen müsste, um auf neue Ideen zu kommen.

Das Explorative hat oft den größten Reiz. Wir sind es leider gar nicht mehr gewohnt, nicht genau zu wissen, ob es überhaupt ein Ergebnis geben wird.« An KI begeistert sie deshalb besonders, ohne Briefing eigene Versuche anzustellen. Sobald kommerzielle Designaufträge ins Spiel kommen, herrsche wieder mehr Erfolgsdruck: »Ich merke jetzt schon, dass es anders ist, wenn ich nicht frei experimentiere, sondern KI in einem Job verwenden soll. Wenn ich gefragt werde, wie lang ich noch brauche, setzt mich das gleich unter Druck, Zeit zwischen drei Stunden und drei Monaten zu beziffern. Besonders, wenn ein Team von deinem Output abhängig ist oder du Leute bezahlst.« Dass es im Umgang mit künstlicher Intelligenz aktuell noch eine gewisse Unplanbarkeit gebe, sei nicht allen Auftraggeber:innen zu erklären.

In den freien Arbeiten liegt für sie auch deshalb die meiste Kraft, weil sie sich mit viel Freiheit dem kreativen Prozess widmet. Agenturen, so ihre Erfahrung, nutzen KI zum Beispiel eher für visuelle Recherche oder Storyboards. Weil sie dann eher als ein Tool eingesetzt wird, das die Arbeit unterfüttere, ist vielleicht nicht ganz so viel Leidenschaft im Spiel, ganz anders bei freien Arbeiten ohne Zeitdruck.

Grundsätzlich sei sie stark von der Frage angetrieben, welche Ästhetiken wir bislang vielleicht noch gar nicht entdeckt haben – und sieht die Zukunft der KI im kreativen Bereich daher zugleich kritisch und optimistisch: »In meiner Recherche finde ich schon so viel Neues, aber gibt es ein Zwischending zwischen Foto und AI, immersive Welten, Bewegtbild, das wir noch nicht entwickelt haben? Diese Frage fasziniert mich sehr. Aktuell dominieren noch stark die menschlichen Fehler gepaart mit den Fehlern der Maschine.«

Dazu gesellt sich bei ihr auch die gedankliche Herausforderung, dass die Menge an Bildern, die durch KI produziert werden, zu einer gewissen Beliebigkeit führen kann. Ganz zu schweigen von der irrsinnigen Datenmenge, die schon aus Gründen der Nachhaltigkeit wahnwitzig ist. Schon jetzt verbraucht die Datenspeicherung von KI bereits so viel Energie wie ein kleines Land und Expert:innen schätzen, dass sich der Bedarf bis 2026 verdoppelt. »Ich bin hin- und hergerissen zwischen Begeisterung für die Möglichkeiten und der Sinnlosigkeit, was man da an Bildermengen produziert«, gibt Grit Wolany zu. »Eigentlich müssten diese besser recycelt werden. Da bin ich zerrissen. Aber unterm Strich ist der Prozess das Interessanteste für mich, diese Freude am Machen – wie früher, wenn man mit den Händen gearbeitet hat.«

Dass genau an diesem Moment des Flows der kreative Prozess oft nicht planbar ist beschreibt sie auch als seine Stärke: schnell verschiedene Ideen ausprobieren zu können, um sich gestalterisch auch mal auf unerwarteten Resultate einzulassen. Ganz generell sei diese Form der Bilderflut im Grunde aber nichts Neues: »Das gab es schon vor generativem Design. AI ist oft nicht der Grund, sondern eher ein Symptom, eine Antwort auf kulturelle Muster«, sagt sie. »Es gab immer schon Templates, man suchte immer schon den einfachen Weg, es gab immer schon Gegenrechnungen und KPIs, man versuchte immer schon die beste, kreativste Idee irgendwie messbar zu machen, um sie dann zu beschleunigen.«

Gerade deshalb scheinen ihre spielerischen Workshops einen Gegenentwurf zu liefern, wie man sich Technologie ohne Druck annähern kann. Bei ihren Workshopteilnehmer:innen erlebe sie oft, dass die verschiedenen AI-Tools den Leuten viel Spaß bereiten, wenn sie prozessorientiert denken können: »Es ist dann beim Experimentieren und Dazulernen spannend, weniger für diejenigen, die hinterher nur das Ergebnis sehen, wie bei einem Kind, das der Mama ein selbstgemaltes Bild hinhält«, lacht sie.

Grit Wolany bietet thematisch eine Vielzahl an Workshops und Keynotes an, die nicht nur wertvolles Wissen, sondern auch praktische Tipps und Tricks vermitteln. Ihre Impulse reichen von tiefen Einblicken in Generative AI und Midjourney bis hin zu kurzen Inputs und Keynotes über das Potenzial von KI und Kreativität. Teilnehmende lernen, wie Text- und Bild-KIs funktionieren, welche ethischen und rechtlichen Herausforderungen es gibt – und vor allem, wie man diese praktisch anwendet.

Text: Sonja Pham

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Niemann, bekannt für seinen einzigartigen Stil und seine kreative Herangehensweise an visuelle Kommunikation, nutzt eine Vielzahl von grafischen Techniken und Medien, darunter Siebdruck, Linolschnitt, Letter Press, Tuschzeichnung, Aquarell und Fotoübermalungen. Diese Vielfalt ermöglicht es ihm, ein breites Spektrum an Werken zu schaffen, von Illustrationen über Editorial Design bis hin zu Comics, Animationen – und sogar Street Art.

Was diese Ausstellung »Konstrast« jedoch besonders macht, ist Niemanns Fähigkeit, den Ausstellungsraum selbst als integralen Bestandteil seines Werkes zu betrachten und zu gestalten. Durch eine geschickte Kombination aus Boden- und Wandgestaltung sowie seinen grafischen Arbeiten schafft er eine einzigartige Raumdeutung, die Betrachter:innen aktiv einbezieht und das Gefühl vermittelt, den Raum als Teil des Kunstwerks zu erleben.

Die Verbindung von Architektur und Kunst wird in Niemanns Werken auf eine Weise zelebriert, die den Raum in seiner Gesamtheit neu definiert. Besucher:innen werden dazu eingeladen, den Raum zu erkunden und dabei festzustellen, dass die Grenzen zwischen Raum, Wand und Kunstwerk verschwimmen. Es ist eine Erfahrung, die weit über die traditionelle Vorstellung einer Ausstellung hinausgeht – und den Raum selbst als lebendiges, gestaltbares Medium betrachtet.

Niemanns Wurzeln in Ludwigsburg und seine internationale Erfahrung, insbesondere in New York City, prägen seine Arbeit und verleihen ihr eine universelle Anziehungskraft. Sein Einfluss reicht weit über die Grenzen Deutschlands hinaus, und seine Werke sind auf den Titelseiten renommierter Publikationen wie The New Yorker, Atlantic Monthly und The New York Times Magazine zu finden.

Insgesamt ist die Ausstellung von Christoph Niemann nicht nur eine Feier seiner künstlerischen Brillanz, sondern auch eine Erinnerung an das Potenzial von Illustration, Räume zu transformieren und neue Perspektiven zu eröffnen.

Die Ausstellung läuft bis zum 28. April 2024; dazu erscheint ein begleitender Katalog im Klotz-Verlagshaus.

Mehr Infos zur Ausstellung und zum Mannheimer Kunstverein

Zur Website von Christoph Niemann

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Die Risografie ist nicht nur ein sehr umweltfreundliches, sondern auch ein enorm vielseitiges Druckverfahren. Bei Magazin-Covern läßt man jedoch in der Regel die Finger davon – zu hohe Auflagen, zu viel Farbauftrag, zu viel Abrieb, viel zu empfindliche Oberflächen. All das stimmt, doch wie heißt es so schön: Wenn es keinen Weg gibt, dann musst du dir einen machen.
Risografie-Studios sind meist klein und große Auflagen tatsächlich oft ein Problem. Also verteilte das Grafikmagazin die Last auf mehrere Schultern und lud sechs Designer:innen und Risografie-Studios ein, ihr individuelles Motiv zu entwickeln und zu drucken. Im Sommer trudelten dann trotz Urlaubszeit die Entwürfe ein und jedes neue Motiv löste in der Grafikmagazin-Redaktion Begeisterung aus. Kein Design ähnelte dem anderen und auch drucktechnisch steckte viel Raffinesse in den Motiven.

Die Vorbereitung und Koordination dauerte Monate und ohne das Engagement und eine gute Portion Selbstausbeutung und Wahnsinn auf Seiten der Riso-Crews, wäre dieses großartige Projekt nicht möglich gewesen. Also Vorhang auf für unsere Hauptdarsteller:innen …

Martin Krusche

Martin Krusche ist seit 2008 freischaffender Illustrator in Berlin und der Beruf ist für ihn gleichermaßen Berufung wie Passion. »Da ich mich schon sehr früh intensiv mit der Siebdrucktechnik beschäftigt habe, ist diese nach wie vor eine meiner Lieblingsherstellungs- und Drucktechniken«, sagt er. »Das Arbeiten beim Siebdruck (und dann auch mit der Risografie) mit reduzierten Farben und in Ebenen hat sich dadurch auch in meine Gestaltungsweise und auch in meine Denkweise eingebrannt.«

»Das Motiv selbst habe ich nach einer Skizze in Illustrator angelegt und 
dann in Photoshop mit Verläufen und Schatten und das »Aufsplitten« in 
die drei Druckfarben »risofähig« gemacht. Ich spiele beim Risodruck sehr gerne mit dessen kräftigen Druckfarben als auch mit dem schönen Druckbild und mag es, wenn überdruckt wird, so dass ganz neue Farbräume entstehen. Außerdem finde ich die Aufrasterung des Risografen sehr toll, sodass ganz eigene und besondere Verläufe 
sowie Rasterungen entstehen.«
 

Rosidruckt

Rosidruckt, das sind Sabine Bretschneider und Andreas Ullrich. Sie ist gelernte Grafikde­signerin und hat an der Akademie der Bildenden Künste in München Bildhauerei studiert. Auch er besuchte die AdBK, allerdings in der freien Klasse für Grafik und Malerei und absolvierte die Meisterschule für Mode in München. Beide sind in Grafik und Design ebenso verwurzelt wie in der Kunst und anfänglich war es der Siebdruck, dem es gelang, beide Bereiche zu verbinden, inzwischen gilt ihre Leidenschaft der Risografie.

Das Cover zeigt zwei Porträts, die auf dem Vorlagenglas der Risomaschine erstellt wurden. Nachträglich verfremdeten Brettschneider und Ullrich die Scans am Computer unter anderem mit Pinselstrichen. »Da wir, von Rosidruckt, uns hauptsächlich auf Kunstdrucke und Editionen spezialisieren, war es unser Ziel, den Individualisierungsgrad der Coverauflage durch das Design und technische Anpassungen zu erhöhen. Das Cover wurde mit zwei Farben und drei Druckprozessen auf der Zweifarbmaschine MZ 770 umgesetzt. Dabei verwendeten wir sechs verschiedene Vorlagen (Mastervorlagen), die wir immer wieder zerschnitten und verschoben haben«, erklären die Kreativen.

The Happy Club

Initiiert von der Designerin und Illustratorin Michaela Huml, öffnete der Happy Club 2022 erstmals seine Pforten: ein offenes Risografie-Studio mit Shop. Ob alleine, im Team, als Workshop, jung, alt, mit oder ohne kreativen Hintergrund, der Happy Club bringt alle zusammen. Permanent Beta und Dauercamp oder einfach ein Club ohne Türsteher – im Happy Club dreht sich alles ums Entdecken, Experimentieren, gemeinsam Austauschen, um das Überraschen und Sich-Einlassen auf ein Tänzchen mit dem Riso.

»Die Risografie schlägt eine Brücke zwischen der analogen und digitalen Welt. Sie lockt uns aus unserer Komfortzone, drängt uns zur Zusammenarbeit und erschafft einen unbezahlbaren Wert des kreativen Austausches«, sagt Michaela Huml. Genau diesen besonderen Ort des Austauschs und der Inspiration hat sie in ihrem Cover-Motiv festgehalten. Zu sehen ist der Happy Club, aber auch viele Arbeiten anderer Künstler:innen, die dort entstanden sind. Wer sich selbst einmal am Riso-Drucker ausprobieren möchte, kann im neuen Ladengeschäft in der Münchner Au im Rahmen von Workshops kreativ werden.

Herr & Frau Rio

Laura Sirch und Sascha Wellm lernten sich im Designstudium kennen und merkten nach ihrem Abschluss, dass es nicht ganz das Richtige für sie war. Also wechselten sie die Seiten und gründeten 2015 Herr & Frau Rio. Sie starteten mit einem alten Riso in der WG, heute ist die Risografie der Mittelpunkt ihrer Arbeit und sie bieten Druckdienstleistungen an, die von einfachen Postkarten bis zu komplexen Projekten wie Hard­cover-Büchern reichen. Die beiden gestalten und produzieren zudem eigene Produkte wie Wochenplaner, Notizbücher und bieten Workshops an.

»Bei unserem vierfarbigen Cover-Entwurf haben wir den Fokus auf technische Finessen gelegt«, erklären die beiden. »So war uns eine randabfallende Gestaltung wichtig, obwohl das Umschlag-Format länger als das maximale Druckformat des Risografen ist. Dafür haben wir uns eines einfachen Tricks bedient und die Bögen aus zwei unterschiedlichen Richtungen bedruckt: Für den Druck der ersten beiden Farben wurde das Papier von der Vorderkante aus eingezogen, für den zweiten Druckdurchgang von der Hinterkante. Um keine sichtbaren Nahtstellen zwischen den Motiv-Teilen zu bekommen, haben wir in der Gestaltung Verlaufskanten genutzt, die einzelnen Farbseparationen laufen also weich ineinander.
Etwas sichtbarer als die Format-Tricks ist unser Umgang mit der Rasterung. Für den Entwurf haben wir uns für eine Mischung aus unterschiedlichen AM-Rastern und FM-Rastern entschieden, teilweise auch einzelne Farbseparationen in zwei unterschiedlichen Rastern gedruckt. Da das RIP des Risografen das eigentlich nicht zulässt, wurden einzelne Bereiche des Motivs mit Hilfe unterschiedlicher Software im Vorfeld gerastert.
So entstand ein plakatives Cover, das von Weitem durch die leuchtstarken Farben ins Auge sticht und bei näherer Betrachtung viele Details zum Vorschein bringt.«

Kelli Anderson

Seit über 15 Jahren ist Kelli Anderson als selbständige Designerin tätig und sagt: »Meine Arbeit ist sehr eigenwillig und kombiniert experimentelle Ansätze aus Grafikdesign, Kunst, Technologie, Pädagogik, Forschung, Architektur und Verlagswesen. Ich glaube, dass bescheidene Materialien – wie ein Stück Papier – über ungeheure Magie verfügen. Wenn sie sich nicht so verhalten, wie man es erwartet, dann erschüttert das unseren Sinn für Realität. Genau diese emotionale Wirkung versuche ich mit meiner Arbeit zu erzielen, wenn ich Risografie in Animationen umwandele.«

Kelli Anderson nutzt risografierte Vorlagen, um daraus Animationen mit der besonderen Anmutung des Riso-Drucks zu erstellen. »Die Animation, die die Grundlage für das Cover-Motiv ist, ist eine Farbstudie. Ihre Wirkung hängt von den Farben ab, die speziell für diese Studie ausgewählt wurden.« Zum Einsatz kamen Bubble, Fluo Orange, Kelli Green, Cornflower und Black.
»Ich denke, um neue Techniken zu entwickeln und neue Möglichkeiten zu finden, die im Verborgenen liegen, muss man seine Werkzeuge missbrauchen«, sagt die Gestalterin. »Meiner Meinung nach lädt der RISO von Natur aus zum Missbrauch ein, da er als Offic-Kopierer erfunden wurde, aber niemand ihn auf diese Weise nutzt. Da Animation auf einer präzisen Ausrichtung beruht, um die Illusion von Bewegung zu erzeugen, und da passergenaues Arbeiten bei der Risografie eine große Herausforderung darstellt, war ich mir sicher, dass das Experimentieren mit Animationen auf dem RISO zu etwas Unerwartetem, Unkontrollierbarem und Coolem führen würde.«

Superkolor

Studio Superkolor sind Julian und Hendrik Klein – Brüder und Grafiker aus Münster. Seit 2019 befindet sich ihr Studio auf einem alten Bauernhof außerhalb von Münster, wo die beiden klassische Designleistungen, vom Branding bis zur Plakatkampagne, mit einem Fokus auf Nachhaltigkeit anbieten. Vor gut zehn Jahren wurden sie durch eine Kleinanzeige (Kopierer zu verschenken) auf die Risografie aufmerksam. Ihre Abschlussarbeiten waren das erste, was sie auf dem Riso-Drucker realisierten, heute unterrichten sie Gestaltungsgrundlagen am Risografen an der FH Dortmund und sind fasziniert von Limitierungen und experimentellen Ansätzen dieser Drucktechnik.

Mit ihrem Motiv für das Grafikmagazin-Cover zeigen Julian und Hendrik Klein, dass auch Fotografien im Rios-Druck eine großartige Wirkung entfalten können. Die Rückseite des Covers nutzen sie, um zu zweigen, wie das Motiv gedruckt wurde. Die im Grunde genommen ganz einfache Aufteilung in CMYK – oder in diesem Fall in Aqua, Fluorescent Pink, Yellow und Black – kennt man auch aus dem Offset-Druck. In der Darstellung von Superkolor wird aber noch einmal deutlich, dass in der Risografie auch mit verschiedenen Sättigungsgraden gearbeitet wird und dieses Druckverfahren vieles vereint, was man schon kennt, aber eben auch sehr spezielle Eigenheiten besitzt, die gelegentlich starke Nerven fordern. »Verzweifeln? Nach etlichen Jahren mit den verschiedensten Risografen, Fehlersuche in Foren aus den 90ern und Nachtschichten im Testmode, versuchen wir möglichst gelassen mit den Macken des Druckers umzugehen«, sagen die Kreativen aus Münster. »Das lässt sich auch gut auf die eigene Arbeitsweise übertragen: accept and embrace imperfection.«

Das Papier

Für das Cover dieser Ausgabe setzten wir das ungestrichene Feinpapier Munken Pure Rough in 300 g/qm ein, das sich besonders gut für den Risografie-Druck eignet.
Mit bis zu 1,4-fachem Volumen, vier Weißtönen und zwei Oberflächen sowie passenden Briefumschlägen und Versandtaschen ist die Munken-Design-Range eine hervorragende Wahl für unterschiedlichste Anwendungen. Die Papiere sind zudem »Cradle to Cradle Certified Silver« zertifiziert.
Für die Fotostrecke des Grafikmagazins 05.23 nutzten wir das Papier arto gloss in 150 g/qm. Das FSC- und PEFC-zertifizierte Bilderdruckpapier bringt mit seiner glänzenden Oberfläche Farben zum Leuchten und eignet sich besonders gut für die Darstellung von Fotografien. Die Strecke »Produktion & Publishing« wurde auf dem angestrichenen Naturpapier Amber Graphic in 150 g/qm umgesetzt. Auf den übrigen Seiten begegnen Sie PrimaSet, einem gestrichenen Papier mit hohem Volumen, das durch seine matte, reflexionsarme Oberfläche für perfekte Lesbarkeit und hochwertige Bildwiedergabe mit hohem Bildkontrast sorgt.

Alle Papier stammen von Inapa

Haben wir Sie neugierig gemacht? Im Grafikmagazin 05.23 stellen wir außerdem im Schwerpunkt »Creative Printing« viele weitere spannende Druck-Projekte vor, die es sich zu entdecken lohnt. Bestellen Sie jetzt unsere besondere Ausgabe oder die sechs Risografie-Motive als Originaldrucke als Set (einfach per Email) – so schön, man möchte sie sich am liebsten alle an die Wand hängen.

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Text: Paula Schneewind

Die Autorin Maisie Hill hat seit 15 Jahren Erfahrung als Therapeutin, Coach und Doula (Geburtsbegleiterin). Durch ihre Arbeit als Expertin für Menstruationsgesundheit, ist sie sich der inhärenten Kraft des Menstruationszyklus bewusst und der Auffassung, dass Hormone unserem Leben dienen und uns helfen können. Sie möchte damit einen positiven Bezug zum eigenen Körper erzeugen und einen Zugang zu mehr Mitgefühl, Selbstverständnis und Harmonie mit sich selbst schaffen. Laut Maisie Hill ist er »das unterschätzteste und am wenigsten genutzte Werkzeug, um unser Leben zu verbessern.« Um dieses Werkzeug besser zu nutzen, hat sie eine Zyklusstrategie entwickelt, die in ihrem Kartendeck »Power Period« zugänglich gemacht wird.

Das liebevoll gestaltete Kartendeck, illustriert von der feministischen Pariser Illustratorin Lucie Birant, wird zusammen mit einem erklärenden Beiheft geliefert. Hier werden verschiedene wissenswerte Fakten über den Zyklus und Hormone erläutert, hilfreiche Informationen zum Thema Zyklus-Tracking und eine Gebrauchsanweisung für ihre Karten gegeben. Das Kartendeck ist in die vier Jahreszeiten des Zyklus unterteilt und jede Karte widmet sich einem charakteristischen Merkmal der jeweiligen Jahreszeit. Bei jedem Merkmal wird jeweils auf die »Superkraft«, die »Gefahr« und die »Selbstfürsorge« hingewiesen. Dadurch können alle charakteristischen Gefühle des eigenen Zyklus besser eingeordnet und für sich genutzt werden. Gerade wenn man diesen über einen längeren Zeitraum analysiert, lassen sich Muster erkennen, die helfen können, Planungen zukünftig besser an den eigenen Zyklus anzupassen. 

Besonders herauszuheben ist die Inklusivität der gewählten Sprache, da Maisie Hill sich bewusst der cis-sexistischen Sprache verwehrt und damit herausheben möchte, dass Menschen aller Geschlechter einen Menstruationszyklus haben können. Ihre Zyklusstrategie ist für alle gedacht, die sich mit dem Thema auseinandersetzen wollen und sie vermeidet bewusst, Hormone oder Menstruation als etwas stereotypisch »Männliches« oder »Weibliches« zu beschreiben. 

Das Kartenset repräsentiert einen Aufruf zu mehr Selbstverständnis, Mitgefühl und Selbstliebe. Sowohl optisch als auch inhaltlich wurden die Karten mit viel Liebe gestaltet und machen Lust, dem eigenen Zyklus mehr Aufmerksamkeit zu schenken. Er kann uns im Leben weiterhelfen, wenn wir ihn nur lassen. Unser Zyklus hat nämlich wirklich Power!

Wer sich erst einmal an das Zyklus-Tracking rantasten möchte, kann mit dem kostenlosen Zyklus-Tracking-Kit auf Maisie Hills Website beginnen. 

»Period Power«
Laurence King Verlag, Berlin 
Aus dem Englischen von Frederik Kugler
48 Karten / vollfarbig
€ 18,00
ISBN: 9783962443283

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Text: Paula Schneewind

Britt Müller und Winnes Rademächers sind die Gründer:innen des unabhängigen Verlags für sowohl Kunst-, Design- und Kinderbücher, als auch Comics und Zines. Mit einer Kombination aus Interdisziplinarität und Minimalismus gehen sie ihre Projekte an und möchten damit Themen mit möglichst reduzierten Mitteln wortwörtlich auf den Punkt bringen. Mit einer großen Passion für das Verlegen und Druckverfahren, legt der Verlag Wert darauf, seine Bücher auf die bestgeeignete Art und Weise zu produzieren. Das Hauptmotto hierbei ist zum einen Nachhaltigkeit, aber vor allem »eine möglichst einfache Lösung zu finden.« 
Wir freuen uns Ihnen einen kleinen Überblick über die Publikationen des Verlags vorstellen zu dürfen. 

Gestartet ist der Verlag mit den Bilderbüchern »Kritzel« und »Heb mal ein Bein«. Beide Bücher arbeiten mit einer reduzierten Bildsprache, viel Weißraum und einer scheinbar simplen Geschichte, die jedoch voller Tiefe und Liebenswürdigkeit steckt. Die 32-seitige Geschichte von »Kritzel« zeigt das ein Strich nicht einfach nur ein Strich ist, sondern sehr viel mehr kann. »Kritzel« bewegt, zeig das Schöne im Unperfekten und macht Mut selbst den Stift in die Hand zu nehmen. Eine herzerwärmende Message auf kleinem Raum. Diese Ausgabe ist auch auf Englisch unter dem Titel »Doodle« erhältlich. 

»Kritzel« / »Doodle«
Auf Deutsch und Englisch erhältlich
32 S. / 16,5 x 23,0 cm / schwarz-weiß 
Hardcover
€ 18,00 
ISBN 978-3-946896-60-9

Die Graphic Novel »Copy Shop« ist im Gegensatz dazu etwas ausführlicher im Inhalt, aber zeigt den minimalistischen Ansatz in seiner Bildsprache. Mit einem sehr reduzierten und abstrakten Zeichenstil erzählt das Buch von einer Geschichte über Julie und Ro, die in einem Copyshop arbeiten. Trotz des hohen Abstraktionsgrades bleibt es flüssig lesbar und zeigt, wie reduziert und gleichzeitig humorvoll über das Arbeiten in einem Copyshop erzählt werden kann. 

»Copy Shop«
Auf Deutsch
64 S. / 16,5 x 23,0 cm / vollfarbig 
Softcover
€ 18,00 
ISBN 978-3-946896-63-0

Neben den bereits fünf veröffentlichten Büchern gibt es noch die Felder Books Mini Reihe. Diese kleinen Heftchen widmen sich in einer ebenfalls sehr minimalistischen visuellen Sprache insbesondere den Themen Kunst und Design. Ein Exemplar der aktuell sechs-teiligen Minireihe nennt sich »Out of Order« und ist eine Fotoreihe über verwahrloste Drucker, die an Berliner Straßenrändern gefunden und über einen Zeitraum von einem Jahr dokumentiert wurden. Eine unkommentierte Darstellung, die viele Fragen aufwirft und dadurch sowohl zum Schmunzeln als auch zum Nachdenken anregt. 
Die anderen Teile dieser Serie arbeiten ebenfalls mit einer sehr unkommentierten und darstellerischen Art und Weise und wirken dank ihrer Kürze sehr frisch und unterhaltsam. 

»Out of Order«
Ohne Text
24 S. / 14,8 x 21,0 cm / vollfarbig 
Softcover
€ 9,00 
ISBN 978-3-949914-03-4

Wer nun auf der Suche nach humorvollen und kurzen Bildergeschichten mit viel Herz für sich oder die Kinder ist, ist bei Felder Books Berlin genau richtig. Aktuell können alle Publikationen einfach per Mail beim Verlag direkt oder bei Ihrer persönlichen Buchhandlung um die Ecke bestellt werden.

Falls Ihnen dieser Artikel gefallen hat, lesen sie gerne mehr über Felder Books Berlin und andere Kinderbücher in unserem Artikel über die fünf schönsten deutschen Kinderbücher. 

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Text: Paula Schneewind

Für Münchner Typografie- und Grafikdesignbegeisterte ist wohl ein Traum in Erfüllung gegangen: Paula Scher konnte mit ihren Werken einen Teil der Neuen Sammlung bespielen. Und dabei hat sie den Raum so genutzt wie niemand anderes. Ein langer Gang wird zur voll-tapezierten Plakatfläche, Poster und Buchstaben hängen von den hohen Decken, Vitrinen bekommen Schriftzüge als Beine und der Boden wird zur Deutschlandkarte á la Paula Scher. 

Die begehbare Werkschau »Type is Image« repräsentiert die Fülle und Vielfalt ihres Schaffens und wirkt trotz dessen nicht überladen, sondern zeigt wie ausgezeichnet Paula Scher einen Raum für sich nutzen und mit Leben füllen kann. Hierbei bekommen Besucher:innen Einblicke in ihr breites  künstlerisches Werk von den rein analogen Anfängen, über ihre zahlreichen Arbeiten bei Pentagram bis hin zu ihren bekannten handangefertigten Landkarten. Paula Schers Arbeiten sind laut, anregend und nehmen keinen Blatt vor den Mund. Wir waren begeistert und sprechen auf jeden Fall die Empfehlung aus, sich von ihren kraftvollen Werken mitreißen zu lassen.

Das zur Ausstellung gehörige Künstlerbuch zeigt Paula Schers visuelle Sprache auf eine neue Weise. Dieses ist nämlich kein Ausstellungskatalog im klassischen Sinne, sondern eine großformatige ungeheftete Plakatsammlung mit 101 Postern aus ihrem Gesamtwerk. Die Poster können hierbei einzeln herausgenommen, aufgehängt und nach eigenem Geschmack arrangiert werden. Die Anordnung der Poster im Heft hat Paula Scher allerdings bewusst gewählt, um auf einer Doppelseite zwei unterschiedliche Posterhälften in ein neues und kreatives Zusammenspiel zu bringen. Die langjährig erfahrene Designerin beweist auch hier, wie ausgezeichnet sie ihre Werke in Szene setzen und gleichzeitig mit Funktionalität und Mehrwert verbinden kann. Das Künstlerbuch kann im Shop in der Pinakothek der Moderne und in den Filialen der Buchhandlung Walther König erworben werden. 

Type is Image

Buchhandlung Walther und Franz König
Text auf Deutsch und Englisch 
208 Seiten / 31 x 41 cm / vollfarbig
Softcover, ungebunden
€ 45,00 EUR (Museumsshop) / €55,00 (Buchhandlung Walther König)
ISBN 978-3-7533-0465-6

Falls Sie sich für Typografie interessieren, könnte Ihnen unsere Ausgabe 04.21 mit dem Schwerpunkt Typografie ebenfalls gefallen. Ein ausführliches Interview von Christine Moosmann mit Paula Scher finden Sie hier.

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Dian Hanson ist nicht nur langjährige Autorin des Taschen Verlags, sie ist auch die Frau für die etwas schrägen und schlüpfrigen Themen. In sechs Bänden widmete sie sich Männermagazinen sowie Brüsten und Penissen oder dem Illustrator und Schöpfer schwuler Ikonen Tom of Finland. Nun hat sie sich der Kunst Frank Frazettas angenommen und wie immer ist ein Buch entstanden, dass Fans mit viel Bildmaterial und Hintergrundwissen beeindruckt und alle anderen Seite für Seite in seinen Bann schlägt.

Frank Frazetta gilt als unangefochtener Meister der Fantasy-Kunst, aber er war auch ein sehr ungewöhnlicher Mensch. Er war Profi-Baseballer in der amerikanischen Liga, Kleinkrimineller und notorischer Verführer mit dem Aussehen eines Filmstars. Der Kunst widmete er sich nach eigenen Angaben nur dann, wenn es nichts besseres zu tun gab. Trotzdem begann er schon im Alter von 16 professionell Comics zu zeichnen und für EC Comics zu arbeiten. Er stellte Tarzan und Conan dar und griff dabei auf seinen eigenen Erfahrungsschatz aus Brooklyn zurück. In seinem Viertel kannte er Typen, die genau so waren, Muskelpakete und Machos.

Frazetta machte die realen Vorlagen noch bedrohlicher und Testosteron-gesteuerter. Seine Frauenfiguren waren ebenso körperbetont und sexualisiert. Elfengesichter kombinierte er mit feisten Schenkel, vollen Hintern und Brüsten – Frazetta zeigte alles, was die Zensur gerade noch so durchgehen lies. Dabei durften seine Körper gern lebensechte Bauchansätze, Dellen und Zellulitis zeigen – was vor dem Hintergrund heutiger Sehgewohnheiten seltsam verstört.

Frazetta war vulgär, ein Gauner und Streithals aus Brooklyn, aber er erlernte sein Handwerk auch von Michele Falanga, einem neo-klassizistischen italienischen Maler. Von Disney Cartoons schaute er sich seine Linienführung ab und schuf schließlich mit Conan und anderen Comics eine eigene Welt, die sexualisiert, kraftstrotzend und für ihre Zeit absolut ungewöhnlich war. In »The Fantastic Worlds of Frank Frazetta« kann man dem Künstler und seinen sehr speziellen Bildwelten nun nachspüren. Und man muss kein Fan von Muskelmännern, barbusigen Frauen und fruchteinflößenden Kreaturen sein, um diese Welten faszinierend zu finden.

The Fantastic Worlds of Frank Frazetta
Dian Hanson, Taschen Verlag

Hardcover, Leineneinband mit Schutzumschlag,
29 x 39,5 cm, 4,87 kg, 468 Seiten, € 150 | CHF 150

ISBN 978-3-8365-7921-6 (Deutsch, Englisch, Französisch)

Weitere Beiträge zu Comic-Kunst finden Sie hier …

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Michaela Huml liebt es, andere Leute in ihre Projekte einzubeziehen, deshalb ist ihr Happy Club auch kein gewöhnliches Risografie-Studio in dem Auftragsarbeiten gedruckt werden, vielmehr geht es ums Mitmachen und Zusammenarbeiten. Wer im Happy Club einen Workshop belegt, erwirbt sich Basiskenntnisse im Riso-Druck und kann fortan die Drucker für eigene Projekte nutzen. Michaela Huml und ihr Team stehen natürlch immer mit Rat und Tat zur Seite. So entsteht eine stetig wachsende Happy-Club-Gemeinde, die experimentiert und auch gemeinsam Projekte umsetzt.

Ein solches Projekt ist der Mix & Match Kalender. Zusammen mit dem Frauennetzwerk und Kreativkollektiv Büro Chapeau lud Huml 24 Künstler:innen ein, ein Kalenderblatt zu gestalten, alle hatten völlige Freiheit und mussten sich lediglich auf zwei Farben beschränken. Das Drucken selbst war eher Happening als Arbeit, alle Kalenderblätter wurden signiert und am Ende stand eine Auswahl von 27 verschiedenen Motiven zur Auswahl.

Im kleinen Laden am Münchner Rindermarkt können Interessierte nun zwölf Motive auswählen und sich ihren individuellen Mix & Match Kalender selbst zusammenstellen. Die einzelnen Risografien sind gelocht und separat vom Kalendarium an einer speziell entwickelten Aufhängung angebracht, wenn das Jahr vorbei ist, kann man sich die schönsten Motive dann als Kunstdruck an die Wand hängen – schließlich sind alle limitiert und signiert.

Wer nicht vor Ort sein kann, hat nun die Möglichkeit, den Kalender auch online zu erwerben. Frei wählen kann man hier leider nicht, aber man kann sicher sein, dass Michaela Huml eine schöne Auswahl trifft.

Hier geht’s zum Mix & Match Art Kalender 2023

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Aus dem Inhalt

Der Schwerpunkt dieser Ausgabe ist Illustration, doch wie immer präsentiert sich das Grafikmagazin mit einer großen Vielfalt an Themen. In unserer Fotografiestrecke stellen wir Barbara Niggl-Radloff vor, die Ende der 50er-Jahre zur Verlagsfotografin für die Münchner Illustrierte wurde – als erste und einzige Frau. Mit wunderbarem Auge hat sie ihre Zeit eingefangen und Prominente wie Erich Kästner und Truman Capote porträtiert. Zum Ende des Atomkraftwerks haben sich Studierende in verschiedenen Projekten Brokdorf gewidmet und in ihren Fotos den Ort, seine Bedeutung und vor allem die Menschen eingefangen.

Wie Kapitalismus und Grafikdesign zusammenhängen, ergründen wir in unserer Rubrik »Design & Research«, ebenso wie mehr Kreativität ausserhalb der Digitalwelt gelingt. Im »Laubbläser« geht es dieses Mal um Fehler, sind sie »happy little accidents«, wie der Maler Bob Ross sagte oder doch eher mittelschwere Katastrophen? Designer erzählen, was ihnen schon so alles passiert ist und was sie daraus gelernt haben. Schließlich machen wir noch einen Exkurs ins Lithografie-Atelier und das Norwegian Printing Museum in Stavanger und in unserem Fokus »Verpackung« gehen wir der Frage nach, wie attraktives und nachhaltiges Packaging Design aussieht.

Grafik+ Illustration

»Auf Papier sieht man schnell, ob eine Idee funktioniert oder nicht«, findet die »Auf Papier sieht man schnell, ob eine Idee funktioniert oder nicht«, findet die Illustratorin Malika Specht, die ihrem Abschluss in Maschinenbau den Rücken kehrte und nun hauptberuflich illustriert und tätowiert. Viele dieser eindeutig hervorragend funktionierenden Ideen unterschiedlicher Gestalter:innen haben wir auf 20 Seiten im Grafik+ versammelt. Nina Dulleck, deren Repertoire an Kinderbuchillustration gewaltig ist und die viel Lob, aber auch deutliche Kritik für ihre Branche übrig hat. Caroline Frett, deren humorvolle Zeichnungen ganz besonderen Gefühlen Ausdruck verleihen, oft selbstironisch und von beeindruckender Beobachtungsgabe. Yeye Weller mit ihrer ansteckenden Fröhlichkeit, die auch Kunden wie Adidas, Netflix oder die New York Times anlockte. Oder Anni von Bergen, deren Kochbuch »A Sauerkraut’s Kitchen« und restliches Portfolio großen Appetit und Lust auf Reiseabenteuer macht. Sie beschrieb im Interview ihre Arbeit trefflich als einen »Prozess, dessen Inhalt sich aus Dingen speist, die ich begreifen und kultivieren möchte«.

Cover & Produktion

Mit unserem Covermotiv hat uns die Illustratorin Anne Albert in gute Stimmung versetzt: Blauer Himmel, kurze Hosen, Zeit zum Träumen – wer könnte sich das nicht wünschen? »Ich wollte unbedingt dieses Sommerurlaubsgefühl einfangen, das man sich am liebsten herbei-sehnt«, erzählte sie uns.
Für das Cover setzten wir den FSC-zertifizierten Naturkarton Peyvida in der Oberfläche puro ein, dessen reizvolle Struktur Druckprodukten eine edle Optik, aber auch eine frische Natürlichkeit verleiht. Durch das reduzierte Motiv kommt die Papierstruktur besonders gut zur Geltung. Im Innenteil kommt das Papier Salzer Touch white, holzfrei glatt von Igepa subtil zur Geltung, das unter anderem Cradle-to-Cradle-zertifiziert ist.

Der Showroom

Im Showroom präsentieren wir Félix Béltran, dessen Lebenslauf sich wie ein Filmstoff liest: Schüler von Bob Gill, Zusammenarbeit mit Designgrößen wie Milton Glaser und Herbert Matter, dann im Dienst der kubanischen Revolution. Ein wahres Abenteuerleben! Dazu gesellen sich die Gestalterin Luzia Hein und der Grafikdesigner Paul Leichtfried, die je für sich genommen eine ganz eigene Praxis der Ideenfindung und Wertschätzung ihrer kreativen Arbeit definierten. Mit dem Designstudio Super Terrain stellen wir schließlich ein Team vor, das drucktechnische Träume wahr werden lässt, gern viel experimentiert und sich nicht scheute, ein paar ihrer Fehler mit uns zu teilen.

Sind Sie neugierig geworden? Dann bestellen Sie sich gleich ein Exemplar des Grafikmagazin 01.22 mit dem Schwerpunkt Illustration.

Haben Sie ein Faible für besondere Druckverfahren und Veredelungen? Dann sollten Sie das Grafikmagazin 06.21 nicht verpassen: 3000 Exemplare und jedes Cover ist anders!

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Großartig und gruselig

Heutzutage nutzt die chinesische Regierung Influencer oder den eigenen Auslandssender CGTN, China Global Television News, um ein idyllisches Bild des Landes zu zeichnen. Die Deutsche Botschaft in Brüssel meldete, die chinesische Regierung verfüge über »eine breite Toolbox zur Manipulation des globalen Informationssystems«.

Der XL-Bildband »Chinese Propaganda Posters« von Taschen widmet sich hingegen dem Zeitraum zwischen der Gründung der Volksrepublik 1949 und den frühen Achtzigerjahren. Eine Ära ohne Social Media und TV-Sendern, dafür mit einer Fülle eindrücklicher Propagandaplakate, deren Zusammenstellung laut The Independent »gleichermaßen großartig und gruselig« erscheint.

Vorstellungswelt einer Generation

Als Co-Autoren taten sich der promovierte Sinologe Stefan R. Landsberger und der renommierte Dicher Duo Duo zusammen mit der chinesisch-amerikanischen Schriftstellerin Anchee Min. Sie selbst war in Maos China aufgewachsen und hatte als leidenschaftliche Parteigängerin sogar eine Hauptrolle in einem Film von Maos Frau Jian Ching übernommen. Nachdem sie 1984 in die USA emigriert war, schrieb sie unter anderem die Bestseller-Biografie »Becoming Madame Mao«. Darin verhandelt sie die Persönlichkeit und das Leben von Jiang Qing nach, die eine treibende Kraft hinter der Kulturrevolution war und den Hass der Bevölkerung auf sich zog.

In ihrer sehr persönlichen Einleitung erzählt Anchee Min von ihrer ersten Begegnung mit den Propagandaplakaten: »Meine Leidenschaft für die Plakate wurde geweckt, als ich acht Jahre alt war. Eines Tages brachte ich ein Bild des Vorsitzenden Mao aus der Schule mit nach Hause. Obwohl ich nicht wusste, dass die Kulturrevolution
begonnen hatte, nahm ich durch diese Handlung daran teil – ich nahm das Frieden-und-Glück-Gemälde meiner Mutter mit Kindern, die in einem Lotos-Teich spielen, von der Wand und ersetzte es durch das Mao-Poster.« In ihrem bewegten Leben spürte sie die Folgen der Kulturrevolution, wie Millionen anderer Chines:innen, deren Ursprung für sie auch in den Plakaten steckt. »Max Gottschalks Sammlung chinesischer Propagandaplakate ist einzigartig und beeindruckend«, schreibt sie weiter. »Die Plakate zeigen die Vorstellungswelt einer ganzen Generation und spiegeln einen wichtigen Abschnitt chinesischer Geschichte wider, der oft falsch dargestellt wird. Ein Bild ist mehr wert als tausend Worte, deshalb lasst die Bilder sprechen!«

Allgegenwärtige Plakate

Mao verfolgte innenpolitisch mit seiner Zensur das Ziel, regimefeindliche Anschauungen zu unterbinden und, gelinde ausgedrückt, die Regierung in günstigem Licht zu präsentieren. Mehr noch, auf seinen Plakaten wurde Mao zum stoischen Superheld, wurde als Großer Lehrer und Führer porträtiert. Die Bilder zeigen ihn nicht nur bei seinen zahlreichen Glanztaten, sondern auch völlig alltäglichen, banal scheinenden Situationen: beim Inspizieren von Fabriken, mit Feldarbeitern eine Zigarette rauchend, in Bademantel am Ufer des Yangtse, am Bug eines Schiffs stehend oder über einem roten Fahnenmeer schwebend. Besonders bleibt sein rotes Gesicht in Erinnerung, das auf den Abbildungen Lichtstrahlen in alle Himmelsrichtung auszusenden scheint.

Gemeinsam Richtung Utopia

Doch nicht nur der große Vorsitzende Mao Zedong war zwischen 1949 und den frühen 1980er-Jahren in Form von Propagandaplakaten allgegenwärtig. Auch das Idealbild der Bevölkerung wurde zahlreich dargestellt, in einer Manier, die uns auch von Nazi-Propaganda bekannt ist: Kräftige, attraktive Frauen, vor Gesundheit und Stolz strotzende Männer mit alterslosen Gesichtern, strahlende Kinder. Die Figuren bildeten ab, wie sich Mao das moralisch korrekte Verhalten seines Volkes wünschte, und wie begeistert sie von ihm sein sollten. Wie sehr sie sich scheinbar auf die wunderbare Zukunft ihres kommunistischen Landes freuen konnten. Gemeinsam mit dem Führer in Richtung Utopia.

Neben einer spektakulären Auswahl teils extrem seltener Propaganda-Kunstwerke umfasst das Buch aber auch weiterführende kulturelle Artefakte, die das gesellschaftliche Ideal dieser Ära abbilden.

Fakten und Fiktion

Doch nicht auf alle wirkten die minutiös gestalteten Plakate ein. »Ich bin ein Glücklicher. Mit 20 Jahren habe ich Vincent van Gogh und Picasso kennengelernt. Seitdem konnte man mich nicht mehr zwingen, eine innere Beziehung zu einem Plakat aufzubauen«, schreibt der Dichter Duo Duo in einem seiner Textbeiträge. »Als ich allein mit dem Fahrrad unter den immer wachsamen Blicken unseres Führers an den mit Plakaten von großen und starken Arbeitern, Bauern und Soldaten verhängten Mauern vorbeifuhr, kam ich mir vor wie eine Figur aus Kafkas Romanen. Von da an begann ich zu schreiben und einsam zu sein. Von da an begann mein Leben im Exil.« Doch ebenso beschreibt er, dass er sich nach dem Betrachten der 400 Plakate innerlich wie betäubt fühlt. Die immergleiche Botschaft, der Partei und dem Volk zu dienen, muss ihm nach so vielen Jahren außer Landes absurd vorkommen, doch vielen gelang die Emigration nicht.

Das Buch ist in verschiedene Kapitel geteilt, die allesamt zeigen, wie sehr die Propagandaplakate in alle Lebensbereiche einwirkten: das Arbeitsleben, die Familienstruktur, Kultur und Kunst, Militär und Ausbildung. In ihrer Gestaltung wirken viele von ihnen beinahe naiv. »Schwarze Linien bildeten Umrisse, die in strahlendem Rosa, Rot, Gelb, Grün und Blau ausgemalt waren«, beschreibt Stefan R. Landsberger sie. »Diese Werke schufen eine Art faction – eine Kreuzung aus Fakten und Fiktionen –, indem sie das Positive herausstrichen und alles Negative aufpolierten. Zur Propagandakunst wurden sie durch die politischen Parolen.« Er umreißt in seinem Text aber auch den Niedergang der Plakatkunst. »Es sind zwar noch einige politische Plakate erhältlich, doch nur Sammler aus China oder aus dem Westen interessieren sich anscheinend dafür. Die Bilder, die einst das China-Bild prägten, sind verschwunden.«

Ein eindrückliches Dokument

Der Bildband versammelt seltene Schlüsselwerke aus der riesigen Sammlung Max Gottschalks und vermittelt ein ungeheuer detailliertes Bild von der Utopie, an die sich die Volksrepublik klammerte. Ob Landarbeiter, Fertigungsstraßen und lernwillige Schulkinder abgebildet werden, die Figuren und Szenen repräsentieren ein politisches Dokument, das lange nachhallt und beweist, wie tief Kampagnen und Kommunikationsdesign ins alltägliche Leben einer Bevölkerung einwirken können.

Chinese Propaganda Posters
Hardcover, 26 x 34 cm, 2,73 kg, 320 Seiten
€ 50
Mehrsprachige Ausgabe:
Deutsch, Englisch, Französisch
www.taschen.com

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Peter Parker lebte im uncoolen Queens, hatte Geldsorgen und Familienprobleme und in der Liebe wollte es auch nicht klappen. Wer möchte schon solche Geschichten lesen? Das fragte berechtigterweise auch Stan Lees Chef Martin Goodman, ausserdem waren Comic-Helden Anfang der 1960er-Jahre gestandene Männer und keine schmächtigen Teenager. Trotzdem bekam Lee eine Chance und durfte seinen unwahrscheinlichen Helden in Amazing Fantasy ausprobieren. Die Serie sollte sowieso eingestellt werden.

Doch dann schoss die Reihe mit Spider-Man auf dem Cover an die Spitze der Marvel-Bestsellerliste des Jahres. Stan Lee hatte einen neuen Typus des Superhelden geschaffen und mit Miterfinder und Zeichner Steve Ditko auch genau den richtigen Partner gefunden, um Spider-Man unglaublich cool aussehen zu lassen. Ditkos großartige Szenerien und Perspektiven vermitteln Wendigkeit, Höhe und Tempo so unmittelbar, man hat fast das Gefühl, selbst am seidenen Faden durch die Straßenschluchten von Manhattan zu schwingen. Auch die Welt von Teenagern konnte Steve Ditko sehr authentisch nachempfinden, denn selbst als Spider-Man gelingt Peter Parker längst nicht alles.

Der schwergewichtige Band »The Marvel Comics Library. Spider-Man. Vol. 1. 1962–1964« lässt Spider-Man nun wieder auferstehen, so wie er sich in den ersten 21 Geschichten präsentierte. Und das ist wörtlich zu nehmen, denn die Comics wurden nicht, wie sonst üblich nachkoloriert. In Zusammenarbeit mit Marvel und der Certified Guaranty Company wurden die makellosesten Comics aufgeschlagen und für die Reproduktion abfotografiert. Jede Seite wurde so fotografiert, wie sie vor mehr als einem halben Jahrhundert gedruckt wurde, und dann mit modernen Retuschetechniken digital überarbeitet, um die Fehler des billigen, unvollkommenen Drucks der damaligen Zeit zu korrigieren – so, als käme sie frisch aus einer erstklassigen Druckmaschine der 1960er Jahre.

Für Sammler ist dieser Band also ein Fest, auch, weil er annähernd so groß ist, wie die Originalhefte. Doch man muss kein Spider-Man-Nerd sein, um an diesem Buch Gefallen zu finden. Blaue Doppelseiten, Klapper und natürlich tolle Zeichnungen, außerdem erfährt man einiges zu den Schöpfern, Hintergrundinfos und viel rund um die Geschichte dieses legendären Comics. Und tatsächlich macht es auch viel Spass, in die Originalgeschichten einzutauchen und sich auf Zeitreise zu begeben.

The Marvel Comics Library. Spider-Man. Vol. 1. 1962–1964

David Mandel, Ralph Macchio
Taschen Verlag
Hardcover, 28 x 39,5 cm, 4,83 kg, 698 Seiten 
Text in Englisch 

150 Euro

Weitere tolle Bücher finden sich hier …

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