Der Band ist eine stilvolle Ergänzung in der Küche. Das edle Hardcover mit riesigem Pilz glänzt durch Eingängigkeit. Im Buch finden sich Kunstwerke von Andy Warhol, Modefotografien und sogar Super Mario. Besonders die Bilder von Bobby Doherty und Ben Toms stechen heraus und finden sich im ganzen Buch. »All Mushrooms are edible, but some only once.« sagte einmal Terry Pratchett. Dieser Band ist immer wieder konsumierbar, denn die opulente Hommage an den Pilz bietet viele geheimnisvolle Geschichten und Rezepte. Im Panorama zwischen Mythos, Medizin und Muse, von Heilritualen zu Haute Cuisine findet jeder eine spannende Erzählung oder ein passendes Rezept —  und das immer wieder.

Im ersten Teil findet sich nicht nur kulinarische Geschichte, sondern auch wissenschaftliche Beiträge über die Giftigkeit von Pilzen, Mythen und Sagen, und ein Artikel über die grafische Welt von Takashi Murakami, der seine Grafiken auch in 3d-Modelle übersetzt. Ganz nach »Form Follows Fungi« wird Möbel- und Modedesign in Verbindung mit Pilzen vorgestellt.

Der Rezeptteil umfasst Vor- und Hauptspeisen, von Klassikern wie Pilzrisotto bis einem Old-Fashion Mushroom-Ketchup oder dem Herstellen von Pilzpulver finden sich kreative Ideen für die herbstliche Küche. Natürlich wird auch mit verschiedenen Sorten gekocht, wie Enoki, Portobello, Shiitake oder Steinpilze.

Mushroom Omelette
(Photography, Bobby Doherty. Food styling, Jamie Kimm. Set design, Noemi Bonazzi)
© 2026 The Gourmand All rights reserved www.thegourmand.co.uk

The Gourmand’s Mushroom. A Collection of Stories and Recipes ist auf taschen.com verfügbar.

Weitere Publikationen finden Sie auf grafikmagazin.de

TASCHEN
The Gourmand’s Mushroom. A Collection of Stories & Recipes
Hardcover, 20 x 27.9 cm, 1,40 kg, 292 Seiten
€40
Taschen.com

links: Wild Chanterelles on Toast (Svamptoast)
(Photography, Bobby Doherty. Food styling, Jamie Kimm. Set design, Noemi Bonazzi)
© 2026 The Gourmand All rights reserved www.thegourmand.co.uk

rechts: Bobby Doherty, Mushroom on Green Plaid Blanket, 2024
© 2026 The Gourmand All rights reserved www.thegourmand.co.uk

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For more than two years, Felipe took notes of the phrases that came to his mind at any time, during day or night — even when he was sleeping! He made a list of more than 200 phrases.

The book “Diálogos Ambíguos” (Ambiguous Dialogues) is published by WMF Martins Fontes Editions www.wmfmartinsfontes.com.br

See more about the illustrator Alejandro Magallanes www.alejandromagallanes.com  @magallanes71 and Writer Felipe Taborda http://www.felipetaborda.com.br/en/ @ftaborda.design. You can find another article about illustration and books here: Grafikmagazin.de

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Rund 300 Kreative, Druckexpert:innen und Entscheider:innen aus Unternehmen und Agenturen folgten unserer Einladung zur Druck und Design Konferenz 2025, um gemeinsam zentrale Fragen zu erkunden: Welche Rolle spielt Print in einer Welt, in der Algorithmen Inhalte generieren und KI Marken mitgestaltet? Und wie kann Print als Medium Vertrauen schaffen wenn es zunehmend zur umkämpften Ressource wird? Die Antwort, die sich durch den gesamten Tag zog, war eindeutig: Print stiftet Vertrauen – gerade weil es greifbar, substanziell und authentisch ist. Genau diese Qualitäten machen gedruckte Medien in einer zunehmend digitalen, KI-gesteuerten Welt relevanter denn je.

Alle Fotos: © Burke Akademie

Ein Format, das inspiriert und vernetzt

Das Besondere am Konzept unserers Konferenzformats: nicht nur informieren, sondern echten Austausch ermöglichen. Nach der Begrüßung durch Christian Meier, Grafikmagazin-Geschäftsführer, sowie Holger Busch, Hauptgeschäftsführer des Verbandes Druck und Medien Bayern, bot die Mischung aus Keynotes am Vormittag und interaktiven Work-Panels am Nachmittag den Teilnehmenden die Möglichkeit, zunächst große Perspektiven kennenzulernen und diese dann in kleineren Gruppen zu vertiefen – im direkten Gespräch mit führenden Köpfen der Branche. Die Location – Die Macherei München mit ihrem kreativen, inspirierenden Ambiente – erwies sich wieder als perfekte Kulisse für einen Tag voller Begegnungen auf Augenhöhe.

Keynotes: Vier Perspektiven auf Print und Vertrauen

Philipp Brune: Identität als größte Superpower

Den Auftakt machte Philipp Brune, CEO der renommierten Branding- und Designagentur Strichpunkt, mit seiner Keynote über Markenidentität im KI-Zeitalter. Seine zentrale These: »Identität ist die größte Superpower eines Unternehmens – und Print ein Medium, das sie sichtbar und spürbar macht.« Brune plädierte dafür, Transformation als Gestaltungsaufgabe zu verstehen. Mit Beispielen aus seiner Arbeit für Audi, Deutsche Bahn, Bucherer und Vorwerk zeigte er eindrücklich, wie Marken in Zeiten künstlicher Intelligenz Glaubwürdigkeit durch analoge Erlebnisse festigen können. Dabei sensibilisierte er die Gäste für zwei entscheidende Fragen: Was sich in Zukunft ändern wird (und was eher nicht). Denn gerade die zweite Frage wird laut Brune oftmals nicht in die strategischen Überlegungen miteinbezogen. Seine Botschaft: Im KI-Zeitalter gewinnen authentische, menschlich gestaltete Markenbegegnungen an Bedeutung, statt sie zu verlieren.

Magnus Gebauer: Print als Antwort auf die Echtzeitkultur

Magnus Gebauer, Teamlead im MedienNetzwerk Bayern, beleuchtete als erfahrener Trendforscher die gesellschaftlichen Entwicklungen im Umgang mit künstlicher Intelligenz und Informationsflut. Laut Gebauer ein großer Vorteil für Print: »Menschen suchen nach Regeneration, Orientierung und vor allem nach Vertrauen. Genau das bietet Print, wenn es Haltung zeigt und eine hohe redaktionelle Qualität aufweist.« Während sich die digitale Kommunikation immer mehr beschleunigt, wächst paradoxerweise das Bedürfnis nach Entschleunigung und Beständigkeit. Print erfüllt genau dieses Bedürfnis und schafft Momente der Konzentration – eine Qualität, die in der Echtzeitkultur des Digitalen zunehmend fehlt und damit umso wertvoller wird.

Sabine Cole: Gestaltung als demokratischer Akt

Prof. Sabine Cole von der HAWK Gestaltung Hildesheim zeigte in ihrem Vortrag, wie Gestaltung als demokratischer Akt wirken kann. Am Beispiel ihres Projekts »Der Koalitionsvertrag als Magazin«, das sie mit Verleger Oliver Wurm und einer Gruppe Studierenden in Rekordzeit umsetze, machte sie deutlich, dass Gestaltung komplexe politische Inhalte transparent vermittelbar und greifbar machen kann. Den Koalitionsvertrag als hochwertiges Printprodukt an den Kiosk zu bringen, ist für Cole ein Ausdruck des Respekts vor demokratischer Arbeit – aber vor allem eine Brücke zwischen Politik und Bürger:innen. »Vertrauen funktioniert nur, wenn es gegenseitig gelebt wird«, fasste Cole zusammen. Ihre Botschaft an die Designer:innen von morgen: Sie gestalten die Zukunft im wahrsten Sinne des Wortes mit und können durch ihre Arbeit demokratische Werte und das Vertrauen in den Rechtsstaat stärken.

Maren Martschenko: Klein, stark, konzentriert

In einer Abschluss-Keynote machte sich die Markenberaterin Maren Martschenko, die für Dirk von Gehlen eingesprungen war, dafür stark, Marken bewusst zu begrenzen, auch in Sachen Gestaltung – getreu dem Motto: »Eine Marke sollte sein wie ein Espresso: Klein, stark und konzentriert – aufs Wesentliche und Wirksame.« Sie zeigte auf, dass Design vielfältige Aufgaben erfüllt, die weit über die eigentliche Gestaltung hinausgehen und tief in den Strategieprozess einer Marke hineinreichen. Ihre Keynote rundete den Vormittag mit einem klaren Plädoyer für Fokussierung und Mut zur Reduktion ab – Qualitäten, die gerade im Print ihre Stärke ausspielen können.

Work-Panels: Inspiration trifft Praxis

Das Herzstück der Nachmittagssession bildeten die Work-Panels, in denen die Teilnehmenden in kleineren Gruppen direkt mit Expert:innen ins Gespräch kamen.

Marco Bölling, Geschäftsführer der Bölling GmbH & Co KG, stellte provokant die Frage: Ist Goethes Erkenntnis »Was man schwarz auf weiß besitzt, kann man getrost nach Hause tragen« noch zeitgemäß? Seine Antwort, unterfüttert mit Einblicken in die Arbeit seiner auf feine Papiere und klassische Druck- und Veredelungstechniken spezialisierten Druckerei: Ja – gerade heute! »Print schafft Vertrauen – gerade, weil es beständig ist«, so Bölling. Die Unveränderlichkeit gedruckter Information, ihre physische Präsenz, schafft eine Dimension von Vertrauen, die digital nicht zu ersetzen ist. Nicht umsonst florieren Manufakturen und Handdruckereien.

»Gegen die Beliebigkeit – wie Marken spürbar werden« lautete der Titel des gemeinsamen Panels von Kerstin Denzler (Geschäftsführerin effektiv Druck+Veredelung) und Lars Schrodberger (Creative Director, Tabula Rasa Hamburg). Die beiden zeigten an konkreten Beispielen, wie strategische Markenentwicklung und hochwertige Produktion zu spürbarem Vertrauen verschmelzen. Ihre Formel: Strategische Markenentwicklung + Hochwertige Produktion = Vertrauen zum Anfassen. Die Überzeugung der beiden: Design schafft den Raum für Vertrauen, hochwertige Produktion macht Markenbotschaften erlebbar. Das Panel war ein eindringliches Plädoyer für bewusste Partnerschaften zwischen Agenturen und Druckereien – und dafür, dass Vertrauen entsteht, wenn Kreativität auf handwerkliche Präzision trifft. In einer übersättigten Medienwelt führt der einfachste Weg zur Unsichtbarkeit – die beiden zeigten, wie Marken entstehen, die nicht nur gesehen, sondern gefühlt werden.

»Was Print kann, können wir schon lange! – Was die Designbranche im Kontext von KI, von der Druckbranche lernen kann«, lautete die These von Thorsten Kinnen, Business Development Manager Commercial Printing bei Konica Minolta und Initiator von WE.LOVE.PRINT. Er rückte die Parallelen zwischen Design und Druckindustrie in den Fokus, gerade auch in Bezug auf die Herausforderungen im KI-Zeitalter. Seine Botschaft: Die Druckbranche hat bereits mehrere technologische Umbrüche gemeistert und dabei gelernt, dass Automatisierung und Handwerk keine Gegensätze sind, sondern sich ergänzen. „Die Designbranche kann vom Druck lernen, wie man Vertrauen materialisiert“, machte Kinnen deutlich und verwies auf die vielfältigen Projekte der Brancheninitiative WE.LOVE.PRINT.

Der vielfach ausgezeichnete Designer und Creative Director Denis Widmann führte die Teilnehmenden in die Welt taktiler Erlebnisse ein. Mit seiner über 16-jährigen Erfahrung in Markenentwicklung und Markenkommunikation sowie seiner Arbeit für Kunden wie Adobe und Campari demonstrierte er, wie seine Philosophie zu Marken führt, die nicht nur gesehen, sondern gefühlt werden. Seine Arbeit verbindet deutsche Präzision mit britischer Kreativität – Konzept und Handwerk, Digitales und Physisches. Mit tiefem Fachwissen in den Bereichen Print, Materialität und hausinterner Prototypenentwicklung sorgt Widmann dafür, dass jede Idee Substanz hat – und Bestand.

Petra Wöhrmann, Diplom-Kommunikationsdesignerin, Künstlerin und Kalligrafin sowie ehemalige 1. Vorsitzende der Typographischen Gesellschaft München, entführte die Teilnehmenden in die Welt der Kalligraphie und des Lettering. Nach vielen Jahren als Artdirektorin im Corporate Design jongliert sie heute mit Buchstaben – digital, aber besonders gerne analog in ihrem Münchner Atelier. Ihre Arbeit, besonders im Luxusmarken- und Fashion-Bereich, zeigt, wie analoge Schriftgestaltung als bewusster Gegenpol zur digitalen Uniformität wirken kann: »Ich habe mir hier eine wunderbare Nische gefunden«, erzählt sie von ihrer beeindruckenden Reise, die viel von kreativer Intuition und persönlichem Wachstum geprägt war. Ihr Panel inspirierte die Teilnehmenden, neu über die Potenziale handgeschriebener Elemente in der Markenkommunikation nachzudenken – und sich einen eigenen Platz zu schaffen, in dem sich ungeahnte Potenziale verwirklichen lassen.

Ausstellung & Begegnung: Papierinnovationen zum Anfassen

Begleitend zum Konferenzprogramm präsentierten sich zahlreiche Aussteller mit Papierinnovationen, Druckveredelungen und kreativen Printprojekten im Ausstellungsbereich der Macherei. Als Premiumpartner waren Carl Berberich GmbH, Gmund Papier, LEONHARD KURZ und OVOL Papier Deutschland GmbH vertreten.

Als Aussteller zeigten sich Antalis, Arctic Paper, Butz & Bürker, Fedrigoni Special Papers, Forum Druckveredelung, Fujifilm, F&W Druck & Mediencenter, IGEPA, KONICA MINOLTA, Lenzing Papier GmbH, multi-druck, RUDOLPH DRUCK, THE PAPER FAMILY und WE.LOVE.PRINT. Hier entstand eine lebendige Atmosphäre, in der Designer:innen, Drucker:innen und Materialexpert:innen ins Gespräch kamen, Muster begutachteten und neue Möglichkeiten für ihre Projekte entdeckten.

Fazit: Print schafft Vertrauen

Viele Teilnehmende betonten am Abend, dass sie nicht nur fachlich inspiriert, sondern auch persönlich bereichert nach Hause gingen. Die Mischung aus theoretischen Impulsen und praktischen Einblicken, aus großen Perspektiven und konkreten Lösungsansätzen hatte genau das erreicht, was wir uns erhofft hatten: eine Konferenz, die verbindet. Der rote Faden des Tages – »Print als Vertrauensmotor im Zeitalter der Künstlichen Intelligenz« – erwies sich als tragfähig und zukunftsweisend. In einer Zeit, in der KI-generierte Inhalte die digitale Welt durchdringen, gewinnen greifbare, menschlich gestaltete Medien an Bedeutung. Print steht für Substanz, Glaubwürdigkeit und Nähe – Werte, die heute und in Zukunft mehr denn je zählen.

»Die Druck und Design ist ein Ort, an dem sich kreative Köpfe aus Design, Technik und Wirtschaft auf Augenhöhe begegnen«, sagt Christian Meier, zum Abschluss der Veranstaltung. Mit einem inhaltlich wie atmosphärisch gelungenen Veranstaltungstag bestätigte die Konferenz ihren Ruf als führendes Branchenevent im deutschsprachigen Raum. Die Druck und Design 2025 hat gezeigt: Wenn Kreativität auf erstklassige Drucktechnik trifft, wenn Designerinnen und Druckexpertinnen auf Augenhöhe zusammenarbeiten, entstehen starke Markenbotschaften, die nicht nur gesehen, sondern gefühlt werden. Print verbindet – erfolgreich, kreativ und nachhaltig.

Wir danken allen Teilnehmenden, Speaker:innen, Partner:innen und Aussteller:innen für diesen besonderen Tag!

Über die Druck und Design Konferenz

Die Druck und Design Konferenz ist eine Initiative von Grafikmagazin und dem Verband Druck und Medien Bayern e. V. (VDMB). Alle zwei Jahre vernetzt sie Fachleute aus Druck, Design, Agenturen und Industrie und bietet eine Plattform für Wissenstransfer, Inspiration und Branchendialog. Die nächste Ausgabe ist für 2027 geplant.

Weitere Informationen unter druckunddesign.org

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Hara ist auf vielen Gestaltungsgebieten tätig. So ist er seit 2001 Art Director bei Muji und entwarf die Programme für die Eröffnungs- und Abschlussfeiern der Olympischen Winterspiele 1998 in Nagano. Außerdem schuf er, neben vielen anderen Designprojekten, die offiziellen Plakate für die EXPO 2005 in Aichi, das Orientierungssystem für das Umeda-Krankenhaus, das Corporate Design des Kunstmuseums der Präfektur Nagasaki und das neue Design für das Kaufhaus Matsuya in Ginza. Im Jahr 2008 arbeitete Hara für das Herrenparfüm Kenzo Power mit dem Modelabel Kenzo zusammen, um nur einige Aufgaben aus seinem reichen Schaffen zu nennen. Entsprechend vielfältig sind die ausgewählten Beispiele, denn der Prozess des Skizzierens und Zeichnens mit der Hand hat für ihn immer eine bedeutsame Rolle gespielt. 

Das beginnt in der Frühzeit seiner Karriere: Nach dem Studium an der Musashimo Art University wollte er unbedingt in das Studio von Eiko Ishioka. Sie war in den frühen 1980er-Jahren nicht nur eine herausragende Figur für Mode und kommerzielle Werbung in Japan, sondern offenbar auch eine unerbittliche, von Hara aber sehr geschätzte Lehrmeisterin. Sie legte großen Wert auf Illustration, das blieb für ihn nicht ohne Folgen. So finden sich in »Draw« zu Beginn kunstreiche, teils hochkomplexe Ornamente – wertvolle Fingerübungen für seine späteren Entwürfe. Doch ebenso sind zahlreiche Varianten für Etiketten und Flaschen vertreten sowie Modellzeichnungen für Ausstellungsgebäude und ganze Häuserareale. Teilweise sind die gezeigten Ideen verblüffend, lassen aber vor allem den einfallsreichen Schaffensprozess erahnen, der schließlich zu ikonischen Ergebnissen geführt hat. Für Kenya Hara soll dieses Buch die nächste Generation von Kreativen inspirieren und ist durchaus als Plädoyer für eine Rückkehr zu analogen Prozessen im Design zu verstehen. Skizzieren und Zeichnen mit der Hand kann die gewohnte Entwurfsarbeit am Computer wirkungsvoll fördern und ergänzen, das beweist »Draw« überzeugend.

Text: Herbert Lechner

Kenya Hara: Draw
Lars Müller Verlag, 2025
352 Seiten mit rund 720 Illustrationen. Text in Englisch
ISBN: 978-3-03778-761-8
60,– Euro

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Auf kulinarischer Spurensuche

Herausgegeben wurde das Buch vom Medienwissenschaftler Markus Krajewski, der gemeinsam mit der Künstlerin und Köchin Margaretha Jüngling sowie dem Fotografen Christian Werner auf eine historische Spurensuche ging: »Der Auftrag: Alimentäre Augenlust«, wie es im Einführungskapitel heißt.

Ihre Reise führt sie in vier Etappen von der Schweiz bis nach Süditalien, wo sie ein barockes Schauessen bei Neapel rekonstruieren – nicht museal, sondern als poetisch-präzise Neudeutung. Die Rezepte, insgesamt 18 an der Zahl, sind inspiriert von historischen Quellen, aber stets mit einem zeitgenössischen Blick interpretiert. Jüngling gelingt es, kulinarische Vergangenheit greifbar zu machen, ohne in Nostalgie zu verfallen. Ergänzt wird das durch Krajewskis kluge Essays, die das Kochen als eine Kulturtechnik beschreiben – als Praxis der Wiederholung, der Verwandlung und der Repräsentation.

Akademisches Kochbuch mit Finesse

Dass dieses Buch aber nicht nur inhaltlich überzeugt, sondern auch gestalterisch neue Maßstäbe setzt, hat die Stiftung Buchkunst kürzlich auch offiziell gewürdigt: »Kulturtechnik Kochen« wurde als eines der »Schönsten Deutschen Bücher« ausgezeichnet. Die Begründung der Jury lobt unter anderem die formale Strenge und typografische Klarheit, die dem Buch eine bemerkenswerte Ruhe verleiht – trotz aller visuellen Üppigkeit. Besonders hervorzuheben sind die fein austarierte Typografie, etwa auch auf dem Cover, auf dem die Serifenschrift mit aufkaschierter Fotokarte kombiniert wird, aber auch das großformatige Layout mit großzügigem Weißraum sowie die besondere Materialität. »Wenn der Verlag von einem ›akademischen Kochbuch‹ spricht, pflichtet man ihm gerne bei, obwohl dies die offensichtliche Freude an der Buchgestaltung unterschlägt: So überrascht der Band mit einer historischen Abbildung auf dem Vorsatz sowie einem witzig inszenierten Nachsatz als modernes Pendant«, so heißt es in der Jurybegründung.

Alimentäre Augenlust

»Bild für Bild, Bissen für Bissen, footnote für footnote«: Verantwortlich für die Gestaltung ist Jörg Schwertfeger, unterstützt von Mario Naegele – ein Duo, dem es gelingt, historische Referenzen und zeitgenössische Buchkunst souverän miteinander zu verbinden. Die Fotografien von Christian Werner, der die Gerichte in dunklen, fast schon malerischen Bildkompositionen einfängt, verstärken den Eindruck, es hier nicht mit einem klassischen Kochbuch zu tun zu haben, sondern mit einer künstlerischen Reflexion über das Sehen, Begehren und Repräsentieren.

»Kulturtechnik Kochen« ist somit ein seltenes Beispiel für ein Buch, das gleichermaßen inhaltlich, gestalterisch und haptisch überzeugt – ein Werk, das zeigt, was möglich ist, wenn unterschiedliche Disziplinen mit höchstem Anspruch zusammenkommen. Für alle, die sich für Buchgestaltung, Kulturgeschichte und die sinnliche Dimension des Essens interessieren, ist dieses Buch ein Fest. Und natürlich kommt auch der tatsächliche Genuss nicht zu kurz: von Rezepten wie »Lauch-Bohnen-Shiitake Ragout« bis zu den toskanischen »Zucchetti, Mandeln und Minze« ist für jeden Geschmack was dabei …

Bestellen Sie hier »Kulturtechnik Kochen« auf der Verlagswebsite von Schwabe

Hier zum Portfolio von Christian Werner weiterklicken

Die Website von Grafikdesigner Jörg Schwertfeger finden Sie hier

Über die Sommerferien stellen wir auf der Grafikmagazin-Website ausgewählte Titel aus der Liste der »Schönsten Deutschen Bücher 2025« vor – Bücher, die Maßstäbe setzen, Diskussionen anregen und die gestalterische Vielfalt des Mediums feiern. Hier können Sie alle Titel auf der Website der Stiftung Buchkunst entdecken.

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Zurück zum Reportage-Magazin für Frauen

Die Neuausrichtung des Magazins in Deutschland steht unter der kreativen Leitung von Werner Mink. Gestalterische Vorgaben habe es keine gegeben, sagt er, wohl aber die klare Markenidentität von Marie Claire. »Ein Magazin für Frauen, die Wertvolles und Schönes schätzen – nennen wir es ruhig Luxusmarken – und zugleich an politischen und sozialen Themen interessiert sind«, beschreibt er die Zielgruppe. Marie Claire sei schon immer mehr als ein Lifestylemagazin gewesen: »Nicht umsonst war der Marie-Claire-Claim früher ›Das Reportage-Magazin für Frauen‹.« Diesen Charakter galt es für den deutschen Markt modern zu interpretieren. Mink enwarf ein Layout, das Gegensätze vereint: »Ein ernsthaftes, geradliniges Design mit luxuriösen Akzenten wie Weißraum und ungewöhnlicher Seitenkomposition.«

Typografie ist mehr als nur Gestaltungselement

Ein besonderes Augenmerk legte er auf die Typografie. »Eine ultraschmale Helvetica trifft auf eine sehr feminine Serifenschrift. Extreme Größenunterschiede der Elemente verleihen den Seiten zusätzlich Spannung.« Diese Vielfalt steht im Einklang mit dem Konzept der »modernen Femininität«, das weder zuckersüß noch überladen wirken soll, sondern künstlerisch und cool. Für Mink ist Typografie mehr als nur Gestaltungselement: »Wir erleben eine regelrechte Typo-Explosion, was man auch daran sieht, dass ständig neue Boutique-Typefoundries entstehen.« Seine Inspiration schöpft er aus dem internationalen Austausch – besonders, wie andere Länder die Marie-Claire-­DNA aufgreifen.

Die Stärke von Print betonen

In einer Zeit, in der digitale Plattformen dominieren, setzt Marie Claire bewusst auf die Stärke von Print. Mink beschreibt die gedruckte Ausgabe als »belohnendes Erlebnis« für Leserinnen, die sich für Premiumjournalismus und -design entscheiden. »Blättern empfinde ich als wertvoller als Scrollen«, sagt er, »und die kuratierte Themenauswahl wirkt überlegter und wertvoller als die endlose Themenflut online.« Das Feedback der Leser:innen bestätigt die Relevanz der Rückkehr. Ob treue oder neue Fans der Marke – viele seien begeistert von der Haltung, die Marie Claire verkörpert, und lobten die visuelle Umsetzung. »Ein Magazin mit der ›Marie-­Claire-Haltung‹ passt perfekt in die Zeit«, fasst Mink die Resonanz zusammen. Mit einer mutigen Gestaltung, durchdachter Typografie und dem Fokus auf anspruchsvolle Inhalte zeigt Marie Claire, dass Print nicht nur überlebt, sondern neue Maßstäbe setzen kann – ein starkes Signal für den deutschen Magazinmarkt.

Den Artikel finden Sie im aktuellen Heft, dem Grafikmagazin 01.25 »Typografie«

Zum Portfolio von Werner Mink

Die Marie Claire können Sie hier bestellen

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»In den letzten zwei Jahren hat künstliche Intelligenz die Kunstwelt grundlegend verändert. An der Schnittstelle von Mensch und Maschine entstehen neue kreative Ausdrucksformen, die traditionelle Konzepte von Kunst und Konzeption neu definieren. Diese Symbiose eröffnet nicht nur neue ästhetische Möglichkeiten, sondern fordert auch eine tiefere Auseinandersetzung mit der Rolle des Menschen in einer zunehmend digitalisierten Welt.« So beschreiben die Initiatoren Mike Brauner (Co-founder polardots.studio) und Christoph Grünberger (The Age of Data) den Hintergrund ihres ungewöhnlichen Projekts. Mit dem AI Art Magazine möchten sie Schaffensprozesse und die Intensionen der Kunstschaffenden sichtbar machen, sowie die Schnittstelle beleuchten, an der zwischen Mensch und Maschine Kunst entsteht.

So schnell KI Ergebnisse produzieren kann, so langwierig war der Entstehungsprozess des AI Art Magazine. Bereits im Mai 2024 verteilten die Initiatoren Flyer auf der Offf in Barcelona, um Künstler:innen auf das Projekt aufmerksam zu machen. »Dann haben wir eine Nullnummer erstellt, um das Konzept zu zeigen«, erklärt Mike Brauner. »Das Cover war von Julia Hermine Ulmer und im Innenteil bestand das Magazin aus unbedruckten Papierresten – weil wir ja noch auf Content der Community gewartet haben. Damit waren wir auch auf Veranstaltungen wie der Indiecon und über Social Media konnten wir dann weltweit weitere Künstler erreichen, besonders über Instagram.« Ab September konnten Kreative ihre Arbeiten über eine Online-Plattform einreichen und erste Musterseiten wurden erstellt. Im Oktober begann dann der Kurationsprozess und die Juror:innen wählten die Kunstwerke aus und konnten mit einem Golden Ticket jeweils einen Favoriten oder eine Favoritin sicher in die Endrunde schicken.

Zur Jury gehörten Adriana Mora, Boris Eldagsen, David Carson, Grit Wolany, Götz Ulmer, Hannah Johnson, Ingo Faeks, Liri Argov, Sara Giusto, Vivien Schulze und der JuryAI Xiaomi. Über das Goldene Ticket des Jury-KI-Bots konnte sich beispielsweise Jan Wölfel freuen, der von Xiaomi auch zu seinem Entwurf befragt wurde. Nachdem eine Auswahl getroffen war, ging es daran, die Arbeiten in einem Magazin zu präsentieren. Im AI Art Magazine werden nun insgesamt 50 Artists vorgestellt, die 11 Golden Tickets mit einem Kommentar der Juror:innen sowie verschiedene Artikel zu Kunst, Design, KI und Machine Learning.

Warum sie sich ausgerechnet beim Thema KI für ein gedrucktes Medium entschieden haben, erläutert Mike Brauner. »Für Print haben wir uns aus mehreren Gründen entschieden«, sagt er. »Wir wollen Leute erreichen, die keinen Zugang zu digitaler Kunst haben. Begrenzter Platz heißt zudem, dass man eine Auswahl treffen muss und wir fanden den Kontrast zum Digitalen spannend. Das Magazin ist das Archiv eines bestimmen Zeitpunkts und Haptik erzeugt Wertigkeit. Und schließlich einfach deshalb: Wir lieben Print.« Das AI Art Magazine präsentiert sich nun auf 176 Seiten mit unterschiedlichen Papierwechseln, die Spannung erzeugen und der digitalen Kunst Haptik verleihen. Eine offene Fadenheftung kontrastiert reizvoll mit dem glatten Cover und seiner artifiziellen Anmutung.

Wer bisher noch keinen Zugang zu KI-Kunst hatte, findet hier einen guten Einstieg in die Thematik. Die Arbeiten sind inspirierend und wer selbst mit KI kreiert findet im Magazin viele Anregungen – technisch wie künstlerisch. Für einen theoretischen Überbau und einen Ausblick auf die Zukunft sorgen die Essays. Das AI Art Magazine ist also eine runde Sache und ebenso sehens- wie lesenswert. Und wem es gefallen hat, kann sich schon auf eine Fortsetzung freuen. Das Team um Mike Brauner und Christoph Grünberger plant zwei Ausgaben pro Jahr herauszubringen.

Magazin Bestellung 
https://shop.art-magazine.ai/shop

Weitere Beiträge aus dem Bereich Publishing finden Sie hier …, einen ausführlichen Beitrag über Grit Wolany und das Gestalten mit KI können wir ebenfalls empfehlen.

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Er ist linkisch und tollpatschig, er ist arbeitsscheu und schläft am liebsten in seinem Sessel, er hat (fast) immer Pech, ihn plagen Geldsorgen und sein stinkreicher Onkel ist der größte Geizkragen der Welt und nutzt ihn nur aus. Und wenn ihm all das zu viel wird, bekommt er filmreife Wutanfälle. Donald Duck ist weiß Gott kein Held, aber dafür ein umso größerer Sympathieträger, denn er ist so durchschnittlich und voller Fehler wie wir es alle sind.
So fehlbar Donald auch sein mag, so erfolgreich ist er als Comic-Figur. Seit neun Jahrzehnten werden seine Abenteuer fortgeschrieben, er ist der Star von über 170 Zeichentrickfilmen und war damit in mehr Filmen zu sehen als jeder andere Protagonist von Disney. Er lebt natürlich in zahlreichen Comics fort, tritt im Fernsehen auf und spielt in zahlreichen Themenparks eine große Rolle.

In »Donald Duck. The Ultimate History« kann man nun ganz tief in das Donald-Universum eintauchen. Auf 564 Seiten präsentiert der Taschen Verlag seltene Zeichnungen, Originalausgaben und bisher unveröffentlichte Arbeiten von Carl Banks, der den Enterich über viele Jahre hinweg prägte. Die Autoren hatten Zugang zu historischen Archiven und Sammlungen von Disney sowie zu anderen öffentlichen und privaten Sammlungen und konnten so Informationen und Arbeiten zu Tage fördern, die in dieser Form noch nicht zugänglich waren. Im Band sind beispielsweise frühe Storyboard-Zeichnungen von Carl Banks zu sehen sowie seltene Konzeptzeichnungen, Story-Skizzen, Hintergrundbilder und Animations- und Comic-Zeichnungen aus insgesamt neun Jahrzehnten.

Im Gegensatz zu Mickey Mouse, der schlau, zurückhalten und vernünftig zu sein hatte, durfte Donald von Anfang an der Kragen platzen. Das Team liebte diesen Charakterzug so sehr, dass Walt Disney seine Geschichtenschreiber warnte, sich nur darauf zu konzentrierten, den Enterich explodieren zu lassen. Doch auch das Publikum mochte genau dieses Unangepasste. Als Carl Banks von der Position als Animateur zum Geschichtenschreiben wechselte, eröffnete sich für Donald nochmal ein ganz neues Universum. Er durfte die Welt bereisen und die fantastischsten Abenteuer erleben. In »Donald Duck. The Ultimate History« kann man diese Entwicklung mitverfolgen und über viele Skizzen, Storyboards und alte Fotografien hinter die Kulissen der Film und Comic-Produktionen sehen.

Die Materialfülle ist beeindruckend und auf den weit über 500 Seiten gibt es viel zu entdecken. Der Taschen Verlag liebt es ja, großformatige Bücher herauszubringen und in diesem Fall lohnt sich das wirklich. Auf großzügigen Doppelseiten wirken die Bilder und Zeichnungen noch eindrucksvoller und man kann selbst kleinste Details erkennen. Schön ist auch, dass mit verschiedenen Papieren gearbeitet wurde und zum Beispiel die neuen Kapitel mit farbigem Naturpapier eröffnet werden und Stanzungen den Blick auf das neue Thema freigeben. »Donald Duck. The Ultimate History« ist eine tolle Fundgrube für Donaldisten, aber auch für all jene, die dem kleinen, wütenden Enterich schon in ihrer Kindheit begeistert gefolgt sind.

Donald Duck. The Ultimate History
Daniel Kothenschulte (Hg.), David Gerstein, J.B. Kaufman
Taschen Verlag
564 Seiten, Hardcover, 29 x 6,3 x 39,5 cm, Versionen in Englisch, Deutsch und Französisch verfügbar
175,– Euro

Weitere Buchempfehlungen finden Sie in unserem Blog.

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»Le baiser« – den Kuss vor dem Rathaus kennt wohl jeder, doch der Urheber ist vielen weniger vertraut. Dabei gehört Doisneau zu den populärsten Fotografen Frankreichs, zahllose seiner Bilder haben Geschichte geschrieben. Die bisweilen unterstellte Leichtigkeit, gar Banalität der Motive erweist sich bei näherer Betrachtung als Irrtum, hier ist ein feinsinniger Artist am Werk. Das große Bildformat und die chronologische Sammlung offenbaren auf 440 Seiten auch, welche Arbeit hinter den »Zufallstreffern« steckten und dass der glückliche Schnappschuss bisweilen erst nach stundenlangem Warten gelang.

In seiner Autobiografie schreibt der 1912 geborene Doisneau, er sei noch mit der Holzkamera groß geworden. Tatsächlich schleppte er anfangs eine gewaltige hölzerne 18×24-Kamera, samt Glasnegativen, Abdecktuch und Stativ – ganz ähnlich seinem großen Vorbild Eugene Atget. Seine erste Aufnahme zeigt einen Stapel Pflastersteine, wobei die geschickte Ausleuchtung fasziniert. Bald wechselte er zur Rolleiflex, seinerzeit die wichtigste zweiäugige 6×6-Kamera. Der gebeugte Blick in den Lichtschachtsucher kam seiner Schüchternheit entgegen, lange fürchtete er sich, Menschen zu fotografieren. Doch das gab sich zum Glück, seine Porträts von Prominenten und Unbekannten sind legendär: Pablo Picasso mit den berühmten Semmel-Händen, Tati mit dem total zerlegten Fahrrad, Braque, Utrillo, Francoise Sagan, Isabelle Huppert, die ganz junge Bardot und natürlich seine Lieblinge Blaise Cendrars und vor allem Jacques Prévert …

Doch es sind gerade seine Pariser Alltagsszenen, die ihn zu Recht berühmt gemacht haben. Momentaufnahmen von Typen und Figuren, voller Liebe und Humor, ohne Scheu, aber ohne die Protagonisten je der Lächerlichkeit preiszugeben. Arbeiter, Handwerker, Concierges, Clochards, die Akteure der »Halles«, die Kämpfer gegen die Besatzer und die Feiernden der Befreiung, Feste der High Society und immer wieder Kinder, deren Spontaneität und Direktheit ganz dem »Straßenfotografen« (Doisneau) entsprachen. Entstanden ist so eine Chronik des verschwundenen Paris, darin durchaus Atget verwandt.  Doch ob Prominenz oder Straßenmotiv – stets scheint der selbsternannte „Bilderdieb“ mit einem leisen Lächeln abgedrückt zu haben. Der namhafte französische Fotokritiker und -historiker Jean Claude Gautrand hat aus den rund 450.000 Negativen eine kluge Auswahl getroffen und mit erläuternden Texten begleitet, die Doisneaus besondere Bedeutung unterstreichen. Eine großartige Gelegenheit, auch diesseits des Rheins den Fotografen und Paris neu zu entdecken.
 
Text: Herbert Lechner

Robert Doisneau: Paris
Hrsg. Jean Claude Gautrand, Taschen Verlag
Hardcover, 25 x 34 cm, 3.31 kg, 440 Seiten
ISBN 978-3-8365-9948-1
50,– Euro

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2023, als der Hype um Künstliche Intelligenz gerade an Fahrt aufnahm, nutzte der Grafiker Robert Steinmüller die neuen Werkzeuge, um ein Buch zu schreiben und zu gestalten, das es ohne KI nicht gegeben hätte. Die fantasievolle Geschichte um einen Forschenden der Renaissance und die wundersamen Landschaften des Mondes ist nun auch als echtes Buch erschienen. Und es ist ein besonders schönes und handwerklich herausragendes Objekt geworden. »Die Meere des Mondes« zeigt beispielhaft, wie Kreative intelligente Tools nutzen können, um Dinge zu realisieren, die vorher nicht denkbar gewesen wären.

Dieser Text erschien ursprünglich im Grafikmagazin 04.23. Inzwischen ist das Buch im Reisedepeschen Verlag erschienen. In Anlehnung an die Thematik wurde bei der Produktion viel Wert auf Handwerkskunst und Qualität gelegt. »Die aufwändige Gestaltung, Typografie und Herstellung mit händisch eingehängten Bildern und verschiedenen Papieren erinnert an einen enzyklopädischen Bildband aus der Frühzeit der industriellen Buchproduktion«, heißt es aus dem Verlag.

Haben Sie sich schon einmal gefragt, warum es auf dem Mond Meere gibt? Zum Beispiel das Schlangenmeer, das Meer der Heiterkeit, das Wolkenmeer und den Ozean der Stürme. Darüber hinaus gibt es auch Seen, Buchten und Sümpfe, den See der Vergessenheit etwa oder den Sumpf des Schlafes. Diese Namen allein lassen im Kopf schon die schönsten Bilder und unglaublichsten Geschichten entstehen. Der Grafiker Robert Steinmüller ließ sich von ihnen zu einem Buch inspirieren – realisiert hat er es mithilfe verschiedener KI-Werkzeuge.

In der Renaissance begannen die Menschen sich wieder verstärkt den Wissenschaften zuzuwenden und die Welt zu erkunden, auch das Weltall. Die Erfindung des Fernrohrs führte zu weiteren Entdeckungen, Galileo Galilei etwa konnte so die Mondgebirge erkennen. Die dunklen Flecken auf der Oberfläche des Mondes kann man allerdings auch mit bloßem Auge sehen und sie beflügelten schon immer die Fantasie der Menschen. Da man annahm, es handele sich um Wasserflächen, benannte man sie entsprechend. Die poetischen Namen wiederum hatten es Robert Steinmüller angetan. Als Grafiker und Buchgestalter versucht er in freien Projekten immer wieder neue Techniken und Technologien auszuprobieren und mit den Mondmeeren hatte er den perfekten Aufhänger gefunden, um mit künstlicher Intelligenz zu experimentieren. 

Den italienischen Lehrschüler Enzo G. Benvolio machte Steinmüller zu seinem Protagonisten und ließ ihn die Mondlandschaften mit den Augen eines Renaissance-Menschen erkunden. Die »historischen« Aufzeichnungen allerdings generierte eine KI. Steinmüller überlegte sich zu ausgewählten Meeren jeweils zehn Stichpunkte und fütterte damit ein Tool zur Textgenerierung. Die Jasper-App lieferte ihm dann Textvorschläge, die der Gestalter als Rohmaterial für seine Erzählung nutzte. Auch die Bilder, mit denen »Meere des Mondes« illustriert ist, stammen von einer künstlichen Intelligenz. Hier nutzte Steinmüller die Wombo-App, da sie im Gegensatz zu anderen Bildgenerierungswerkzeugen die Möglichkeit bietet, sich schon vorab auf einen Stil festzulegen. 

Man muss sich also nicht mühsam über Prompts einer Ästhetik annähern und die Bilder besitzen eine größere visuelle Konstanz. Das war dem Grafiker wichtig, denn das Buch sollte ja so wirken, als hätte es ein Naturforscher der Renaissance verfasst. Prompts brauchte es natürlich trotzdem. Zu jedem Meer werden jeweils zwei Tiere und Pflanzen beschrieben, plus eine Besonderheit, die diesen speziellen Ort auszeichnet. Irgendwann fielen Steinmüller keine Besonderheiten mehr ein, also behalf er sich mit ChatGPT und schon konnte die Arbeit weitergehen.  

»Künstliche Intelligenz wird in Zukunft eine große Rolle in unserem Arbeitsalltag als Gestalter spielen. Dem sollten wir uns stellen«, sagt Robert Steinmüller. Es geht also darum, diese Werkzeuge nutzen zu lernen und ihr Potenzial zu erkennen. »Ohne KI wäre die Vertextlichung und Illustration meiner Buchidee nie möglich gewesen«, weiß er und freut sich darüber, dass es nach einer ersten kleinen Künstlerauflage für »Die Meere des Mondes« weitergehen wird und das Buch im Herbst auch in einem richtigen Verlag erscheint.

Die Meere des Mondes. Eine fiktionale Entdeckungreise zu den dunklen Flecken des Mondes

Robert Steinmüller, Reisedepenschen Verlag, 20,00 €, ISBN 978-3-96348-029-4

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Soлomiya steht für Frieden

In Form einer unabhängigen Printpublikation wurde Soлomiya Magazine als Reaktion auf die russische Vollinvasion in der Ukraine 2022 ins Leben gerufen. »Soлomiya« ist ein ukrainischer Frauenname, der in etwa »Frieden« bedeutet; ein erstmal widersprüchliger Titel für eine Zeitschrift zum Krieg. Gerade deshalb möchte sie als Plattform für aufstrebende und etablierte ukrainische Kreative dienen, die ihrer Sehnsucht nach einem Ende des Kriegs Ausdruck verleihen. Sie bedienen sich einer breiten Palette von kreativen Mitteln, um persönliche Erfahrungen, emotionale Beobachtungen und intellektuelle Diskurse zu teilen.

Die harsche Realität des Kriegs

Künstler:innen wie Vsevolod Kazarin regen mit ihren Fotografien und Fragen zum Nachdenken über die Konzepte von Männlichkeit im Krieg an, während Alex Mashtalers bisher unveröffentlichte Fotografien die jugendliche Unschuld mit der harten Realität des Krieges konfrontieren.

Ivanna Kozachenko und das Künstlerkollektiv Commercial Public Art die Raum-Strategien der von russischen Streitkräften in den besetzten Gebieten errichteten Architektur. Essays von Lucy Zoria und Sebastian Wells bieten eine Vielzahl von Perspektiven auf die Lebenserfahrungen junger Ukrainer:innen im Ausland.

Eine herausragende Porträtserie mit dem Titel »War Dreams« des italienischen Fotografenkollektiv Caimi&Piccini etwa fängt die Gedanken eines jungen Soldaten aus Odessa ein, der nach »einer Reise, einem Flug und Freiheit« sehnt. Diese Serie beleuchtet die emotionalen Wirren des Krieges aus der Perspektive derjenigen, die an vorderster Front kämpfen.

Die dritte Ausgabe von Soлomiy bietet auch Einblicke in die koloniale Vergangenheit und die gegenwärtige Militarisierung der Ukraine durch Interviews mit bekannten Persönlichkeiten wie Asia Bazdyrieva, Maxim Dondyuk und Henrike Naumann. Diese Gespräche liefern eine tiefere Einsicht in die komplexen Zusammenhänge, die das Land prägen – sowie Realitäten, die Russland seit vielen Jahren zum Schweigen zu bringen versucht.

Ein großes Trotz-dem

Die dritte, 132-seitige Ausgabe von Soлomiya im Format 23 × 31 cm wurde erneut vom Kollektiv Scrollan feinfühlig gestaltet sowie klimaneutral und vegan gedruckt; Publisher ist SHIFT BOOKS (International), mit Unterstützung vom Reseller Readellion in der Ukraine. Das Editorial Design führt mit einer beeindruckenden Auswahl an Texten und Bildern in die tiefsten Ecken der ukrainischen Realität. Das Redaktionsteam von Soлomiya, bestehend aus Sebastian Wells, Vsevolod Kazarin, Andrii Ushytskyi und Ivanna Kozachenko, arbeitet mit Kollektiv Scrollan in enger Kooperation an der kreativen Vision des Magazins, das einerseits für die Realitäten des Krieges sensibilisieren, andererseits auch den Mut und Stolz der Ukraniner:innen übermittelt. »Wir spürten bei der Umsetzung ein großes Trotz-dem«, wie die Gestalterin und Designprofessorin Barbara Kotte vom Kollektiv Scrollan erzählt.

Die dritte Ausgabe von Soлomiya wurde am 13. März 2024 veröffentlicht und ist ein weiterer Meilenstein in der dekolonialen Auseinandersetzung von Künstler:innen mit der von imperialer Aggression geprägten Umwelt der Ukraine.

Hier das Soлomiya Magazin #3 bestellen

Mehr zum ausführenden Kollektiv Scrollan

Die erste Ausgabe von Soлomiya Magazine stellten wir in der Ausgabe 01.23 »Bars & Drinks« vor, hier bestellen

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Auch wenn digitale visuelle Reize allgegenwärtig sind, spielt das gedruckte Plakat sowohl in der Gestaltung als auch in der Öffentlichkeit noch immer eine große Rolle. Welche Geschichten es zu erzählen hat und wie sich sein Zauber – sprichwörtlich – entfaltet, untersucht ein neues Buch aus dem Hause Slanted Publishers, das ohne Umschweife mit einem Poster aus hochwertigem Affichenpapier als Buchumschlag daherkommt.

Die besten Plakatdesigns der Hochschule Düsseldorf seit 1968

Die Hochschule Düsseldorf, ein Ort der Innovation und Kreativität, ist seit langem als Nährboden für herausragende Plakatgestaltung bekannt. Seit 1968 haben Künstler:innen wie Uwe Loesch, Fons Hickmann und Andreas Uebele die Grenzen des Plakatdesigns erweitert und neu definiert. Ihre Werke haben nicht nur die Wände der Universität geschmückt, sondern haben auch Einzug in renommierte Sammlungen wie das MoMA in New York und das Museum für Gestaltung Zürich gehalten.

Nun werden diese Meisterwerke in einem einzigartigen Buch zusammengeführt, »Das Plakat isst eine Fläche«. »Unser hier präsentierte recht große Plakatsammlung gibt somit auch einen Einblick in die wunderliche Historie des Grafik-Design-Studiums am Fachbereich Design der Hochschule Düsseldorf«, heißt es im einleitenden Text. »Das eine und andere Plakat wurde sogar Sammlerstück und mit Auszeichnungen geehrt, manche Plakate haben eine Woche gelebt, ihre Aufgabe erfüllt und sind in ihrer ganzen Schönheit verschwunden. Andere waren unleserlich aber schön, blöd aber leserlich, ärgerlich aber immerhin farbenfroh. Immer ging es um großen Gehalt & Wort, Form & wichtigen Sinn. Alle diese Plakate stehen jetzt, in diesem Buch, heiter wieder auf.«

Wenn die Grenzen zwischen Plakat und Buch verschwimmen

Konzeptionell ist das Buch nicht nur ein Sammelsurium von Plakaten, sondern ein »Plakatroman« im wahrsten Sinne des Wortes. Die Seiten sind fortlaufend bedruckt und werden wie eine Druckfahne behandelt. Texte und Bilder erstrecken sich über eine durchgehende Fläche, die später geschnitten und zu einem Buch gebunden wurden und die Grenzen zwischen Plakat und Buch verschwimmen lassen.

Die Vielfalt der Arbeiten ist beeindruckend. Von abstrakten typografischen Lösungen bis hin zu kraftvollen Bildkompositionen – jedes Plakat erzählt seine eigene Geschichte und lädt Betrachter:innen und Leser:innen ein, in eine Welt voller Farben, Formen und Ideen einzutauchen. Obwohl sie alle aus verschiedenen Epochen stammen, vereinen sie sich zu einem harmonischen Ganzen, das die Evolution des Plakatdesigns über die Jahre hinweg widerspiegelt.

Hinter den Kulissen dieses außergewöhnlichen Projekts stehen talentierte Köpfe wie Victor Malsy und Uwe J. Reinhardt, die als Professoren das Projekt initial betreuten, sowie die Gestalter Eric Fritsch, Filip Zdrojewski und Linus Knappe, die es fortführten. Mit viel Liebe zum Detail haben sie nicht nur die Plakate ausgewählt, sondern auch das Design des Buches selbst konzipiert. Das Ergebnis ist ein wahrer Augenschmaus, der die Essenz des Plakatdesigns auf unnachahmliche Weise einfängt.

»Das Plakat isst eine Fläche« richtet sich neben Plakatliebhaber:innen an alle, die sich für die Kraft der visuellen Kommunikation im öffentlichen Raum begeistern lassen. Es ist eine Hommage an die kreative Freiheit und den unermüdlichen Geist der Designer, die es verstehen, aus einer einfachen Fläche ein Kunstwerk zu zaubern.

»Das Plakat isst eine Fläche«, Slanted Publishers, hier kaufen

Redaktion: Victor Malsy, Uwe J. Reinhardt, Eric Fritsch, Linus Knappe, Filip Zdrojewski, HSD PBSA—Fachbereich Design
Design: Linus Knappe, Eric Fritsch, Filip Zdrojewski
236 Seiten, Offsetdruck, Buchblock mit offener Fadenheftung, Poster Index auf DIN A2 Affichenpapier-Poster als Buchumschlag
ISBN: 978-3-948440-70-1
30,– Euro

Passend zum Buch gibt es eine Website, auf die das Team Plakate fortlaufend einträgt

Hier finden Sie eine Rezension des »Yearbook of Lettering«, ebenfalls aus dem Hause Slanted Publishers

Unsere Schwerpunktausgabe zum Thema gibt es hier, das Grafikmagazin 05.21 »Plakatgestaltung«

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Im Zentrum von FREUDE.FOREVER No. 2 steht die Frage nach dem Wesen des Neuen. Das Editorial betont, dass das Neue nicht nur durch die Schaffung von etwas, das es zuvor nicht gab, entsteht. Vielmehr verbirgt es sich hinter Herausforderungen, die eine neue Perspektive erfordern. »Es braucht Aufgeschlossenheit, Mut, Flexibilität und die Bereitschaft, gegen diejenigen anzugehen, die behaupten, etwas sei unmöglich«, heißt es seitens Chefredakteur David Barnwell.

Ein immersives Erlebnis

Symbolisch für die Erkundung des Neuen steht eine Blumensskultpur, die einerseits das geprägte Cover ziert, andererseits auch in digitaler Form als Augmented-Reality-Erlebnis existiert, zugänglich via QR-Code. Diese künstlerische Kreation des isländischen Kollektivs Fischersund repräsentiert die zunehmend hybride Welt der Innovation bei BMW, die die Grenzen zwischen Physischem und Digitalem verschwimmen lässt. Sie entstand in Zusammenarbeit mit Franziska Goppold, Director Design. »Sie bietet ein immersives Erlebnis, das die Grenze zwischen der physischen und der digitalen Welt verwischt und die Sinne über den Tastsinn hinaus anspricht«, erklärt sie.

Interagieren und neu erleben

Franziska Goppold, die gemeinsam mit ihrem Team die komplette Konzeption, Idee, Layout und Umsetzung verantwortete, macht mit ihrem farbenfrohen, raumeinnehmenden Editorial Design Lust auf beide Welten. Um das Monothema »The Neue New« auszureizen, wollte das Team mit der Idee und vielleicht auch den Grenzen von neuem Printdesign experimentieren: »Wie das Magazin der Zukunft aussehen könnte. Wie man Geschichten auf verschiedene Level und Perspektiven heben kann und tiefer in sie eintauchen kann«, so Goppold.

Für sie steht außer Frage, dass Leser:innen zukünftig immer interaktiver mit eingebunden werden – und so direkt auch denjenigen Printprodukte schmackhaft zu machen, die sonst eher digital unterwegs sind, »indem sie auf ganz anderer Ebene ein Magazin erleben können und sogar damit interagieren können«. Hier kommen also nicht nur Printfans auf ihre Kosten – für das Cover wird etwa das voluminöse chlorophyll-blattgrüne Gmund-Bio-Cycle-Papier verwendet – auch die digitale Welt wird kunstvoll eingeflochten.

Die Heftstruktur orientiert sich dabei an den sieben menschlichen Sinnen und lässt jeweils Expertinnen – wie Fermentationswunderkind David Zilber in der Rubrik »Taste« oder das Künstlerduo Mixantrophy in »Sight« –, die ihre individuelle Sichtweise auf das Neue in ihrem Leben und ihrer Arbeit teilen – von der Kunst der Floristik bis zu revolutionären Ansätzen zu fühlenden Maschinen und Prothesen in der Sportwelt.

Herausgeber des Magazins ist die LOOPING GROUP, deren Vision von elegantem Magazinjournalismus und Storytelling für das Corporate Publishing von BMW bereits mehrfach ausgezeichnet wurde.

Alle Bilder sind von Roderick Aichinger

Dominik Wichmann von der Looping Group sprach auf unserer Druck und Design Konferenz im Herbst 2023, wie Printprodukte weiterhin relevant bleiben. Hier geht es zu seiner Keynote.

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Anstatt jede Idee zu Ende zu denken, umzustrukturieren und ihr einen finalen, effizienten Look zu verpassen, haben die 25 Student:innen in Sabine Coles Kurs ein Random-Content-Projekt auf die Beine gestellt, mit dem Leitsatz: alles darf komplett sinnlos sein. Dementsprechend strotzt das Ergebnis vor ungewöhnlichen, kreativen Einfällen, wie man den Zufall visuell sein Spiel spielen lassen kann. Vom Würfeln der Farben, über das Texten mit der chaotischen Autokorrektur-Funktion und mit Glitzer bestreuten Schneckenspuren ist alles dabei, und es lässt sich deutlich erkennen, dass sich die Student:innen an der Fakultät Gestaltung der Hildesheimer Hochschule für angewandte Wissenschaft und Kunst (HAWK) keine Grenzen setzten.

So ergab sich auch der Titel »GayBossyGott« schließlich ohne Nachzudenken aus eine Reihe Buchstabenkekse. 
Mit einer Übergröße von 70 x 100 cm auf einem zufällig ausgesuchten Papier wird das gedruckte Ergebnis auf der diesjährigen Winter Werkschau der HAWK ausgestellt. Inszeniert ist es dort als Installation zusammen mit Lichtprojektionen, wobei auch hier, natürlich, der Zufall seine Finger im Spiel hat. Denn welche Seite zu welchem Lichtspiel aufgeschlagen liegt, folgt keinem Prinzip, sondern hängt von den zufällig vielen blätternden Händen der Gäste ab.


Wer es leider nicht zur Ausstellung geschafft hat, kann trotzdem ein Einblick in das Werk bekommen: Die Website zu dem Projekt zeigt die Ergebnisse zum durchscrollen, und ist für jeden, der inspiriert, oder einfach nur ein bisschen zum Schmunzeln gebracht werden möchte, definitiv einen Besuch wert.

Text: Johanna Schmees

Hier gehts zur Website des Magazins

Apropos HAWK, wir schrieben kürzlich über ein großartiges Architekturbuch namens »Sichtbar – Frauen in der Architektur«, das ebenfalls in einem Kurs an der Hochschule entstand, mehr dazu hier.

Zur Website der Hochschule

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Fotografin Anke Illing bildet mit ihren Fotos die Grundlage für das Fotobuch, an dessen gestalterischer Umsetzung das Semester über gearbeitet wurde. In Anlehnung an ikonische Fotografien posieren auf ihren Bildern Frauen aus allen Bereichen der Architektur – von Studentinnen über Fachjournalistinnen bis hin zu Architektur-Kollektiven – mit ausgewählten Accessoires wie dem Chaise Longue LC4 von Charlotte Perriand. Sie alle haben gemeinsam, dass sie sich für nachhaltiges, umweltschonendes und zukunftsorientiertes Bauen einsetzen und somit einen wichtigen Standpunkt in der Architektur beziehen.
In separaten Entwurfsphasen, deren Ergebnisse durch regelmäßige Besprechungen mit der Gruppe ausgearbeitet wurden, konnte sich jede der 13 Studentinnen individuell mit der Umsetzung des Fotobuchs befassen, aber auch gemeinsam Entwürfe entwickeln. Aus dem Pool von kreativen Ansätzen hat der Kurs schließlich eine gemeinsame gestalterische Lösung ausgearbeitet, die nun unter dem Namen »Sichtbar – Frauen in der Architektur« in den Verlagen Fruehwerk und bei Steidl erschienen ist. Trotz der vielen verschiedenen Ideen, die Einfluss auf das Endergebnis genommen haben, ist die finale Ausarbeitung reduziert und durchdacht.

Die Typografie erinnert durch Einzüge und versetzte Absätze an Gebäudestrukturen, um das Thema Architektur bis ins kleinste Detail zu Ende zu denken. Gleichzeitig wird den Protagonisten der Gestaltung, den großflächig angelegten Schwarzweiß-Portraits, genug Raum gegeben. Nicht zuletzt haben die Studentinnen durch die Wahl der Schrift wiederum das Werk einer Frau beleuchtet, nämlich die Marguerite Grotesk von Charlotte Rohde.
Auch beim Cover entschied sich das Seminar für eine minimalistische, aber aussagekräftige Bildsprache: Eine Collage zeigt eine sitzende Figur mit Zigarre, der Körper wurde jedoch ausgeschnitten und wirkt dadurch unsichtbar. Dieses Motiv knüpft somit hervorragend an den Titel an.
Begleitet wurde das Projekt von Verleger Gerhard Steidl, der als Gastkritiker nicht nur als Hilfestellung und Ratgeber den Studentinnen zur Seite stand, sondern auch den hochwertigen Tritone-Druck der Schwarzweiß-Fotos und eine Publikation als Hardcover möglich machte. So bot sich den Studentinnen eine einmalige Gelegenheit, mit professioneller Unterstützung an der realen Umsetzung eines Projektes teilzuhaben und mitzuarbeiten. Und das zahlte sich aus: Die Publikation erhielt nicht nur den Red Dot Award, sondern auch den Creative Communication Award (C2A) aus den USA und erhielt damit international Anerkennung.

Hier gehts zum Projekt. Außerdem gibt es regelmäßig neue interessante Projekte in unserer Rubrik »Mensa« zu entdecken! Schauen Sie gerne mal vorbei.

Text: Johanna Schmees

Der Beitrag Ein Fotobuch von Frauen – über Frauen erschien zuerst auf Grafikmagazin.

Wie schaffe ich es stressfreier durch die Studierendenalltag? Und was kommt danach? Brauche ich nur eine Pause, oder vielleicht doch professionelle Beratung? Unwohle Gedanken sind ebenso stete Begleiter im Studium wie der Kaffee am Morgen und die steigenden Mensa-Preise. Die Antworten darauf sind in keinem Lehrbuch zu finden – bis jetzt. Der Mental Health-Ratgeber von ZEIT CAMPUS ist ein freies redaktionelles Projekt und entstand in Kooperation mit der Beisheim Stiftung – eine gemeinnützige Einrichtung, die sich unter anderem für mentale Gesundheit und deren Entstigmatisierung einsetzt. In Zusammenarbeit mit unterschiedlichen Autor:innen, Fotograf:innen und Illustrator:innen wurde ein umfangreicher Ratgeber zusammengestellt, der sich sensibel der inneren Welt der Leser:innen nähert – und Hilfe parat hält.

Der Aufbau ist simpel: Die inhaltliche Unterteilung erfolgt chronologisch in vier Abschnitten, die an Stationen im mentalen Heilungsprozess erinnern: Fühlen, Erkennen, Ruhen und Heilen. Jeder Teil wird eingeleitet durch einen Denkanstoß, der auf die folgenden Seiten vorbereitet.
»Wenn sich dieser Ratgeber anfühlt wie ein weiteres To-Do auf deiner Liste, leg ihn lieber weg«, vermerken die Autor:innen beispielsweise zu Beginn des Kapitels »Ruhen«. Die Message ist klar, wir haben Verständnis dafür, wie es dir geht, und wollen dir unter die Arme greifen. Wie eine beste Freundin, die, wie es auf dem Cover geschrieben steht, erstmal fragt »Wie fühlst du dich?«, aber auch klar kommuniziert: »Dieser Rat(geber) kann keine Therapie ersetzen«. Genauso persönlich und ehrlich sind die Inhalte aufbereitet. Die Redaktion verrät kleine Tricks gegen Unruhe, und ein farbenfroher Comic zeigt einen Hund bei der Therapieplatzuche. Neben »leichteren« Ansätzen finden sich aber auch aufklärende Texte über unsere Psyche und tief gehende Erfahrungsberichte, nach denen man vielleicht erstmal durchatmen möchte. Doch auch dabei ist einem geholfen – durch vollflächig eingefärbte Seiten hervorgehoben stößt der Leser immer wieder auf interaktive Tools und Hilfestellungen, um den alltäglichen Stress zu mindern oder Gedanken zu sortieren.

Freundliche, gedeckte Farben und beinahe träumerischen Fotografien heißen einen beim Durchblättern willkommen und vermitteln eine ungezwungene, ruhige Atmosphäre. Dazu stehen spielerische und sympathische Illustrationen einem statischen Layout gegenüber und erzeugen inhaltlich und gestalterisch eine angemessene Lockerheit, ohne von der Ernsthaftigkeit des Themas abzulenken. Man möchte sich dabei am liebsten zuhause in den bequemsten Sessel setzen und in Ruhe vor sich hin lesen. Dank des handlichen Formates passt der Ratgeber jedoch auch zielgruppengerecht in jeden Rucksack (oder Jutebeutel) und kann einen stets bei Bedarf in die Bib begleiten. In großer Stückzahl steht er für Unis, Hochschulen und andere Institutionen kostenlos zur Verfügung, und ist darüber hinaus auch digital auf der Website einsehbar. Die, die möchten, können also hürdenlos auf den Ratgeber zugreifen. Das ist nicht nur sehr nützlich, sondern verfolgt ganz nebenbei noch eine viel wichtigere Mission: es wird ein Weg geebnet, der wegführt von der Tabuisierung psychischer Krankheiten. Und am Ende ist doch genau dieser Weg enorm wichtig, nicht nur für uns selbst, sondern auch, um unser Umfeld besser zu verstehen.

Die Online-Version des Mental Health-Ratgebers und das Bestellformular finden Sie hier.

In unserer Rubrik »Mensa« finden Sie außerdem immer wieder spannende Projekte von und für Student:innen.

Text: Johanna Schmees

Der Beitrag »Wie fühlst du dich?« erschien zuerst auf Grafikmagazin.