»Die Zukunft der Wirtschaft ist auch die Zukunft des Designs«

Die Plattform, die einst als niederschwelliges browserbasiertes UI-Tool begann, wird zunehmend zum Allround-Betriebssystem für kollaboratives Gestalten. Mit der jüngsten Produktoffensive auf der Londoner Config 2025 zeigt Figma, dass Designprozesse nicht nur effizienter, sondern auch freier und vielseitiger werden können – besonders für interdisziplinäre Teams, wie sie unserer Leser:innen heute führen oder begleiten. Die Keynote von Dylan Field, CEO von Figma, gab den Ton vor: Es ging nicht um kleine Verbesserungen. Es ging darum, einen Schritt in die Zukunft der Arbeit, der Kreativität und der Wirtschaft selbst zu machen. »Die Zukunft der Wirtschaft ist auch die Zukunft des Designs«, erklärte Field. »Wir möchten, dass Figma ein Ort ist, an dem Ideen zu Produkten werden, an dem hohe Standards und exzellentes Handwerk auf einer vernetzten Plattform zusammenkommen.«

Field betonte, dass über zwei Drittel der Figma-User keine Designer:innen seien, zudem ist ein Großteil aller Nutzer:innen außerhalb der USA, rund 40% in Europa. Die Plattform reagiert darauf mit einer verstärkten Lokalisierung und einer globaleren kulturellen Ausrichtung – »die Kultur und Geschichte des Designs sind tief in Europa verwurzelt«, merkte er an, zitierte etwa Jan Tschichold’s wegweisende Entwürfe und gab damit den Ton an – und zeitgenössisches, modulares Gestalten als konsequente Fortführung relevanter Designtraditionen begreift.

Eine Idee, vier neue Tools

Chief Product Officer Yuhki Yamashita beschrieb die neuen Angebote von Figma als eine vollständige End-to-End-Lösung: von der Ideenfindung über die Abstimmung bis hin zur Umsetzung und zum Storytelling.

Figma Sites: Vom Entwurf ins Netz – direkt aus der Gestaltung
Für viele Designerinnen war Figma bislang der Ort, an dem Screens und Komponenten entstehen. Mit Sites erweitert sich dieser Raum nun um den finalen Schritt: die Veröffentlichung. Was früher Webentwicklerinnen übergeben oder via Dritttools umgesetzt werden musste, kann jetzt direkt in Figma geschehen – mit responsiven Layouts, Code-Komponenten und sogar KI-generierten Interaktionen. Ideal für Agenturen, Studios oder Einzelpersonen, die Design und Umsetzung aus einer Hand denken wollen.

Figma Make: Ideen in Code gießen – ohne Entwicklungsabteilung
Mit Make kommt ein KI-Tool, das aus Textbeschreibungen funktionierende Prototypen generiert. Ob App-Konzept, Microtool oder interaktive Präsentation – ein einfacher Prompt reicht aus, um einen Entwurf zu visualisieren – und dann iterativ von Hand zu verfeinern. Wie Product Manager Holly Li es ausdrückte: »KI ist nur bis zu einem gewissen Grad hilfreich. Ihr als Gestalter:innen seid leistungsfähiger.«

Figma Draw: Raum für illustrative Ausdruckskraft
Wer bisher für Vektorillustrationen in andere Programme ausweichen musste, darf sich freuen: Draw bringt neue Werkzeuge für freiere Pfadbearbeitung, dynamische Pinsel, Texturen und Textpfade direkt in die Designumgebung. Besonders spannend für Editorial-Designer:innen, Illustrator:innen oder auch sonst alle Kreative, die mit visuellem Storytelling arbeiten und dabei eine ausdrucksstärkere, analog inspirierte Bildsprache bevorzugen, etwa strukturierte Farbverläufe oder Unschärfe.

Figma Buzz: Marketing Assets mit System
Buzz richtet sich an alle, die regelmäßig visuelle Assets produzieren – ob im Content-Team, im Branding oder in der Unternehmenskommunikation. Designvorlagen können definiert, mit KI variiert und in großem Stil ausgerollt werden – etwa für Social-Media-Kampagnen oder Promotion-Materialien. Die Stärke: kreative Präzision bei maximaler Wiederverwendbarkeit, dabei sollen auch Nicht-Designer:innen mit flexiblen Vorlagen vereinfachen.

Figmas Plattform wächst – und mit ihr die Erwartungen

Der rote Faden bei allen Neuheiten? Eine einheitliche Erfahrung, bei der alle Akteur:innen – ob Designer:in oder nicht – ohne Reibungsverluste von der Idee zur Umsetzung gelangen kann. Yamashita betonte, dass es die Mission von Figma sei, »nicht nur Pixel zu verschieben, sondern Ideen voranzubringen«. Deutlich wird, dass Figma sich nicht mehr als einzelnes Tool, sondern als end-to-end Plattform versteht – und bringt damit vieles unter ein Dach, was vormals über mehrere Softwarelösungen verteilt war. Was User:innen gerne auch skeptisch sehen, wie sich in Gesprächen mit Config-Besucher:innen zeigt – ob es Figma gelingt, nahbar und community-orientiert Feedback einzuarbeiten oder »das neue Adobe werde, das später wieder von einem Underdog abgelöst wird«, wie ein Gestalter spekuliert, wolle man abwarten. Doch allgemein ist Begeisterung zu spüren: Für die designorientierte Praxis bedeuten die Neuheiten schließlich: mehr Ausdruck, mehr Output, weniger Brüche. Eine Einladung, digitale Gestaltung nicht nur funktional, sondern auch kreativer, effizienter und zugänglicher zu denken.

Design im Zeitalter der KI menschlicher gestalten

Gesunder Menschenverstand, kritische Einordnung und ganzheitlichere Betrachtung der Tech-Welt zog sich auch durch die Vorträge: UX Writer Ningfei Ou forderte etwa die Design-Community auf, sich gegen die Einheitlichkeit, »the sea of sameness« zu wehren und sich der Post-Nudge- und Post-UX-Skepsis anzuschließen. »Viele Reflexe bleiben uns von klein auf erhalten«, sagte er und plädierte für emotionale Spezifität und sprachliche Nuancen: »Die Sprache ist unendlich vielfältig.«

Gary Hustwit schloss die Veranstaltung im Gespräch mit Figma’s VP of Design, Noah Levin, mit einer filmischen Perspektive auf Design und Storytelling: »Wenn ihr von etwas besessen seid, das es nicht gibt, gibt es wahrscheinlich jemanden, der es auch will. Kreiert etwas, von dem ihr euch wünscht, dass es existiert!«

Seine Worte unterstrichen ein übergeordnetes Thema, das sich durch die gesamte Config London zog: gutes Design ist nicht nur eine Frage von Systemen und Stilrichtlinien. Es geht immer auch um Urheberschaft, das Hinterfragen von Absichten  –und eine Menge gesundert Neugier.

Mehr zu Figma’s Produktneuheiten hier im Blogartikel von CEO Dylan Field

Mit Yuhki Yamashita und Dylan Field sprachen wir auch für die Ausgabe 04.22 »Editorial« für unseren Fokus Kollaboration, hier bestellen

Gary Hustwit und sein Buch »The New York Subway Map Debate« haben wir in unserer Ausgabe 06.21 »Information Design« vorgestellt, hier bestellen

Mehr zu seinem Film über Brian Eno hier auf seiner Website nachlesen

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Kein Wunder, dass The Verge die jährliche Konferenz von Figma scherzhaft als »Coachella für Produktdesigner:innen« bezeichnete: Die Config läutet unter dem Jubel von 10.000 leidenschaftlichen Fans spannende Produktnews ein und holt hierfür Protagonist:innen der Designwelt und Kulturszene nach San Francisco. Chapeau, Figma hat sich vom weitgehend nischigen kollaborativen, webbasierten Designtool zum unverzichtbaren Instrument für Produktentwicklungsteams emporgearbeitet, das gleichermaßen Soloselbständige wie Branchenriesen à la Google, VW und SAP täglich verwenden. Welche Produktnews gibt es für sie?

Come curious, leave more connected

Inspirierende Keynotes und gestalterische Deep Dives von mehr als 75 Keynotespeaker:innen aus der ganzen Welt schufen einen eindrucksvollen Rahmen für die Produktnews, die Co-Founder und CEO Dylan Field enthüllte, ganz unter dem Motto: Die neue, kollaborative Ära der Softwareentwicklung ist angebrochen und Figma steht an der Spitze dieser Revolution.

Von der Informatikerin und KI-Forscherin Dr. Fei Fei Li (»Math is clean, but humans are messy«) über Produktdesign-Enfant terrible Jesper Kouthoofd, CEO von Teenage Engineering, bis hin zu Medienmachern wie BBC Creative Director Laura Llewellyn oder der Chefkuratorin des Eames Institute, Llisa Demetrios, die in ihrem Talk »Infinite curiosity« das reiche Erbe der Eames mit den Herausforderungen unserer Zeit in Verbindung brachte: Das Lineup der Config verdeutlicht auf beeindruckende Weise die vielseitigen Touchpoints von Figma – genauso wie die Diversität der User:innen.

(Alle Talks und Panels sind übrigens hier frei zugänglich und thematisch sortiert verfügbar)

Figma AI: Groß denken, schnell umsetzen

Bereits in unserem Porträt der »Figma for Education«-Initiative in der Ausgabe 02.24 und bei einem kürzlichen Besuch von Chief Product Officer Yuhki Yamashita in München ließ das Team durchblicken, dass Generative AI eine immer wichtigere Rolle spielen wird – und zwar in all ihren Produkten und Prozessen. Kein Wunder also, dass die neuen KI-Designfunktionen einen Schwerpunkt der Produktneuheiten bildeten. »KI macht den Weg von der Idee zum Produkt greifbarer als je zuvor«, so Dylan Field. Mit Figma AI können Designer:innen nun mühelos Entwürfe per Texteingabe erstellen und sofort visuell umsetzen, in verschiedenen Stilen visualisieren, Texte und Bilder bearbeiten und realistische Prototypen erstellen – alles in Rekordzeit und mit nur wenigen Klicks.

Auf einen Blick:

• Designerstellung: Mit einem einfachen Texteingabebefehl lassen sich mobile und Web-UI-Mockups in verschiedenen Stilen und Layouts generieren. Das spart nicht nur Zeit, sondern ermöglicht auch eine schnelle Iteration und Anpassung.
• Visuelle Suchfunktion: Arbeiten lassen sich mithilfe eines Rahmens, Bildes oder Screenshots durchsuchen, um genau das gewünschte Design zu finden. Diese Funktion nutzt fortschrittliche KI, um den Suchkontext zu verstehen und die relevantesten Ergebnisse anzuzeigen.
• Ebenenorganisation: Mit einem Klick können alle Ebenen einer Datei kontextbezogen umbenannt und angeordnet werden, was das Management von komplexen Designprojekten erheblich erleichtert.
• KI-gestützte Prototypen: Statische Entwürfe lassen sich in funktionierende Prototypen verwandeln, ohne manuell alle Schritte durchführen zu müssen. Diese Funktion automatisiert viele der mühsamen Aufgaben, die Prototypoen sonst so mit sich bringen…

Dev Mode: Die Brücke zwischen Design und Code

Ein weiteres spannendes Update betrifft den Dev Mode, der bereits 2023 eingeführt wurde. Die neuen Funktionen im Dev Mode sollen die Zusammenarbeit zwischen Designer:innen und Entwickler:innen weiter optimieren. Mit Code Connect können nun Codes aus Design-Systemen oder unterstützten UI-Kits direkt verlinkt werden, was die Implementierung des korrekten Codes erheblich erleichtert. Die verbesserten Arbeitsabläufe und die neue Ansicht erhöhen die Transparenz und Effizienz im gesamten Entwicklungsprozess.

Figma Slides: Präsentationen neu gedacht

Großen Applaus gab es für Mihika Kapoor, die Figma Slides verantwortet und damit ein neues Tool für interaktive Präsentationen vorstellte. Es kombiniert die kreativen Möglichkeiten von Figma mit kollaborativen Präsentationstools. Damit können Teams ansprechende Präsentationen erstellen, einheitliche Looks kreieren und auf bestehende Visuals abstimmen. Besonders beeindruckend sind die KI-gestützten Assistenzfunktionen, die dabei helfen, Texte umzuschreiben, Bilder zu bearbeiten und die Tonalität anzupassen – alles an einem Ort.

Redesign für eine neue Ära der Softwareentwicklung

Mit den vorgestellten Neuerungen hat Figma auch eine neue Benutzeroberfläche eingeführt. Die verbesserte Ergonomie und der einfache Zugang zu neuen Funktionen wie Figma AI sollen dafür sorgen, dass die Benutzerfreundlichkeit weiter erhöht wird.

Die Produktneuheiten zeigen, dass Figma viel Herzblut in die Produktentwicklung steckt. Die Kombination aus KI-gestützten Design- und Entwicklungswerkzeugen und einer verbesserten Benutzeroberfläche bietet Teams weltweit die tolle Möglichkeit, ihre Ideen schneller und effizienter umzusetzen. In einer Zeit, in der Softwareentwicklung und Design immer komplexer werden, zeigt das Techunternehmen, dass es möglich ist, diese Prozesse zu vereinfachen – und für alle zugänglich zu machen.

Alle Bilder © Figma

Mehr zur Config 2024

Der deutschsprachige Blog von Figma mit allen Produktnews en detail

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Ingo Maurer, der 2019 verstarb, hinterließ seinem Team der Ingo Maurer GmbH seine Designphilosophie, bei der – neben dem Formwillen und der Funktion – insbesondere die Wirkung der Lichtobjekte auf die Menschen im Fokus steht. Der Leuchtenhersteller ist seit über 50 Jahren in München ansässig und steht für außergewöhnliches Design sowie innovative Lichtkonzepte. Von internationalen Projekten wie der Lichtgestaltung des Radisson Collection Hotels in Tsinandali bis hin zur UNICEF Crystal Snowflake in New York City hat das Unternehmen seine kreative Vielfalt unter Beweis gestellt. Aber auch öffentliche Plätze wie U-Bahnhöfe in München oder Karlsruhe finden sich in im Portfolio der Firma.

Das Konzept für das Sendlinger Tor, in Zusammenarbeit mit Raupach Architekten entwickelt, hebt die Grenzen zwischen Licht, Raum und Struktur auf. Von oben herab umschließen emaillierte Wand- und Deckenpaneele aus Blech die Haltestellen, während Paneele aus Granit von unten heranwachsen, als würden sie den Raum umarmen. Lichtelemente, geschickt in die Decke eingelassen, betonen die stromlinienförmige Architektur des Bahnhofs und lassen Beleuchtung und Architektur nahtlos miteinander verschmelzen.

Das Herzstück des Konzepts liegt in der dynamischen Verschmelzung von Farbe und Licht. Auf den Bahnsteiggeschossen und den Zugängen sorgen farbige, emaillierte Metallpaneele und helle Werksteinplatten für ein durchgängiges Gestaltungselement. Die Farben Gelb und Blau, repräsentativ für die dortigen Bahnlinien, prägen das visuelle Erlebnis und dienen zugleich der Orientierung der Reisenden.

Besonders beeindruckend sind die linearen Lichtelemente, die in die Decken integriert sind und einzelne Bereiche des Bahnhofs optisch dynamisieren. Eine prismatische Streuscheibe, die eine Lichtspirale darstellt, verbessert die Entblendung und verleiht dem Raum eine faszinierende Ästhetik.

Im Foyer, als zentraler Treffpunkt des Bahnhofs, schaffen gelbe Akzente eine einladende Atmosphäre. Mattweiße Reflektorringe mit eingelassenen LEDs sorgen für eine moderne Beleuchtung, die Sicherheit und Ästhetik vereint. Schwarze Deckenelemente setzen dabei einen markanten Kontrast und verleihen dem Raum eine zeitlose Eleganz.

Das Lichtkonzept für den U-Bahnhof Sendlinger Tor ist nicht nur eine Bereicherung für die Stadt München, sondern ein leuchtendes Beispiel dafür, wie Licht und Design den urbanen Raum transformieren können und den Reisenden eine einzigartige, ästhetische Erfahrung bietet.

Alle Bilder © Ingo Maurer GmbH

Mehr zur Arbeit von Ingo Maurer

Das Fokusthema »Design im öffentlichen Raum« behandeln wir auch in der aktuellen Ausgabe

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Der Container-Turm an der Hardbrücke, in dem sich der mehrstöckige Freitag Flagship Store befindet, dürfte Zürich-Kenner:innen gut bekannt sein. Am 18. September fand in der markanten Location die Geburtstagsfeier des Taschen-Labels Freitag statt und viele Gäste schwankten zunächst zwischen déjà-vu und dem Gefühl, im falschen Film zu sein. Schon von weitem leuchtete einem nämlich nicht das wohlbekannte schwarzweiße Logo entgegen, sondern ein seltsam vertrauter, orangefarbener Schriftzug. Auch der Laden präsentierte sich völlig anders, es gab Blumen und Gemüse zu kaufen und die bekannten Taschen aus recycelten LKW-Planen wurden mit Aktions-Rabatten beworben.

Nach der Eröffnung des Supermarktes durch die Filialleiterin Frau Mosimann, klärten Daniel und Markus Freitag, die Gründer des Unternehmens, die Besucher:innen auf, was es mit der Persiflage auf sich hatte. Ende der Neunziger war Freitag zwar noch klein und ein Newcomer, doch die ungewöhnlichen Taschen der Freitag-Brüder hatten bereits eine ordentliche Fan-Gemeinde und galten als sehr cool. Weniger cool war hingegen eine Aktion der Schweizer Supermarktkette Migros. Sie brachte eine blaue Messenger-Bag heraus, die dem Freitag-Modell verblüffend ähnelte und als wäre das nicht schon dreist genug, nannte sie die Tasche auch noch Donnerstag. Freitag hatte seine Taschen nicht schützen lassen, teils aus Unerfahrenheit, teils weil die Brüder der Meinung waren, dass eine gute, nachhaltige Idee durchaus andere inspirieren sollte. Aber zwischen Inspiration und Kopie liegt nichtsdestotrotz ein Unterschied. Juristisch war nicht viel zu machen, doch in der Öffentlichkeit wurde die Aktion als ziemlich dreistes Plagiat gewertet und die Migros stand nicht gut da.

Daniel und Markus Freitag verlangten von der Supermarktkette, das sie nie wieder eine Tasche mit dem Namen Donnerstag herausbringen sollte, daran hat sich die Migros bis heute gehalten. Zum 30-jährigen Jubiläum lancierte Freitag nun aber selbst eine Donnerstag-Tasche, sie sieht aus wie das Original und ist es natürlich auch, doch trägt sie das Label Donnerstag. Die Jubiläumstaschen sind auf 400 Stück limitiert und noch bis zum 30. September im Taschen-Shop erhältlich.

99% der Erlöse fließen der 1%-Stiftung zu, mit der die Migros Kulturprojekte unterstützt. Ein weiterer kleiner Seitenhieb in Richtung Supermarktkette, vielleicht aber auch eine kleine Wiedergutmachung für den Diebstahl, den Freitag begangen hat, denn auch der vermeintliche Underdog hat in dieser Geschichte keine ganz reine Weste. »Als ich von dem Plagiat erfuhr«, erzählt Markus Freitag bei der Eröffnung, »ging ich in die nächste Migros-Filiale und entdeckte da tatsächlich die Taschen. Ein Freund, der noch im Jurastudium war, hatte uns geraten, Beweise sicherzustellen, aber ich wollte niemandem 49,- Franken bezahlen, der uns gerade beklaut hatte.« Also klaute er zwei der Fake-Taschen, was in den Medien dann auch prompt genüsslich breitgetreten wurde.

Auf die Frage, ob die Migros sie wegen des Ladens und des dreisten Branding-Klaus schon abgemahnt habe, lacht Markus Freitag. Nein, sie hätten die Verantwortlichen kurz vor der Präsentation beim Lunch informiert und ihnen den Laden gezeigt. Nach dem ersten Schreck habe die Migros Sportsgeist bewiesen und prompt den Social-Media-Leiter vorbeigeschickt, um eine Story daraus zu machen.

Mit 250 Mitarbeitenden und Läden auf der der ganzen Welt hat sich Freitag längst vom Start-up zu einer ernst zu nehmenden Größe entwickelt. Vor allem in Sachen Nachhaltigkeit und Innovationen ist das Zürcher Unternehmen enorm engagiert. 2023 schickt Freitag beispielsweise seinen ersten vollständig rezyklierbaren Rucksack in Produktion, der unter dem Namen Mono[PA6] ab Frühling 2024 erhältlich sein wird und die F-Crew arbeitet konsequent daran, ihre Produktion in einen zirkulären Kreislauf zu überführen. Mit den Donnerstag-Wochen haben die Gründer und das Team nun gezeigt, was Freitag auch nach 30 Jahren noch bewegt: Dinge einfach anzupacken und mit Spass und in der Gemeinschaft etwas zu verändern.

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Text: Paula Schneewind

Die Autorin Maisie Hill hat seit 15 Jahren Erfahrung als Therapeutin, Coach und Doula (Geburtsbegleiterin). Durch ihre Arbeit als Expertin für Menstruationsgesundheit, ist sie sich der inhärenten Kraft des Menstruationszyklus bewusst und der Auffassung, dass Hormone unserem Leben dienen und uns helfen können. Sie möchte damit einen positiven Bezug zum eigenen Körper erzeugen und einen Zugang zu mehr Mitgefühl, Selbstverständnis und Harmonie mit sich selbst schaffen. Laut Maisie Hill ist er »das unterschätzteste und am wenigsten genutzte Werkzeug, um unser Leben zu verbessern.« Um dieses Werkzeug besser zu nutzen, hat sie eine Zyklusstrategie entwickelt, die in ihrem Kartendeck »Power Period« zugänglich gemacht wird.

Das liebevoll gestaltete Kartendeck, illustriert von der feministischen Pariser Illustratorin Lucie Birant, wird zusammen mit einem erklärenden Beiheft geliefert. Hier werden verschiedene wissenswerte Fakten über den Zyklus und Hormone erläutert, hilfreiche Informationen zum Thema Zyklus-Tracking und eine Gebrauchsanweisung für ihre Karten gegeben. Das Kartendeck ist in die vier Jahreszeiten des Zyklus unterteilt und jede Karte widmet sich einem charakteristischen Merkmal der jeweiligen Jahreszeit. Bei jedem Merkmal wird jeweils auf die »Superkraft«, die »Gefahr« und die »Selbstfürsorge« hingewiesen. Dadurch können alle charakteristischen Gefühle des eigenen Zyklus besser eingeordnet und für sich genutzt werden. Gerade wenn man diesen über einen längeren Zeitraum analysiert, lassen sich Muster erkennen, die helfen können, Planungen zukünftig besser an den eigenen Zyklus anzupassen. 

Besonders herauszuheben ist die Inklusivität der gewählten Sprache, da Maisie Hill sich bewusst der cis-sexistischen Sprache verwehrt und damit herausheben möchte, dass Menschen aller Geschlechter einen Menstruationszyklus haben können. Ihre Zyklusstrategie ist für alle gedacht, die sich mit dem Thema auseinandersetzen wollen und sie vermeidet bewusst, Hormone oder Menstruation als etwas stereotypisch »Männliches« oder »Weibliches« zu beschreiben. 

Das Kartenset repräsentiert einen Aufruf zu mehr Selbstverständnis, Mitgefühl und Selbstliebe. Sowohl optisch als auch inhaltlich wurden die Karten mit viel Liebe gestaltet und machen Lust, dem eigenen Zyklus mehr Aufmerksamkeit zu schenken. Er kann uns im Leben weiterhelfen, wenn wir ihn nur lassen. Unser Zyklus hat nämlich wirklich Power!

Wer sich erst einmal an das Zyklus-Tracking rantasten möchte, kann mit dem kostenlosen Zyklus-Tracking-Kit auf Maisie Hills Website beginnen. 

»Period Power«
Laurence King Verlag, Berlin 
Aus dem Englischen von Frederik Kugler
48 Karten / vollfarbig
€ 18,00
ISBN: 9783962443283

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Mexico City beschreibt Stefan Sagmeister als einen der lebhaftesten Orte der Welt, einen Teil seines letzten Sabbaticals verbrachte er dort. Und das hauptsächlich damit, Filme, Architektur und Design zu bewundern. Beinahe alles, was ihm gefiel, stammte aus den letzten fünf bis zehn Jahren, so konnte er die jeweiligen Gestalter:innen zum Dinner treffen und sich über ihre Arbeiten austauschen. »Über all dem schwebte Frida Kahlo«, beschreibt er. Nicht zwingend als Teil der Gespräche, eher als gewaltige Präsenz, die auch den unnachgiebigen Touristenstrom erkläre.

Für seine regelmäßigen Sabbaticals ist Sagmeister bekannt, er hält TED-Talks zu seinen Auszeiten und begreift sie als mächtiges Werkzeug für neue Impulse. Es wundert kaum, dass es ihm in einer lebendigen, glanzvollen Großstadt wie Mexico City auch so ging, wo er eben immer wieder auf Frida Kahlo trifft: »Ihre Allgegenwärtigkeit überstrahlt ihren Ehemann Diego Rivera«, erzählt er. Sie sei für Mexiko City, was Klimt für Wien und Mozart für Salzburg ist: eine phantastische Künstlerin, die gnadenlos und inflationär überbelichtet werde. Dennoch entschied er, sie als Inspirationsquelle für die Brillen-Kooperation mit Götti zu verwenden. »Sie gehört zu den wenigen Künstler:innen, deren Ruhm einen solchen Höhepunkt erreichte, dass ihre Gesichtszüge – wie Salvador Dalís Schnurrbart oder Andy Warhols Perücke – sich in einen visuellen Signifikanten, ein Logo, verwandelten.«

Die Schlussfolgerung schien logisch für den umtriebigen Grafikdesigner und Typografen, dessen Faszination mannigfaltig der Entwicklung von Logos gilt. Mit der Schweizer Eyewear Brand geriet er an ein Team, das – ebenso wie er – traditionsreicher, hochwertiger Handarbeit und innovativen Technologien höchste Bedeutung beimisst. »Swissness«, wie der Brillenhersteller es nennt; seit der Gründung im Jahr 1993 steht die qualitative Beständigkeit im Zentrum. Für die Entwürfe aller Modelle ist binnen der vergangenen 25 Jahre der Namensgeber Sven Götti verantwortlich gewesen. Mittlerweile beliefert Götti Switzerland ausgewählte Fachgeschäfte in über 40 Ländern.

Hier kommen Details kraftvoll zur Geltung: Die Gläser, Bügel und Scharniermechanismen sind additiv gefertigt und jeweils so unauffällig gestaltet, dass optisch nur ein einziger ikonischer Pinselstrich zurückbleibt. Die photochromatischen Linsen ändern die Lichtabsorption von 12% in Innenräumen auf 85% bei Sonne. Und apropos Sonne, die Brillengläser schützen 100%ig vor UVA/UVB-Strahlen und verfügen über eine entspiegelte Innenbeschichtung.

Sunglasses Götti Dimension
Bügel: additiv gefertigter Polyamid Edelstahl Lite
Farbe: Ash / Silver
Gläser: Photochromatisches Grau
Limited Edition: 300 Stück, Einzelverkaufspreis 515,– €
Verkaufsstart: 10. Juni 2021, 17:00 Uhr bis 17. Juni 2021 exklusiv via gotti.ch/sagmeister

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Manches ist einfach zu schade für die Schublade. 2004 gewährte Dieter Rams im Interview mit Christine Moosmann für das Design Indaba Magazine Einblicke in sein Schaffen. Was gutes Design ausmacht und worauf Gestalter achten sollten, ist heute noch ebenso aktuell und zeitgemäß …

Dieter Rams zählt zu den bekanntesten Industriedesignern Deutschlands und gilt als einer der großen Vertreter des Funktionalismus. Im Laufe seines jahrzehntelangen Schaffens erhielt er zahlreiche Auszeichnungen. So ernannte ihn beispielsweise das Royal College of Arts in London zum »Royal Designer for Industry«und verlieh ihm die Ehrendoktorwürde. Von der Industrial Designer Society of America erhielt er die »World Design Medal« und seine Arbeiten sind heute, als fester Bestandteil der Designkollektionen, in Museen wie dem MoMA in New York, dem Victoria & Albert Museum in London und dem Stedeljik Museum in Amsterdam zu sehen. 
Der 1932 in Wiesbaden, Deutschland, geborene Dieter Rams kam bereits früh mit den Grundsätzen ökonomischen Gestaltens in Berührung. In der Schreinerwerkstatt seines Großvaters konnte er beobachten, wie große Sorgfalt bei der Materialwahl und Verarbeitung zu einer einfachen, aber funktionalen und nutzbringenden Gestaltung führen. Diese Erfahrungen beeinflußten Rams nachhaltig. Sie veranlassten ihn, einerseits beständig nach dem Einfachen und Schlichten zu streben und andererseits einen gestalterischen Beruf zu erlernen. Seine Wahl fiel zunächst auf Innenarchitektur und 1953 schloss Rams, nachdem er das Studium einige Jahre aufgrund einer Schreinerlehre unterbrochen hatte, an der Wiesbadener Werkkunstschule mit Diplom und Auszeichnung ab. Noch während der Ausbildung begann sich Rams mehr und mehr für Architektur zu begeistern – den Grundstein hierfür legte der Leiter der Werkkunstschule Prof. Dr. Dr. Söder, der eine Verbindung von Design und Architektur gezielt im schulischen Rahmen förderte. 
Nach Abschluss des Studiums arbeitete Rams zunächst als Architekt und wurde in dieser Funktion 1955 von der Firma Braun angeworben. So begann im darauf folgenden Jahr seine unverwechselbare Karriere als Gestalter, denn während vieler Jahrzehnte blieben Dieter Rams Werdegang und großer Erfolg als Produktdesigner untrennbar mit den Geschicken der Firma Braun verknüpft. 

Das Unternehmen wurde 1921 von dem Ingenieur Max Braun gegründet und machte sich vorwiegend mit Radiogeräten und Plattenspielern, später auch mit Rasierern und Küchengeräten einen Namen. Nachdem die Söhne Artur und Erwin Braun die Firmenleitung übernommen hatten, schlugen sie allerdings einen neuen Kurs in Sachen Kommunikation und Produktdesign ein und nahmen mit der Ulmer Hochschule für Gestaltung Kontakt auf. Die Ulmer Dozenten Hans Gugelot und Otl Aicher entwickelten daraufhin im Rahmen der Hochschule Radio- und Phonogeräte, sowie Ausstellungssysteme und Kommunikationsmittel für Braun. 
Von dieser Zusammenarbeit und vor allen Dingen von der grundsätzlichen Offenheit der Firmeninhaber in Sachen Gestaltung und Innovation, profitierte auch Dieter Rams. Obgleich er als Architekt für Braun arbeitete, wurde er schon bald mit Gestaltungsaufgaben im Produktbereich betraut und hatte im Laufe der Zeit Gelegenheit, eigene Mitarbeiter um sich zu scharen und sich Stück für Stück von den Einflüssen der Ulmer Hochschule zu lösen. 1961 war Rams bereits Leiter der Produktdesignabteilung, sieben Jahre später wurde er zum Geschäftsführer ernannt und Mitglied der Geschäftsleitung und schließlich 1988 zum Executive Director bestellt.

Unter Rams Ägide entstanden so in den Jahren bis 1997 bei Braun unzählige Produkte, die nicht nur mit einer Vielzahl von Preisen bedacht wurden, sondern Vorbildcharakter für Generationen nach ihnen hatten. So produzierte Braun beispielsweise Hifi-Anlagen im Baussteinprinzip oder brachte 1956 die Phono-Radiokombination SK 4 auf den Markt, die ihrem neuartigen Plexiglasdeckel den Spitznamen »Schneewittchensarg« verdankte. Modulare Systeme, die Werkstoffe Metall und Plastik, eine funktionsorientierte, reduzierte Gestaltung – all dies setzte neue Standards für hochwertige Elektronikprodukte. In einer Zeit, in der die Gesellschaft nach dem Ende des zweiten Weltkrieges zwangsläufig mit vielen Veränderungen zurechtkommen mußte, hatten die Unternehmer Braun den Mut, auch im Produktdesign die ausgetretenen Pfade zu verlassen. In der Person von Dieter Rams fanden sie einen Gestalter, der mit seinem Streben nach dem Einfachen und Schlichten ihren Produkten eine unverwechselbare Gestalt verlieh und den Namen Braun zum Synonym für hohe Qualität und anspruchsvolle Gestaltung machte.   

Für das Design Indaba Magazin gab Dieter Rams Auskunft über seine Maßstäbe für gutes Design, worauf Gestalter achten sollten und wie er Bedeutung und Zukunft des Designs einschätzt.

Herr Rams, spiegelte sich die allgemeine Stimmung Deutschlands in der Nachkriegszeit auch im Design wider?
Ja, diese Zeit war eine Anfangszeit. Wir alle hatten die Nase voll von der Verlogenheit der vergangenen Jahre und in dieser Aufbruchszeit war das Klima natürlich günstig, um im wahrsten Sinne des Wortes aufzuräumen. Und natürlich war auch die Neugründung der Ulmer Schule auf der Basis des Bauhauses entscheidend und beispielhaft. Meine Intention war es wie gesagt, wegzu­kommen von dieser Verlogenheit im Design. Und nicht nur im Design, in der Architektur, überall. 

1955 kamen Sie dann zu Braun . . .
Ja, und in den ersten zwei, drei Monaten war ich eher mit Architekturaufgaben betraut. Sehr schnell wurden mir allerdings auch Industriedesignaufgaben angetragen. Die erste war der legendäre Schneewittchensarg, der zusammen mit Hans Gugelot und der Ulmer Hochschule gestaltet wurde. 

Mit den Radiogeräten wurde Braun weltbekannt, wie wirkte sich das auf das Unternehmen aus?
Sie haben dazu beigetragen, dass Braun bekannter wurde. Nicht, dass sie ein finanzieller Erfolg waren, das kann man so nicht sagen. Sie mussten von anderen Produkten innerhalb des Unternehmens mitgetragen werden. 

Sprich, das Geld wurde eigentlich mit anderen Produkten verdient?
Ja, die Butter auf dem Brot waren damals zum Beispiel die sogenannten »Hobbyblitz«, die ersten Blitzgeräte, die sich auch Amateure leisten konnten. Später kamen dann Haushaltsgeräte hinzu und erst Anfang der sechziger Jahre Rasierapparate. Aber die ganze Radiogeschichte, für die Braun bekannt war, war immer im roten Bereich. Die Neugestaltung dieser Geräte hat dann allerdings dazu beigetragen, dass Braun weltbekannt wurde. 

Die Geräte waren zwar ungewöhnlich und erregten viel Aufmerksamkeit, sie verkauften sich aber nicht sonderlich gut? 
Es gab zu wenige Meinungsbildner. In dieser Zeit mussten die Menschen ja erst zu gutem Design bekehrt werden. Man hat zwar sehr viel getan, um die Produkte zu präsentieren und bekannter zu machen. Geholfen hat aber vor allen Dingen, dass Braun sehr schnell, sehr viele Preise bekam. Biennale Mailand, Compassadore – diese Auszeichnungen haben Braun weltweit bekannt gemacht. 

Konsumenten wissen gutes Design also nicht unbedingt zu schätzen? 
Nicht automatisch, das kann man bis heute nicht sagen. Gutes Design muss immer auch durch gute Werbung unterstützt werden. Diese ist heute ja oft vordergründig und ziemlich katastrophal. Design müsste durch ehrliche Informationen besser vermittelt werden. Wenn Design heute bekannter geworden ist, dann meist durch spektakuläre Dinge, nicht durch gute, informative Beispiele.
Im Grunde genommen müsste der gesamte kulturelle Aspekt mehr einbezogen werden. Die Alltagskultur wird bei uns immer noch sehr vernachlässigt.

Aber hängt gutes Design nicht auch sehr davon ab, ob ein Gestalter einen Unternehmenspartner findet, der ihn unterstützt?
Natürlich, ich war von jeher überzeugt, dass gutes Design die Sache des gesamten Unternehmens ist und nicht nur die Sache einzelner Designer. Diese Überzeugung hat sich im Laufe der Jahre noch verstärkt.
Gutes, planvolles Design wird immer voraussetzungsvoller. Das hat nichts zu tun mit schneller, unverbindlicher Einkleidung eines Produktes. An jedem Produkt arbeiten viele mit und es enthält meist eine Vielzahl unterschiedlicher Bauteile. Die Dinge sollen einander oft widersprechende Funktionen erfüllen und dennoch ein Ganzes sein – ein Ganzes, das mehr ist als seine Teile. Diese Synthese zu erreichen, ist heute weitgehend die Aufgabe der Designer und Architekten.

Kann auch ein kleines Unternehmen etwas bewirken?
Ich habe da ein gutes Beispiel. Ich habe es Erwin Braun zu verdanken, dass er gesagt hat, lasst den Rams nebenbei doch noch Möbel machen. Das kann nur unseren Radiogeräten helfen.

Obwohl Braun damals gar keine Möbel herstellte?
Nein, nein, null. Aber die Radiogeräte waren technoider geworden und mussten in das Umfeld passen. Erwin Brauns Anliegen war immer, Geräte zu schaffen, die in Zusammenhang mit der jeweiligen Inneneinrichtung und den Häusern standen, in denen sie genutzt wurden.

Also Sie haben ein ganzes Möbelkonzept entworfen, das zu den Radios passte?
Ja, 1957 entstanden die ersten Möbelentwürfe für die Firma Vitsoe und Zapf, später Vitsoe. Diese Firma ist gewachsen und groß geworden mit den neuen Entwürfen, die ich für sie gemacht habe und existiert heute noch.
Auch kleinere Firmen können also durchaus mit Design groß werden. Nicht irrsinnig groß, aber sie können wachsen und vor allen Dingen gesund wachsen.

Durch hochwertige Gestaltung kann man sich also erfolgreich abheben?
Ja, wenn man sich darüber klar ist, daß man nur Nischen erreicht. Und es braucht Unternehmerpersönlichkeiten, so wie es Erwin Braun, Wilhelm Knoll oder Adriano Olivetti waren. Sie sind heute Mangelware, es gibt sie aber noch im Kleinen, jene Menschen, die unternehmerisch über den Tellerrand hinaus denken.
Designer müssen innovative Unternehmer an ihrer Seite haben, denn wir als Gestalter arbeiten ja nicht im luftleeren Raum.

Ist Design eine wirtschaftliche Größe?
Ich würde sagen, es ist keine wirtschaftliche Größe, aber wirtschaftlich bedeutend.
Gestaltung rückt immer mehr in den Vordergrund. Da die erreichbaren Technologien inzwischen für jeden fast gleich sind, bleibt nur noch das Design als Unterscheidungskriterium. Und Design ist populärer geworden, obwohl noch viel zu verbessern ist, was die Handhabung und den Gebrauchsnutzen angeht. Es gibt noch eine Menge zu tun, um Dinge begreifbarer und leichter bedienbar zu machen. Ich greife diesen Punkt auch in meinen Thesen auf: »Gutes Design macht ein Produkt verständlicher.«

Sie selbst sind ausgebildeter Architekt und wurden doch als Produktdesigner weltbekannt. Lassen sich die Gestaltungsprinzipien eines Bereiches ohne weiteres auf einen anderen übertragen?
Es gibt für mich keinen Unterschied zwischen Architektur und anderen Designbereichen. Ich würde heute, in der Ausbildung sowieso, die Dinge zusammenlegen. Und obwohl ich den größten Teil meines beruflichen Daseins im Industriedesign verbracht habe, bereute ich es nie, Architektur als Background zu haben.

Aber inzwischen ist doch gerade Spezialisierung sehr gefragt …
Ich kann diese Spezialisierung, die sich inzwischen eingenistet hat, nicht empfehlen. Die Entwicklung neuer Technologien und Materialien wird immer größere Bedeutung bekommen und ich glaube, die Zukunft liegt im Technologiedesign und in der Interdisziplinarität.
Die Schönheit, die von zweckmäßigen Dingen ausgeht, gilt für die gesamte Alltagskultur und ist durchaus etwas, was heute wieder begriffen werden muß.
Von der Zukunft erwarte ich vor allen Dingen den, in ihrer Gesamtheit immer wichtiger werdenden ökonomischen und ökologischen Anforderungen gerecht zu werden! Kurz: Nachhaltigkeit im Einklang mit Ökologie, Ökonomie und sozialer Verantwortung.

Muss Design immer auch zum Positiven des Menschen beitragen?
Ja, auch dies eine meiner Thesen: »Weniger aber besser« verweist darauf, dass wir heute weniger Produkte brauchen, die die Kauflust immer aufs Neue reizen, kaum zu nutzen sind, weggeworfen werden und durch neue ersetzt werden. Wir brauchen weniger Produkte, die früh defekt sind, verschleißen und vorzeitig altern. Statt dessen brauchen wir mehr Dinge, die tatsächlich das sind und das leisten, was Benutzer von ihnen erwarten sollten: Erleichterung, Erweiterung und Intensivierung des Lebens.

Entnehmen Sie Ihre Inspirationen aus der Natur und Ihrer Umgebung?
Es ist unabdingbar, das man ständig mit ausgefahrenen Antennen umhergeht, man muss alles aufnehmen, nicht nur die Dinge, die uns die Natur immer wieder aufzeigt. Und gute Wiederholungen sind manchmal auch heilsam. Wir vergessen viel zu schnell und lernen schwer hinzu.

Was würden Sie jungen Gestaltern raten?
Wenn ein Gestalter nicht mit anderen zusammenarbeiten kann, gleich ob es sich um Ingenieure oder andere für die Produktion wichtige Menschen handelt, dann ist er schon verloren, dann nutzen all seine kreativen Ideen nichts.
Nur wenn ich anderen zuhöre und ihre Argumente aufnehme, werden sie auch bereit sein, meine Argumente aufzunehmen. So einfach ist das manchmal. Das ist also die größere Voraussetzung für junge Designer, natürlich brauchen sie auch Glück und im Designbereich vor allem Stehvermögen, so dass sie nicht gleich beim ersten Wind umfallen.

Ist der Inhalt wichtiger, als das Werkzeug oder die Art der Ausführung?
Ja und Nein. Noch so sorgfältiges Design wird unglaubwürdig und unwirksam, wenn die Technik ideenlos, die Fertigung unzulänglich oder die Werbung dafür albern ist. Wir stecken immer noch in einem Dilemma und auch das Design, denn es flüchtet sich oft in Oberflächlichkeiten und in vordergründige, modische Aspekte, die für kurze Zeit Aufmerksamkeit erzeugen, aber um so vergänglicher sind.

Was muss geschehen, damit Menschen das erkennen?
Ich frage mich immer, warum Menschen ihre Umwelt nicht bewusster erfassen, denn wir erleben eine zunehmende visuelle Umweltverschmutzung. Es stellt sich die Frage im Raum, mit wie viel Chaos können oder wollen wir in Zukunft leben. Gebrauchsgeräte, die Wohnung oder das Haus in dem wir leben und die Dinge, die wir brauchen, sollten so zurückhalten und unauffällig sein, dass man sie kaum wahrnimmt, solange man sie nicht braucht. Sie sollten sich neutral und zwanglos in jede Umgebung einfügen. So, dass sie nicht stören und man mit Freude mit ihnen umgeht.
Produkten diese ästhetische Qualität zu geben, ist und war keineswegs einfach, das muss immer wieder deutlich gemacht werden. Unauffälliges, neutrales Design ist kein Selbstzweck und kein Mangel, sondern ganz konkret ein Vorzug. Viele Gebraucher (nicht Verbraucher) – davon bin ich überzeugt – werden das verstehen.
Nicht zu vergessen ist auch die zeitlichen Dimension. Wieviel Verschwendung dürfen wir uns überhaupt noch leisten? Deshalb bin ich auch ein bisschen stolz darauf, dass die Dinge, für die ich verantwortlich war, zum großen Teil jetzt von Sammlern geschätzt werden und die Möbel noch heute in Gebrauch sind. Denn tatsächlich lässt sich Langlebigkeit nicht nur mit den Mitteln des Designs erreichen. Die Langlebigkeit setzt das Zusammenspiel von intelligenter Produktidee, gelungener Konstruktion, hoher Fertigungsqualität und durchdachtem Design voraus. Daraus wird ersichtlich, dass Design nur als Teil einer unternehmerischen Gesamtleistung wirklich erfolgreich sein kann.

Wenn Sie sich für die Zukunft wünschen dürften, dass etwas verschwindet, das es heute gibt, was wäre das?
Da habe ich eine ganz einfache Antwort: Das Spektakuläre. Das Verlogene.

Der Beitrag Dieter Rams im Interview erschien zuerst auf Grafikmagazin.