Zurück zum Reportage-Magazin für Frauen

Die Neuausrichtung des Magazins in Deutschland steht unter der kreativen Leitung von Werner Mink. Gestalterische Vorgaben habe es keine gegeben, sagt er, wohl aber die klare Markenidentität von Marie Claire. »Ein Magazin für Frauen, die Wertvolles und Schönes schätzen – nennen wir es ruhig Luxusmarken – und zugleich an politischen und sozialen Themen interessiert sind«, beschreibt er die Zielgruppe. Marie Claire sei schon immer mehr als ein Lifestylemagazin gewesen: »Nicht umsonst war der Marie-Claire-Claim früher ›Das Reportage-Magazin für Frauen‹.« Diesen Charakter galt es für den deutschen Markt modern zu interpretieren. Mink enwarf ein Layout, das Gegensätze vereint: »Ein ernsthaftes, geradliniges Design mit luxuriösen Akzenten wie Weißraum und ungewöhnlicher Seitenkomposition.«

Typografie ist mehr als nur Gestaltungselement

Ein besonderes Augenmerk legte er auf die Typografie. »Eine ultraschmale Helvetica trifft auf eine sehr feminine Serifenschrift. Extreme Größenunterschiede der Elemente verleihen den Seiten zusätzlich Spannung.« Diese Vielfalt steht im Einklang mit dem Konzept der »modernen Femininität«, das weder zuckersüß noch überladen wirken soll, sondern künstlerisch und cool. Für Mink ist Typografie mehr als nur Gestaltungselement: »Wir erleben eine regelrechte Typo-Explosion, was man auch daran sieht, dass ständig neue Boutique-Typefoundries entstehen.« Seine Inspiration schöpft er aus dem internationalen Austausch – besonders, wie andere Länder die Marie-Claire-­DNA aufgreifen.

Die Stärke von Print betonen

In einer Zeit, in der digitale Plattformen dominieren, setzt Marie Claire bewusst auf die Stärke von Print. Mink beschreibt die gedruckte Ausgabe als »belohnendes Erlebnis« für Leserinnen, die sich für Premiumjournalismus und -design entscheiden. »Blättern empfinde ich als wertvoller als Scrollen«, sagt er, »und die kuratierte Themenauswahl wirkt überlegter und wertvoller als die endlose Themenflut online.« Das Feedback der Leser:innen bestätigt die Relevanz der Rückkehr. Ob treue oder neue Fans der Marke – viele seien begeistert von der Haltung, die Marie Claire verkörpert, und lobten die visuelle Umsetzung. »Ein Magazin mit der ›Marie-­Claire-Haltung‹ passt perfekt in die Zeit«, fasst Mink die Resonanz zusammen. Mit einer mutigen Gestaltung, durchdachter Typografie und dem Fokus auf anspruchsvolle Inhalte zeigt Marie Claire, dass Print nicht nur überlebt, sondern neue Maßstäbe setzen kann – ein starkes Signal für den deutschen Magazinmarkt.

Den Artikel finden Sie im aktuellen Heft, dem Grafikmagazin 01.25 »Typografie«

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Wer sich für Typografie und Schriftgestaltung interessierte war bei der tgm schon immer richtig. In zahlreichen Workshops konnte man sich weiterbilden, in Vorträgen konnte man sehen, wie Schriftschmieden ihre Projekte entwickeln, junge Type-Designer:innen stellten spannende Schriftentwürfe vor, es gab Exkursionen und ab und an lud die tgm zum Type Walk durch München ein. Allesamt tollte Angebote, doch vor allem junge Leute fühlten sich immer weniger angesprochen. Das soll sich nun ändern, deshalb hat die tgm ihr Programm für 2025 neu ausgerichtet.

Frischen Wind bringt vor allem Xuyen Dam in die Sache. Er ist Professor für Typografie und Kommunikationsdesign an der Hochschule München und führt nun den Vorsitz der tgm. Als Dozent hat er zum einen ein Gespür dafür, was jüngere Menschen interessiert, zum anderen weiß er, gegen welche Angebots- und Informationsflut man sich heute als Veranstalter durchsetzen muss. »Die Frage ist«, sagt Xyuen, »wie kann man die Leute abholen? Wie müssen Vorträge heute aussehen, damit man sie attraktiv findet und gern vorbeikommt?« So vieles sei inzwischen online abrufbar, um Leute vom heimischen Sofa zu locken, müsse man schon etwas Besonderes bieten.

Klingt einleuchtend, doch was ist nun die Lösung? Zunächst einmal möchte die neue tgm jung, bunt und laut sein. Klassische typografische Themen werden natürlich weiterhin auf dem Programm stehen, aber es wird viel mehr als bisher über den Tellerrand geschaut. Vor allem ändert sich aber die Art der Vorträge. Verkürzt lautet das neue Konzept »tgm x X x X«. Wie bisher werden Kreative ihre Projekte und Arbeitsweisen vorstellen, bei Vortrag werden sie aber mit Kurator:innen zusammengespannt, die entweder in einem ähnlichen Bereich arbeiten oder auch etwas ganz anderes machen. Der oftmals peinliche Moment, wenn es heißt, »hat noch jemand Fragen im Publikum?«, entfällt. Das Tandem aus Speaker und Kuratorin sorgt für genügend Gesprächsstoff, die tgm mischt als dritte Partei kräftig mit und natürlich sind auch die Gäste Teil der Show.

Lebendig soll das Programm vor allem werden und Spaß machen. Dafür wird sicher auch die Auswahl der Referent:innen sorgen. Den Auftakt macht am 4. Februar Johannes Breyer von dinamo Type. Er spricht darüber, was man als Kreativer tun kann, um sichtbar zu sein. Ihm zur Seite steht die Schriftgestalterin Mona Franz als Kuratorin. Weiter geht es mit Zukunftsthemen in Grafikdesign und Typografie. Der dritte Event widmet sich der Frage, welche Werkzeuge Gestalter:innen verwenden sollten. Was macht eine gute Schrift aus? Wie geht man mit Kritik um und wie schafft man es zwischen ästhetischem Anspruch und ökonomischen Notwendigkeiten zu navigieren? Die Themen für dieses Jahr sind vielfältig, die Gäste auch, wie zum Beispiel Sternekoch Felix Schneider, der mit seiner Arbeit Kreativität noch einmal anders interpretiert. Auch wechselnde Locations werden für mehr Dynamik sorgen. 2025 wird es sich für Münchner Design-Fans also definitiv lohnen, vom Sofa aufzustehen.

Vortragsreihe: TGM × X × X 

04. Februar Johannes Breyer ist Schriftgestalter und Mitgründer von DINAMO TYPEFACES Berlin 

11. März Marcel Saidov arbeitet seit 2016 im Bereich Typografie und Type Design und lehrt in Weimar 

01. April Nicolas Bernklau studierte an ÉCAL und ist Grafik- und Type Designer in St. Gallen 

20. Mai Jiri Oplatik gestaltet in Basel Corporate Designs, Plakate und Bücher und ist AGI-Mitglied 

01. Juli Jonas Beuchert und Tilman Schlevogt haben seit 2015 das Studio PARAT.cc in München 

07. Oktober Felix Schneider ist Koch in seinem Restaurant Etz in Nürnberg und hat zwei Michelin-Sterne 

11. November intercom ist ein Kollektiv von Wissenschaftler*innen, Gestalter*innen und Entwickler*innen 

02. Dezember Sam Kim betreibt u. a. den Berliner Reading-Room Common Imprint für asiatische Kunstbücher 

Für Studierende sind die Vorträge teilweise kostenlos und für alle anderen erschwinglich. Weitere Informationen unter: www.tgm-online.de

Mehr Beiträge zum Thema Typografie finden Sie hier …

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Dieser Beitrag stammt aus unserer Ausgabe 06.23 »Design im Raum«

»Alles wurde gestaltet.«

Das interdisziplinäre Denken ist ein zentrales Anliegen ihrer Arbeit als Gestalterin und Dozentin – die Anfrage zu einer Konferenz über internationale Politik hat sie daher besonders gefreut. Eine der Initiatorinnen, erklärt sie, interessiere sich sehr für Politik im Design und deren infrastrukturell-gesellschaftliche Prozesse, deshalb die Einladung. »Die Frage, wie tief ich in das Thema einsteigen kann und welche Vorstellungen über den Designbegriff existieren, war für mich total interessant«, so Reisinger.
Der vollständige Titel des Vortrags »Ethics & Design: The Grid is Dissolving. How to Implement Ethics in Design by Unlearning (Design) History« weist metaphorisch sowie sprichwörtlich auf die Raster unserer Gesellschaft hin. Nina Reisinger beginnt mit einer grundlegenden Betrachtung des Designbegriffes, um alle abzuholen: »Was ist Design überhaupt? Wir denken vielleicht an Objekte wie Stühle oder Autos, vielleicht ans Bauhaus oder Vitra oder an designte ­Objekte wie Websites oder Poster, die Navigation von Amazon oder Tinder. Wir sind 24/7 von Design umgeben«, erklärt sie den Konferenzteilnehmer:innen. »Alles wurde gestaltet.« Design definiert sie dabei als ein Handwerk, das schon immer im Dienste der kapitalistischen Logik stand.
Wie kaum eine andere Disziplin hat sich das Design immer wieder den technologischen und kulturellen Veränderungen anpassen müssen. In unserem immer rasanter werdenden Informationszeitalter sind es die Designer:innen, die quasi alle Arten von Informationen kodifizieren. Ethische Fragen sind dabei immer mit im Spiel, Reisinger geht auch auf die Tatsache ein, dass selbst vermeintlich gutes Design – etwa eine Werbekampagne oder eine Dating-App – dazu führen kann, dass wir uns unzulänglich und einsam fühlen. Ganz zu schweigen von den völlig neuen Fragen, die durch den Einsatz von KI-Werkzeugen entstehen.

Ist Innovation immer wirklich besser?

Nina Reisinger erwähnt in diesem Zusammenhang auch einen gewissen Techno-Optimismus: »Wenn wir von Innovation sprechen, gehen wir in der Regel automatisch davon aus, dass es sich um etwas Gutes handelt. Aber ist es das wirklich? Ist es nicht vielmehr so, dass ein innovatives Produkt dem Kapitalismus noch besser dient? Fortschritt wird oft als Heilsbringer verkauft, aber dahinter steckt oft der Drive, wettbewerbsfähig zu bleiben.«
Ihrem Vergleich eines Grids mit dem kapitalistischen System können im Kontext der Konferenz, das ist Reisinger bewusst, vielleicht nicht alle Teilnehmer:innen folgen. »Einen scheinbar lukrativen Designauftrag auf seine ethische Notwendigkeit hin zu hinterfragen, ist natürlich oft radikal und entzieht sich jeder Marktlogik. Denn wenn wir uns umgucken und sehen, wie hier die Hütte brennt, dann haben wir rein theoretisch schon die Antwort: Man sollte insgesamt weniger designen.«
Ihr Verständnis von Ethik im Design hatte sich schon früh mit gesellschaftlichen Themen verwoben: So hieß eines ihrer älteren Seminare, das sie gemeinsam mit ihrer langjährigen Mitstreiterin, der Künstlerin Micha Wille, hielt, »How Patriarchy and Capitalism fucked up my life and what I will do about it«. Schon viel früher, seit ihrem Diplomstudium an der Wiener Universität für angewandte Kunst in den Nullerjahren und den ersten kommerziellen Agenturjobs, war Nina Reisinger von dem Wunsch getrieben, sich mit dem sprichwörtlichen Gestaltungsspielraum strikter Hierarchien auseinanderzusetzen. In ihrem Vortrag spricht sie davon, dass jedes Kleinkind lernt, außerhalb einer Disziplin zu denken – und es später leider wieder verlernt, das Schubladendenken ist Teil der Sozialisation. Während ihres Studiums habe sie Design als Handwerk begriffen, »ein Skill-Set, das seit über 100 Jahren auf eine bestimmte Art und Weise gelehrt wird, mit den gleichen Idolen und Vorbildern, den gleichen Dos and Don’ts«. Zwar gab es zu vielen strengen Designkoryphäen subversive Gegenbewegungen, die wie Punk oder Memphis den Mainstream erreichten, doch das Grundgerüst der Designdoktrin war immer klar umrissen. »Gerade in der Typografie gibt es viele Regeln, die auch sehr einschüchternd sein können«, sagt Reisinger.

»Ich betrachte die Welt als einen Garten«

»Präzision war in meinem Studium so wichtig, dass ich vor seriöser Typografie regelrecht Angst hatte. Ich war nicht so sehr auf Präzision aus, ich war eher impulsiv. Deshalb fühlte ich mich in der Welt des Designs irgendwie fehl am Platz.«
Heute ist sie zwar froh, dass es gewisse Regeln zur Orientierung und Lesbarkeit gibt, bricht diese aber auch gerne mal. Und sie verbindet ihre Lehrtätigkeit immer wieder mit praxisnahen ethischen Grundlagen, die den Studierenden vor Augen führen, welche Kraft in der Gestaltung liegt. Damit, so erzählt sie, sei sie oft die erste, die die Studierenden mit Ethik konfrontiert – auf dem Lehrplan stünden eher Technik, UX Design und die Einführung in die Agenturwelt. »In meinen Kursen sage ich immer: ›Ihr könnt Nein zu Jobs sagen, ihr könnt frei entscheiden, wo ihr arbeitet. Ihr könnt Dinge verändern. Seid euch darüber im Klaren, dass ihr mit eurem Beruf die Welt gestaltet. Und die Welt, die ihr gestaltet, ist die Welt, in der wir leben.‹«
Immer wieder gibt sie den Studierenden Literaturtipps, um sie sprachfähig zu machen, zum Beispiel vom niederländischen Valiz Verlag, der aufschlussreiche Bücher zum Thema Social Design und Ethik herausgibt. »Eine wichtige Quelle war für mich auch die form, die es leider nicht mehr in gedruckter Form gibt. Oder das Missy Magazine, das lange von meiner guten Bekannten Daniela Burger gestaltet wurde.« Zwar verfolgt sie kein klassisches wissenschaftliches Arbeiten, weil das nie Teil ihres Studiums war. »Eher betrachte ich die Welt als einen Garten, aus dem ich pflücke, was ich für meine Lehrtätigkeit brauche.«
Auch den Konferenzteilnehmer:innen möchte Nina Reisinger eine Art Vokabular zur Verfügung stellen, um benennen zu können, woher es kommt, welches Design wir gut finden. Die Quellen, die sie zur Verfügung stellt, sollen den stereotypischen patriarchalen Diskurs aufbrechen. Sie möchte andere Perspektiven anbieten, die vielleicht nicht alles beantworten, aber die richtigen Fragen aufwerfen.
Damit unterscheidet sich ihre Botschaft auf der International-Politics-Konferenz nicht wesentlich von ihren Designtheorie-Seminaren: »In dem Moment, in dem ich über Ethik spreche, bin ich bereits in einem politischen Feld. Dann spreche ich über Inklusion oder Dekolonisation, über patriarchale Strukturen. Natürlich ist Lehre immer politisch.«
Was bedeutet es also konkret, das Raster, den Raster aufzubrechen? Nina Reisinger sieht ein großes Potenzial ­darin, Unordnung zuzulassen, die manchmal sogar notwendig ist, um kreativ arbeiten zu können. »Mit anderen Worten: Fluidität, Offenheit, Humor, weniger Hierarchien, mehr Raum«, sagt sie. »Vor allem auch Verletzlichkeit.« Darum geht es auch in ihrem neuesten Seminar in Kollaboration mit Micha Wille, das im Oktober an der HTW Berlin begonnen hat: »Strategies of Vulnerability in Design«, das Semesterprojekt dreht sich um die Herausforderung, angesichts der kapitalistischen Logik verletzlich zu bleiben. Entgegen der gewissen Machtposition als Dozentin offen zu bleiben, sei nicht immer leicht, findet sie: »Man muss sensibel mit dieser Rolle umgehen, vor allem wenn die Studierenden sich ihr mit ihren persönlichen Geschichten öffnen, etwa zu Klassismus oder Migrationsgeschichten.«
Um die eigene Wirksamkeit zu reflektieren, stellt Reisinger ihren Studierenden schon mal die Aufgabe, ein eigenes Designmanifest zu verfassen – und damit zu verinnerlichen, dass es einfacher und nicht zuletzt ressourcenschonender ist, ein Designprodukt von Anfang an menschenzentriert und nach ethischen Prinzipien zu gestalten, als nachträglich Verbesserungen auf ein bestehendes Produkt zu applizieren. Ihre Botschaft an die Konferenzteilnehmer:innen: Klar ist die Vorstellung krass, dass sich ethisches Design vom Kapitalismus lösen soll. Und klar wirft das die Frage auf, wie man damit Geld verdient. »Doch im Idealismus verbirgt sich auch die Kraft, gute Ideen zu entwickeln und mutig in eine bestimmte Richtung zu gehen.«

Mehr über Nina Reisingers spannende Arbeit finden Sie hier.

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Fotos des Projekts »The Grid is Dissolving: Strategies of Vulnerability in Design«: Yu Ling Cheng, Thereza Menclová, Laura Wolf

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Text: Herbert Lechner

Bekanntlich trafen sich in den 1940er-Jahren New Yorker Agentur-Typografen nach Feierabend zum lockeren Gedankenaustausch und zur gegenseitigen Präsentation ihrer Arbeiten. Allmählich öffnete sich der elitäre Zirkel, 1960 wurde mit Beatrice Warde die erste Typografin aufgenommen, und seit 1980 werden herausragende Arbeiten im »TDC Annual« dokumentiert. Die – nicht immer unumstrittene – Auswahl gilt seither als wichtigster Gradmesser internationaler typografischer Qualität. Ob das Jahrbuch wirklich »The World’s Best Typography« versammelt, wie der Titel verspricht, sei dahingestellt, es bietet in jedem Fall eine einzigartige Mischung klassischer und experimenteller, oft überraschender bis irritierender Schriftlösungen, die das vielfältige Spektrum innovativer zeitgemäßer Typografie wiedergeben. Frühere Vorwürfe, dass die Juroren zu sehr amerikanische beziehungsweise westliche Einsendungen bevorzugen oder gar »rassistisch« wählen würden, dürften mit dieser Ausgabe hinfällig sein.
Auffällig ist auch der hohe Anteil von Auszeichnungen für weibliche Typografen, was durchaus der aktuellen Entwicklung entspricht. Nicht nur aus diesem Grund eine spannende Entdeckungsreise zu neuer Schrift und neuen Schriften.
Seit etlichen Jahren erscheint das TDC Annual übrigens im Mainzer Hermann Schmidt Verlag, was erfreulicherweise eine entsprechend hochwertige Umsetzung garantiert. Bei dieser Ausgabe kann man sich beispielsweise über einen fadengehefteten Festeinband mit Prägung freuen.

The World’s Best Typography. The 44. Annual of the Type Directors Club 2023
Verlag Hermann Schmidt
352 durchgehend illustrierte Seiten
ISBN 978-3-87439-967-8
69,- Euro

Ein bemerkenswertes Gespür für Typografie besitzt auch Paula Scher, hier erfahren Sie mehr über die amerikanische Gestalterin …

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320 Seiten handgeschriebene Inspiration – das ist der erste Eindruck des diesjährig erstmals bei slanted Publishers erschienenen Yearbook of Lettering. Und auch auf den zweiten Blick bleibt das Buch vielversprechend:
Das Buch kommt in hochwertigem Einband mit Folien-Prägung und ist visuell mit grafischer Detailverliebtheit umgesetzt. Ein ausschweifender Klappentext erinnert an die Liebe zur Typografie und betont: »The world of lettering, calligraphy, graffiti, and 3D-lettering unveils itself as challenging and sublime.« Dieses Motto zieht sich durch jede Seite, dem Hauptakteur, also den handgemalten, gefalteten, aufgeblasenen, digital oder analog gestalteten Buchstaben wird der benötigte Raum gegeben, um ihre Wirkung zu entfalten und einen Eindruck zu hinterlassen.

Vier Kapitel stellen Künstler:innen und Marken aus aller Welt vor. Manche lernt man durch kurze Interviews kennen, andere stellen nur ihre Arbeiten großflächig zur Schau. In dem Kapitel »Findings – our picks from Instagram« bietet die Publikation – in quadratischen Kacheln und farblich sortiert – auch unbekannteren Gestalter:innen eine Plattform. Zuletzt findet sich ein Index, der alle Protagonisten alphabetisch sortiert zusammenfasst. Es ergibt sich eine facettenreiche Darbietung der Welt des Letterings, die nicht nur dem Zweck dient, eine Inspirationsquelle für Leser:innen zu sein. Darüber hinaus schafft das Yearbook of Lettering Sichtbarkeit für talentierte Künstler:innen, und wird damit zu einer Hommage an die typografische Szene.

Hier können Sie das Yearbook of Lettering erwerben. Um keine Neuigkeiten rund um das Thema Design mehr zu verpassen, abonnieren Sie gerne auch unseren Newsletter.

Yearbook of Lettering
Slanted Publishers
320 Seiten, Steif-Broschur mit Fadenheftung
Sprache: Englisch
ISBN: 978-3-948440-53-4
Preis: € 42.–

Text: Johanna Schmees

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Nach seiner Ausbildung zum Grafikdesigner in Stuttgart begann Robin Kiesel ein weiteres Studium an der KISD in Köln und tauchte hier noch weiter in die Typografie ein. »In meiner Final Thesis habe ich meine typografische Leidenschaft komplett ausgelebt und mich über 170 Seiten hinweg intensiv mit Störungen in der Typografie auseinandergesetzt«, erzählt er. Der Titel seiner Arbeit lautet »STOER – Untersuchungen zu dem bewussten Einsatz von Störungen in der Typografie« und Kiesels Ziel war es, mithilfe generativer Typografie verschiedene gestaltungsrelevante Dinge auszuloten. »Es ging darum«, erklärt der Gestalter, »zu veranschaulichen, wie eine Störung in der Typografie aussehen kann, wann sie eintritt und ab welchem Punkt sie als reines Hindernis wahrgenommen wird. Ich habe gezeigt, wie eine bewusst eingesetzte Störung sich von einer unbewusst entstandenen unterscheidet und wo die Grenzen der Planbarkeit von Störungen liegen. Um das zu veranschaulichen, habe ich diverse Untersuchungsreihen durchgeführt, wie zum Beispiel die zufällige Kombination verschiedener Schriftschnitte in einem Raster, die Unterteilung von Buchstaben in ihre charakteristischen Segmente und die Auswirkung deren Verschiebung sowie die Erstellung einer variablen monotype Pixelschrift, auf die ich durch Code Einfluss genommen habe.«

Damit seine Untersuchungen auch nachvollziehbar werden, hat Kiesel einen Editor geschaffen, mit dem User selbst Schriften verfremden können und so ein Gefühl dafür entwickeln, wann ein Buchstabe noch als solcher zu erkennen ist. Wann sehe ich noch P und ab welchem Moment rutscht die Rundung so tief, dass ein D daraus wird? Durch das Experimentieren ergeben sich so Erkenntnisse, die man in der Schriftgestaltung nutzen kann. Zufällige Verfremdungen können Gestalter:innen auf neue Ideen für Formen bringen und inspirieren, doch die Beschäftigung mit dem Editor regt auch dazu an, sich Gedanken darüber zu machen, warum man Buchstaben erkennt und welche Elemente ganz konkret für dieses Erkennen sorgen. »Diese neuen Formen«, sagt Kiesel, »können der Ausgangspunkt für Gedanken sein, wie Buchstaben auf unkonventionelle Art noch gestaltet werden können. STOER ist auf jeden Fall eine sehr reizvolle Einladung, spielerisch über Form und Inhalt nachzudenken.  

Falls Sie mehr über Robin Kiesels Arbeit erfahren wollen, besuchen Sie doch gerne seine Website. In unserem Themenbereich Typografie finden Sie außerdem noch mehr spannende Beiträge aus der Welt der Schriften.

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Angeleitet und moderiert von Clemens Schedler und Anne Treichel wird nicht nur unterschiedlichsten Persönlichkeiten aus der kreativen Branche und ihren Projekten eine Bühne gegeben, sondern auch ein Raum geschaffen für Gespräche über Fehler, Unsicherheiten und Tabus. Was auf den ersten Blick vielleicht nach unangenehmen Themen klingt, sorgte in der Umsetzung für eine lockere und und persönliche Atmosphäre, die eine Brücke zwischen Referentent:innen und Zuschauer:innen schuf und zum weiteren Austausch einlud. 

Unter anderem mit dabei war das Schweizer Studio Balmer Hählen, die offen und authentisch über ihre Arbeitsprozesse berichtete und ausgefallene Print-Produkte zur Schau stellten. Die Agentur Q hatte auch einen eher unkonventionellen Vortrag im Gepäck, in welchem sie, anstatt wie gewöhnlich ihre gelungene Arbeit vorzustellen, von sogenannten »Fuck-Ups« berichtete. Weitere spannende Vorträge hielten der Grafikdesigner Jianping He, der über seine Bindung zur Natur berichtete und wie er daraus seine Inspirationen zieht, und der niederländische Künstler Guido de Boer, der Einblicke in seine Arbeit und die Welt der Typografie zuließ.

Neben den Vorträgen gab es auch dieses Jahr wieder eine große Auswahl an Workshops, bei denen die Teilnehmenden auch einen praktischen Einblick in die Arbeit der Referent:innen gewinnen konnten. Von gestrickter Typografie, über Live-Performances und Plakatgestaltung konnten sich die Besucher:innen kreativ entfalten und austauschen. 

Am Freitag wurde außerdem zu Ehren des 90. Geburtstags von Buch- und Schriftgestalter Jost Hochuli der Abend mit der Vernissage seines Buches »Typobiografie« eingeleitet, zu der verschiedene Sprecher zusammenkamen, um sich über Anekdoten und das Werk des Schweizer Grafikers auszutauschen.

Mehr zu der Tÿpo in St. Gallen erfahren Sie hier. Abonnieren Sie doch gerne auch unseren Newsletter, um auch in Zukunft regelmäßig Informationen rund um das Thema Design zu erhalten.

Fotos: Tÿpo St. Gallen
Text: Johanna Schmees

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Während man schon vor Jahren mühelos mit dem Smartphone Pokemons jagen konnte und Augmented Reality bereits in einigen Fahrzeugen integriert ist, stößt die Darstellung von 3D-Typografie mit AR-Filtern noch immer an technische Grenzen. »Dies liegt an der komplexen Dateistruktur der animierten Texte und der eingeschränkten Datenkompatibilität für mobile Geräte«, erklärt Hannah Pohlmann.

In ihrer Master-Arbeit an der HAW Hamburg im Fach Kommunikationsdesign sollte es aber darum gehen, wie sich AR für kinetische Typografie-Anwendungen nutzen lässt. Pohlmann entwickelte also zunächst eine technische Strategie, um komplexe 3D-Animationen als mobile AR-Filter darzustellen, indem sie deren Dateikomplexität reduzierte.

Parallel dazu erarbeitete sie ein Gestaltungskonzept für sechs AR-Filter, basierend auf animierten 3D-Texten. Für die Gestalterin war es wichtig, mit ihrer Arbeit Menschen zu ermutigen, neuen Technologien offener gegenüberzutreten und mit ihnen zu interagieren. Ihre Filter können beispielsweise von den Usern umgestaltet werden und man kann Teil von ihnen werden, indem man selbst vor die Kamera tritt oder andere Personen oder Objekte integriert. Für ihre Abschlusspräsentation bereitete Hannah Pohlmann jeden ihrer Filter auch als Plakat auf, so konnten alle Besucher:innen ihre Ergebnisse ohne jede technische Einschränkung erleben.

In Hannah Pohlmanns Portfolio finden Sie weitere Projekte der Grafikdesignerin. Schauen Sie sich gerne in unserer Rubrik »Mensa« um, um noch mehr Projekte von Studierenden zu entdecken.

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Text: Paula Schneewind

Was 1980 als internationales Treffen freier Theater startete, ist heute eine der wichtigsten europäischen Veranstaltungen für darstellende Künste im Bereich Theater- und Tanz. Das Zürcher Theater Spektakel ist für sein vielseitiges Programm, die einzigartige Atmosphäre und sein neugieriges und aufgeschlossenes Publikum bekannt. Kein Wunder, dass es nun seit 44 Jahren einen erstrebenswerten Auftrittsort für anerkannte und aufstrebende Künstler:innengruppen aus aller Welt darstellt. Mit seinen jährlich über 100 000 Besucher:innen findet die traditionsreiche Veranstaltung dieses Jahr vom 17. August bis 3. September statt. 

Seit 2018 darf das mehrfach ausgezeichnete Schweizer Designbüro Studio Marcus Kraft seine Qualitäten in durchdachten Gestaltungskonzepten mit hohem typografischem Niveau unter Beweis stellen. Dieses Jahr lud man ebenfalls die belgische Choreografin Miet Warlop ein, mit Gipselementen aus ihrem international gepriesenen Stück »One Piece« mitzuwirken. Dadurch wurde die diesjährige visuellen Kommunikation mit dem hochqualitativen Programm der Veranstaltung unmittelbar verknüpft. Die 15 von Hand gegossenen Gipswörter werden hierbei einzeln auf Plakaten oder in kurzen Bewegtbildmedien unterschiedlich kombiniert, wodurch immer wieder neue und unerwartete Aussagen entstehen. Dies ist gleichzeitig eine gelungene Anlehnung an Zürich als Geburtsstadt des Dadaismus.

Die reduzierte und leise visuelle Sprache der Kampagne soll einen stilvollen Kontrast zu der sonst sehr lauten Welt der Werbung bilden. Der Einbezug von handgemachten Buchstaben bezieht sich hierbei auf den menschlichen und handwerklichen Charakter des Zürcher Theater Spektakels. Die Kombination aus statischer Typografie, Fotografie von handgemachten, teils gebrochenen, Gipswörtern und Bewegtbild, vereint die verschiedenen Ebenen stilvoll und repräsentiert die künstlerische Abwechslung auch innerhalb des Programms.

Auch im dazugehörigen Programmheft ist das geschulte typografische Auge des Designstudios deutlich spürbar. Der zweisprachige Inhalt wurde gekonnt, übersichtlich und mit Liebe zum Detail in das Format eingepasst. Allein wegen dieser Zugabe, lohnt es sich der Veranstaltung einen Besuch abzustatten.

Die für die Kampagne verwendeten Gipsobjekte werden während der gesamten Dauer des Festivals original am Haupteingang ausgestellt, wodurch ein insgesamt sehr rundes Erscheinungsbild der Veranstaltung entstanden ist. 

Wenn Ihnen dieser Beitrag gefallen hat, lesen Sie gerne einen weiteren Artikel zum Thema Typografie, z.B. über den Munken Creator: Raising Questions

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Text: Paula Schneewind

Der von den renommierten Typedesigner:innen Ralph du Carrois, Anja Meiners und Erik Spiekermann gestaltete Case-Font benötigte laut ihrer Meinung eine Aufpolierung. Diese wurde im Frühjahr 2023 fertiggestellt und in Folge von der Berliner Typefoundry Fontwerk stolz veröffentlicht.

Die Case-Familie entstand aus den zahlreichen Kundenwünschen nach einer einzigartigen und exklusiven Serifenlosen für deren Markenidentität. Anders formuliert, die eigentliche Nachfrage war nach einer eigenen Version der gängigen Neo-Grotesk-Schriftarten wie Helvetica oder Akzidenz Grotesk. Dank der langjährigen Erfahrungen der Typedesigner:innen mit der Entwicklung von allgegenwärtigen Neo-Grotesken, konnten sie ihr Wissen in der Entwicklung der Case-Familie vereinen und damit eine Schriftart mit neuer und moderner Lebendigkeit entwickeln. Besonders charakteristisch sind die Betonung der Horizontalen, herausragende Lesbarkeit der drei Familienmitglieder (Case, Case Text und Case Mikro) und die sogenannten »real italics«, die einzigartig und präzise designten Italic-Schriftschnitte.

Die Case 2.0 ist eine komplett neu aufbereitete Version dieses neutralen und souveränen Fonts und wurde in jeglicher Hinsicht ausgeweitet. Die Zeichen und Stylesets haben sich verdoppelt, es wurde ein Unicase-Feature hinzugefügt und Schriftzeichen anderer Sprachsysteme sind nun auch enthalten. Von nun an kann die Case auf für Sprachen mit kyrillischen, griechischen, vietnamesischen und auch latein-afrikanischen Zeichen verwendet werden. Auch die Schriftschnitte wurden mit SemiLight, SemiBold und ExtraBold erweitert und eröffnen zusätzlich zur umfangreichen Variable-Font-Funktion weitere Möglichkeiten, die Schrift individuell für sich zu verwenden. 

Damit bildet die Case 2.0 einen Font, der für Projekte aller Art geeignet ist und mit seiner Vielseitigkeit in der Anwendung und seiner familiären und beruhigenden Neutralität den richtigen Ton trifft. Mit dem gewissen Extra in den Details hebt sie sich gekonnt von ihren gängigen Konkurrenten ab und bringt Frische in die Welt der Serifenlosen. 

Wenn Ihnen dieser Beitrag fehlen hat, lesen Sie gerne einen weiteren zum Thema Typografie. Wie wäre es mit »Mit Unsichtbarem arbeiten«

Der Beitrag In the case of Case 2.0 erschien zuerst auf Grafikmagazin.

Text: Paula Schneewind

Für Münchner Typografie- und Grafikdesignbegeisterte ist wohl ein Traum in Erfüllung gegangen: Paula Scher konnte mit ihren Werken einen Teil der Neuen Sammlung bespielen. Und dabei hat sie den Raum so genutzt wie niemand anderes. Ein langer Gang wird zur voll-tapezierten Plakatfläche, Poster und Buchstaben hängen von den hohen Decken, Vitrinen bekommen Schriftzüge als Beine und der Boden wird zur Deutschlandkarte á la Paula Scher. 

Die begehbare Werkschau »Type is Image« repräsentiert die Fülle und Vielfalt ihres Schaffens und wirkt trotz dessen nicht überladen, sondern zeigt wie ausgezeichnet Paula Scher einen Raum für sich nutzen und mit Leben füllen kann. Hierbei bekommen Besucher:innen Einblicke in ihr breites  künstlerisches Werk von den rein analogen Anfängen, über ihre zahlreichen Arbeiten bei Pentagram bis hin zu ihren bekannten handangefertigten Landkarten. Paula Schers Arbeiten sind laut, anregend und nehmen keinen Blatt vor den Mund. Wir waren begeistert und sprechen auf jeden Fall die Empfehlung aus, sich von ihren kraftvollen Werken mitreißen zu lassen.

Das zur Ausstellung gehörige Künstlerbuch zeigt Paula Schers visuelle Sprache auf eine neue Weise. Dieses ist nämlich kein Ausstellungskatalog im klassischen Sinne, sondern eine großformatige ungeheftete Plakatsammlung mit 101 Postern aus ihrem Gesamtwerk. Die Poster können hierbei einzeln herausgenommen, aufgehängt und nach eigenem Geschmack arrangiert werden. Die Anordnung der Poster im Heft hat Paula Scher allerdings bewusst gewählt, um auf einer Doppelseite zwei unterschiedliche Posterhälften in ein neues und kreatives Zusammenspiel zu bringen. Die langjährig erfahrene Designerin beweist auch hier, wie ausgezeichnet sie ihre Werke in Szene setzen und gleichzeitig mit Funktionalität und Mehrwert verbinden kann. Das Künstlerbuch kann im Shop in der Pinakothek der Moderne und in den Filialen der Buchhandlung Walther König erworben werden. 

Type is Image

Buchhandlung Walther und Franz König
Text auf Deutsch und Englisch 
208 Seiten / 31 x 41 cm / vollfarbig
Softcover, ungebunden
€ 45,00 EUR (Museumsshop) / €55,00 (Buchhandlung Walther König)
ISBN 978-3-7533-0465-6

Falls Sie sich für Typografie interessieren, könnte Ihnen unsere Ausgabe 04.21 mit dem Schwerpunkt Typografie ebenfalls gefallen. Ein ausführliches Interview von Christine Moosmann mit Paula Scher finden Sie hier.

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Wie sind Sie zum Grafikdesign gekommen, was hat Sie an diesem Beruf gereizt?

Durch meine Eltern kam ich recht früh in Kontakt mit Design. Mein Vater arbeitete als Produktdesigner und gestaltete unter anderem Uhren, wandte sich dann später aber dem Grafikdesign zu. So bekam ich eine erste Vorstellung, was Grafikdesign ist. Meine Mutter arbeitete als Kunsthistorikerin und mein Onkel ist Grafiker und Bildhauer. Das alles beeinflusste mich in meiner Kindheit. Ich selbst habe viel gezeichnet, gemalt, gebastelt, und fotografiert und meinem Vater bei seinen Modellbauten zugeschaut. Ich hatte später erst eine gewisse Abneigung gegen die Vorstellung in diese »familiäre« Richtung zu gehen. Ich wollte dann etwas »beim Film« machen, Kamera vielleicht, Hauptsache ein bisschen was anderes. Während eines Praktikums in einer Fernsehproduktionsfirma hab ich aber schnell feststellen müssen, dass ich mehr Spass dabei empfand, die Visitenkarten der Moderatoren zu gestalten. So habe ich aufgegeben und mich an ein paar Kunsthochschulen für Grafikdesign beworben. Das schien mir einfach die meisten meiner Interessen abzudecken. 

Sie haben an der Kunsthochschule Berlin Weißensee studiert, wie hat Sie die Ausbildung dort beeinflusst?

Das ist gar nicht so leicht zu beantworten. Ich war, im Nachhinein betrachtet, irgendwie ungeduldig, was die Ausbildung betraf. Ich habe oft nebenher einige Grafikdesign-Jobs gemacht, die sich durch Kontakte an der Hochschule ergaben. Studenten-Projekte, die nur scheinbar für Kunden waren, aber im Fiktiven blieben, reizten mich nicht so sehr. Ich wollte, dass es real wird, dass mein Design genutzt und veröffentlicht wird – nicht, dass ich grössenwahnsinnig gewesen wäre – ich wollte meine Arbeiten einfach in Anwendung erleben, das ist wahrscheinlich Teil meiner Faszination und Motivation für diesen Beruf.
Das tolle an der relativ kleinen Kunsthochschule waren die interdisziplinären Kontakte, die sich im ersten Bauhaus-artigen Grundlagenjahr ergaben mit Studenten und Studentinnen aus anderen Fachbereichen. Wir hatten alle zusammen noch Aktzeichnen, Farblehre-Unterricht, Skulptur und sogar Anatomisches Zeichnen – es gab sogar ein Gruselkabinett mit Skeletten zum Abzeichnen. Mit einem Freund aus der freien Kunst und ein paar weiteren Mitstreitern bauten wir damals das erste Mal Messeauftritte für von Studenten gestaltete Publikationen auf Buchmessen. Das Ganze in Eigenregie und aus hunderten Paletten – bevor das zu einem beliebten Trend wurde. Solche Erfahrungen sind bedeutsam. Es kommt allein darauf an, wie man die Zeit nutzt. In meiner Erfahrung können Lehrende, Professoren und Professorinnen nur einen gewissen Teil leisten, der Rest ergibt sich aus Eigeninitiative, Kommiliton:innen, Motivation, und einem gewissen Drang, bestimmte Dinge erreichen zu wollen. Rauszufinden, welche das sind, kann manchmal eine Weile dauern. Ich habe auch während des Studiums viel gezeichnet, wir hatten eine Professorin für freies Zeichnen und Illustration – Nanne Meyer. Das war sehr inspirierend und ich habe sogar am Ende ein Diplom nur mit Zeichnungen gemacht – um dann danach aufzuhören und mich wirklich dem Grafikdesign zuzuwenden. 

Sie haben auch in New York gearbeitet, etwa bei Stefan Sagmeister, was haben Sie aus dieser Zeit für Ihre Arbeit mitgenommen?

Ich bin direkt nach meinem Diplom, um genau zu sein, 3 Tage später, nach New York geflogen. Ich hatte Glück, dass ich direkt bei ihm hineinstolperte. Stefan Sagmeisters Studio war klein damals, wir waren nur zu dritt. Bei jedem neuen Projekt waren alle gefragt, Ideen zu entwickeln. Aber das wichtigste und für mich als Neue war, dass es hier um ernsthaftes Grafikdesign ging, dem man die Ernsthaftigkeit aber nicht unbedingt ansah. Das anders daherkam als alles, was ich bisher gesehen oder selbst gemacht hatte. Gleichzeitig »klickte« etwas. Als wäre ich auf etwas gestossen, das ich blind herumtastend gesucht hätte. Vielleicht eine Art der Herangehensweise, eine Tonart, von der ich dachte, dass man so nicht gestalten dürfte und plötzlich ging das. Ich hatte mir sein Studio ausgesucht, weil ich das vermutlich ahnte, ohne mir dessen ganz bewusst zu sein.
Es gab ein Projekt, das ich damals im Studio designte, eines seiner Tagebuch-Zitate, die in seinem Buch »Things I have learned in my life so far« zusammengefasst sind – einen Fashion Mailer, für den ich aus der Kollektion, die angekündigt wurde, Schrift gebaut habe. Ich kleckerte einen teuren Mantel mit Gips voll, um Vogelkacke anzudeuten, ich habe Schweissflecken unter den Achseln in einem Hemd zu Buchstaben geformt oder Worte auf dem gegenüberliegenden Hausdach auf Wäscheleinen gebaut. Das war sicher ein Trigger für mich für den freieren Umgang mit Schrift. Es wurde mir klar, man kann machen was man will, wenn man es gut macht, wenn es einen Sinn ergibt. Man darf dabei Spass haben, und man darf für Design auch mal Dinge kaputt machen.
Ich wünsche jedem so einen Kickstart, der kann durch alles mögliche ausgelöst werden, meistens kommen mehrere Faktoren zusammen und es stimmen plötzlich Zeit und Ort und der Moment an dem man gerade steht in seiner Laufbahn. Sowas kann durch Lehrer an einer Hochschule passieren, durch ein Projekt, durch Kollaborationen mit anderen oder vielleicht einen Vortrag den man in der richtigen Stimmung hört. Das lässt sich zwar nicht planen, aber ich glaube unser Unterbewusstsein leitet uns meist in die richtige Richtung. Als würde die Suche schon laufen während man sich noch die Schnürsenkel zubindet. Man sollte dann unbedingt seinen Impulsen folgen. 

Typografie spielt eine große Rolle in Ihren Entwürfen, was fasziniert Sie daran so?

Was mich grundsätzlich an Typografie interessiert ist, dass man mindestens zwei Fliegen mit einer Klappe schlagen kann. Man kommuniziert einerseits durch Sprache, mit Hilfe dessen, was geschrieben steht. Und gleichzeitig lässt sich der Ausdruck der Schrift aufladen, ob durch Form, einem Material oder ihrem Verhalten und kann so weitere Bedeutungsebenen und Ausdruck hinzufügen, die die Worte, das Gesagte, unterstützen oder konterkarieren.
Das ist sicher ein sehr bildlicher Umgang mit Schrift. Auch mein Interesse an Zeichnungen fliesst hier mit ein. Zeichnen und Schreiben liegen sehr nah beieinander. Die grafische Qualität von Schrift, eines Buchstabens, lässt sich betrachten wie ein Bild. Wenn ich aber etwas gestalte ohne Schrift oder Schrift nur eine untergeordnete Rolle spielt, habe ich häufig das Gefühl, es fehlt etwas. Oder besser, es würde etwas fehlen, täte ich das ausschliesslich und würde ich nicht die anderen typografischeren Arbeiten machen. Denn ich gestalte zum Beispiel auch viele Bücher, bei denen die Hauptarbeit aus Rhythmus und Bildfolgen besteht. Eine Arbeit die ich ebenfalls gern mache, nur geht es da um etwas anderes. Das ist eher eine Art Puzzle-Spiel für mich, man bekommt einen Berg an Einzelteilen überreicht, die richtig zusammengesetzt, etwas erzählen können. Bilder sind stark und allgegenwärtig, aber obwohl immer gemeint wird »ein Bild sagt mehr als 1000 Worte«, faszinieren mich für meine Arbeit eher ein paar dieser 1000 Worte. Beim Bild bleibt immer eine bestimmte Offenheit der Interpretation beim Betrachter zurück. Das hat den Vorteil, dass man mitunter viele Lesarten mit einem Bild oder Bildabfolgen erzeugen kann. Aber mit Sprache und durch Typografie höre ich jemanden etwas sagen, es entsteht eine Art »grafische Stimme«. Ich glaube das spielt für mich eine grosse Rolle, die unmittelbare Ansprache, die Typografie hervorruft.

Aber wie immer gibt es Ausnahmen, so zum Beispiel das Erscheinungsbild der Yokohama Triennale 2020 für zeitgenössische Kunst – eine der wenigen Ausstellungen, die tatsächlich im letzten Jahr stattgefunden haben. Hier bestand mein Design-Konzept ausschliesslich aus Farbe, Verläufen – mit Rauschen unterlegt, blauen, toxisch radioaktiv anmutenden »glows« und Fehler-Pixeln, als hätte kosmische Strahlung den Film beschädigt (so wie es zum Beispiel Astronauten passiert, wenn sie auf der Raumstation fotografieren). Typografie war hier eher zweitrangig. Es ging um eine Atmosphäre, den »Afterglow«, dem Titel der Triennale: das Nachglühen am Himmel nach einem Sonnenuntergang oder gar nach einer Nuklearen Katastrophe, aber auch um das selbstgenerierte, autarke Leuchten von Plankton, dem glühenden Gefühl von Verbundenheit, Freundschaft und dem sich kümmern, um etwas sorgen. Das waren inhaltliche Themen, denen in meinen Augen ein hartes, cooles, typografisches Konzept nicht entsprechen konnte – das Gefühl, welches ich erzeugen wollte mit dem Design, wäre zu kurz gekommen, hätte ich bei diesem Projekt Schrift oder Form in den Mittelpunkt gestellt. 
Aber generell ist meine anfängliche Angst, Schrift etwas anzutun, zum Glück abgefallen. Dafür sind natürlich viele andere Designer vor mir verantwortlich, aber man muss, wie mit einigem im Leben, für sich den richtigen Zeitpunkt finden, um etwas tun zu können, man muss den Moment erwischen, in dem die Tür offen steht. So kann man später auch wieder Freude dabei empfinden Rezepte in einem Kochbuch zu setzen. Oder fast ganz auf Typografie zu verzichten. Es scheint alles eine Frage des Timings zu sein. 

Seit rund 15 Jahren gestalten Sie auch das Magazin Fukt, das sich mit zeitgenössischer Zeichnung befasst. Auch hier wird viel mit Typografie experimentiert, die Cover enthalten aber oft auch interaktive Elemente, wie etwa eine Drehscheibe oder einen Leporellofalz, wie bei der aktuellen Ausgabe. Was macht das Projekt für Sie nach so langer Zeit immer noch spannend, was können Sie hier ausprobieren oder ausleben, was woanders vielleicht nicht geht?

Ich entwerfe dieses Magazin nun seit vielen Jahren und bin dafür verschiedene Wege gegangen. Für einige Ausgaben habe ich 3 Wochen an einem Set-Up für ein Cover-Shooting gearbeitet, während andere in wenigen Tagen entstanden. Es spiegelt immer, was mich gerade interessiert oder was ich in diesem Moment ausprobieren möchte und da sich das ändert, kann es eigentlich nicht langweilig werden. Ob das haarige Buchstaben sind oder lebende Mäuse, die durch Buchstaben laufen, die aus Tinte bestanden. Bei einigen Ausgaben wollte ich für den Leser ein spielerisches und interaktives Erlebnis schaffen, um herauszufinden ob es funktioniert, wie man es bewerkstelligen kann und weil es einfach Spass macht.
Einmal hatten wir Kettchen am Cover befestigt, die sich bewegten und die Form der Typografie veränderten, oder Pappscheiben, die sich drehen lassen und die Titelbuchstaben zerlegen. Typografie ist hier eindeutig Spielzeug und für mich bildet die Verwandtschaft von Schrift und Zeichnung den perfekten Nährboden für die Gestaltung von Fukt. Die Cover selbst müssen keine Zeichnungen zeigen. Zeichenwerkzeuge können Inspiration bieten oder Objekte, die an Linien oder Punkte erinnern oder Bewegung, durch das Zeichnen entsteht.

Thematisch blieb es über viele Jahre allgemein beim Zeichnen. Das heisst, die Aufgabenstellung war immer dieselbe. In gewisser Weise ist das gut – ich könnte einfach die Reihe von freien Konzepten für das Magazin fortsetzen und meinen Interessen ungestört nachgehen. Aber durch die lange Zeit, in der wir einen recht umfassenden Blick auf zeitgenössische Zeichnung bekommen haben, begannen wir, Schwerpunkte in den Themen zu sehen, mit denen sich Künstler befassen. Dies ist einer der Gründe dafür, warum wir seit ein paar Jahren mit thematischen Ausgaben einen Aspekt des Mediums beleuchten, zum Beispiel »geschriebene Zeichnungen« in unserer Textausgabe, erotische Zeichnungen, oder Systeme, die von Künstlern in der zeitgenössischen Zeichnung angewandt werden sowie Storylines – erzählerische Zeichnungen in unserer letzten Ausgabe.
Das bestimmt natürlich auch das Design. Da das Fukt Magazin ein eigenes Projekt ist – mein Freund hat es gegründet – gibt es keine Kontrolle, Kritik oder Input von aussen. Es entsteht ohne Vorgaben, Wünsche oder Dämpfer von Kunden. Leicht und schwer zu gleich, denn Kunden setzen natürlich oft Impulse, die einen Ausgangspunkt bilden. Da jedes Mal wieder alles möglich ist, bleibt es spannend. Ich will in keiner Weise sagen, dass das, was wir bei Fukt tun, für Kunden nicht denkbar wäre. Aber im Falle eines Scheiterns sind wir niemandem Rechenschaft schuldig, ausser uns selbst, das ist durchaus befreiend und macht es auch so besonders für mich. Kontinuität und Freiheit sind die perfekte Versuchsanordnung.

Die Corona-Zeit haben viele Kreative für eigene Projekte genutzt, war das bei Ihnen auch so oder gehören freie Arbeiten auch sonst für Sie dazu?

Wer in der Pandemie mehr Zeit hatte, hat keine schulpflichtigen Kinder in der Grundschule. Ich denke die Kreativ-Bevölkerung hat sich in diejenigen mit und ohne Kinder aufgeteilt in dieser Zeit, mit völlig unterschiedlichen Wahrnehmungen der letzten eineinhalb Jahre. Es tat sich ein Paradox auf: während scheinbar alles entschleunigte und man vermeintlich mehr Zeit gewann, durch Lockdowns und Beschränkungen, trat zugleich das Gegenteil ein. Zwischen Home Schooling, Aufträgen, Familie und dem Versuch, Corona zu begreifen, blieb keine Zeit, sich in einen kreativen Schaffens-Flow zu begeben. Es schien mir eher wie im 1. Gang eine leere Landstraße entlang zu fahren, man durfte weder in den höheren Gang schalten, noch anhalten und aussteigen. 
Neben den laufenden Kundenarbeiten hat es ausser der 19. Ausgabe des Fukt Magazins im letzten Jahr »nur« noch zu einer kleinen, noch nicht abgeschlossenen Serie mit typografischen Zeichnungen gereicht: Ich habe absurd klingende Pandemie-Nachrichten gesammelt und als typografische Buntstift-Zeichnungen umgesetzt. Es handelt sich um Nachrichten, die für uns in dieser Zeit Normalität wurden, über die wir aber hoffentlich irgendwann die Augenbrauen heben werden, weil sie klingen wie aus einer dystopischen Zukunft, einer, die wir uns nicht vorstellen konnten. Diese Serie wird vermutlich erst an Bedeutung gewinnen, wenn wir das Ganze hinter uns gelassen haben und diese Nachrichten der Vergangenheit angehören. 
Ich habe leider auch im normalen Design-Alltag relativ wenig Zeit für freiere Arbeiten, aber ab und zu entsteht etwas, wie mein Buch mit Border-Zitaten – umgeschriebene bekannte Zitate zum Thema Grenzen. Gleichzeitig sind diese freien Arbeiten unglaublich wichtig. Ich wollte das lange nicht ganz einsehen, da ich sehr gern für Kunden und ihre verschiedensten Themen arbeite und dachte »das reicht doch«. Aber es ist das Einzige, was einen weiter bringen kann, wenn man ab und zu ohne Kundenbezug etwas tut. Es zeigt einem den inneren Design-Kompass am deutlichsten, es ist ehrlich und direkt, man hat die volle Kontrolle darüber. Das führt dann unerwarteter Weise häufig zu neuen Aufträgen, die vielleicht noch besser zu einem passen als der 25. Auftrag der sich auf die vorigen 24 bezieht. Es ist wie eine Neu-Kalibrierung, denn durch ununterbrochene Auftragsarbeiten kann es leicht passieren, dass man zu sehr auf altbekannte Prozesse und bisher Entworfenes setzt, nur noch das Gleiche macht und irgendwann darüber unzufrieden wird. 

Wenn das Leben wieder normaler wird, worauf freuen Sie sich beruflich wie privat am meisten?

Ich freue mich darauf, dass wir uns durch die Entspannung der Lage konzentrierter wieder anderen Themen zuwenden können, Ich finde es unglaublich, wie ein Thema jedes Gespräch, privat wie beruflich, über so lange Zeit bestimmen konnte. Privat ist natürlich schon eine Erleichterung spürbar, man kann sich wieder mit Freunden verabreden, ohne jedesmal an den Fingern abzählen zu müssen, wieviele Leute aus wie vielen Haushalten dabei sind. Museen, Theater, Kino – all diese Dinge haben wir zu lange entbehren müssen. Ich kann es auch kaum erwarten, wieder zu reisen, auch wenn ich es mir kaum mehr vorstellen kann, wie es vor der Pandemie war. Ortswechsel und Neues sind essentiell, um den Kopf frei zu bekommen. Beruflich kann ich zum Glück nicht klagen was die Auftragslage angeht, auch hat sich während der Pandemie wenig geändert, da ich sowieso viel online Kontakt zu meinen Kunden halte, da diese in verschiedenen Ländern der Welt verteilt sind.
Aber ich hoffe, dass wir bald alle zuversichtlicher planen können, denn planen bedeutet auch, sich die Zukunft auszudenken, zu fantasieren und sich »was wäre wenn«-Fragen zu stellen. Das ist bei aller Liebe für das »Leben im Jetzt«, ein unabdingbarer Prozess für kreative Arbeit – und einer, der unerwarteter Weise sehr schwer aufrechtzuerhalten war in der letzten Zeit. 

Der begleitende Artikel zu Ariane Spaniers Arbeiten erschien im Grafikmagazin 04.21, in dem wir uns auf 20 dem Schwerpunkt »Typografie« widmen. Viel Wissenswertes und Inspirierendes rund um Typografie finden Sie hier …

Wenn Sie sich für Plakatgestaltung interessieren, lesen Sie ein ausführliches Interview mit den Plakatgestaltern Stephan Bundi und Fons Hickmann.

Der Beitrag Ariane Spanier: Man kann machen was man will, solange man es gut macht erschien zuerst auf Grafikmagazin.

Der große Kurt Schwitters definierte das Ziel von Typografie einst darin, Beziehungen zu schaffen. Wir pflichten ihm bei, denn ohne sie wäre Grafikdesign fad, gehaltlos und oft ohne Zweck. Wie mannigfaltig das Wesen der Schriftgestaltung aussehen kann, das verhandeln wir im Grafik+ dieser Ausgabe: Es geht um Weißräume und digitale Poesie, um Inklusion und wilde Experimente, um Proportionen und Prozesse.Doch nicht nur der praktischen, angewandten Typografie und ihren illustren Facetten widmen wir uns. Auch abstrakte Ideen und wissenschaftliche Überlegungen zur Zukunft von Design finden ihren Platz, gleichwohl wie aufschlussreiche Gespräche zu nötigen Veränderungen in der Kreativbranche: Erneut haben wir uns mit Expert:innen zum Thema New Work unterhalten. 

Der Inhalt

Wie kann Design die eigene Bewusstwerdung fördern? Warum ist es wichtig, dass es auch an Schnittstellen zur Politik und Kulturgeschichte knüpft? Auf welche Weise tragen Grafikdesigner:innen zum demokratischen Dialog bei? In der Rubrik »Design & Research« präsentieren wir Ihnen drei wegweisende Masterarbeiten, die Antworten auf diese Fragen zu geben versuchen.  

Im Fotografie-Teil treffen Sie auf die einzigartigen Schwarzweißfotografien des legendären Sebastião Ribeiro Salgado Júnior, dem Kriegsjournalisten, der zum Umweltaktivisten wurde, und beide Tätigkeiten mit Größe erfüllte. Außerdem stellen wir Ihnen die österreichische Fotoproduktionsfirma Present Perfect unter der Verantwortung von Elli Schindler vor. Drei ihrer wunderbaren Fotograf:innen erklärten sich außerdem bereit, uns Motive für die dem Magazin beiliegenden Postkarten zur Verfügung zu stellen. So können Sie einen fotografischen Kartengruß in die weite Welt schicken – oder sich ihren Arbeitsplatz mit etwas Urlaubsstimmung verschönern.

Weil wir denken, dass als Ergänzung zum letzten New Work-Special auch die räumlichen Aspekte von allergrößter Bedeutung sind, wenn wir über die Zukunft von Arbeit sprechen, widmen wir diesem Thema etwas mehr Platz. Um die Unterschiede aufzuzeigen, haben wir diverse Akteur:innen zum Gespräch gebeten: Mit dem Workplace Developer Philipp Becker von Vitra und der Ruffinihaus Creative Hub-Projektleiterin Christina Schepper-Bonnet sprachen wir über multifunktionelle urbane Orte, mit den Grüner:innen vom KoDorf über visionäre ländliche Lebens- und Bürogemeinschaften.

Grafik+

Im Grafik+ werden Schriftgestalter:innen und ihre Projekte portraitiert, etwa die Type Foundry Tightype, die Kommunikationsdesignerin und Autorin Sabrina Öttl und die Workshops von Uwe Steinacker zum Thema Inklusionstypografie. Es dreht sich um interaktive typografische Experimente, wie das digitale Literaturmagazin ­ sie durchführt, aber auch darum, wie man Schrift barrierefrei und internationaler gestalten kann.

Cover, Papier & Produktion

Für das Cover dieser Ausgabe des Design Magazins wählten wir das ­Papier Rebecca Design Original in der Grammatur 300 g/qm von Clairefontaine. Durch die Oberflächenbehandlung verfügt das Material über eine ausgezeichnete Maschinengängigkeit und ein gleichmäßiges ­Druckergebnis, beste Voraussetzungen also für großflächige farbige Kompositionen wie sie Murugiah eigens für unser Cover anfertigte. Gedruckt wurde es von F&W Medien im Offset in 4c.  

Murugiah hat mit dieser strahlenden Gestaltung seine üblichen Pfade verlassen, denn eigentlich ist er bekannt für kleinteilige Kompositionen und ­eigenartige Figuren, »doch als ich die großartige Gelegenheit bekam, die Typo-Ausgabe für das Grafikmagazin zu gestalten, wollte ich mich auf ein typografisches Experiment einlassen. Wie jeder und jede Kreative weiß, ist es wichtig, sich zu zwingen, die eigene Komfortzone ab und zu zu verlassen, um sich selbst und seine Arbeit besser zu verstehen.«

Mit diesem aufgeschlossenen Mindset passt er bestens in diese Ausgabe. Wir bedanken uns herzlich für die sommerliche Farbenpracht!

www.clairefontaine.eu

www.berberich.de

www.murugiah.com

www.fw-medien.de

Ein besonderer Dank an unsere Leserinnen und Leser

In dieser Ausgabe finden Sie auch ein Set, bestehend aus drei Postkarten, die auf jeweils drei verschiedenen Papieren in Szene gesetzt wurden. Die Karten zeigen sommerliche Motive von Fotograf:innen von Present Perfect Productions und wurden bei Onlineprinters umgesetzt. 

Nutzen Sie die Karten, um Freunden, Familie und netten Menschen einen persönlichen Gruß zu schicken oder einfach nur, um für etwas Urlaubsstimmung am Arbeitsplatz zu sorgen.

Mit freundlichen Grüßen
Ihr Grafikmagazin-Team

Das Grafikmagazin 04.21 mit dem Schwerpunkt Typografie und den Postkarten können Sie hier erwerben …

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Bierstadt, Grandview, Seaford, Skeena und Tenorite heissen die Schriften, die Microsoft in Auftrag gegeben hat, um die bisherige Standardschrift Calibri abzulösen. Auf Twitter können User und Typografie-Interessierte nun abstimmen, welche Schrift ihnen am besten gefällt. Schon jetzt erfährt der Entwurf Bierstadt von Steve Matteson viel Aufmerksamkeit, was vor allem an der lokalpatriotischen Umtriebigkeit der Wiesbadener Agentur Q liegt.

Bierstadt ist ein Ortsbezirk von Wiesbaden, hier steht die älteste Kirche der Stadt, es gibt eine Sternwarte und einen schönen Apothekergarten und auch die Agentur Q ist in Bierstadt zu Hause. Ab 2022 sollen nun auch 1000 Millionen Microsoft-User endlich erfahren, wie toll Bierstadt, deshalb haben die Kreativen begonnen, die Werbetrommel zu rühren. Q-Gründer Thilo von Debschitz und Laurenz Nielbock entwickelten kurzerhand eine Reihe von Merchandising-Artikeln und mobilisierten Freunde in Deutschland und der ganzen Welt.

Tatsächlich hat die Aktion schon für recht viel Aufsehen gesorgt, doch den Gestaltern geht es nicht nur ums Lokalkolorit, es sprechen auch triftige Gründe für die Bierstadt. Laurenz Nielbock ist beispielsweise selbst vom Il-Problem betroffen, wenn also das große I genauso aussieht, wie das kleine L, die Bierstadt unterscheidet hier deutlicher.

Welche anderen Gründe noch für die Bierstadt sprechen, haben die Kreativen von Q fein säuberlich auf ihrer Webseite aufgelistet. Inzwischen sind auch die T-Shirts wieder erhältlich, zwischenzeitlich waren alle ausverkauft. Was als Spaßprojekt gedacht war, hat offensichtlich einen Nerv getroffen. Mehr zur Initiative unter: Agentur Q

Das Feedback zu den in Frage kommenden Schriften sammelt das Microsoft unter diesem Link auf Twitter.

Mit den Schriften und ihren Vor- und Nachteilen hat sich auch Achim Schaffrinna auf Designtagebuch auseinandergesetzt. Er hat auch Stimmen und Meinungen von Schriftgestaltern wie Erik Spiekermann und Lucas de Groot (der Gestalter der Calibri) zusammengetragen. Also schnell Bierstadt-Tasse kaufen, völlig unvoreingenommen abstimmen und dann mitfiebern.

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