Claudius: Nach vielen Jahren in der Markenarbeit kennt man die Mechanik: Briefing, CI-Guidelines, Abstimmungen. Diese Struktur ist essenziell – aber sie darf nicht zu früh greifen. Denn Kreativität entsteht nicht aus Ordnung, sondern aus Reibung. Wenn Prozesse zu früh dominieren, wird Gestaltung vorhersehbar. Genau hier bringen junge Kolleginnen wie Kathrin einen anderen Zugang ein: weniger Angst vor dem falschen ersten Schritt, mehr Mut zum Unfertigen. Das wirkt manchmal chaotisch, ist aber ein notwendiger Zustand, um neue Bilder, Gedanken und Richtungen überhaupt entstehen zu lassen.

Kathrin: Ich starte bewusst ohne Filter. Am Anfang eines Projekts möchte ich möglichst wenig bewerten und möglichst viel zulassen. Das ist der Moment größtmöglicher Freiheit – und auch der Moment, in dem Ideen entstehen, die man später nicht mehr „herdenken“ kann. Erst im nächsten Schritt wird diese Offenheit kanalisiert. Claudius hilft mir dabei, Ideen zu verdichten, zu schärfen und so zu übersetzen, dass sie zur Marke passen. Diese Klarheit am Ende funktioniert aber nur, weil am Anfang bewusst Unklarheit zugelassen wurde.

Ihre gemeinsame Erkenntnis: Zeitgemäßes Branding braucht klare Dramaturgie. Erst maximale Offenheit und Irritation, später Struktur, Einordnung und Markenkonformität. Nicht alles muss sofort Sinn ergeben – aber am Ende muss alles Sinn machen. Wie beim Fahrradfahren: Wenn Rahmen, Teile und Antrieb zusammenpassen, fährt es sich nicht nur leichter, sondern macht auch mehr Spaß.

Mehr Informationen über BECC finden Sie auf https://www.becc-agency.com/ und mehr über AI gibt es hier zu lesen: Grafikmagazin.de

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»Die Zukunft der Wirtschaft ist auch die Zukunft des Designs«

Die Plattform, die einst als niederschwelliges browserbasiertes UI-Tool begann, wird zunehmend zum Allround-Betriebssystem für kollaboratives Gestalten. Mit der jüngsten Produktoffensive auf der Londoner Config 2025 zeigt Figma, dass Designprozesse nicht nur effizienter, sondern auch freier und vielseitiger werden können – besonders für interdisziplinäre Teams, wie sie unserer Leser:innen heute führen oder begleiten. Die Keynote von Dylan Field, CEO von Figma, gab den Ton vor: Es ging nicht um kleine Verbesserungen. Es ging darum, einen Schritt in die Zukunft der Arbeit, der Kreativität und der Wirtschaft selbst zu machen. »Die Zukunft der Wirtschaft ist auch die Zukunft des Designs«, erklärte Field. »Wir möchten, dass Figma ein Ort ist, an dem Ideen zu Produkten werden, an dem hohe Standards und exzellentes Handwerk auf einer vernetzten Plattform zusammenkommen.«

Field betonte, dass über zwei Drittel der Figma-User keine Designer:innen seien, zudem ist ein Großteil aller Nutzer:innen außerhalb der USA, rund 40% in Europa. Die Plattform reagiert darauf mit einer verstärkten Lokalisierung und einer globaleren kulturellen Ausrichtung – »die Kultur und Geschichte des Designs sind tief in Europa verwurzelt«, merkte er an, zitierte etwa Jan Tschichold’s wegweisende Entwürfe und gab damit den Ton an – und zeitgenössisches, modulares Gestalten als konsequente Fortführung relevanter Designtraditionen begreift.

Eine Idee, vier neue Tools

Chief Product Officer Yuhki Yamashita beschrieb die neuen Angebote von Figma als eine vollständige End-to-End-Lösung: von der Ideenfindung über die Abstimmung bis hin zur Umsetzung und zum Storytelling.

Figma Sites: Vom Entwurf ins Netz – direkt aus der Gestaltung
Für viele Designerinnen war Figma bislang der Ort, an dem Screens und Komponenten entstehen. Mit Sites erweitert sich dieser Raum nun um den finalen Schritt: die Veröffentlichung. Was früher Webentwicklerinnen übergeben oder via Dritttools umgesetzt werden musste, kann jetzt direkt in Figma geschehen – mit responsiven Layouts, Code-Komponenten und sogar KI-generierten Interaktionen. Ideal für Agenturen, Studios oder Einzelpersonen, die Design und Umsetzung aus einer Hand denken wollen.

Figma Make: Ideen in Code gießen – ohne Entwicklungsabteilung
Mit Make kommt ein KI-Tool, das aus Textbeschreibungen funktionierende Prototypen generiert. Ob App-Konzept, Microtool oder interaktive Präsentation – ein einfacher Prompt reicht aus, um einen Entwurf zu visualisieren – und dann iterativ von Hand zu verfeinern. Wie Product Manager Holly Li es ausdrückte: »KI ist nur bis zu einem gewissen Grad hilfreich. Ihr als Gestalter:innen seid leistungsfähiger.«

Figma Draw: Raum für illustrative Ausdruckskraft
Wer bisher für Vektorillustrationen in andere Programme ausweichen musste, darf sich freuen: Draw bringt neue Werkzeuge für freiere Pfadbearbeitung, dynamische Pinsel, Texturen und Textpfade direkt in die Designumgebung. Besonders spannend für Editorial-Designer:innen, Illustrator:innen oder auch sonst alle Kreative, die mit visuellem Storytelling arbeiten und dabei eine ausdrucksstärkere, analog inspirierte Bildsprache bevorzugen, etwa strukturierte Farbverläufe oder Unschärfe.

Figma Buzz: Marketing Assets mit System
Buzz richtet sich an alle, die regelmäßig visuelle Assets produzieren – ob im Content-Team, im Branding oder in der Unternehmenskommunikation. Designvorlagen können definiert, mit KI variiert und in großem Stil ausgerollt werden – etwa für Social-Media-Kampagnen oder Promotion-Materialien. Die Stärke: kreative Präzision bei maximaler Wiederverwendbarkeit, dabei sollen auch Nicht-Designer:innen mit flexiblen Vorlagen vereinfachen.

Figmas Plattform wächst – und mit ihr die Erwartungen

Der rote Faden bei allen Neuheiten? Eine einheitliche Erfahrung, bei der alle Akteur:innen – ob Designer:in oder nicht – ohne Reibungsverluste von der Idee zur Umsetzung gelangen kann. Yamashita betonte, dass es die Mission von Figma sei, »nicht nur Pixel zu verschieben, sondern Ideen voranzubringen«. Deutlich wird, dass Figma sich nicht mehr als einzelnes Tool, sondern als end-to-end Plattform versteht – und bringt damit vieles unter ein Dach, was vormals über mehrere Softwarelösungen verteilt war. Was User:innen gerne auch skeptisch sehen, wie sich in Gesprächen mit Config-Besucher:innen zeigt – ob es Figma gelingt, nahbar und community-orientiert Feedback einzuarbeiten oder »das neue Adobe werde, das später wieder von einem Underdog abgelöst wird«, wie ein Gestalter spekuliert, wolle man abwarten. Doch allgemein ist Begeisterung zu spüren: Für die designorientierte Praxis bedeuten die Neuheiten schließlich: mehr Ausdruck, mehr Output, weniger Brüche. Eine Einladung, digitale Gestaltung nicht nur funktional, sondern auch kreativer, effizienter und zugänglicher zu denken.

Design im Zeitalter der KI menschlicher gestalten

Gesunder Menschenverstand, kritische Einordnung und ganzheitlichere Betrachtung der Tech-Welt zog sich auch durch die Vorträge: UX Writer Ningfei Ou forderte etwa die Design-Community auf, sich gegen die Einheitlichkeit, »the sea of sameness« zu wehren und sich der Post-Nudge- und Post-UX-Skepsis anzuschließen. »Viele Reflexe bleiben uns von klein auf erhalten«, sagte er und plädierte für emotionale Spezifität und sprachliche Nuancen: »Die Sprache ist unendlich vielfältig.«

Gary Hustwit schloss die Veranstaltung im Gespräch mit Figma’s VP of Design, Noah Levin, mit einer filmischen Perspektive auf Design und Storytelling: »Wenn ihr von etwas besessen seid, das es nicht gibt, gibt es wahrscheinlich jemanden, der es auch will. Kreiert etwas, von dem ihr euch wünscht, dass es existiert!«

Seine Worte unterstrichen ein übergeordnetes Thema, das sich durch die gesamte Config London zog: gutes Design ist nicht nur eine Frage von Systemen und Stilrichtlinien. Es geht immer auch um Urheberschaft, das Hinterfragen von Absichten  –und eine Menge gesundert Neugier.

Mehr zu Figma’s Produktneuheiten hier im Blogartikel von CEO Dylan Field

Mit Yuhki Yamashita und Dylan Field sprachen wir auch für die Ausgabe 04.22 »Editorial« für unseren Fokus Kollaboration, hier bestellen

Gary Hustwit und sein Buch »The New York Subway Map Debate« haben wir in unserer Ausgabe 06.21 »Information Design« vorgestellt, hier bestellen

Mehr zu seinem Film über Brian Eno hier auf seiner Website nachlesen

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Was haben Fair-Trade-Bananen und Fielmann gemeinsam? Beide zeigen, wie gute Markengestaltung aussieht, wie man Visionen eine visuelle Form geben und Identitäten schaffen kann, die einzigartig sind und im Gedächtnis bleiben. Im Grafikmagazin 03.24 beschäftigen wir uns mit »Brand Design« und blicken hinter die Kulissen der spannendsten Branding-Projekt der letzten Zeit.

Im Grafikmagazin 03.24 starten wir mit einem neuen Fokus und beschäftigen uns über zwei Ausgaben hinweg mit dem Thema »Pricing«. Nicht nur Neulinge im Beruf tun sich schwer damit, den Wert ihrer eigenen Arbeit richtig einzuschätzen. Doch wie stelle ich es an, dass meine Arbeit gut und angemessen bezahlt wird und der Kunde mitgeht? Markus Hartmann, der Autor von »Preisfindung in Agenturen«, hat viele Ratschläge und Kniffe parat und wir haben verschiedene Kreative gebeten, uns Ihre Tipps aus der Praxis zu verraten. Mehr zum Thema »Pricing« finden Sie auf sieben Seiten in diesem Heft.

Natürlich darf auch die Inspiration nicht zu kurz kommen. Wir berichten von einem ungewöhnlichen typografischen Schatz, sehen uns an an, wie die Revolution in Chile das Design beflügelt hat und reisen mit einem Fotografie-Kollektiv durch Vietnam. Sylvia Lerch erklärt, was es mit Deinking auf sich hat und welche Auswirkungen es auf die Nachhaltigkeit von Papieren und Druckverfahren hat. In unserem Schaufenster Illustration zeigt Jill Senft, was mit dem Tierblut geschieht, von dem jeden Tag etwa 120 Tanklaster durch Deutschland fahren und das »Heart Surgeon’s Cook Book« führt zusammen, was zusammengehört: Herzchirurgie und Sterneküche.

Grafik+ »Brand Design«

Gute Markengestaltung ist eine Kunst. Komplexen Inhalten oder Dienstleistungen eine visuelle Form zu verleihen ist ebenso anspruchsvoll, wie Consumer Brands etwas Einzigartiges zu verleihen. Für dieses Grafik+ haben wir bei einigen spannenden Projekten hinter die Kulissen geschaut, etwa beim Branding für Fielmann bei dem sie nicht nur die Kundenansprache verändert hat, sondern auch die Fotografie einen entscheidende Rolle spielt. Über den aufwändigen Prozess, der hinter der Loslösung von Ebay und dem neuen Erscheinungsbild von Kleinanzeigen steckt, sprachen wir mit Kunden und Kreativen. Einer großen Aufgabe und Verantwortung stellten sich Studierende der HS Augsburg und entwickelten ein neues Erscheinungsbild für das Dokumentationszentrum Obersalzberg und bei TUX Creative House verpasste man Fair-Trade-Bananen einen Look, der einfach nur frech und cool ist.
Dies und viel mehr gibt es im Grafik+ dieser Ausgabe zu entdecken …

Das Cover

Beim Motiv dieses Covers handelt es sich um ein Farbmuster und zwar für Nagellack. Studio Oeding wollte beim Brand Design für Neonail zeigen, dass diese Marke cool, unkonventionell und anders ist und machte bei den Farbmustern, die normalerweise die Form von Fingernägeln haben, nicht halt. Gedruckt wurde das Cover im Offset auf dem feinmaschengeprägten Kreativpapier Rives Design weiß in 350 g/qm von Antalis.

Der Showroom

Zweifel ist ein eher ungewöhnlicher Name für ein Designstudio, aber auf jeden Fall ein passender, denn Simon Wahlers Credo lautet: »Kritisch gestalten, optimistisch handeln«. Starke, mutige Figuren prägen die Illustrationen von Anne-Sophie Engelhardt und im australischen Melbourne wird bei Studio Both Print großgeschrieben. Ganz großes Kino verspricht wie in jedem Jahr der Wettbewerb »100 Beste Plakate«, bei dem Plakatgestalter:innen aus Deutschland, Österreich und der Schweiz zeigen, was sie können.

Jetzt bestellen!

Das Grafikmagazin 03.24 mit dem Schwerpunkt »Brand Design« können Sie hier bestellen, versandkostenfrei (innerhalb der EU):

Wenn Sie sich für das Thema Branding interessieren, sollten Sie auch einmal in unsere Ausgabe mit dem Schwerpunkt »Corporate Communication« schauen.

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Das Smart-Home-System »Gira One« bietet eine moderne Bedienungshilfe der Technik in den eigenen vier Wänden. Ob Licht- oder Beschattungsregulierung, Musik, Temperatur oder Sicherheitssysteme – hiermit lässt sich alles einfach über eine App oder eine Bedienzentrale steuern. Diese Konzepte sind nichts Neues, aber die visuelle Aufbereitung dieses Mal schon.

Ähnliche Angebote präsentieren sich üblicherweise mit einer sehr technisch versierten Gestaltung, dem wollte Feedmee mit dem Konzept für diesen Messefilm gezielt entgegenwirken: Anstatt den Fokus auf trockene Produktdetails zu lenken, wird der Beobachtende gekonnt in eine Gefühlswelt eingeladen, die eine ganz andere, aber durchaus relevante Seite der Haustechnik beleuchtet: Ambiente und Anpassungsgabe.

Der Film beginnt mit der Aufnahme eines Lichtschalters, bevor den Betrachter:innen »The world behind the switch« eröffnet wird. Daraufhin folgen Szenen in einem dynamischen und minimalistischen Stil, die mit abstrakten Motiven, sowie Licht und Schattenspielen das Angebot von »Gira One« wiedergeben. Jede Funktion des Programms bekommt ihre eigene Bühne, und soll wirken wie eine Kunstinstallation. In gut zwei Minuten führt der Film durch eine Vielzahl an atmosphärischen Bildern, die einen Eindruck hinterlassen. Wer das Ergebnis in voller Länge ansehen möchte, gelangt hier zum Projekt. Diese Marketingstrategie ist zwar eine völlig andere, als es für die Branche üblich scheint, beweist aber, dass gute Bilder und ein feinfühliges Ambiente häufig viel signifikanter im Gedächtnis bleiben. Damit konnte der Film auch beim ADC Award 2023 punkten – und erhielt einen Bronze-Nagel.

Mehr über das Projekt und die Arbeit von Feedmee erfahren Sie auf ihrer Website. Um auch in Zukunft keine Neuigkeiten rund um das Thema Design mehr zu verpassen, abonnieren Sie gerne auch unseren Newsletter.

Text: Johanna Schmees

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Als ganzheitliches Konzept für Neurodermitiker:innen ist nera ein Paradebeispiel für Digital Health, also die interdisziplinäre Verbindung von Gesundheitsfürsorge mit digitalen Medizin- und Wellnesstechnologien. Diese soll nicht nur die Effizienz der Gesundheitsversorgung verbessern und Arzneimittel wirkungsvoller einsetzen, sondern auch individuellere Behandlungen möglich machen. »Künstliche Intelligenz kann im medizinischen Bereich durch wissenschaftliche Fragestellungen und Datenanalyse lernen, den Alltag eines Patienten zu erleichtern und die Lebensqualität zu verbessern«, so Jennifer Ferger. »Es ist eine zukunftsweisende Art der Behandlung und Möglichkeit, Neurodermitikern bei der Linderung und Symptombekämpfung ihrer Krankheit zu helfen.«

Besonders bei der chronischen, Juckreiz auslösenden Hauterkrankung Neurodermitis kann dies nützlich sein. Denn obwohl es bestimmte Faktoren gibt, die die Krankheit begünstigen und Menschen anfälliger macht, wurden die genauen Ursachen von Neurodermitis noch nicht vollständig erschlossen und sind höchst individuell. Bei manchen Menschen ist der Hauptfaktor Stress, der das Immunsystem beeinträchtigen und dazu führen kann, dass der Körper mehr Entzündungsreaktionen produziert. Andere Betroffene wiederum reagieren aufgrund bestimmter Lebensmittel wie Milchprodukte, Weizen oder Eier mit Neurodermitis-Symptomen. Wieder andere erleben die Schübe, weil sie an weiteren Allergien leiden und ihr Körper auf bestimmte Substanzen, wie Pollen oder Tierhaare, reagiert, was wiederum Hautreaktionen und Juckreiz auslösen kann. Digital Health kann also unterstützen, wenn es darum geht, individuell Probleme zu identifizieren und schließlich zu behandeln.

Für die Entwicklung von nera berücksichtige Jennifer Ferger verschiedene Bereiche wie Haut, Fitness, Ernährung und Emotionen, die bei Neurodermitiker:innen in Abhängigkeit zu einander stehen. »Die Balance dieser Bereiche ist wichtig für ein ausgewogenes und symptomfreies Leben«, so die Designerin. Die nera App visualisiert mithilfe von KI die Daten für den User,  informiert zu Ursachen und gibt Empfehlungen zur Behandlung. Es kann sogar eine Schubvorhersage getroffen werden.

Unterstützt wird die App mit smarten Gadgets, etwa durch eine Verknüpfung zur Smart Watch kann schnell getrackt werden, wenn Veränderungen anstehen oder die Haut besonders anfällig wird. Wie das funktioniert, erklärt Jennifer Ferger so: »Mit dem intelligenten Spiegel wird das Tracken der Haut durch einen Ganzkörper-Scan erleichtert. Die KI erkennt, wie viele Hautstellen wie stark betroffen sind und gibt den Trend der Neurodermitis an. Er kann auch smart für Fitness, Yoga und Meditationen genutzt werden.«

Für nera hat sie zudem eigene Produkte entwickelt, welche tägliche Fitness- und Wellness-Aktivitäten erleichtern – Fitnessmatte, Yogablöcke, oder PH-hautneutrale und feuchtigkeitsspendende Pflegeprodukte. Sogar an die Ernährung hat sie gedacht – mithilfe einer auf KI basierenden Foto-Funktion können Essensfotos gescannt und die Zutaten identifiziert werden, welche die App speichert. So kann bei Unverträglichkeiten und Ernährungsvorlieben im Idealfall mit abgestimmten Lebensmittelboxen der Neurodermitis vorgebeugt werden.
Jennifer Ferger erzählt, bei ihrer Werkschau hätten sie viele Neurodermitiker:innen angesprochen und als Betroffene positives Feedback gehabt. 

Die freiberufliche Designerin arbeitet am liebsten an crossmedialen Konzepte und ist sowohl im Digitalen sowie im Print zuhause. Mehr über ihre Arbeit erfahren Sie hier.

In unserer Rubrik »Mensa« gibt es außerdem immer wieder neue Projekte von Studierenden zu entdecken.

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Text: Paula Schneewind

In Deutschland ist die Rap- und Hip-Hop-Szene nicht mehr wegzudenken. Sie zählt zu einem der erfolgreichsten Genres für die deutsche Jugendkultur und ist allgegenwärtig repräsentiert. Das merkt man auch an den Streaming-Zahlen auf Plattformen wie Spotify. 

»Modus Mio« ist hierbei die Hip-Hop-Playlist mit der größten Reichweite innerhalb Deutschlands, Österreichs und der Schweiz. Nicht ohne Grund ist sie das Ziel vieler aufstrebender Hip-Hop-Artists. Mit einem Song auf dieser Playlist vertreten zu sein, ist definitiv eine Auszeichnung des eigenen Könnens. Die 50 Songs der »Modus Mio« Playlist werden wöchentlich aktualisiert, um die 1,8 Millionen Follower:innen immer auf dem neusten Stand zu halten.

Die visuelle Kommunikation der »Modus Mio«, was sowohl »Mein Modus« als auch »Modus Million« bedeutet, geht Hand in Hand mit dem Reflektieren, wofür Hip-Hop eigentlich stehen kann. Er kann laut und selbstbewusst, aber auch leise und zurückhaltend sein. Manchmal geht es darum, anders und besonders zu sein, manchmal ein Teil der Menge. Hip-Hop kann vieles und das zeigt sich in der visuellen Umsetzung durch die dynamisch geneigte Typografie, die eine deutliche Präsenz zeigt. Die Typografie-Lockups sind hierbei in der Circular, der Hausschrift von Spotify, gesetzt. Durch die Hauptfarben schwarz und weiß, lassen sie die individuellen Artist-Bilder einheitlich im selben Kontrast einpflegen. Diese entwickelte Brand Identity präsentiert den Einfluss des Hip-Hops auf eine selbstbewusste und starke Art und Weise und bietet dadurch dem Genre eine visuelle Bühne. 

Das Rebranding wurde erstmals auf dem Splash!-Festival, einem der größten Hip-Hop-Festivals Europas, gezeigt und wurde von den dort performenden Berliner Artists wie 1019, Badmómzjay, Dante YN, 01099 und Juju gebührend zelebriert. Seitdem wird das Playlist-Cover und der »Modus Mio«-Instagramkanal wöchentlich mit neuen Visuals bespielt.

Falls Ihnen dieser Beitrag gefallen hat, ist auch das hier interessant zum Thema Musik: »Vinyl! Die Comic-Cover«

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Text: Paula Schneewind

In Kooperation mit der Kölner Partneragentur dayy hat Dio Studios die Entwicklung der Markenidentität für die neue Reiseversicherungsmarke allyz kreiert. Diese Corporate Identity kommuniziert den Wandel von Versicherungen. Statt starren Verträgen, bietet allyz die Flexibilität, die man sich als junger Mensch auf Reisen wünscht. Das zeigt sich auch in der visuellen Sprache. Das Corporate Design arbeitet mit kräftigen, jungen Farbkombinationen und einer cleanen, aber vielseitig und dynamischen Bildsprache, die Reiselust weckt. Die Marke zeigt sich frisch, international und ganzheitlich digital vertreten. 

Der Claim »Amplify your journey« zeigt sich nicht nur in der Positionierung, sondern auch im neuen Logo der Marke. Das Dach des As repräsentiert hierbei die Reise an sich, der Querstrich die Verstärkung (engl. »amplification«) dieses Dachs und der Punkt den User selbst. Dadurch werden die drei Kernelemente des entwickelten Konzepts in einem vereint und bilden gleichzeitig den Anfangsbuchstaben der Marke.  

Insgesamt umfasste der Service der beiden Agenturen die Entwicklung einer Markenidentität, eines Corporate Designs, eine ausführliche digitale Design-Vision für Webinhalte, plattformübergreifender Social-Media-Content, Out-of-Home-Werbekonzepte und die Entwicklung eines detaillierten 50-seitigen Markenbuchs. In Zusammenarbeit entstand ein umfangreiches und ausgeklügeltes Ergebnis, das der Marke sicherlich einen erfolgreichen Markteinstieg ermöglicht.

Falls Ihnen dieser Beitrag gefallen hat, lesen Sie gerne einen anderen Beitrag zum Thema Corporate Identity, z.B. Ein neuer Look für Ecosia

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Luzia, woher nimmst du deine Inspiration? Was hat dich zur Designerin gemacht?
Mein Weg zur Gestaltung war ziemlich klassisch – ich habe während meiner Schulzeit Kunstleistungskurs belegt und bemerkt, dass mit der Umgang mit Schrift und Plakaten mehr liegt, als Malerei oder realistische Bleistiftzeichnungen. Danach habe ich in Mainz und Hamburg Kommunikationsdesign studiert und anschließend für zwei Jahre in Festanstellung gearbeitet. Nebenher habe ich auch immer an eigenen freien Aufträgen gearbeitet, 2019 wurden meine Arbeiten mit dem Newcomer-Preis des German Design Award ausgezeichnet, das war auch ein Auslöser dafür, dass ich mich 2020 als Grafikdesignerin selbstständig gemacht habe.
Inspiration und neue Ideen finde ich oft eher in Arbeitspausen, zum Beispiel beim Spazieren gehen in Planten und Bloomen oder beim Schwimmen, wenn mein Kopf frei ist und die Gedanken kreisen können. Aber natürlich inspiriert mich auch die Arbeit von Künstler:innen und Gestalter:innen aus anderen Disziplinen, wie beispielsweise Daniel Buren, Muller van Severen oder Camille Walala.

Thea, warum wolltest du ein so großartig designtes Produkt? Jeder andere hätte sicher die schlankere Variante gewählt.

Mir persönlich war es ganz wichtig, dass das Produkt, neben der Funktionalität, ansprechend aussieht und eine Art Geschenkcharakter bekommt. Freude und Leid – so sagt man – liegen ja oft bekanntlich nah beieinander. Und genauso soll Womatics sein. Der Problemlöser, der dir aber trotzdem Freude schenkt. Und ein Design, dass dabei hilft, stille Themen auf eine würdevolle und nicht beschämte Art und Weise aus seiner stillen Ecke zu holen.
Die Tube sieht durch Luzias Design nicht nach einem Don’t-talk-about-it-Produkt aus, sondern frisch, jung, modern und stylisch.

Wie kamst du auf Luzia?
Da ich mit der Idee Womatics alleine gestartet bin, war mir sehr wichtig, dass ich jemanden finde, der in Hamburg vor Ort ist. Ich wollte meine Idee persönlich teilen. Ich entscheide im Leben viel nach dem Bauchgefühl und da war es mir besonders wichtig, dass es zwischenmenschlich passt. Ich habe Luzia in einer Art Kreativ-WG-Arbeitsplatz-Sharing Atmosphäre getroffen, wo sie damals noch ihren Schreibtisch hatte. Allein das war schon so ein tolles Erlebnis und man konnte die Kreativität an diesem Ort sofort als nicht Kreativer spüren. Luzia konnte sich für meine Idee genauso schnell begeistern, wie ich selbst. Ich fand es toll, dass sie zu 100% für etwas gebrannt hat, das es de facto damals ja noch garnicht gab. Sprich mit dem Risiko, dass da keine große Firma anklopft, sondern eine One-Woman-Show mit einer Idee im Kopf.

Welche Vorstellung hattest du vom Design und wie hast du Luzia diese vermitteln können?
In unserem ersten Gespräch wurde uns beiden schnell klar, wie das Mama Cooling Gel aussehen soll. Das Design ist nicht vorab in einem klassischen Briefing abgegeben worden, sondern durch unseren Austausch entstanden. Als ich dann kurze Zeit später die ersten Vorschläge gesehen habe, wusste ich, das mit Luzia wird eine gute und langfristige Zusammenarbeit. Und dafür bin ich sehr dankbar. Und es hat sich bis heute so bestätigt.

Luzia, wie genau geht man vor, wenn man den Auftrag erhält ein »Mama Cooling Gel« zu gestalten?
Beim ersten Gespräch mit Thea haben wir beide schnell festgestellt, dass wir eine ähnliche Vorstellung von ihrem Produkt haben, das war eine sehr gute Ausgangslage für unsere Zusammenarbeit. Für mich war es toll, dass Thea komplett neu auf dem Markt war und ich so von Anfang an das visuelle Erscheinungsbild mit gestalten konnte. Zuerst habe ich also ein Corporate Design für Womatics gestaltet bevor ich an die Umsetzung für die Verpackung des Mama Cooling Gels gegangen bin, das hat uns den ersten Rahmen für das Packaging Design gegeben. Wir waren uns einig, dass das Cooling Gel eine selbstbewusste Gestaltung braucht, also nicht nur in zarten Pastelltönen daher kommt und möglichst unauffällig aussehen soll.

Was hat dich an diesem Thema gereizt?
Ich fand Theas Geschichte gut, dass sie ein Produkt auf dem Markt bringen will, dass ihr selbst immer gefehlt hat. Für mich war auch das Feedback von anderen Müttern, mit denen ich darüber gesprochen habe, super interessant, weil die meisten auch von Kohl- und Quarkwickel die Nase voll hatten und begeistert waren, dass jemand ein Produkt gegen dieses Problem entwickelt. Außerdem fand ich es toll, dass Thea an ihre Idee geglaubt hat und sie unbedingt realisieren wollte.

Mehr zu Luzia Hein

Die Website von Womatics

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Während der Plan in puncto Zeitschrift aufging, fristete der Phoenix Verlag lange ein Schattendasein. Nun haben sich Tobias Holzmann, Christian Meier, Christine Moosmann und Sonja Pham mit ihrem Verlag neu aufgestellt und bieten ab sofort eine Reihe von weiteren Dienstleistungen an. Ihre langjährige Erfahrung als Magazin-Macher:innen und Veranstalter:innen von Design-Events machen die vier nun auch einem breiteren Personenkreis zugänglich und beraten Firmen oder andere Interessierte zu Design und Konzeption von Zeitschriften sowie zur Organisation von Events.

Die Leidenschaft für Qualität, Handwerkskunst und gute Gestaltung steht beim Phoenix Verlag an erster Stelle, deshalb war es nur konsequent, dies auch im Erscheinungsbild zu kommunizieren. Statt auf Standard-Fonts zurückzugreifen, konnte das Team den großartigen Kalligrafen Rainer Menschik gewinnen, um den Schriftzug Phoenix von Hand zu zeichnen. Keine leichte Aufgabe, denn zu Anfang stand noch gar nicht fest, in welche Richtung sich der Verlag entwickeln würde. Die mit Feder gezeichnete Wortmarke zeigt allerdings, wie zeitlos echte Qualitätsarbeit ist. »Rainer Menschik hat uns schon lange mit seinem Können beeindruckt«, sagt Christine Moosmann, »ich freue mich jedes Mal aufs Neue über die wunderschöne Form, die er dem Wort Phoenix verliehen hat, und es fasziniert mich, wie reizvoll und selbstbewusst sich die kalligrafierte Wortmarke im Zusammenspiel mit dem neuen Kommunikationsdesign unseres Verlages zeigt.«

Zur Website: www.phoenixverlag.de

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Schaut sie cool oder missmutig, die Flasche auf dem Cover? Das bleibt jedem selbst überlassen, sehr cool ist allerdings die Ausstattung unserer neuen Ausgabe. Ein samtweiches Papier mit hohem Baumwollanteil und Letterpress verwandeln dieses Cover in ein wahres Schmuckstück. Absolute visuelle Reduktion trifft hier auf höchste Qualität bei Papier und Druck – das Grafikmagazin 01.23 mit dem Schwerpunkt »Bars & Drinks« ist Understatement pur.

In dieser Ausgabe laden wir zu gleich mehreren bemerkenswerten Ausstellungen ein und unser Autor Patrick Marc Sommer hat sich an die Graswurzelbewegung Creatives for Futures angesehen. Herbert Lechner erinnert an den Typografen Georg Salden, dessen Schrift Polo 50 Jahre alt wird. Noch weiter zurück blickt der Kommunikationswissenschaftler Patrick Rössler, er stellt ab sofort in jeder Ausgabe ein bemerkenswertes grafisches Fundstück aus dem vergangenen Jahrhundert vor, die Reise beginnt im Jahr 1923. Auch einen neuen Fokus starten wir im Grafikmagazin 01.23, in dieser und der folgenden Ausgabe beschäftigen wir uns mit dem Thema »Design Education«. Wo steht die Design-Lehre heute, welche Defizite gibt es und wie könnte eine bessere Ausbildung aussehen?

Schwerpunkt Bars & Drinks

Im Grafik+ ziehen wir durch die Bars dieser Welt. Von Bordeaux bis Taipeh haben wir großartige Brandings und Interior Designs aufgestöbert und Illustrationen und Editorial Design rund um Bars & Drinks gefunden, die uns wirklich begeistert haben. Ob ein bisschen fucked-up in London, elegant in Sydney oder ganze gesund in Wien, diese Designlösungen sind ein Fest für die Augen.
Das Grafikmagazin 01.23 mit dem Schwerpunkt »Bars & Drinks« zeigt, wie enorm vielfältig Kommunikationsdesign sein kann, wenn versierte Gestalter auf mutige Kunden treffen.

Das Cover

Dieses Cover ist Understatement pur und gibt seine Eleganz erst bei näherer Betrachtung preis. Der australische Illustrator Steve Gavan arbeitet viel für die Bar- und Restaurant-Szene und weiß, wie wichtig es ist, Kund:innen mit frischen Ideen für sich einzunehmen. Auch für unser Cover fand er die richtige Mischung aus Botschaft und Humor.
Eine äußerst ansprechende Botschaft sendet auch das Papier, das wir bei dieser Ausgabe einsetzten. Refit Cotton Pearl von Antalis wird zu 40 % aus recycelten Post-Consumer-Abfällen und zu 15 % aus Nebenprodukten hergestellt, die beim Spinnen und Weben anfallen. Die Fäden bilden nicht nur reizvolle Einschlüsse im Papier, sondern lassen das Material auch samtig weich in der Hand liegen.
Papiere mit hohem Baumwollanteil bieten sich besonders gut für Prägungen aller Art an und so entschieden wir uns, das Cover im Buchdruck umzusetzen. Die Grazer Letterpress-Spezialisten von Infinitive Factory druckten das Motiv mit alten Heidelberger Tiegeln und Zylindern, wodurch man es nun nicht nur sehen, sondern auch fühlen kann.

Showroom

Im Showroom des Grafikmagazin 01.23 besuchen wir den spanischen Grafiker Quim Marin, der bewußt die Veränderung sucht, um neue Inspirationen zu finden. Sascha Bente erzählt von seiner großen Liebe, der Typografie und Rafal Kwiczor erschafft in seinen Illustrationen Retro-Welten, die sich zwischen Nostalgie und Computerspielen bewegen. Last, but not least werfen wir einen genauen Blick auf den neu gestalteten Schweizer Reisepass. Hier treffen Funktionalität, Sicherheitsaspekte und höchste grafische Qualität perfekt aufeinander.

Das Grafikmagazin 01.23 mit dem Schwerpunkt »Bars & Drink« können Sie hier bei uns versandkostenfrei (innerhalb der EU) bestellen.

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Man staunt manches Mal über die bewegten Biografien, die ältere Generationen hatten und auch das Leben von Félix Beltrán scheint eher aus einem Film als aus der Realität zu stammen. Mit nur 15 Jahren wurde der Kubaner in New York vom Chef der renommierten Werbeagentur McCann Erickson entdeckt. Er war Assistent von Herbert Matter an der Yale University, als Fellow der New School of Social Research lernte er Theodor Adorno, Herbert Marcuse und Erich Fromm kennen und als Art Director wurde er später von Bob Gill gefördert und arbeitete mit Designgrößen wie Herbert Bayer und Milton Glaser zusammen. Anfang der 1960er-Jahre kehrte er in die Heimat zurück, um mit seinen Mitteln die Revolution zu unterstützen.
In Kuba entwickelte Félix Beltrán aus seinem profunden Wissen um Gestaltung und Kommunikation und beeinflusst durch Beschränkungen im Land einen ganz eigenen Stil. Sein Mantra »simplify, simplify, simplify« war dem Mangel an Ressourcen in Kuba geschuldet, entsprang aber vor allem seiner Gestaltungsphilosophie, das zu kommunizieren, was wirklich essenziell ist. Félix Beltráns Arbeiten sind hochverdichtete visuelle Kommunikation und noch heute beispielhaft für das, was Grafikdesign ist und vor allem sein kann. Sonia Díaz und Gabriel Martínez, deren Biografien übrigens ähnlich illuster sind wie die von Félix Beltrán, dokumentierten das Werk und vor allem die Lehren des großartigen kubanischen Gestalters in der Monografie »Visual Intelligence«.

Was hat Ihr Interesse an Félix Beltráns Arbeit geweckt?
Sonia Díaz und Gabriel Martínez: Seine Erkenntnisse zu »Design in einem sozialen Sinn« und sein Vermögen zu Synthese und grafischer Präzision. Vom ersten Moment an waren wir fasziniert davon, hinter die Arbeiten zu schauen und herauszufinden, wie jene Experten des Grafikdesigns und der visuellen Kommunikation, die wir am meisten bewunderten, wirklich denken. In unserer umfangreichen Bibliothek befinden sich viele Bücher, die verschiedenen praktischen, theoretischen und pädagogischen Aspekten europäischer und nordamerikanischer Autoren gewidmet sind, Lateinamerika ist unterrepräsentiert. Auf der anderen Seite tauchte Félix in Büchern zur Geschichte des Grafikdesigns immer wieder als prominenter Vertreter auf, auch wenn er immer nur mit denselben zwei Plakaten und wenigen Logos aufgelistet wurde.
Der Schlüsselmoment kam für uns 2005, als wir die Gelegenheit bekamen, ihn persönlich zu treffen, und eine enge Beziehung aufbauen konnten, aus der verschiedene Ausstellungen und Vorträge hervorgingen. Auf diese Art entdeckten wir seine Arbeit, die zu einem guten Teil unbekannt ist, und hatten das Gefühl, dass es wichtig ist, eine Monografie zu erstellen, die all sein Werk und seine Beiträge zur Designlehre zusammenträgt und sie so vor dem Vergessen bewahrt.

Designer wie Wim Crouwel und Milton Glaser schätzten Félix Beltrán sehr, für viele jüngere Kreative wird er aber eine Neuentdeckung sein. Warum sind Félix’ Designs und Lehren heute noch so relevant?
Die Bedeutung seiner Arbeiten liegt darin begründet, dass Félix ein sehr zeitloser Gestalter ist, aber eben auch sehr stark seiner Zeit verhaftet ist und immer seinen Ideen treu geblieben ist, ohne sich von Moden oder Trends beeinflussen zu lassen. Sein Werk ist sehr didaktisch und einfach zu verstehen. Sein Motto »Einfachheit des Inhalts bedeutet Einfachheit der Form«, ist gerade heute sehr nützlich, da wir in einer Welt eines konstanten Flusses an Informationen und Fehlinformationen leben.
Wichtig ist auch die ethische Herangehensweise. Lektion 29 im Buch ist hier aufschlussreich: »Ergründe deine Stärken, verbessere deine Schwächen.« Unserer Meinung nach schlägt Félix vor, dass wir zwar handeln sollten, aber nicht vergessen dürfen, dass unsere Arbeit eine Bedeutung hat. Kreativität ist kein Selbstzweck, sondern eine Antwort auf ein spezielles Problem. Oder mit anderen Worten: Theorie ist das Resultat von klar definierten Zielen.

Félix stammt aus Kuba, aber seine Einflüsse kamen aus der ganzen Welt. Können Sie etwas über sein Leben und seinen Werdegang als Designer erzählen?
Beltrán studierte ab 1956 an der renommierten School of Visual Arts in New York und war ein Student von Bob Gill. Als Fellow der New School for Social Research hatte er Gelegenheit, Theodor Adorno, Herbert Marcuse, Erich Fromm, Rudolf Arnheim, Alfred Schütz — ein Schüler Edmund Husserls — und Fred Kersten kennenzulernen. Und in New York arbeitete er auch mit solch illustren Personen wie Herbert Matter, Herbert Bayer, Louis Dorfsman, Paul Rand, Ivan Chermayeff und Milton Glaser zusammen. Ein weiterer Designer, mit dem ihn eine enge Freundschaft verband, war der Japaner Shigeo Fukuda.
Beeinflusst wurde er von solch unterschiedlichen Dingen wie der Schweizer Typografie, dem amerikanischen Modernismus, italienischem und japanischem Design, abstrakter Kunst und Pop Art. Er betont auch immer die Bedeutung der amerikanischen Werbung, bei der der Text extrem wichtig war, wie etwa bei den Arbeiten von DDB / Doyle Dane Bernbach. Doch zweifellos war der Einfluss von Bob Gill, dessen herausragender Schüler er war, aufgrund seines Vermögens zur Synthese und der grafischen Stärke der entscheidende für ihn.

Félix selbst sagte: »Es war sehr schwer, sich voll und ganz auf das Design zu konzentrieren, wenn es keine Farben gab, kein Papier und keinen Strom.« Wie war es, in Kuba ab den Sechzigerjahren zu arbeiten?
1962 kehrte Félix nach Kuba zurück, es gab keine Ressourcen und die Gestalter arbeiteten mit den Farben, die zur Verfügung standen, und schufen Designs, die subtil und symbolisch waren. Félix erzählt auch, dass die Plakate einfach sein mussten, nicht aus Überzeugung, sondern weil etwas anderes nicht möglich war.
Was Kuba anbelangt, so ist die Verwendung von Farbe ein sehr wichtiges Element, ebenso wie Fotografien mit hohem Kontrast, in denen die Schatten eliminiert wurden, was das Drucken erleichterte. Als Konsequenz der technischen Einschränkungen wurde ein Stil erschaffen, der sich durch die Verwendung einfacher Ebenen definiert, durch kräftige Farben, scharfe Umrisse und Formen, die im Einklang mit dem waren, was sich drucktechnisch umsetzen ließ.

Félix war zeitweise der Chefdesigner der Propagandaabteilung der Kommunistischen Partei in Kuba und entwickelte zum Beispiel ausdrucksstarke Motive mit Aufrufen, Strom oder Öl zu sparen. War er eine politische Person, ein politischer Designer?
Als er nach Kuba zurückkehrte, begann er für die Revolution zu arbeiten und schuf einfache, direkte und ­symbolische Designs. Die Kommunikation sollte im Einklang mit der Realität der Unterentwicklung sein und die neue soziale Perspektive widerspiegeln. Denn nach Meinung von Félix ist in einem sozialistischen Staat, in dem der Staat und das Volk ein und dasselbe sind, jedes Plakat, gleich welches Thema es behandelt, immer ein soziales Plakat. Politik ist gleichbedeutend mit Kultur und kein Design kann unpolitisch sein oder kulturlos.
Durch das kubanische Design jener Zeit, so Félix, könne man die Ziele, die Ideologie, die wirtschaftlichen und politischen Perspektiven der Revolution erkennen. Denn in Kuba wurde eine neue Gesellschaft geschaffen.
Er selbst zeigte sich immer als umsichtig, präzise, systematisch und verantwortungsvoll in seinen Schlussfolgerungen und hatte eine Vision von Design, welches untrennbar mit der Revolution verbunden war. Die Art und Weise, wie er die Revolution gesehen hat, ist unmittelbar aus seiner Designpraxis heraus entstanden. Von unserem heutigen Standpunkt aus gesehen erscheint er als ein »Katalysator von Klarheit«, der immer zur sozialen, politischen, technologischen und kulturellen Speerspitze gehörte.
Es stimmt allerdings auch, dass er gegen Ende der Siebziger fühlte, dass die Revolution nicht funktionierte, und dieses Gefühl des Scheiterns verursachte eine enorme Leere in ihm. Die Umstände der Revolution und ihre zunehmend deutlicher werdenden Widersprüche führten zu einem tiefgreifenden Gefühl der Frustration, das ihn schließlich veranlasste, Kuba zu verlassen und nach Mexiko zu ziehen.

Félix unterrichtete auch viele Jahre. Welches waren Ihrer Meinung nach seine wichtigsten Beiträge zur Designlehre?
In den Siebzigern schrieb er drei wegweisende Bücher, welche Meilensteine in der Geschichte des iberoamerikanischen Designs sind. Diese Publikationen entstanden zur gleichen Zeit, als Félix seine Arbeiten schuf und Berühmtheit als Dozent an verschiedenen Schulen und Universitäten in Kuba und Mexiko erlangte. Andererseits manifestiert sich in ihnen sein tiefgreifendes Verständnis von sozialem und politischem Handeln. Er vermied Vorträge so weit wie möglich und bevorzugte eher eine Art von Mäeutik, eine sokratische Lehrmethode, die auf einem Dialog zwischen Lehrer und Schüler beruht, um über sein Werk zu reflektieren.
Wenn wir seinen größten didaktischen Beitrag hervorheben müssten, dann wäre es sicher »letragrafía«, ein Konzept, das er prägte und das besagt, dass Wörter ihrem Inhalt nicht widersprechen sollten und dass Buchstaben einen formalen Wert besitzen, der verschiedene Assoziationen impliziert. Buchstaben sind Formen und beziehen sich auf konstruktive Schemata, auf organisatorische Strukturen und räumliche Kompositionen, die visuelle Codes sozialer Kommunikation verstärken und betonen.

Nachdem Sie so viel gesehen und recherchiert haben, welche Arbeiten von Félix Beltrán gefallen Ihnen selbst am besten?
Das ist schwer zu sagen, wir lieben all sein Werk. Aber es gibt zwei Arbeiten, die wir vorher noch nicht kannten und die zu Lieblingen geworden sind. Es sind das Plakat »Towards the study and deepening of Marxism« (1968) und das Cover von »System of Marxist studies of the MININT« (1972), denn sie sind perfekte Beispiele für Félix’ Philosophie: Vereinfachen, Vereinfachen, Vereinfachen.
Durch Design Lösungen zu entwickeln, ist heute vielleicht wichtiger als je zuvor und deshalb glauben wir, dass es für Studierende und uns als Designer ein großes Glück ist, auf das Wissen von Gestaltern zurückgreifen zu können, die bereits so viel Vorarbeit geleistet haben.

Félix Beltrán: Visual Intelligence
Sonia Díaz, Gabriel Martínez
Optik Books, www.optikbooks.de
360 Seiten, Text in Englisch
ISBN 978–3–9822542–3–4
38,– Euro, 44,– $

Dieses Interview erschien Anfang 2022 in der Ausgabe Grafikmagazin 01.22 mit dem Schwerpunkt »Illustration«.

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Beim Grafikmagazin freuen wir uns besonders, wenn wir Projekte zeigen können, die man sonst nicht überall sieht. In dieser Ausgabe stellen wir beispielsweise das »Wish Project« der Deutsch-Iranerin Ghazaleh Miar vor, die mit kalligrafischen Verfremdungen die Wünsche iranischer Frauen illustriert. In Ghana haben nur 14 Prozent der Menschen Zugang zu hygienischen Sanitäranlagen, das Start-up Washking versucht mit einer guten Idee und ansprechendem Design Abhilfe zu schaffen. Auch in unserer Foto-Strecke stellen wir zwei bemerkenswerte Arbeiten vor. Das Kollektiv Femxphotographers.org widmet sich dem weiblichen Blick in der Fotografie und »The Lesbian Lives Project« dokumentiert die bedrückende Situation von lesbischen Frauen in Südafrika.

In unserer Rubrik »Design & Research« zeigt Mashine Rasuli, wie man sich mit Humor und Neugier für Mathematik begeistern kann, die Publikation »dis/order« widmet sich Aktivist:innen und Kunstschaffenden in Russland und Mart Veldhuis hat die Schuldenfalle, in die er als Student geriet, grafisch verarbeitet – als Teppich. Im Fokus geht es um Selbstdarstellung. Hier erzählt Ramon Haindl wie er sich online ein eigenes Netzwerk aufgebaut hat und Verena Bender verrät, was es mit Personal Branding auf sich hat.

Logo Design

Für das Grafikmagazin 06.22 mit dem Schwerpunkt »Logo Design« haben wir uns mit Koryphäen wie Jens Müller, Nadine Chahine oder Achim Schaffrina unterhalten und wollten wissen, weshalb Logos die Wahrnehmung einer Marke so signifikant schärfen, wie man ein Logo ins Arabische übersetzt und welche – oft überraschenden – Geschichten hinter prominenten Beispielen stecken. Darüber hinaus stellen wir etwa mit 1924us ein Studio vor, das für die Logogestaltung gänzlich antiquierte Methoden einsetzt, reisen mit dem uruguayischen Gestalter Marcos Laghero in die Sechziger und Siebziger Jahre oder ins zeitgenössische Seoul, wo Wolff Olins dem Leeum Museum of Art ein dynamisches Logo verpasst hat.

»Die besten Logos sind immer die, bei denen viel vom Inhalt drinsteckt, dieser aber auf unterschwellige, reduzierte Weise transportiert wird«, sagte uns Jens Müller im Interview. Hierfür kooperierten wir übrigens wieder mit dem renommierten Kreativ-Podcast Ohne den Hype. Dessen Host Sven Jürgensmeier begleitete unsere Chefredakteurin Christine Moosmann, so dass Sie zeitgleich zum Erscheinen der Ausgabe das Gespräch mit dem Logo-Aficionado überall dort nachhören können, wo es Podcasts gibt.

Das Cover

Für unser Cover nahm sich Tobias Holzmann spielerisch der Symbolhaftigkeit von Logos an, kombinierte Fonts, Überlappungen sowie unterschiedliche Farbsättigungen und erzeugte so eine gewisse Tiefe und Dynamik. Durch den Siebdruck, umgesetzt von der Firma Stainer Schriften und Siebdruck, stehen die Farben satt und kräftig, selbst beim Einsatz dreier völlig verschiedener Papierfarben von Igepa: Wir entschieden uns für das schimmernde Papier Stardream in der Grammatur 285 g/qm und kombinierten ein dunkelgraues Anthracite, den leuchtenden Goldton Fine Gold sowie Citrine, ein zartes Hellgrau mit raffiniertem Goldschimmer. Das Sahnehäubchen on top ist der zusätzliche Akzent durch partiellen Spot-Lack.

Der Showroom

Gerne stellen wir ins unserem Showroom neben zeitgenössischen Akteur:innen auch ikonische Gestalter:innen aus den vergangenen Jahrzehnten vor. Für diese Ausgabe hat unser Korrespondent Herbert Lechner den legendären Illustrator Jean-Jacques Sempé porträtiert, der heuer 90 geworden wäre. Außerdem featuren wir Javier Jaén, einen hellen Geist, der ganz zurecht von Forbes zu den 100 kreativsten Spanier:innen gekürt wurde. Im Interview mit André van den Bos hat unser Autor Niels Schrader einen sehr ungewöhnlichen Beruf eingefangen: Der Niederländer ist als forensischer Fotograf tätig und nimmt uns mit in eine faszinierende Bildwelt. Zu guter Letzt unterhielten wir uns mit Steven Watson, dem Gründer von Stack Magazines, der weltweit die besten unabhängigen Zeitschriften ausfindig macht und sie in Form eines monatlichen Überraschungsabos an Tausende Leser:innen liefert.

Das Grafikmagazin 06.22 mit dem Schwerpunkt »Logo Design« sowie diverse Abonnements sind in unserem Shop erhältlich.

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»Da weiß man, was man hat!« – Marken begleiten uns in allen Bereichen des Lebens, wir kennen sie und wissen diese Signale zu lesen. Denn die meisten dieser Bilder sind seit Generationen vertraut, viele haben bereits ein erstaunliches Alter. Oftmals sorgsam modifiziert und modernisiert, haben sie ihre charakteristischen Eigenschaften seit den Anfängen beibehalten, wie der dickleibige Band »Logo Beginnings« (Taschen Verlag, 2022, Euro 60,-) eindrucksvoll vor Augen führt.

Jens Müller hat rund 6.000 dieser Logos aus der Frühzeit zusammengetragen und nach formalen Kriterien sortiert, von streng geometrisch bis verspielt dekorativ, figurativ oder abstrakt, mit Buchstaben oder Tierdarstellungen, um nur einige der Gruppen zu nennen. Berühmtheiten sind darunter und längst Vergessene. Dem Einfallsreichtum (und gelegentlichen Plagiaten) waren jedenfalls keine Grenzen gesetzt. Ergänzt wird die Sammlung durch den Nachdruck des wichtigen Aufsatzes »Über die künstlerische Gestaltung von Warenzeichen« (1921) von Fritz Helmuth Ehmcke, welcher bekanntlich mit der Steglitzer Werkstatt und später als Dozent selbst zahlreiche Marken geschaffen hat.
Abgerundet wird die Zusammenstellung mit Packungsbeispielen und den Wandlungen einiger Logo-Klassiker wie Shell, 3M oder Singer. Davon würde man gerne noch mehr sehen, vielleicht das Thema der nächsten Publikation von Jens Müller?

Text: Herbert Lechner

Logo Beginnings

Jens Müller, Taschen Verlag
Hardcover, 432 Seiten, Text in Englisch, Französisch und Deutsch
60,– Euro

Mehr zum Thema »Corporate Communication« erfahren Sie im Grafikmagazin 02.21.

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Der Spiegel

»Was ist das für eine Welt, in der wir leben?«, fragt der Imagefilm von Serviceplan gleich zu Beginn. Trump, die Klimakatastrophe, der wachsende Populismus, die Flüchtlingskrise – die Nachrichten von heute sind chaotischer als jede Talk-Runde. Niemand weiß mehr, was er glauben soll. Der Spiegel wollte in diesen Zeiten seine Rolle als wichtige deutsche Nachrichtenmarke mit Verlässlichkeit und Orientierung stärken.

Gelingen soll das mit einer Kampagne, die der Welt einen Spiegel vorhält und das Fehlverhalten und die Heuchelei der Machthaber aufzeigt. Das Ergebnis ist eine bemerkenswerte Kommunikation für eines der renommiertesten deutschen Medienunternehmen. Der Spiegel spricht sich hier klar gegen den Moralverlust dieser Welt aus. Teil dieser integrierten Kampagne ist ein 45-sekündiger Film, der mit den Worten endet: »Wir halten dieser Welt den Spiegel vor.«

Coffee Kids

Melting Signals hat eine positive, neue Kampagne für Coffee Kids entwickelt, um junge Kaffeebauern und ihre Unternehmen zu unterstützen. Während sich ältere Generationen aus der Produktion zurückziehen, gehen jüngere Bauern in die Großstädte und verlassen ihre Felder, Familien und Dörfer. Was sie oft nicht sehen: Chancen liegen direkt vor der Haustür! Coffee Kids bietet jungen Landwirten Training, Mentoring und Startkapital, damit sie ihren Träumen folgen und gleichzeitig ihre eigenen Gemeinden unterstützen können. Die Kampagne hat die Branche sensibilisiert, die Zukunft junger Kaffeebauern zu unterstützen und so auch die Zukunft des Kaffees zu sichern.

Eine Perspektive in der Landwirtschaft zu sehen, fällt nicht nur jungen Menschen in Deutschland schwer, auch viele Kaffeebauern haben Nachwuchsprobleme. Die Kampagne Coffee Kids zeigt, dass die Perspektiven für junge Leute auf dem Land oft besser sein können als in der Stadt und bietet reale Unterstützung, in Auftrag gegeben wurde sie von der Hanns R. Neumann Stiftung in Hamburg.

decadia

Der Imagefilm von decadia skizziert auf einzigartige und unerwartete Weise den Zweck, die Menschen, die Produkte und das Erbe des Unternehmens. Sie gibt einen Einblick in das Herz des technologiegetriebenen Start-up, indem sie Persönlichkeit ausdrückt und ihren ganz besonderen Bürostandort inszeniert: In den Gebäuden eines UNESCO-Weltkulturerbes – der ehemaligen Zeche Zollverein.

decadias Aufgabe ist die Verwaltung und Digitalisierung der Pensionskassenverwaltung von Großkonzernen. Als Start-up mit Sitz in den Gebäuden des einst größten Kohlebergwerks der Welt, erinnert die Umgebung tagtäglich an die harte Arbeit der Bergleute an genau diesem Standort vor Jahrzehnten.

Der von Melting Experience konzipierte Film verbindet auf sehr ehrliche Weise die Welt der Digitalisierung und die Ursprünge der Industrialisierung, obgleich er mit minimalem Aufwand an Equipment, Personal und Zeit produziert wurde.Der großartigen Idee und professionellen Umsetzung tat die straffe Produktion keinen Abbruch. Der Film findet in der Unternehmenskommunikation und beim Recruiting Einsatz.

Stiftung Bamberg Symphoniker

»bam is back« feiert die Rückkehr der Bamberger Symphoniker nach der unfreiwilligen Pause aufgrund der Covid-19-Pandemie.

Im Konzerthaus von Bamberg setzte sich Staub ab und symbolisierte den Stillstand der Kulturindustrie. Zur Wiedereröffnung haben die Kreativen von Serviceplan diesen Staub zum Symbol für den Neuanfang gemacht – indem sie ihn zum ersten Musikstück der neuen Saison buchstäblich tanzen lassen.

Für den Film, der Online verbreitet wurde, entwickelten die Designer eine spezielle Choreografie, die mit echten Staub-Shots on Location und mit animiertem VFX-Staub visualisiert wurden. »bam is back« zeigt eindrücklich, wie auch aus erzwungener Stille etwas Schönes entstehen kann und macht Lust, auf den großen Bam, den man schon so lange nicht mehr vernommen hat.

Kampagnen, die einen Unterschied machen und gesellschaftliches Engagement zeigen, können dazu beitragen, unsere Welt etwas besser zu machen. Und wenn sie gestalterisch und produktionstechnisch auf solch hohem Niveau sind, ist ihre Auszeichnung mehr als verdient.

Zu allen Kategorien und Gewinner:innen des iF Design Awards hier entlang.

Weitere prämierte Arbeiten finden Sie auch hier …

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Alu Küche

Der Küchenmöbelbauer aus Duisburg ist eine Manufaktur im Familienbetrieb. Umso wichtiger war dem Team bei der Entwicklung des Corporate Designs, es genauso bodenständig und elegant wirken zu lassen, wie die Entstehung ihrer Küchen. In ihrer Werkstatt werden alle Küchenmodule handgefertigt und verschweißt. Dieses Prinzip sollte verständlich vermittelt werden.

Der starke und einzigartige Markenauftritts beinhaltet also den tatsächlichen Arbeitsalltag: Der Alu Küche-Schrank ist gleichzeitig zentrales Motiv der Kommunikation wie auch offene Werkbank in einer Küche. Sie wird hier nicht mit Leisten oder Paneelen verkleidet, denn das Ziel von Alu Küchen war es, die Zahl der Anpassungen zu reduzieren. Beauftragt wurden mit dem neuen Look die Designer:innen von Oppa Franz Brand Design.

Zum prämierten Design in der Kategorie Communication hier entlang.

Danish Crown – Towards a more sustainable future

Als weltweit tätige Unternehmensgruppe der Fleischindustrie musste sich Danish Crown der Herausforderung stellen, sich mit der Nachhaltigkeit ihres Lebensmittelvertriebs zu befassen. Die Firma mit Hauptsitz im dänischen Randers beschloss, ihre Fleischverarbeitung verantwortungsbewusster zu machen und nachhaltigere Ansätze zu verfolgen. Diese neue Positionierung ihrer Identität als Marktführer sollte auch an die Verbraucher:innen weitergegeben werden – in Form einer neuen Markenerscheinung.

Die neue Corporate Identity fußt auf einer ganzheitlichen Herangehensweise an das Projekt: Es wurde alles von Grund auf neu gestaltet. Von der visuellen Identität über UX-Design und Corporate Website bis hin zum Corporate Report sollte alles den neuen Werten entsprechen. Beauftragt wurde für das 360°-Projekt das Kopenhagener Studio Kontrapunkt.

Mehr zum Relaunch von Danish Crown.

Foodist

Das Unternehmen Foodist stellt in seinem Portfolio außergewöhnliche, hochwertige Leckereien von Manufakturen aus ganz Europa vor. Monatlich bietet es Boxen zur Lieferung an: von Gourmet-Boxen für Genießer oder Healthy-Box für Ernährungsbewusste, ist hier für jede:n was dabei… Um den Anforderungen der dynamischen Veränderung der Lebensmittelindustrie gerecht zu werden, entschied sich Foodist für einen neuen Look. Mir dem neuen Foodist-Logo, einem Claim und Visuals der Marke erhofft man sich einen Vorsprung, um sich von Mitbewerber:innen abzuheben.

Der Claim »Extend your taste« und die Farbfläche in Form einer Zunge sind die Key Visuals im neuen Branding von Foodist. Die Zielgruppe wird mit einem freundlichen sowie zugänglichen Markenauftritt addressiert. Zudem kommuniziert das Logo-Design an allen Touchpoints und agiert flexibel bei jeder Anwendung. Ganze Arbeit haben hier die Kreativen von The Studios aus Hamburg geleistet.

Lesen Sie weiter zum neuen Branding von Foodist.

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Die Nation Media Group unternahm einen mutigen Schritt in Richtung Veränderung um für ihre Zielgruppe relevant zu bleiben. Der neue Look von Nation möchte alle Altersgruppen ansprechen. Das niederländische Studio Morrow entwickelte eine Strategie, die in der afrikanischen Kultur und Tradition verwurzelt ist und gleichzeitig viel Flexibilität ermöglicht.

Inhaltlich deckt die Mediengruppe von News über Kindershows bis hin zu einem Mode-Podcast quasi alles ab. Um die unterschiedlichen Segmente zusammenzuführen, entspricht die Identität einer iterativen Reise in die Zukunft. Verdientermaßen nahm Morrow einen Award in der Kategorie Brand Identity mit nach Hause.

Wie überarbeitet man wirksam und elegant das Erscheinungsbild einer Marke, die seit über 30 Jahren überall präsent ist? Die Agentur Zeichen & Wunder machte es vor und verlieh dem Outdoor-Label Deuter ein neues Logo. Indem sie die Wortmarke völlig neu definierte, verhalf sie Deuter zu einem markanteren Charakter.

Das neue Gewand frischt die Anwendungen des Markendesigns merklich auf – sowohl bei Katalogen, als auch auf Produkten oder im Internet. Für Zeichen & Wunder geht es sprichwörtlich hoch hinaus – bei den iF Awards mit einem Preis für Communication.

Die auf deutsch-französisches Wirtschaftsrecht spezialisierte Anwaltskanzlei Qivive bekam ebenso einen neuen Look verpasst. Im Rahmen eines gemeinsamen Markenentwicklungsprozesses erhielt sie nicht nur ein neues Erscheinungsbild, sondern auch gleich einen neuen Namen. »Qui vive« ist als alte Parole französischer Wachsoldaten bekannt und wurde von Personen verwendet, die ein Tor passieren wollten. Das Logo des Unternehmens steht also sprichwörtlich für neue Wege, die sich auftun, und auch für seine Zweisprachigkeit.

Der Kernfokus der Kanzlei wird durch sympathische Porträts der Mitarbeiter:innen präsentiert, die eine hohe Seriosität und Vitalität ausstrahlen. Das vielfach prämierte Studio jäger & jäger hat hier erneut ganze Arbeit geleistet.

Mit Farbe ein Zeichen setzen: Die Agentur ANDMARQ hat sich auf das Management von Schauspielern spezialisiert. Das südkoreanische Designstudio PlusX gewann mit ihrem Branding einen Award in der Disziplin Communication, weil dieses Projekt erfolgreich eine Vision verwirklicht: Nämlich eine visuelle Struktur zu schaffen, die den gegenseitigen Respekt zwischen Schauspieler:innen und Behörden betont.

So möchte PlusX gewährleisten, dass destruktive Arrangements und Verhaltensweisen in der Branche vermieden werden. Die Markenidentität verabschiedet sich von der teilweise problematischen Talentmanagementbranche und setzt auf gesundes, gemeinsames Wachstum – Hand in Hand mit den Künstler:innen.

Das Rebranding-Projekt von OCC Assekuradeur, dem Versicherungsexperten für klassische Fahrzeuge in Deutschland, Österreich und der Schweiz, ist ebenso in der Gewinnerkategorie zu finden. Als führender Versicherungsanbieter ist OCC seit über 30 Jahren ein wichtiger Bestandteil der Oldtimerszene. Als die konzernweite Digitalisierung anstand, beauftragte man die Agentur Suan Conceptual Design mit der Konzeption des gesamten Brandings.

Die Markenstrategie samt neuem Corporate Design beinhaltet alle Touchpoints. Beim Design griff Suan typische Elemente der Oldtimerszene auf. Klare Linien, starke Typografie und eine markante Farbwahl: OCC setzt so ein Statement in der Oldtimerszene und Versicherungsbranche gleichermaßen. Ein leuchtendes Beispiel für gelungenes Corporate Design.

Zu allen Kategorien und Gewinner:innen des iF-Awards hier entlang.

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