»Sei nett zur Maschine, sie lernt noch«

Die inhaltliche Dramaturgie des Tages spannte den Bogen von technologischer Neugier bis zu analoger Rückbesinnung. Liza Enebeis von Studio Dumbar/DEPT schien den Tag mit einem leidenschaftlichen Plädoyer für kreative Verantwortung zu untermauern: KI sei ein Werkzeug, »das wir erst verstehen lernen müssen«, wie sie mit einem Augenzwinkern in ihrer Keynote »For the love of sound and motion« betonte. Zu Projekten ihrer Agentur zählen etwa die visuelle Identität für das van Gogh Museum sowie das Podcast-Projekt Typeradio.org, zusätzlich engagiert sie sich in internationalen Designnetzwerken wie der Alliance Graphique Internationale. Diese Kombination aus Branchenkenntnis und großer Liebe zu einer gestalterischen Bandbreite von strategischem Branding bis Motion Design macht sie zu einer Idealfigur für den Vortrag über KI & Gestaltung – sie verbindet technologischen Ansatz mit dem klassischen Gestalterblick. Ihre Haltung prägte den Grundton der Konferenz: Optimismus statt Angst, Experiment statt Abwehr.

Marina Willer, Partnerin bei Pentagram London, brachte eine tiefere Dimension ins Spiel und plädierte unter dem Titel »More human than ever« fürs Spielen, Experimentieren, das Händische und Kindliche. Als Gestalterin ikonischer Identitäten wie für Tate Modern, Amnesty International, Oxfam oder Rolls-Royce erinnerte sie daran, dass »die Zukunft des Designs stark vom menschlichen Gespür für Kreativität und Vorstellungskraft abhängt – gerade, um KI sinnvoll einzusetzen.« Zudem betonte sie, mit Referenz zu ihrer brasilianischen Herkunft und ihren daraus resultierenden kreativen Ressourcen, sich auf seine einzigartige Perspektive auf die Welt zu verlassen.

Das Herz schlägt noch

Beinahe emotional war die Keynote »Serious Fun.« des Schweizer Gestalters Niklaus Troxler, der als Jazz-Plakatkünstler und Tape-Art-Pionier längst Designgeschichte geschrieben hat; er hatte Typografie/Grafik an der Schule für Gestaltung Luzern studiert, war Art Director in Paris und gründete dann 1973 eine eigene Grafik-Werkstatt in Willisau. Sein Hintergrund im analogen, typografischen Handwerk und seine jahrzehntelange Praxis im Gestalten von grafischen Statements sorgten für eine starke Verbindung zur Debatte um das Unersetzbare, Menschliche im Design: Sein Appell, »auf das Herz zu hören und aus dem Bauch zu arbeiten«, wirkte wie ein poetischer Gegenentwurf zur datengetriebenen Diskussion – und gleichzeitig wie deren notwendige Ergänzung.

Auch Prof. Jochen Rädeker, ehemaliger ADC-Vorstand und Mitgründer von Strichpunkt Design, brachte die Haltung des Tages schon eingangs auf eine treffende Formel: »Wir müssen nicht gegen die KI spielen, sondern mit ihr. Wir sind nicht ihr Gegner, sondern Schiedsrichter.«

Design als »visible strategy«

Um die Frage nach strategischem Design ging es im Panel »Design als Strategie – Zwischen Revolution und radikaler Transformation«, das von unserer stellvertretenden Chefredakteurin moderiert wurde. Corinna Asmus, die bei Beiersdorf die Markenentwicklung von Nivea verantwortet, gewährte Einblicke in die Evolution eines Designklassikers. Die Beratung von Arne Schultchen, Design for Human Nature, versteht Gestaltung als Brücke zwischen Business und Impact – als Katalysator für Veränderung, nicht als deren Dekoration. Und wie sich diese Haltung im Unternehmensalltag durchsetzt, illustrierte Head of Strategy Lisa Krick mit Beispielen aus ihrer Arbeit bei der Markenberatung MetaDesign, die Design als »visible strategy« definierte.

Zwischen den drei Positionen entspann sich schließlich ein aufschlussreiches Gespräch: Wie oft folgt man der Analyse, und wann entscheidet das Bauchgefühl? Während bei manchen Kunden Daten und Konsumentenforschung essenziell für die interne Überzeugungsarbeit sind, betonte etwa Krick, dass wahre Innovation häufig dort beginne, »wo man den Intent konsequent priorisiert.« Das Fazit der Runde: Designer:innen und Strateg:innen brauchen einander für Vision und Reflektion gestalterischer Projekte, erst gemeinsam können sie sinnvoll wirtschaftliche Faktoren, Empathie und Vision verbinden – und sich in der Sprache der Vorstände ebenso sicher bewegen wie in der der Nutzer:innen.

Handwerk trifft Hightech

Überraschend aktuell auf beiden Bühnen: die Renaissance des Handwerks. Tilla Goldberg von der Ippolito Fleitz Group formulierte es so: »So sehr sich die Welt gerade verändert, umso mehr brauchen wir reale Räume und Produkte, die faszinierende Möglichkeitsräume gestalten.« Das Business-Panel mit Walter Knoll und Gaggenau unterstrich wiederum: Handwerk ist kein Gegenpol zur Digitalisierung, sondern kulturelles Kapital.

Und Ina Yamaguchi und Julian Zimmermann von der Stuttgarter Agentur Deutsche & Japaner sprachen ein Problem an, das viele kennen: Bei der heutigen Fülle an Inspiration fällt es schwer, die eigene Lösung zu finden statt fremde zu adaptieren. Lucas Hesse bleibt sich dagegen konsequent treu: »Statt das große Feuerwerk zu zünden, simple Bewegungen auf interessante Art kombinieren.«

Stuttgart als kreativer Hotspot

»Mit der ADC Design Conference haben wir Stuttgart als lebendigen Hotspot für internationale Kreativität etabliert«, resümierte Patrick Amor vom ADC Vorstand. Die Mischung aus internationalen Größen mit lokalen Talenten – die drei Gewinner:innen des »42 x 30 Design Wettbewerbs« wurden vor Ort gekürt – machte die besondere Atmosphäre aus. Die ADC Design Conference 2025 hat gezeigt: Die Designbranche steht nicht vor einem Entweder-oder. Es geht um das Sowohl-als-auch von menschlicher Intuition und maschineller Präzision, von Tradition und Innovation, von Herz und Algorithmus.

Die ADC Design Conference wird im Herbst wieder stattfinden, aktuelle Events finden sich hier, sowie auch der Nachbericht zur diesjährigen Konferenz.

Das Grafikmagazin ist als Medienpartner auch bei der ADC Digital Conference in Düsseldorf dabei, hier Tickets für den 10. November 2025 reservieren.

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Auf kulinarischer Spurensuche

Herausgegeben wurde das Buch vom Medienwissenschaftler Markus Krajewski, der gemeinsam mit der Künstlerin und Köchin Margaretha Jüngling sowie dem Fotografen Christian Werner auf eine historische Spurensuche ging: »Der Auftrag: Alimentäre Augenlust«, wie es im Einführungskapitel heißt.

Ihre Reise führt sie in vier Etappen von der Schweiz bis nach Süditalien, wo sie ein barockes Schauessen bei Neapel rekonstruieren – nicht museal, sondern als poetisch-präzise Neudeutung. Die Rezepte, insgesamt 18 an der Zahl, sind inspiriert von historischen Quellen, aber stets mit einem zeitgenössischen Blick interpretiert. Jüngling gelingt es, kulinarische Vergangenheit greifbar zu machen, ohne in Nostalgie zu verfallen. Ergänzt wird das durch Krajewskis kluge Essays, die das Kochen als eine Kulturtechnik beschreiben – als Praxis der Wiederholung, der Verwandlung und der Repräsentation.

Akademisches Kochbuch mit Finesse

Dass dieses Buch aber nicht nur inhaltlich überzeugt, sondern auch gestalterisch neue Maßstäbe setzt, hat die Stiftung Buchkunst kürzlich auch offiziell gewürdigt: »Kulturtechnik Kochen« wurde als eines der »Schönsten Deutschen Bücher« ausgezeichnet. Die Begründung der Jury lobt unter anderem die formale Strenge und typografische Klarheit, die dem Buch eine bemerkenswerte Ruhe verleiht – trotz aller visuellen Üppigkeit. Besonders hervorzuheben sind die fein austarierte Typografie, etwa auch auf dem Cover, auf dem die Serifenschrift mit aufkaschierter Fotokarte kombiniert wird, aber auch das großformatige Layout mit großzügigem Weißraum sowie die besondere Materialität. »Wenn der Verlag von einem ›akademischen Kochbuch‹ spricht, pflichtet man ihm gerne bei, obwohl dies die offensichtliche Freude an der Buchgestaltung unterschlägt: So überrascht der Band mit einer historischen Abbildung auf dem Vorsatz sowie einem witzig inszenierten Nachsatz als modernes Pendant«, so heißt es in der Jurybegründung.

Alimentäre Augenlust

»Bild für Bild, Bissen für Bissen, footnote für footnote«: Verantwortlich für die Gestaltung ist Jörg Schwertfeger, unterstützt von Mario Naegele – ein Duo, dem es gelingt, historische Referenzen und zeitgenössische Buchkunst souverän miteinander zu verbinden. Die Fotografien von Christian Werner, der die Gerichte in dunklen, fast schon malerischen Bildkompositionen einfängt, verstärken den Eindruck, es hier nicht mit einem klassischen Kochbuch zu tun zu haben, sondern mit einer künstlerischen Reflexion über das Sehen, Begehren und Repräsentieren.

»Kulturtechnik Kochen« ist somit ein seltenes Beispiel für ein Buch, das gleichermaßen inhaltlich, gestalterisch und haptisch überzeugt – ein Werk, das zeigt, was möglich ist, wenn unterschiedliche Disziplinen mit höchstem Anspruch zusammenkommen. Für alle, die sich für Buchgestaltung, Kulturgeschichte und die sinnliche Dimension des Essens interessieren, ist dieses Buch ein Fest. Und natürlich kommt auch der tatsächliche Genuss nicht zu kurz: von Rezepten wie »Lauch-Bohnen-Shiitake Ragout« bis zu den toskanischen »Zucchetti, Mandeln und Minze« ist für jeden Geschmack was dabei …

Bestellen Sie hier »Kulturtechnik Kochen« auf der Verlagswebsite von Schwabe

Hier zum Portfolio von Christian Werner weiterklicken

Die Website von Grafikdesigner Jörg Schwertfeger finden Sie hier

Über die Sommerferien stellen wir auf der Grafikmagazin-Website ausgewählte Titel aus der Liste der »Schönsten Deutschen Bücher 2025« vor – Bücher, die Maßstäbe setzen, Diskussionen anregen und die gestalterische Vielfalt des Mediums feiern. Hier können Sie alle Titel auf der Website der Stiftung Buchkunst entdecken.

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Weniger Preise, mehr Präzision

Besonders deutlich wurde dieser Anspruch im Wettbewerb: Die Jurys vergaben rund 24 Prozent weniger Nägel als im Vorjahr – eine ungewöhnlich starke Korrektur. Die Begründung: mehr Strenge, mehr Qualitätsbewusstsein, mehr Verantwortung. ADC-Präsidiumssprecher Burkhard Müller betonte, dass exzellentes Handwerk in Zeiten generativer Mittel umso wichtiger sei. Es zähle nicht nur die Idee, sondern deren präzise, glaubwürdige und mit Haltung ausgestaltete Umsetzung.

Das klingt zunächst nach einer altbekannten Binse. Doch die diesjährigen Grand Prix zeigen, dass genau das der neue Maßstab ist: Haltung ist kein Beiwerk mehr, sondern Grundvoraussetzung – sowohl gestalterisch als auch kommunikativ.

Gestaltung mit Rückgrat

Beispiele? Die »Penny Price Packs« von Serviceplan sind nicht nur verkaufsfördernde Sonderverpackungen, sondern ein radikaler Kommentar zur sozialen Wirklichkeit – direkt im Regal, direkt im Alltag. Oder die Schriftfamilie »FC Sans Pauli« von Karl Anders, die dem FC St. Pauli ein eigenes typografisches Rückgrat verpasst – visuell wie ideologisch. Und »Am I?« von Elastique. stellt die KI-Frage nicht als Toolfrage, sondern als ästhetisches Szenario – mit einer poetischen Roboterinstallation, die das Publikum weder belehrt noch beunruhigt, sondern zum Nachdenken bringt. Was diese Projekte eint: Sie vertrauen auf Gestaltung als kulturelle Praxis. Und sie zeigen, dass Design nicht nur Mittel zum Zweck ist, sondern Träger von Haltung, Kontext und Verantwortung.

Grand Prix für »The First Speech« und »Solomiya Magazine – No.3«

Zwei der prägnantesten Grand Prix des ADC 2025 vereinen politische Relevanz mit gestalterischer Konsequenz. »The First Speech« von INNOCEAN Berlin für Reporter ohne Grenzen basiert auf den ersten offiziellen Antrittsreden autoritärer Führer – Putin, Maduro und Erdogan. Diese ursprünglichen Versprechen werden kontrastiert mit Bildern hoffnungsvoller Bürger:innen – und entlarven so per Reduktion und Brillanz den schmerzlichen Bruch zwischen Worten und Realität. Die Bildsprache, geprägt durch analoges Kinofeeling, kommt ohne Showeffekte aus – und entfaltet still, aber eindrücklich, die Stärke des dokumentarischen Kinos.

Das »Solomiya Magazine – No. 3« gestaltet von Kollektiv Scrollan wiederum erzählt von Ukraine im Krieg – roh, emotional, gleichwohl grafisch hochwertig gearbeitet. Als gedrucktes Zeitdokument überzeugt es durch eine visuelle Grammatik, die Zerrissenheit, Hoffnung und Verzweiflung gleichermaßen abbildet. Ohne plakative Symbolik schafft das Magazin Nähe – und verankert Design als Erfahrungsmedien, nicht als bloße Informationsvermittlung. Es ist ein Beispiel dafür, wie Editorial Design kritische Narrative bedienen kann, indem es Gestaltung und Inhalt so eng koppelt, dass das Magazin selbst zum Träger von Solidarität wird.

KI: Showcase oder Substanz?

Dass die KI-Debatte nicht am ADC vorbeigeht, war zu erwarten. Auf der Conference Stage lieferten unter anderem Nicolas Neubert (Runway) und Mieke Haase mit ihrer AI-Künstlerin KOI anschauliche Cases. KI ist hier längst mehr als Produktionsmittel – sie wird zum Kooperationspartner, zur stilprägenden Kraft. Doch gerade in einem gestalterisch anspruchsvollen Kontext wie dem ADC stellt sich die Frage: Wie lässt sich Qualität in KI-getriebenen Prozessen überhaupt bewerten?

Es war spürbar, dass viele Jurys sich noch in einer gewissen Abtastphase befinden. Die Unsicherheit, ob KI-Ästhetik nun Innovation oder Effekt ist, durchzog zahlreiche Diskussionen. Ein Umstand, der sich nur durch eine stärkere Auseinandersetzung mit Technologie und gestalterischer Theorie beheben lässt. Hier liegt eine Aufgabe, nicht nur für den ADC, sondern für die gesamte Designausbildung und -kritik.

Zwischen Buzz und Berufsbild

Das Festival bot wie immer ein breites Angebot für die nächste Generation: Speed Recruiting, Mappenchecks, Workshops. Besonders gefragt: Kurse zu KI-Texting, Storytelling und Female Leadership. Auch das ist ein Signal: Die künftige Kreativbranche sucht nach Werkzeugen, aber ebenso nach Werten. Der Beruf des Designers ist heute mehr denn je mit Fragen nach Verantwortung, Sinn und Wirkung konfrontiert. Eine gute Idee allein reicht nicht mehr – es braucht Kontext, Haltung und Resonanz.

So bleibt das ADC Festival 2025 ein Festival im Übergang. Der Wille zur Erneuerung ist deutlich spürbar – ebenso wie der Spagat zwischen Festivalökonomie und inhaltlichem Tiefgang. In einer Branche, die sich selbst immer wieder neu erfinden muss, ist das vielleicht unvermeidlich. Entscheidend ist, ob die kreative Szene diesen Wandel nicht nur benennt, sondern auch mitträgt. Denn wenn der ADC wirklich »die Welt mit Kreativität verändern« will, dann braucht es mehr als Bühnen und Buzz. Es braucht Diskurs, Qualität – und ein Designverständnis, das mehr ist als Packaging.

Bilder: © Kevin Mohr / Paul Feuerboether / Art Directors Club für Deutschland

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Regelmäßig berichten wir über unsere Lieblingsprojekte der Talent Awards, etwa in der Ausgabe 05.24 »Haptik & Print«

Der nächste große Termin beim ADC ist die ADC Design Conference am 20. Oktober in Stuttgart

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Ein Werk der Unvernunft

Bereits der erste Blick auf »Holy Smoke« lässt ahnen, dass es sich hier um ein besonderes Werk handelt: Verpackt in Kohlepapier und umhüllt von einer leuchtorangefarbenen Banderole, wird das Buch schon beim Auspacken zu einem Erlebnis. Doch Vorsicht: Wer die Verpackung entfernt, wird selbst Teil dieses Kunstwerks, denn die schwarze Kohle färbt auf die Finger ab und hinterlässt Spuren auf dem grauen Einband. Ein Buch, das sich nicht nur durch seinen Inhalt, sondern auch durch seine Haptik und die Interaktion mit den Leser:innen auszeichnet – ein wahres Unikat, das in den Händen seiner Besitzer:innen erst richtig zum Leben erwacht.

Das Thema des Buches – kultischer Rauch und die Gefäße, in denen er zubereitet wird – führt auf eine faszinierende Reise durch verschiedene Religionen und Epochen. Der Jury war klar: »Holy Smoke« ist ein Fest für die Sinne und ein mutiges Meisterwerk, das in jedem Bücherregal auffällt. »Dieses Buch hätte Ludwig XV. auf seinem berühmten Sekretär im Schloss Versailles platzieren können«, schwärmte Jurymitglied Markus Klose in seiner Laudatio. Ein Buch, das nicht nur gelesen, sondern auch erlebt werden will – ein Werk der Unvernunft, wie es selten ist.

Gedruckt wurde das ausgezeichnete Werk von der Druckerei Vogl, für die Bindung war Buchbinderei Terbeck verantwortlich, und für die Konfektionierung CP Chronos Papertime.

Der Förderpreis für junge Buchgestaltung

Doch »Holy Smoke« war nicht das einzige Highlight des Abends: Die Stiftung Buchkunst nutzte den feierlichen Rahmen auch, um die Preisträger:innen des »Förderpreises für junge Buchgestaltung« zu würdigen. Drei Projekte, die das Medium Buch auf innovative Weise weiterdenken, wurden mit je 2.000 Euro ausgezeichnet: Anja Dietmann mit Jonas Beuchert für »Umsatzübersicht«, Elfi Handina Murandu für »A Book about Hair« und Johanna Behrens für »Wölfinnen«. Diese jungen Gestalterinnen beweisen, dass die Zukunft des Buches alles andere als eintönig ist und dass es nach wie vor mutige und kreative Köpfe braucht, um neue Wege in der Buchproduktion zu beschreiten.

Zum Katalog von Neue Gestaltung

Als krönender Abschluss des Abends wurde der neue Katalog der »Schönsten Deutschen Bücher 2024« vorgestellt, der von dem Berliner Team Neue Gestaltung entworfen wurde. Der Katalog ist nicht nur eine Übersicht der prämierten Werke, sondern auch ein eindrucksvolles Beispiel dafür, was gute Buchgestaltung leisten kann. Wer sich für diesen Katalog interessiert, kann ihn bereits in seiner Lieblingsbuchhandlung vorbestellen.

Das Buch lebt – und wie!

Die ausgezeichneten Bücher gehen nun auf eine große Wanderausstellung und werden an verschiedenen Orten im In- und Ausland zu sehen sein. Ein absolutes Muss für alle, die sich für die Kunst des Buches begeistern können!

Die Stiftung Buchkunst setzt mit ihren Wettbewerben und den prämierten Büchern wichtige Impulse in der Buchbranche. Denn in einer Zeit, in der oft über die Zukunft des gedruckten Buches spekuliert wird, zeigt sie: Das Buch lebt – und wie! Es ist nicht nur Träger von Informationen, sondern auch ein sinnliches Erlebnis, das durch Qualität und Kreativität besticht. Wer einmal eines dieser außergewöhnlichen Bücher in den Händen gehalten hat, wird verstehen, warum das gedruckte Buch noch lange nicht ausgedient hat.

Mehr zur Arbeit der Stiftung Buchkunst

Alle Termine und Orte der Wanderausstellung hier nachlesen

Mehr Details zum Förderpreis für junge Buchgestaltung

Carolin Blöink von der Stiftung Buchkunst wird auch auf der Creative Paper Conference 2024 sprechen, hier geht’s zum ganzen Programm

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Mehr als nur bunte Bilder

Vorgestellt wurde die diesjährige Kampagne des ADC Festivals, entwickelt von der Münchner Agentur Saint Elmo’s, auf dem German Creative Economy Summit am 7. März. Passenderweise stand auch diese Veranstaltung, ein Branchentreff für Zukunftsthemen aus Politik, Wirtschaft und Design, ganz im Zeichen der Veränderung durch Kreativität.

Matthias Harbeck, CCO von Saint Elmo’s und Vorstandsmitglied des ADC, betont bei der Vorstellung der Kampagne, dass Kreativität nicht nur aufhübscht, sondern als treibende Kraft für Veränderungen bitter nötig ist: »Kreativität ist so viel mehr als nur bunte Bilder. Geniale Ideen können die Welt verändern. Wir feiern junge Kreative für ihre wegweisenden Projekte und ehren die rebellische Kraft der Kreativität.«

Inspiriert vom berühmten Porträt Albert Einsteins zeigen die Kampagnemotive fünf herausragende Kreative, die mit ihren Ideen die Welt nachhaltig beeinflusst haben, etwa durch gesellschaftlichem Engagement wie den Verkauf des »Flutweins« zugunsten der Flutopfer in der Region Ahrweiler bis hin zu technologischen Innovationen einer »Uncensored Library«, die zensierte Bücher via Minecraft zugänglich macht.

Die Kampagnenmotive sind in Zusammenarbeit mit dem renommierten Fotografen Markus Burke entstanden; zusätzlich zu den Plakaten sorgt die Kampagne mit animierten City Light Postern für aufmerksamkeitsstarke »Tongue-Moments«.

Auch das bisherige Programm des Festivals und des ADC Kongresses wurde gelüftet, auftreten werden etwa Musiklegende Blixa Bargeld, der Star-Architekt Hadi Teherani und die gefeierte Creative Director Liza Enebeis von Studio Dumbar, die mit der Vielfalt ihrer Arbeit den weitreichenden Einfluss der kreativen Community nur unterstreichen.

Das Festival verspricht inspirierende Tage voller Aktivitäten – Business-Panels, Masterclasses und einer Expo. Höhepunkte sind die Talent Award Show und die Award Show mit anschließender Party, die erstmals direkt hintereinander stattfinden.

Das ADC Festival 2024 soll vor allem auch eine Gelegenheit für die Teilnehmenden sein, sich zu vernetzen und auszutauschen. Die Ehrentitelverleihung würdigt herausragende Persönlichkeiten und Organisationen, die einen bedeutenden Beitrag zur Kreativwirtschaft geleistet haben.

Für alle Interessierten bietet das Festival eine Vielzahl von Ticketoptionen, darunter auch ermäßigte Tarife für Studierende und Gruppen. Der Early-Bird-Tarif ist bis zum 15. März verfügbar.

Alle Infos zum ADC Festival 2024 hier

Mehr zur Arbeit von St. Elmo’s

Das Portfolio von Fotograf Markus Burke

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Zusammen mit einem internationalen Design Team und dem IIT Institute International Trendscouting an der Hildesheimer Fakultät für Gestaltung der HAWK Hochschule für angewandte Wissenschaft und Kunst Hildesheim/Holzminden/Göttingen unter der Leitung von Timo Rieke setzte sich RAL intensiv damit auseinander, welche Farbpaletten für das nächste Jahr und darüber hinaus relevant werden. 

„Menschen suchen Beruhigung in vertrauten Formen und stabilisierenden Farben, trauen sich aber auch lebendige, motivierende Nuancen mit hoher Buntheit“, äußert sich Timo Rieke zu den drei unterschiedlichen Farbwelten, die die ausgewählten Trendfarben darstellen. Die insgesamt 15-teilige Palette kommt hierbei zusätzlich mit einem besonderen Feature: Neben dem standardmäßigen Muster wurden die Farben auf unterschiedlichste Materialien gedruckt, wie pulverbeschichtetem Metall, Teppich und Textilien. Diese Art der Präsentation lässt die Vielseitigkeit der Farbpaletten in einem ganz neuen Licht erscheinen, vereinfacht das Experimentieren und Erstellen von Moodboards und lädt zur Anwendung in verschiedensten Gestaltungsbereichen ein.

Laut dem IIT sollte auch eine gewisse Zeitlosigkeit mit der Farbpalette erreicht werden, die Trendfarben decken also bewusst einen längerfristigen Wirkungszeitraum ab. Trotz, oder gerade wegen der beabsichtigten Langlebigkeit überzeugt das Konzept auch im Detail: Fünf Unterkategorien ordnen die Farben in einen emotionalen Kontext ein: die erdende Palette soll warm, einladend und taktil wirken. Die fünf Farben der beruhigenden Palette sollen einen natürlichen, sinnlichen und naturverbundenen Eindruck hinterlassen, wohingegen die belebende Palette mit erfrischenden Blau und Orangenen sehr dynamisch erscheinen.
Diese kreative Umsetzung überzeugte auch die Jury des German Design Award, und somit gewann die Materialsammlung den German Design Award Gold 2024 der Kategorie »Excellent Product Design“ im Bereich »Material and Surface«. Der Einsatz, ein » äußerst nützliches Werkzeug und ein bahnbrechendes Hilfsmittel«, wie es die Jury in ihrer Stellungnahme beschreibt, zu erstellen, ist also nicht nur gut gelungen, sondern erhielt auch öffentliche Anerkennung.

Mehr Infos zur RAL Trendbox finden Sie hier. Falls Sie keine News aus der Designwelt mehr verpassen wollen, abonnieren Sie gerne unseren Newsletter.

Bilder: www.ral-farben.de/ral-trendbox
Text: Johanna Schmees

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Die Jury der »Jungen Grafik« kürte diesen November wieder 30 Gewinner:innen, deren Projekte eine Bandbreite an kreativen Ideen beinhalten, die in der Umsetzung vom Editorial, über Fotografie bis hin zum Webdesign vieles zu bieten haben. Klar wird, dass es Projekten, die während des Studien- oder Ausbildungsverlaufes entwickelt werden, keineswegs an Qualität mangelt, ganz im Gegenteil: Viele Arbeiten zeugen von der Freiheit und Ideenvielfalt, der während der Ausbildung junger Gestalter:innen häufig mehr gefördert wird als im späteren Berufsleben. Der Grund dafür besteht schlichtweg darin, dass man in der Lehre gezielt experimentieren und Grenzen austesten muss, um sich selbst, dein eigenen Stil und die Arbeitsweise besser kennenzulernen und zu festigen, während man als Designer:in im Beruf natürlich auch ein Auge auf die Kund:innen haben muss.

Folglich sprechen die Teilnehmenden hier frei Themen an, die junge Kreative beschäftigen, oder fassen schon bestehende gestalterische Konstrukte neu an. 
Etwa entwickelte Paul Guerrero an der Genfer Hochschule für Kunst und Design (HEAD) ein neues visuelles Konzept für ein Automagazin mit dem Namen » Autonow Magazine«, was die herkömmliche Gestaltung und grafische Codes weiterdenkt, um eine größere Zielgruppe anzusprechen und Raum ein breiteres Themenfeld zu schaffen. Das Resultat ist ein aufregendes und offensives Design, das immer noch klar die Thematik vermittelt, aber eine wesentlich zeitgemäßere gestalterische Richtung vorschlägt.

Ein anderes Medium wählten Anaïs Vidal und Irini Gleglakou mit ihrem Website-Entwurf »Loading Culture« , einem Prototypen für eine Online-Platform, die den Austausch zwischen Kreativen fördern soll und somit auch die Transparenz über den gestalterischen Bereich im Netz. Hierfür stehen verschiedene Bereiche zur Verfügung, wie Live-Broadcasts, Artikel und Archive mit Ressourcen, Anwendungen und vielem mehr. Das Ganze ist sehr ansprechend aufgearbeitet und könnte in Zukunft ein nützliches Tool für viele Kreativschaffende darstellen. Unter loadingculture.ch findet sich das Projekt, bei dem man bereits erste Impulse einsenden kann, sowie ein Newsletter.


Auch illustrative Projekte konnten bei der Jury punkten. »the coral rescue project« beschäftigt sich aufklärend und lösungsorientiert mit dem Korallensterben. Das Ergebnis ist eine Zeitung, die, zusammengesetzt aus Minipostern, einem kleinen beschreibenden Text und einem QR-Code zu näheren Informationen, 14 Lösungswege zur Rettung der Korallen aufzählt. Um eine größere Zielgruppe anzusprechen, haben die Studentinnen außerdem einen Instagram-Account erstellt, der die Illustrationen in kurzen GIFs wieder aufgreift und in Bewegung bringt.

Es zeichnet sich wortwörtlich ab, dass der Award der »Jungen Grafik« eine wichtige Aufgabe erfüllt, nämlich, jungen Gestalter:innen in der Ausbildung oder im Studium eine Plattform zu bieten. Die Vielfalt der gekürten Projekte ist groß, und es lohnt sich also mit Sicherheit, hindurch zu stöbern und sich inspirieren zu lassen.

Falls Sie noch mehr über die »Junge Grafik« erfahren wollen, geht es hier zu der Website. In unserer Rubrik Mensa stellen wir immer wieder auch spannende Studierenden-Projekte vor. Störbern lohnt sich!

Text: Johanna Schmees

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Perlmutt und Textil

In Zeiten, in denen digitale Medien oft im Vordergrund stehen, erinnert die jährliche Auszeichnung der »25 Schönsten Deutschen Bücher« durch die Stiftung Buchkunst an den Wert und die Ästhetik besonderer Druckobjekte. Auch die diesjährigen Preisträger:innen bewiesen mit ihren Werken eindrucksvoll, dass das Buch als Kunstform immer wieder aufs Neue faszinieren kann. Aus insgesamt 603 Einsendungen und den schließlich 25 ausgezeichneten Büchern wählte zuletzt eine fünfköpfige Jury den Gewinner des Preises der Stiftung Buchkunst, der mit 10.000 dotiert ist.

Das von der Berlinischen Galerie in Auftrag gegebene Buch »Shell Reader« wurde zur beeindruckende Installation »Muscle Memory« der schwedischen Künstlerin Nina Canell veröffentlicht, die aus mehreren Tonnen Muscheln besteht. »Die Arbeit zielt darauf, ein haptisches Verständnis dafür zu erschließen, wie eng einige unserer allgegenwärtigen Baustoffe wie Beton, Sand oder sogar Glas mit der Biomineralisation zusammenhängen«, sagt die Künstlerin zu ihrer sprichwörtlich vielschichten Installation.

Auch das Buch selbst ist ein Kunstwerk, es wirkt gar wie eine Verlängerung von Canells Arbeit und nicht zuletzt der Architektur der Berlinischen Galerie. Die angefrästen Blattkanten erinnern an die Haptik von Muscheln ebenso wie das perlmuttschimmernden Vorsatzpapier; die Seiten wirken wie Textil und entführen Leser:innen in eine Welt der Sinnlichkeit und Ästhetik.

Insgesamt präsentiert das Buch gut 300 ganzseitige Nahaufnahmen von Muschelfragmenten, die wie Portraits wirken; skelettierte Mollusken, die Betrachter:innen in ihren Bann ziehen und die harte Schutzhülle der weichen Meerestiere in den Fokus rücken. Umgesetzt wurde es von Manuel Raeder und Elena Malzew vom Berliner Kunstbuchverlag BOM DIA BOA TARDE BOA NOITE, die Gestaltung verantwortete der Grafiker Robin Watkins.

Die Jury war sich einig, dass die unheimlich stimmige Gesamtkonzeption, das Zusammenspiel von edlen, nachhaltigen Papieren und die Liebe zum Detail besonders gewürdigt werden sollten. Umso mehr vielleicht in einer schnelllebigen, chaotischen Zeit wie der Coronapandemie, die der Ausstellung vorausging, und uns auf ganz neue Weise mit der Rauheit der Natur konfrontierte – sowie auch unserem Platz in ihr.

Platz für eigene Gedanken

Die Preisverleihung selbst war ein festlicher Höhepunkt, bei dem Carolin Blöink, interimistische Leiterin der Stiftung Buchkunst, und Joachim Unseld, Verleger der Frankfurter Verlagsanstalt und Vorstandsvorsitzender der Stiftung, den Preis überreichten.

Dieser Hommage an den Werkstoff Papier und die Lust auf eigene Gedanken kann sich auch unsere stellvertretende Chefredakteurin nur anschließen, die als Teil der Jury die Laudatio halten durfte. »›Shell Reader‹ kann als eine Einladung gelesen werden, sich im wahrsten Sinne des Wortes Zugang zu verschaffen, der haptischen, olfaktorischen, visuellen und nicht zuletzt akustischen Spur zu folgen, die das Buch einem legt«, so Sonja Pham. »Sich der sprichwörtlichen Belastung bewusst zu werden, die wir Menschen für unsere Umwelt sind. Aber auch Raum in ihr zu finden. Zeit in ihr zu verbringen. Dialoge zu halten mit Vertreter:innen der Kunst gleichwohl wie der Wissenschaft.«

Neben dem »Preis der Stiftung Buchkunst« wurden auch die Gewinner:innen des »Förderpreises für junge Buchgestaltung« geehrt. Dieser Preis zeichnet innovative Ideen und Entwicklungen im Bereich der Buchgestaltung aus. Die Preisträger erhielten jeweils 2.000 Euro für ihre wegweisenden Werke. Ausgezeichnet wurden Anna Wank (»Entblößen & Verdecken«), Shinichiro Shiraishi mit Enno Pötschke (»Samsara«) sowie Carlota Barberán Madruga (»Willkommen«).

Die prämierten Bücher werden nun auf Wanderausstellung gehen und an verschiedenen Orten im In- und Ausland gezeigt – eine großartige Gelegenheit für Buchliebhaber:innen, diese Meisterwerke der Buchkunst hautnah zu erleben. Der Katalog mit allen Preisträger:innen der »Schönsten Deutschen Bücher 2023«, entstanden im Hause Parat.CC, kann ab sofort unter der ISBN bestellt werden.

Mehr zur Arbeit der Stiftung Buchkunst

Weitere Eindrücke der feierlichen Preisverleihung

Bestellen Sie das prämierte Buch »Shell Reader«

Alle weiteren Projekte des Verlags BOM DIA BOA TARDE BOA NOITE

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Der Spiegel

»Was ist das für eine Welt, in der wir leben?«, fragt der Imagefilm von Serviceplan gleich zu Beginn. Trump, die Klimakatastrophe, der wachsende Populismus, die Flüchtlingskrise – die Nachrichten von heute sind chaotischer als jede Talk-Runde. Niemand weiß mehr, was er glauben soll. Der Spiegel wollte in diesen Zeiten seine Rolle als wichtige deutsche Nachrichtenmarke mit Verlässlichkeit und Orientierung stärken.

Gelingen soll das mit einer Kampagne, die der Welt einen Spiegel vorhält und das Fehlverhalten und die Heuchelei der Machthaber aufzeigt. Das Ergebnis ist eine bemerkenswerte Kommunikation für eines der renommiertesten deutschen Medienunternehmen. Der Spiegel spricht sich hier klar gegen den Moralverlust dieser Welt aus. Teil dieser integrierten Kampagne ist ein 45-sekündiger Film, der mit den Worten endet: »Wir halten dieser Welt den Spiegel vor.«

Coffee Kids

Melting Signals hat eine positive, neue Kampagne für Coffee Kids entwickelt, um junge Kaffeebauern und ihre Unternehmen zu unterstützen. Während sich ältere Generationen aus der Produktion zurückziehen, gehen jüngere Bauern in die Großstädte und verlassen ihre Felder, Familien und Dörfer. Was sie oft nicht sehen: Chancen liegen direkt vor der Haustür! Coffee Kids bietet jungen Landwirten Training, Mentoring und Startkapital, damit sie ihren Träumen folgen und gleichzeitig ihre eigenen Gemeinden unterstützen können. Die Kampagne hat die Branche sensibilisiert, die Zukunft junger Kaffeebauern zu unterstützen und so auch die Zukunft des Kaffees zu sichern.

Eine Perspektive in der Landwirtschaft zu sehen, fällt nicht nur jungen Menschen in Deutschland schwer, auch viele Kaffeebauern haben Nachwuchsprobleme. Die Kampagne Coffee Kids zeigt, dass die Perspektiven für junge Leute auf dem Land oft besser sein können als in der Stadt und bietet reale Unterstützung, in Auftrag gegeben wurde sie von der Hanns R. Neumann Stiftung in Hamburg.

decadia

Der Imagefilm von decadia skizziert auf einzigartige und unerwartete Weise den Zweck, die Menschen, die Produkte und das Erbe des Unternehmens. Sie gibt einen Einblick in das Herz des technologiegetriebenen Start-up, indem sie Persönlichkeit ausdrückt und ihren ganz besonderen Bürostandort inszeniert: In den Gebäuden eines UNESCO-Weltkulturerbes – der ehemaligen Zeche Zollverein.

decadias Aufgabe ist die Verwaltung und Digitalisierung der Pensionskassenverwaltung von Großkonzernen. Als Start-up mit Sitz in den Gebäuden des einst größten Kohlebergwerks der Welt, erinnert die Umgebung tagtäglich an die harte Arbeit der Bergleute an genau diesem Standort vor Jahrzehnten.

Der von Melting Experience konzipierte Film verbindet auf sehr ehrliche Weise die Welt der Digitalisierung und die Ursprünge der Industrialisierung, obgleich er mit minimalem Aufwand an Equipment, Personal und Zeit produziert wurde.Der großartigen Idee und professionellen Umsetzung tat die straffe Produktion keinen Abbruch. Der Film findet in der Unternehmenskommunikation und beim Recruiting Einsatz.

Stiftung Bamberg Symphoniker

»bam is back« feiert die Rückkehr der Bamberger Symphoniker nach der unfreiwilligen Pause aufgrund der Covid-19-Pandemie.

Im Konzerthaus von Bamberg setzte sich Staub ab und symbolisierte den Stillstand der Kulturindustrie. Zur Wiedereröffnung haben die Kreativen von Serviceplan diesen Staub zum Symbol für den Neuanfang gemacht – indem sie ihn zum ersten Musikstück der neuen Saison buchstäblich tanzen lassen.

Für den Film, der Online verbreitet wurde, entwickelten die Designer eine spezielle Choreografie, die mit echten Staub-Shots on Location und mit animiertem VFX-Staub visualisiert wurden. »bam is back« zeigt eindrücklich, wie auch aus erzwungener Stille etwas Schönes entstehen kann und macht Lust, auf den großen Bam, den man schon so lange nicht mehr vernommen hat.

Kampagnen, die einen Unterschied machen und gesellschaftliches Engagement zeigen, können dazu beitragen, unsere Welt etwas besser zu machen. Und wenn sie gestalterisch und produktionstechnisch auf solch hohem Niveau sind, ist ihre Auszeichnung mehr als verdient.

Zu allen Kategorien und Gewinner:innen des iF Design Awards hier entlang.

Weitere prämierte Arbeiten finden Sie auch hier …

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