Längst durchdringt KI viele unserer Arbeits- und Lebensbereiche. Wir wollten wissen, wo und wie Kreative sie aktuell einsetzen. Wo KI im Design wirkliche Verbesserungen bringt und wo ihr Nutzen überschätzt wird. Auf zwanzig Seiten stellen wir im Grafikmagazin 02.26 Ansätze und Projekte vor und zeigen, wo die Potenziale von KI im Design liegen.

Neben dem Schwerpunktthema bietet diese Ausgabe viel Wissens- und Sehenswertes aus der Welt des Designs. Wir blicken beispielsweise auf die Geschichte hinter der Geschichte von Puh dem Bär, beleuchten ein Forschungsprojekt zu Speculative Futures oder widmen uns der Schriftstrategie für Marken. In unserer Foto-Rubrik stellen wir Arbeiten vor, die sich mit zutiefst menschlichen Themen befassen: Gemeinschaft und Eltern sein. Natürlich gibt es auch viel sehenswertes Editorial Design zu entdecken, sei es zu KI-Kunst, Infografiken oder dem Zweifeln als Methode. In unserem Fokus setzen wir unseren Schwerpunkt zu Resilienz im Design fort und zeigen verschiedene Ansätze, wie Kreative erfolgreich mit Krisen und Hürden umgehen.

Grafik+ »Design & KI«

Künstliche Intelligenz ist längst fester Bestandteil gestalterischer Praxis – kaum eine aktuelle Auseinandersetzung mit Design kommt noch ohne sie aus. Umso spannender ist die Frage, wie sich ihr Einsatz weiterentwickelt hat: Bereits vor drei Jahren haben wir uns im Grafikmagazin intensiv mit KI beschäftigt und sogar eine Ausgabe mit 1000 Cover-Varianten realisiert. Was damals neu und aufregend erschien, wirkt heute stellenweise fast schon überholt. Kann man also mit KI überhaupt Dinge von bleibendem Wert schaffen? Sind zeitlose Gestaltung und schnelles Prompten Gegensätze? An welchen Stellen erzeugt KI überhaupt einen echten kreativen Mehrwert?

Das wollten wir wissen und haben nachgefragt, wie Kreative und Agenturen heute KI nutzen – wo sie Vorteile bringt und wo ihre Wirksamkeit überschätzt wird. Im Grafik+ des Grafikmagazin 02.26 stellen wir auf 20 Seiten Projekte und Positionen rund um das Thema »Design & KI« vor.

Das Cover

Das Cover-Motiv wurde von Vincent Schwenk in einem hybriden Workflow entwickelt. Der 3D-Künstler trainierte ein LoRA-Modell mit seinen Arbeiten, sodass die KI seine Bild- und Formensprache verstand und daraus eine Grundkomposition kreieren konnte. Er sagt: »KI generiert, Maschinen eröffnen Möglichkeiten und Designer treffen Entscheidungen. So schreiben wir nicht nur Prompts, sondern erschaffen echte Workflows.«

Gedruckt wurde das Cover im Offset und als Papier setzen wir Munken Kristall Rough in 300 g/qm ein. Das ungestrichene Designpapier besitzt eine sehr angenehme Haptik, bringt das Motiv strahlend zur Geltung und wird von Berberich vertrieben.

Der Showroom

Im Showroom dieser Ausgabe blicken wir hinter die Kulissen der Agentur Saatchi & Saatchi, stellen die Illustratorin Eva Revolver vor und werfen einen Blick auf das Schaffen von Dušan Bekar, der seit den 60er-Jahren im damaligen Jugoslawien unter einfachsten Bedingungen großartige Grafiken schuf. Einen Faible fürs analoge Arbeiten hat auch Tina Touli, die aus den banalsten Alltagsbeobachtungen und stundenlangen Bastelarbeiten faszinierende Visuals kreiert.

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Das Grafikmagazin 02.26 zeigt, wie sich KI sinnvoll in die Designarbeit integrieren lässt. Zudem bietet diese Ausgabe viele handfeste Tipps für die Arbeit von Designer:innen. Die Ausgabe können Sie hier bestellen, versandkostenfrei (innerhalb der EU).

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Der Band ist eine stilvolle Ergänzung in der Küche. Das edle Hardcover mit riesigem Pilz glänzt durch Eingängigkeit. Im Buch finden sich Kunstwerke von Andy Warhol, Modefotografien und sogar Super Mario. Besonders die Bilder von Bobby Doherty und Ben Toms stechen heraus und finden sich im ganzen Buch. »All Mushrooms are edible, but some only once.« sagte einmal Terry Pratchett. Dieser Band ist immer wieder konsumierbar, denn die opulente Hommage an den Pilz bietet viele geheimnisvolle Geschichten und Rezepte. Im Panorama zwischen Mythos, Medizin und Muse, von Heilritualen zu Haute Cuisine findet jeder eine spannende Erzählung oder ein passendes Rezept —  und das immer wieder.

Im ersten Teil findet sich nicht nur kulinarische Geschichte, sondern auch wissenschaftliche Beiträge über die Giftigkeit von Pilzen, Mythen und Sagen, und ein Artikel über die grafische Welt von Takashi Murakami, der seine Grafiken auch in 3d-Modelle übersetzt. Ganz nach »Form Follows Fungi« wird Möbel- und Modedesign in Verbindung mit Pilzen vorgestellt.

Der Rezeptteil umfasst Vor- und Hauptspeisen, von Klassikern wie Pilzrisotto bis einem Old-Fashion Mushroom-Ketchup oder dem Herstellen von Pilzpulver finden sich kreative Ideen für die herbstliche Küche. Natürlich wird auch mit verschiedenen Sorten gekocht, wie Enoki, Portobello, Shiitake oder Steinpilze.

Mushroom Omelette
(Photography, Bobby Doherty. Food styling, Jamie Kimm. Set design, Noemi Bonazzi)
© 2026 The Gourmand All rights reserved www.thegourmand.co.uk

The Gourmand’s Mushroom. A Collection of Stories and Recipes ist auf taschen.com verfügbar.

Weitere Publikationen finden Sie auf grafikmagazin.de

TASCHEN
The Gourmand’s Mushroom. A Collection of Stories & Recipes
Hardcover, 20 x 27.9 cm, 1,40 kg, 292 Seiten
€40
Taschen.com

links: Wild Chanterelles on Toast (Svamptoast)
(Photography, Bobby Doherty. Food styling, Jamie Kimm. Set design, Noemi Bonazzi)
© 2026 The Gourmand All rights reserved www.thegourmand.co.uk

rechts: Bobby Doherty, Mushroom on Green Plaid Blanket, 2024
© 2026 The Gourmand All rights reserved www.thegourmand.co.uk

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Claudius: Nach vielen Jahren in der Markenarbeit kennt man die Mechanik: Briefing, CI-Guidelines, Abstimmungen. Diese Struktur ist essenziell – aber sie darf nicht zu früh greifen. Denn Kreativität entsteht nicht aus Ordnung, sondern aus Reibung. Wenn Prozesse zu früh dominieren, wird Gestaltung vorhersehbar. Genau hier bringen junge Kolleginnen wie Kathrin einen anderen Zugang ein: weniger Angst vor dem falschen ersten Schritt, mehr Mut zum Unfertigen. Das wirkt manchmal chaotisch, ist aber ein notwendiger Zustand, um neue Bilder, Gedanken und Richtungen überhaupt entstehen zu lassen.

Kathrin: Ich starte bewusst ohne Filter. Am Anfang eines Projekts möchte ich möglichst wenig bewerten und möglichst viel zulassen. Das ist der Moment größtmöglicher Freiheit – und auch der Moment, in dem Ideen entstehen, die man später nicht mehr „herdenken“ kann. Erst im nächsten Schritt wird diese Offenheit kanalisiert. Claudius hilft mir dabei, Ideen zu verdichten, zu schärfen und so zu übersetzen, dass sie zur Marke passen. Diese Klarheit am Ende funktioniert aber nur, weil am Anfang bewusst Unklarheit zugelassen wurde.

Ihre gemeinsame Erkenntnis: Zeitgemäßes Branding braucht klare Dramaturgie. Erst maximale Offenheit und Irritation, später Struktur, Einordnung und Markenkonformität. Nicht alles muss sofort Sinn ergeben – aber am Ende muss alles Sinn machen. Wie beim Fahrradfahren: Wenn Rahmen, Teile und Antrieb zusammenpassen, fährt es sich nicht nur leichter, sondern macht auch mehr Spaß.

Mehr Informationen über BECC finden Sie auf https://www.becc-agency.com/ und mehr über AI gibt es hier zu lesen: Grafikmagazin.de

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For more than two years, Felipe took notes of the phrases that came to his mind at any time, during day or night — even when he was sleeping! He made a list of more than 200 phrases.

The book “Diálogos Ambíguos” (Ambiguous Dialogues) is published by WMF Martins Fontes Editions www.wmfmartinsfontes.com.br

See more about the illustrator Alejandro Magallanes www.alejandromagallanes.com  @magallanes71 and Writer Felipe Taborda http://www.felipetaborda.com.br/en/ @ftaborda.design. You can find another article about illustration and books here: Grafikmagazin.de

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„Schulzeit. Jugend. Rebellion.” T. H. Minh Volls Publikation ist chronologisch in drei Lebensabschnitte unterteilt. Sie werden durch Text, Kalligrafie und Collage-Illustrationen eingeleitet. Besonders das zweite Kapitel, dass eine rebellische Jugend behandelt, zeichnet sich durch eine besondere Gestaltung aus: wilde Kalligrafie trifft hier auf abstrakte Collage-Ausschnitte. Die Anekdoten sind kurze lyrische Texte und in Schwarz-Weiß gehalten.

Seit Mitte 2025 ist die Publikation beim ADC Talent Award auf der Shortlist und wurde mit einem Bronzenagel ausgezeichnet.

Mehr über T. H. Minh Voll finden Sie auf Instagram.com/vollmeng und Instagram.com/westlicherwasserspinat und ein anderes illustriertes Buchprojekt innerhalb des Studiums hier: grafikmagazin.de

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Im sechsten Semester haben die Studierenden in Nürnberg gerade ihr Praktikum hinter sich und stehen kurz vor dem Abschluss. In dieser Zeit sollen sie lernen zu recherchieren, sich selbst Inhalte zu erarbeiten und eigene Blickwinkel zu entwickeln. Markus Lange plante deshalb für seinen Grafikdesign-Kurs, ein Buch zu erstellen, und übertrug den Studierenden die Aufgabe, zum Thema Freiheit eigene Texte zu schreiben und jeweils 16 Seiten zu layouten. »Viele haben Respekt davor, ein ganzes Buch zu gestalten«, sagt Lange, »durch den Kurs wird die Hürde kleiner, weil man gemeinschaftlich an die Sache herangeht.« Aufgaben rund um die Buchproduktion wurden aufgeteilt und somit auf viele Schultern verteilt, ihre eigenen Seiten mussten die Studierenden aber selbst entwickeln und dann auch am Risografen drucken. Nur zwölfmal traf sich die 14-köpfige Gruppe, bis von der ersten Besprechung hin zum Drucken der Seiten ein fertiges Buch entstand. Ein sportlicher Zeitplan, doch Markus Lange lacht nur, im Berufsleben seien die Projektzyklen doch oft wesentlich straffer. Und im Kurs steckte noch so manch anderes ­Learning. Um den Zeitrahmen nicht völlig zu sprengen, durften die Studierenden nur maximal mit zwei Farben drucken – eine Beschränkung, die für viele irritierend war. »Mir war es wichtig«, sagt Lange, »dass die Studierenden vom Vierfarb­denken wegkommen, das sie vom Computer gewohnt sind. Sie sollten erfahren, wie der Druckprozess die Gestaltung beeinflusst.« 

Durch die Limitierungen mussten die jungen Kreativen neue Lösungen finden und machten die Erfahrung, dass auch Zufälle oder Handwerksspuren im Druck zu reizvollen Ergebnissen führen können. Auch in puncto Papier war das Projekt kein Wunschkonzert, gedruckt wurde auf Metapaper Rough Air, das sich für Risografie gut eignet und auch bei der Weiterverarbeitung war man gezwungen, im Budget zu bleiben. »Für Designer:innen ist es wichtig zu merken, dass ihre Entscheidungen Kosten verursachen«, meint der Dozent, doch Beschränkungen seien auch immer eine Chance, kreativ zu werden. 

Am Ende wurden die 14 Studierenden auf jeden Fall reich belohnt mit einem hochwertigen Buch, das ihre eigenen Arbeiten bestens zur Geltung brachte. Und sie hatten erfahren, dass man in der Gestaltung besser vorankommt, wenn man zusammenarbeitet und sich gegenseitig unterstützt. »Es ist schön zu sehen, wenn die Erleuchtung kommt«, erinnert sich Markus Lange, »Design ist einfach Teamsport.«    

Mehr Studierendenarbeiten und einen Schwerpunkt auf Education gibt es in der Ausgabe 02.24 hier: grafikmagazin.de

Auf der Website der TH Nürnberg stehen mehr Infos zum Studiengang Design th-nuernberg.de

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Doch Emily Gelbert war es wichtig, nicht nur zu beschreiben, was passieren könnte. Der Perspektivwechsel – wie er im Titel ihrer Arbeit schon angelegt ist – bedeutet für sie vor allem auch, dass wir lernen müssen, uns dem Klimawandel anzupassen. Die Informationsvermittlung in »Paradigm Shifting« erfolgt sehr minimalistisch und Gelbert setzte neben den Primärfarben Schwarz und Weiß nur wenige Farben ein, die an die sogenannten Warming Stripes angelehnt sind. Für Print entschied sie sich, um durch das haptische Erleben eine stärkere Interaktion und Verbindung mit den Inhalten zu erreichen. Das Buch selbst ist kleiner als A5 und verfügt über rund 80 auf Recyclingpapier gedruckte Seiten. Bei der Schriftwahl setzte die Gestalterin auf die zurückhaltende Acumin Variable Concept und setzte die Wortmarke und die Überschriften in der Ambiguity Radical. »Der Wandel des Klimas ist vielschichtig und radikal – genauso wie es der Kampf sein muss, ihn einzudämmen«, erklärt sie. »Diese vielseitigen Aspekte wollte ich auch mit der Schrift­art deutlich machen.« Auch die Papierwahl unterstützt die Thematik, so erlaubt der Einsatz von Transparentpapieren, zum Beispiel Veränderung und Zusammenhänge einfach zu visualisieren, etwa die Abnahme der Schneedecke. Auch bei der Nummerierung ließ sich Emily Gelbert etwas einfallen, statt Seitenzahlen setzte sie auf einen Countdown, der sich langsam auf zwölf Uhr zubewegt. Das letzte Kapitel endet jedoch nicht um Mitternacht, sondern eine Minute davor – Gelberts Botschaft: Noch können wir handeln.    

Mehr Informationen zum Projekt gibt es auf www.emilygelbert.de 

Der Master »Transformation Design & Print« an der Berliner Hochschule für Technik (BHT) verbindet Nachhaltigkeit und Konzeption. Mehr darüber gibt es hier: grafikmagazin.de

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Unsere Ressourcen sind endlich, trotzdem basiert unser Wirtschaftssystem auf stetigem Wachstum. Man muss nicht Einstein sein, um zu sehen, das kann nicht ewig gut gehen. Doch wie ginge es anders und würden wir dann nicht alle an Wohlstand verlieren? Meike Althaus hat einmal genauer hingeschaut und mit »Die Kurve kriegen« ein unterhaltsames Sachbuch verfasst, bei dem natürlich auch der berühmt-berüchtigte erhobene Zeigefinger nicht fehlen darf.  

Schon während ihres Studiums an der HS Mainz interessierte sich Meike Althaus für gesellschaftspolitische Themen und sah die Bachelorarbeit als Chance an, Neues hinzuzulernen und Spaß an der Sache zu haben. Bei Klimaprotesten war ihr aufgefallen, dass oft der Slogan »System Change, not Climate Change« auftauchte, und auch das Buch »Das Ende des Kapitalismus« der Wirtschaftsredakteurin Ulrike Herrmann brachte die Studentin zum Nachdenken. Wie also könnte eine Welt aussehen, in der Wirtschaftswachstum anders definiert wird? Meike Althaus’ Arbeit ist als Sachbuch angelegt und beschreibt zunächst einmal die Problematik in Form eines Comics. Es folgen Beispiele für alternative Wachstumsbegriffe, die bereits existieren, so zum Beispiel die Donut-Ökonomie in Amsterdam, Buen Vivir in Ecuador oder das Bruttonationalglück in Bhutan. Abschließend bietet »Die Kurve kriegen« noch einen Ausblick auf unser Leben, sollte die Wirtschaft schrumpfen. 

Wichtig war es Meike Althaus, das Thema visuell greifbar zu machen und unterhaltsam darzustellen. Deshalb griff sie zu Illustrationen und nutzte auch den erhobenen Zeigefinger als humoristisches Stilmittel. Die Farbgebung ist satt und wirkt positiv und bei den Schriften achtete Althaus auf gute Lesbarkeit und einen freundlichen Charakter. Die Texte verfasste die Gestalterin bewusst einfach und leicht zugänglich, notwendige Fachbegriffe erklärt ein Glossar am Ende des Bandes. Ein Leineneinband sorgt für haptische Erfahrungen und schafft Wertigkeit und das Format (17 x 23 cm) macht das Buch leicht und handlich. Wissensvermittlung kann auch unterhaltsam sein, davon ist Meike Althaus überzeugt. Weniger Wachstum muss nicht mit einem Verlust an Lebensqualität einhergehen, es kann auch einen Gewinn für unsere Zukunft bedeuten. »Die Kurve kriegen« möchte einladen, über Alternativen nachzudenken, und seine Gestaltung signalisiert: Das kann auch Spaß machen. 

Mehr von Meike Althaus gibt es hier: Instagram.com

Gestaltung ist oft politisch aufgeladen. Die Social Design Day 2025 haben erforscht, wie Design als Werkzeug für gesellschaftliche Transformation genutzt werden kann. Mehr dazu hier: Grafikmagazin.de

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Längst sind Museen weit mehr als ein Raum, in dem man sich Bilder anschaut, denn das kann man inzwischen auch gut online. Ihr Selbstverständnis hat sich geändert, ihr Angebot und vor allem wie sie kommunizieren. Für Kreative eröffnen sich deshalb neue Herausforderungen, aber auch großartige Chancen. In unserem Schwerpunkt »Design für Museen« zeigen wir, worauf es jetzt ankommt und zeigen Best Cases aus aller Welt.

Im Grafikmagazin 01.26 erwartet Sie wieder eine breite Mischung an Designthemen. Mit Fotografien von Sylvester Stallone im Ring und am Set von »Rocky« eröffnet sich eine sehr spezielle Zeitkapsel, ebenso wie mit Illustrationen zu Christa Wolfs Buch »Kassandra«, das heute wieder erstaunlich aktuell ist – damals wie heute sah man das Unheil kommen und wusste doch nicht, wie man reagieren soll. In der Studierendenarbeit »Don’t Blink« ist die Handlungsanweisung klar: Wer versteht, was hinter dem eigenen endlosen Scrollen steckt, möchte nicht mehr manipuliert werden. Wie viel lohnenswerter zum Beispiel das Publizieren von Büchern und Magazinen sein kann, vor allem, wenn die Bedingungen wie in Beirut schwierig sind, zeigt die Arbeit »Ripped«. Warum eine stringente Schriftstrategie für Marken so wichtig sind und worauf man achten sollte, haben Julia Schygulla und Patrick Marc Sommer für das Grafikmagazin 01.26 analysiert und in unserem Fokus geht es um Resilienz und wir präsentieren wertvolle Tipps speziell für Designer:innen.

Grafik+ »Design für Museen«

Immersiv, konkret und verbindend: Auf 20 Seiten präsentiert dieser Schwerpunkt herausragende Studios aus aller Welt, die zeigen, wie zeitgemäße Kommunikation für Museen aussieht. Vom Philadelphia Art Museum, dem dänischen Nationalmuseet bis hin zum MKKD Ingolstadt wird deutlich, dass Museen längst auch in der Stadt eine ganz andere Rolle einnehmen. Und sie sprechen Besucher:innen ganz anders an, sei es durch ein Design, das auch schwere Themen wirkungsvoll vermittelt, bis zu Welten, die mit Wasserfällen oder Gerstenfeldern Produktionsprozesse erlebbar machen. All dies und weitere inspirierende Projekte finden Sie im Grafik+ des Grafimagazins 01.26.

Das Cover

Mother Earth heisst das Cover-Material dieser Ausgabe und tatsächlich vermittelt das Papier eine sehr natürliche Anmutung. Das Material von Gmund wird aus Gras- und Getreideabfällen von bayrischen Mischfeldern produziert und ist sowohl nachhaltig, als auch haptisch ein Erlebnis. Um den den Charakter dieses ungewöhnlichen Papiers zur Geltung zu bringen, wurde es mit zwei Heißfolien von Kurz veredelt, die dem Motiv von Designer Tobias Holzmann zusätzlich Reiz und Tiefe verleihen.
Die Heißprägung wurde von Gräfe Druckveredelung und dem Forum Druckveredelung umgesetzt und die Prägewerkzeuge stammen von Hinderer + Mühlich. 

Der Showroom

Sam Kim gestaltet sowohl in einem koreanischen Stil, als auch auf eine deutsche Art. Mit dem Projekt »Common Imprint« trägt er zudem asiatische Bücher in die Welt hinaus. Die Kalligrafin Petra Wöhrmann schreibt mit dem ganzen Körper und bemalt dabei auch gerne mal Kleider oder Weinetiketten. Und Slavimir Stojanovic ist ein Kreativer mit vielen Talenten, nicht zuletzt Plakatdesign. Das Studio Barath besucht gerne auch mal die Küche eines Restaurants, um ein wirklich treffsicheres Branding abzuliefern, denn die ungarischen Kreativen wissen, dass Design nur dann funktioniert, wenn man den Kontext kennt. 

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Das Grafikmagazin 01.26 zeigt, wie gelungene Gestaltung rund um Museen aussieht. Zudem bietet diese Ausgabe viele handfeste Tipps für die Arbeit von Designer:innen. Die Ausgabe können Sie hier bestellen, versandkostenfrei (innerhalb der EU). 

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Viele von Albrecht Dürers Bildern sind ikonisch, etwa die Betenden Hände, Der Hase oder sein Selbstporträt. Dass sie nach über 500 Jahren noch immer so vielen Menschen bekannt sind, liegt natürlich an Dürers Kunstfertigkeit, es liegt aber vor allem daran, dass er ein Visionär war und seiner Zeit weit voraus. Der XXL-Band »Albrecht Dürer. Sämtliche Gemälde, ausgewählte Zeichnungen und Druckgrafiken« versammelt nicht nur 500 Zeichnungen sowie alle Gemälde des Künstlers, er beschreibt auch die ungewöhnliche Karriere Dürers und welchen Einfluss er auf die Kunst und seine Zeit hatte.

Dürers Heimatstadt Nürnberg erlebte damals ihre Blütezeit und vom Handel und dem Reichtum profitierte auch die Kunst. Doch Albrecht Dürer beschränkte sich nicht darauf, Patrizier und Adlige zu porträtieren, er reiste auch viel und kam so mit dem Humanismus der Renaissance in Berührung, er erlebte die Farben Venedigs mit eigenen Augen und lernte in Italien die Ideale der klassischen Schönheit kennen. All diese Einflüsse interpretierte er neu und übertrug sie auf die Kunst, etwa in seinen Betrachtungen zu Maß und Proportion.

Dass uns die Arbeiten Dürers heute noch begeistern und berühren liegt daran, dass es ihm immer wieder gelang, eine große Intimität herzustellen. Selbst einfache Skizzen zeichnete er so meisterlich, dass sie – wie etwa der Feldhase – seit Jahrhunderten vervielfältigt werden und als Postkarte oder Duck an vielen Wänden hängen. Wie vielseitig Albrecht Dürer war, dass er die Malerei ebenso beherrschte wie die Druckgrafik oder die Zeichnung, wird einem umso mehr bewusst, je mehr man sich in den umfangreichen Band einliest. Und die Lektüre schärft auch das Bewusstsein dafür, was Kunst und Kreativität ausmacht. In Zeiten von KI ist es gut, sich das wieder ins Gedächtnis zu rufen.

»Albrecht Dürer« ist genau das Richtige, um über die Feiertage oder an langen Winterabenden abzutauchen. In den Bildern kann man sich regelrecht verlieren und die Texte vermitteln einem immer wieder Neues über diesen faszinierenden Universalgelehrten.

Albrecht Dürer. Sämtliche Gemälde.
Ausgewählte Zeichnungen und
Druckgrafiken

Christof Metzger, Julia Zaunbauer, Karl Schütz
Taschen Verlag, Hardcover mit Ausklappseiten, 798 Seiten
€ 175
ISBN 97836386(53814631) Deutsch
ISBN 97836386(53814535) Englisch

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Den rechten Weg zu finden – das ist im übertragenen Sinn wie im echten Leben oft nicht so einfach. Mit dem Schwerpunktthema »Leitsysteme« zeigen wir in dieser Ausgabe, wie Design Orientierung schafft und geben Einblick in einen ebenso anspruchsvollen wie vielfältigen Gestaltungsbereich.

Neben dem Fokus auf »Leitsystem« behandelt auch diese Ausgabe wieder ein breites Spektrum an Kommunikationslösungen. Die größte Tageszeitung Finnlands, Helsingin Sanomat, hat beispielsweise ihr komplettes Erscheinungsbild überarbeitet und dabei auf mutige Typografie gesetzt, während der deutsche Fokus behutsam, aber wirkungsvoll modernisiert wurde. In unserer Rubrik »Produktion & Publishing« haben wir wie immer bemerkenswerte Print-Projekte zusammengetragen – von ungewöhnlichen Büchern über coole Give-aways bis hin zu Urnen aus Papier. Im Grafikmagazin 06.25 setzen wir auch unsere Fokus-Reihe über neue Geschäftsfelder fort: Es ist ebenso faszinierend wie ermutigend, auf welche neuen Geschäftsideen Kreative kommen, wenn sie einen Bedarf entdecken.

Grafik+ »Leitsysteme«

Wohl kaum ein Designbereich ist so wichtig und zugleich so unsichtbar, denn ein gutes Leitsystem fällt meist nicht auf, es tut einfach seinen Job. Worauf es ankommt und wie viel Kreativität dennoch möglich ist, zeigen wir in dieser Ausgabe auf 20 Seiten. Vom Krankenhaus und der Fußballarena, bis hin zum Kindergarten, einem Studierendenwohnheim, Schulen oder Bürohäusern – wie Orientierung funktioniert bemisst sich immer an den Bedürfnissen der Nutzer:innen und an den Gegebenheiten vor Ort. Darüberhinaus sind der Kreativität keine Grenzen gesetzt, wie die Beispiele, die wir vorstellen, anschaulich zeigen.

Das Cover

Das Cover-Motiv dieser Ausgabe hat das Designerduo Craig & Karl für uns gestaltet. In ihrem unverwechselbaren Signature Style haben die Gestalter aus New York und London das Thema Orientierung mit einem Augenzwinkern umgesetzt und machen zugleich deutlich, dass Vielfalt immer auch eine Chance beinhaltet.
Als Papier setzten wir das hochwertige Designpapier Munken Polar von Berberich Papier ein, das die Farben und Kontraste des Motivs perfekt zur Geltung bringt. Den Druck setzte F&W Medien für uns im Offset um.

Der Showroom

Im Showroom des Grafikmagazins 06.25 hat uns Ingeborg Schindler von ihren Neuanfängen erzählt und uns verraten, womit sie als Illustratorin Erfolg hatte. Auch die armenische Branding-Agentur Backbone musste Hindernisse überwinden und gehört heute zu den erfolgreichsten ihres Landes. Viel Sportsgeist bekommen wir bald zu sehen, wenn die Olympiade Milano Cortina an den Start geht – wir konnten schon vorab mit der Designdirektorin über den »Look of the Games« sprechen. Und last, but not least berichten wir über Craig & Karl, die Design, Kunst und riesige Installationen zu einer faszinierenden Mischung verweben.

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Das Grafikmagazin 06.25 zeigt, wie gelungene Gestaltung rund ums Storytelling aussieht. Zudem bietet diese Ausgabe viele handfeste Tipps für die Arbeit. 

Das Grafikmagazin 06.25 mit dem Schwerpunkt »Leitsyteme« können Sie hier bestellen, versandkostenfrei (innerhalb der EU).

Mehr zum Thema Design im Raum finden Sie hier …

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»Sei nett zur Maschine, sie lernt noch«

Die inhaltliche Dramaturgie des Tages spannte den Bogen von technologischer Neugier bis zu analoger Rückbesinnung. Liza Enebeis von Studio Dumbar/DEPT schien den Tag mit einem leidenschaftlichen Plädoyer für kreative Verantwortung zu untermauern: KI sei ein Werkzeug, »das wir erst verstehen lernen müssen«, wie sie mit einem Augenzwinkern in ihrer Keynote »For the love of sound and motion« betonte. Zu Projekten ihrer Agentur zählen etwa die visuelle Identität für das van Gogh Museum sowie das Podcast-Projekt Typeradio.org, zusätzlich engagiert sie sich in internationalen Designnetzwerken wie der Alliance Graphique Internationale. Diese Kombination aus Branchenkenntnis und großer Liebe zu einer gestalterischen Bandbreite von strategischem Branding bis Motion Design macht sie zu einer Idealfigur für den Vortrag über KI & Gestaltung – sie verbindet technologischen Ansatz mit dem klassischen Gestalterblick. Ihre Haltung prägte den Grundton der Konferenz: Optimismus statt Angst, Experiment statt Abwehr.

Marina Willer, Partnerin bei Pentagram London, brachte eine tiefere Dimension ins Spiel und plädierte unter dem Titel »More human than ever« fürs Spielen, Experimentieren, das Händische und Kindliche. Als Gestalterin ikonischer Identitäten wie für Tate Modern, Amnesty International, Oxfam oder Rolls-Royce erinnerte sie daran, dass »die Zukunft des Designs stark vom menschlichen Gespür für Kreativität und Vorstellungskraft abhängt – gerade, um KI sinnvoll einzusetzen.« Zudem betonte sie, mit Referenz zu ihrer brasilianischen Herkunft und ihren daraus resultierenden kreativen Ressourcen, sich auf seine einzigartige Perspektive auf die Welt zu verlassen.

Das Herz schlägt noch

Beinahe emotional war die Keynote »Serious Fun.« des Schweizer Gestalters Niklaus Troxler, der als Jazz-Plakatkünstler und Tape-Art-Pionier längst Designgeschichte geschrieben hat; er hatte Typografie/Grafik an der Schule für Gestaltung Luzern studiert, war Art Director in Paris und gründete dann 1973 eine eigene Grafik-Werkstatt in Willisau. Sein Hintergrund im analogen, typografischen Handwerk und seine jahrzehntelange Praxis im Gestalten von grafischen Statements sorgten für eine starke Verbindung zur Debatte um das Unersetzbare, Menschliche im Design: Sein Appell, »auf das Herz zu hören und aus dem Bauch zu arbeiten«, wirkte wie ein poetischer Gegenentwurf zur datengetriebenen Diskussion – und gleichzeitig wie deren notwendige Ergänzung.

Auch Prof. Jochen Rädeker, ehemaliger ADC-Vorstand und Mitgründer von Strichpunkt Design, brachte die Haltung des Tages schon eingangs auf eine treffende Formel: »Wir müssen nicht gegen die KI spielen, sondern mit ihr. Wir sind nicht ihr Gegner, sondern Schiedsrichter.«

Design als »visible strategy«

Um die Frage nach strategischem Design ging es im Panel »Design als Strategie – Zwischen Revolution und radikaler Transformation«, das von unserer stellvertretenden Chefredakteurin moderiert wurde. Corinna Asmus, die bei Beiersdorf die Markenentwicklung von Nivea verantwortet, gewährte Einblicke in die Evolution eines Designklassikers. Die Beratung von Arne Schultchen, Design for Human Nature, versteht Gestaltung als Brücke zwischen Business und Impact – als Katalysator für Veränderung, nicht als deren Dekoration. Und wie sich diese Haltung im Unternehmensalltag durchsetzt, illustrierte Head of Strategy Lisa Krick mit Beispielen aus ihrer Arbeit bei der Markenberatung MetaDesign, die Design als »visible strategy« definierte.

Zwischen den drei Positionen entspann sich schließlich ein aufschlussreiches Gespräch: Wie oft folgt man der Analyse, und wann entscheidet das Bauchgefühl? Während bei manchen Kunden Daten und Konsumentenforschung essenziell für die interne Überzeugungsarbeit sind, betonte etwa Krick, dass wahre Innovation häufig dort beginne, »wo man den Intent konsequent priorisiert.« Das Fazit der Runde: Designer:innen und Strateg:innen brauchen einander für Vision und Reflektion gestalterischer Projekte, erst gemeinsam können sie sinnvoll wirtschaftliche Faktoren, Empathie und Vision verbinden – und sich in der Sprache der Vorstände ebenso sicher bewegen wie in der der Nutzer:innen.

Handwerk trifft Hightech

Überraschend aktuell auf beiden Bühnen: die Renaissance des Handwerks. Tilla Goldberg von der Ippolito Fleitz Group formulierte es so: »So sehr sich die Welt gerade verändert, umso mehr brauchen wir reale Räume und Produkte, die faszinierende Möglichkeitsräume gestalten.« Das Business-Panel mit Walter Knoll und Gaggenau unterstrich wiederum: Handwerk ist kein Gegenpol zur Digitalisierung, sondern kulturelles Kapital.

Und Ina Yamaguchi und Julian Zimmermann von der Stuttgarter Agentur Deutsche & Japaner sprachen ein Problem an, das viele kennen: Bei der heutigen Fülle an Inspiration fällt es schwer, die eigene Lösung zu finden statt fremde zu adaptieren. Lucas Hesse bleibt sich dagegen konsequent treu: »Statt das große Feuerwerk zu zünden, simple Bewegungen auf interessante Art kombinieren.«

Stuttgart als kreativer Hotspot

»Mit der ADC Design Conference haben wir Stuttgart als lebendigen Hotspot für internationale Kreativität etabliert«, resümierte Patrick Amor vom ADC Vorstand. Die Mischung aus internationalen Größen mit lokalen Talenten – die drei Gewinner:innen des »42 x 30 Design Wettbewerbs« wurden vor Ort gekürt – machte die besondere Atmosphäre aus. Die ADC Design Conference 2025 hat gezeigt: Die Designbranche steht nicht vor einem Entweder-oder. Es geht um das Sowohl-als-auch von menschlicher Intuition und maschineller Präzision, von Tradition und Innovation, von Herz und Algorithmus.

Die ADC Design Conference wird im Herbst wieder stattfinden, aktuelle Events finden sich hier, sowie auch der Nachbericht zur diesjährigen Konferenz.

Das Grafikmagazin ist als Medienpartner auch bei der ADC Digital Conference in Düsseldorf dabei, hier Tickets für den 10. November 2025 reservieren.

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Wenn große Suchmaschinen ihre Funktionsweise umstellen und Social-Media-Kanäle ihre Algorithmen verändern, wird es schwerer, gefunden zu werden. Der Bereich »Corporate Publishing« wird für Unternehmen und Marken deshalb immer interessanter, denn so können sie Zielgruppen direkt und oft auch nachhaltiger erreichen. Wir zeigen auf 20 Seiten was möglich ist – digital und im Print.

Auch in dieser Ausgabe erwartet unsere Leser:innen wieder ein spannender Mix an unterschiedlichen Designthemen. Ein Burger-Imbiss aus Paris zeigt, wie eine ungewöhnliche Interpretation von Handlettering eine Marke mit Haltung erschafft und auf den Inseln Föhr und Amrum lernen die Kinder jetzt Friesisch – mit Lehrmaterialien, die frisch, fröhlich und kindgerecht gestaltet sind. In unserer Fotostrecke wird es sinnlich: Elegante Thonet-Möbel machen Lust auf einen Barbesuch und bei den Gerichten von Molly Baz lautete das Credo schlicht »more is more«.
Für ein Mehr plädiert auch Sebastian Löwe. Er erklärt in unserer Rubrik »Design & Research« in welche Richtung sich das Internet seiner Meinung nach entwickeln wir. Er sieht uns auf ein »Empathic Web« zusteuern, indem Interfaces unsere Gefühle erkennen und darauf eingehen werden. Für Designer:innen tut sich hier ein neues und sehr verantwortungsvolles Betätigungsfeld auf.

Grafik+ »Corporate Publishing«

Geschichten zu erzählen wird für Marken und Unternehmen immer wichtiger, um herauszustechen und um Menschen emotional zu erreichen. Eine gute Möglichkeit, um das zu tun, ist der Bereich »Corporate Publishing« und deshalb zeigen wir in unserem Schwerpunkt kreative Ansätze, von Publikationen mit Sammlerwert bis hin zu crossmedialen Content-Strategien. Beim Schreibgerätehersteller Caran d’Ache ist es beispielsweise eine kleine Broschüre mit unterschiedlichen Illustrationen, die Lust aufs Zeichnen macht. Birkenstock feiert sein Jubiläum hingegen mit einem faszinierenden Prachtband, der staunen macht, wie reichhaltig diese Firmengeschichte ist. Selbst wer »Low-Interest-Produkte« verkauft, hat unter Umständen bemerkenswerte Geschichten zu erzählen. Otto Chemie teilt sie seit vielen Jahren in einem Magazin, das Kunden und Vertrieb bis heute lieben und schätzen. Wie man analoge und digitale Kommunikation sinnvoll kombiniert zeigt schließlich das Studio Butik – um nur einige Beispiele aus unserem Schwerpunkt zu nennen.

Das Cover

Auch das Design des Cover spielt mit analoger und digitaler Kommunikation.  »Corporate Publishing ist eine Schnittmenge unterschiedlicher Inhalte«, so die Kreative von 2xgoldstein. »Dazu zählen redaktionelle Beiträge ebenso wie Social-Media-Posts. Die hohe Informationsdichte haben wir durch gezielte Überlagerungen visualisiert.«
Für das das Cover dieser Ausgabe setzten wir enviro card blau von Ovol in der Grammatur 250 g/qm ein. Der hochwertige satinierte Karton besteht zu 100 Prozent aus Recyclingfasern und ist mit dem Blauen Engel und FSC zertifiziert. Bedruckt wurde das Cover von Stainer Schriften und Siebdruck. Das kühle Blau der Siebdruckfarbe steht dabei in spannungsvollem Kontrast zum warmen Papierton und Spotlackierungen sorgen für weitere Akzente.

Der Showroom

Im Showroom dieser Ausgabe stellen wir thekitchen vor, eine Stuttgarter Agentur, die strategisches Denken mit liebevollen Designlösungen verbindet. Gustavo Piqueira gehört zu den renommiertesten Designern Brasiliens und versteht es ebenso, große Marken zu inszenieren, wie Kunstwerke in Buchform zu gestalten. Ein ganz Großer seines Metiers war auch Hans Hillmann. Anlässlich seines 100. Geburtstags erinnern wir an den großartigen Plakatgestalter. Leidenschaftliches Gestalten liegt auch Landor Mailand, wo man nicht nur das Designhandwerk beherrscht, sondern auch große Emotionen.

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Das Grafikmagazin 04.25 zeigt, wie gelungene Gestaltung rund ums Storytelling aussieht. Zudem bietet diese Ausgabe viele handfeste Tipps für die Arbeit. 

Das Grafikmagazin 05.25 mit dem Schwerpunkt »Corporate Publishing« können Sie hier bestellen, versandkostenfrei (innerhalb der EU).
Mehr zum Thema Branding finden Sie hier …

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Vom 22. bis 24. Oktober versammelt das dreitägige Festival Gestalter:innen, Unternehmer:innen und Expert:innen unter dem Motto »Soziale Innovationen gestalten: für alle – mit allen« um hierauf konkrete Antworten zu formulieren. Während der Design Jam am 22. und 23. Oktober bereits restlos ausgebucht ist – hier werden im interaktiven Workshop konkrete Lösungen für den demografischen Wandel entwickelt –, sind für den Vortragstag am 24. Oktober noch Plätze verfügbar – der Eintritt ist übrigens frei.

Unter dem Motto »Soziale Innovationen gestalten: für alle – mit allen« werden die Speaker:innen zeigen: Design kann Gemeinschaft stärken, Teilhabe ermöglichen und neue Formen des Zusammenlebens schaffen. Und da geht es nicht um Theorien, sondern um erprobte Praxis. Um Projekte, die funktionieren. Um Menschen, die beweisen, dass partizipative Ansätze nicht nur ethisch richtig, sondern auch erfolgreich sind.

Einige von ihnen stellen wir hier vor, den gesamten Artikel finden Sie hier auf der Website von bayern design. Das Grafikmagazin ist als Medienpartner vor Ort.

Barbara Lersch – Design als Hebel für gesellschaftlichen Wandel

»Ich gestalte mit bei den Social Design Days, weil es heute wichtiger denn je ist, gemeinsam darüber nachzudenken, wie Gestaltung als Hebel für gesellschaftlichen Wandel wirken kann«, sagt Barbara Lersch, Chief Programme Officer der World Design Capital Frankfurt RheinMain 2026, Grafikmagazin-Leser:innen kennen sie sicher noch aus unserer Ausgabe 03.25 »Festivals & Events«. Sie wird die Veranstaltung mit ihrer Keynote eröffnen – und bringt damit eine internationale Perspektive auf ein lokales Event. Das World Design Capital Programm, das die World Design Organization alle zwei Jahre an Städte vergibt, würdigt den effektiven Einsatz von Design zur Förderung wirtschaftlicher, sozialer, kultureller und ökologischer Entwicklung. Für 2026 fiel die Wahl auf die Region Frankfurt RheinMain – unter dem Motto »Design for Democracy. Atmospheres for a better life«. Lersch kuratiert ein ganzjähriges Programm, das zeigt, was Design konkret bewirken kann. Was sie an Gestaltungsprozessen schätzt: »Sie ermöglichen Teilhabe, lassen verschiedene Perspektiven zu und tragen somit Sorge für nachhaltige Lösungen, sind bestenfalls ergebnisoffen und somit flexibel, um auf kurzfristige Herausforderungen zu reagieren. Soziale Innovation und Gestaltung ist somit ein ›perfect match‹.«

Auf die Social Design Days freut sie sich besonders: »Die Social Design Days in Nürnberg haben sich als wichtige Plattform für Social Design in Deutschland etabliert. Ich freue mich auf den fachlichen Austausch, das Wiedersehen mit engagierten Akteur:innen und spannenden Projekten. Gerade für ein Feld wie Social Design, das noch mehr Sichtbarkeit, Diskurs und konzeptionelle Schärfung braucht, sind solche Veranstaltungen von besonderer Bedeutung.«

Katja Meinecke-Meurer – Wenn Wissen alle erreichen soll

»Gestaltung macht einen Unterschied, wenn sie Menschen mitdenkt, die sonst leicht übersehen werden.« Katja Meinecke-Meurer, Geschäftsführerin des Tessloff Verlags, spricht aus, was Social Design im Kern bedeutet: die bewusste Entscheidung, niemanden zurückzulassen. Was bedeutet das konkret? »Für uns bedeutet das, Kindern den Zugang zu ermöglichen – zu Themen, die relevant sind, zu Sprache, die sie erreicht, und zu einer Welt, an der sie aktiv teilhaben können. Gute Gestaltung eröffnet Spielräume und macht Mut, sich selbst als Teil der Gesellschaft zu erleben.« Die Herausforderungen sind vielfältig: Wie erklärt man Klimawandel, ohne zu moralisieren? Wie macht man Vielfalt sichtbar, ohne zu kategorisieren? Wie schafft man Bücher, die nicht nur bildungsbürgerliche Haushalte erreichen?

»Als Kindersachbuchverlag machen wir Kinder stark für die Zukunft, fördern ihre Neugier und helfen ihnen, ihre Welt zu verstehen. Was uns antreibt: Inhalte und Formate auf Kinderaugenhöhe, die nicht nur Wissen vermitteln, sondern Charaktere stärken.« Der Verlag arbeitet heute mit wissenschaftsbasierten Analysemodellen zur Messung der Klimawirkung und hat eine umfassende Nachhaltigkeitsstrategie entwickelt.

Auf die Social Design Days freut sie sich »auf den Austausch mit Menschen, die die Zukunft kooperativ gestalten wollen – denn nur so wird es funktionieren.« Ihre These: Echte Teilhabe beginnt mit dem Zugang zu Wissen – und der muss für alle gelten, besonders für die Jüngsten.

Benedikt Buchmüller – Architektur als Einladung

Ein Raum ist nie neutral. Diese Erkenntnis hat Benedikt Buchmüller zum Fundament seiner architektonischen Praxis gemacht. Als Architekt bei der Initiative »Halle für alle« verwandelt er die Frage »Wem gehört die Stadt?« in konkrete bauliche Antworten. »Halle für alle« ist mehr als ein Bauprojekt – es ist ein gesellschaftliches Experiment. In einer Zeit, in der öffentliche Räume immer stärker kommerzialisiert werden, schafft Buchmüller Orte, die bewusst allen gehören. Sein Ansatz ist radikal partizipativ: Statt über Menschen zu planen, plant er mit ihnen. Seine Bauprozesse werden zu Demokratie-Workshops.

Seine Erfahrung spricht eine klare Sprache: »Persönlich habe ich in vielen Projekten die Erfahrung gemacht, dass gemeinschaftlich gestaltete partizipative Projektideen besser angenommen werden und mehr Beteiligung stattfindet als bei top down Ideen.« Doch dieser Ansatz fordert auch die Gestalter:innen selbst heraus: »Beruflich konnte ich da aber auch immer wieder feststellen, dass man als beruflicher Gestalter auch mal loslassen muss und Gruppenakteuren Freiräume einräumen muss.«

Buchmüller entwickelt Formate, die Sprachbarrieren überwinden, ökonomische Unterschiede ausgleichen und verschiedene Formen des Wissens – vom Expertenwissen bis zur Alltagserfahrung – gleichberechtigt einbeziehen. Auf die Social Design Days freut er sich »auf den fachlichen und interdisziplinären Austausch mit Kulturdesignschaffenden« – denn partizipative Ansätze leben vom Austausch über Disziplingrenzen hinweg.

Johannes Ehrnsperger – Pionier der partizipativen Ökonomie

Seit über drei Jahrzehnten beweist Johannes Ehrnsperger eine These, die lange als naiv galt: Nachhaltigkeit und Wirtschaftlichkeit sind nicht nur vereinbar – sie verstärken sich gegenseitig. Als Mitglied der Geschäftsleitung der Neumarkter Lammsbräu hat er das oberpfälzische Familienunternehmen zu einem der innovativsten nachhaltigen Betriebe Deutschlands gemacht sowie zu einem Experimentierfeld für partizipative Wirtschaft: Ein Unternehmen, das seine Stakeholder – von Landwirt:innen über Mitarbeiter:innen bis zu Kund:innen – systematisch in Entscheidungsprozesse einbezieht. Das Ergebnis ist ein Geschäftsmodell, das sozialen und ökologischen Impact nicht als Kostenfaktor betrachtet, sondern als Innovationstreiber.

Was bedeutet soziale Innovation konkret? Für Ehrnsperger ist die Antwort in den Unternehmenswerten verankert: »›Fürsorglich‹, als einer unserer Unternehmenswerte, ist bei uns für soziale Innovation besonders handlungsleitend. So übernehmen wir auf immer wieder neue Weise Verantwortung für Mensch und Natur.« Dieser Ansatz ist nicht statisch, sondern lebendig – er fordert das Unternehmen heraus, kontinuierlich neue Wege zu finden. »Ich freue mich am meisten auf die Inspiration, wie viele Facetten von Gestalten in einem sozial-nachhaltigen Sinn es geben kann«, sagt Ehrnsperger über die Social Design Days.

Nick Potter – Design als kollektive Intelligenz

Was passiert, wenn Design nicht mehr die Antwort auf eine Frage ist, sondern die Methode, um bessere Fragen zu stellen? Nick Potter, Mitgründer des studio formagora, verkörpert einen experimentellen Ansatz, der Design als kollektives Forschungstool begreift. Für ihn ist Design keine individuelle Kreativleistung, sondern eine Form der gemeinsamen Wissensproduktion.

Das interdisziplinäre Studio erforscht an der Schnittstelle von Design, Wissenschaft und Gesellschaft neue Formen der Zusammenarbeit. Potters These: Die komplexen Herausforderungen unserer Zeit lassen sich nicht von einzelnen Expert:innen lösen. Sie erfordern neue Formen der kollektiven Intelligenz, in denen unterschiedliche Wissensformen und Perspektiven produktiv zusammenkommen.

Dabei nimmt Potter bewusst eine Gegenposition zum gängigen Innovationsdiskurs ein: »Persönlich und beruflich versuche ich eine kritische Haltung zum Thema ›Innovation‹ einzunehmen. Ich denke, dass viele Herausforderungen und Probleme unserer Zeit nicht mit einem ›Mehr‹, nicht mit dem Modus des Neuen, nicht mit Marktmechanismen zu lösen sind. Wir suchen viel nach Lösungen in dem Bestehenden, in dem Vergangenen und in einem ›Weniger‹.« Für studio formagora wird Design zum Medium der Verständigung – durch Prototyping, Visualisierung und experimentelle Ansätze entstehen neue Möglichkeiten des gemeinsamen Denkens und Handelns.

Eli Perzlmaier und Marta Bielik – Geschichten, die verbinden

Social Design findet nicht nur in Produkten, Räumen oder digitalen Interfaces statt – sondern auch in der Art, wie wir miteinander sprechen. Mit Eli Perzlmaier und Marta Bielik moderieren zwei Frauen die Social Design Days, die selbst verkörpern, worum es geht: die bewusste Gestaltung von Begegnungen, die Menschen stärken und neue Möglichkeiten eröffnen.

»Unsere Welt braucht gerade Kreativität, Ideen und Offenheit für neue Perspektiven.« Eli Perzlmaier weiß, wovon sie spricht. Seit fast drei Jahrzehnten entwickelt sie als Geschichtenerzählerin, Story Coach und Markenberaterin Narratives, die Menschen bewegen und verbinden. Doch ihre eigentliche Expertise liegt in etwas anderem: Sie erschafft Räume, in denen Transformation möglich wird.

Vor zehn Jahren gründete Perzlmaier eine internationale Community für Frauen – nicht als Netzwerk im klassischen Sinne, sondern als Labor für kollektive Veränderung. Seit elf Jahren engagiert sie sich bei TEDx München und hat dabei erfahren, wie kraftvoll es ist, wenn Menschen ihre Visionen nicht nur entwickeln, sondern auch sichtbar machen.

»Ich freue mich auf die besondere Energie, die entsteht, wenn Menschen sich zusammentun, um gemeinsam zu überlegen, wie unsere Zukunft menschlicher und lebenswerter wird«, beschreibt sie ihre Motivation. Perzlmaier ist nicht nur Moderatorin – sie verkörpert das Grundprinzip der Veranstaltung. Als Story Coach versteht sie, dass jede Geschichte das Potenzial hat, Perspektiven zu verändern und Handlungen auszulösen.

»Wenn wir Räume schaffen, in denen Menschen sich gesehen fühlen, verändern wir die Welt Stück für Stück.« Marta Bieliks Geschichte ist eine von Brücken: Von Warschau nach Landshut, von einer Flüchtlingsunterkunft zu internationalen Projekten in Beirut, von persönlicher Erfahrung zu professioneller Expertise. In ihrer Rolle bei den Social Design Days bringt sie genau diese Sensibilität in die Co-Moderation: Sie sorgt dafür, dass nicht nur gesprochen wird, sondern gehört wird. Dass nicht nur analysiert wird, sondern echt begegnet wird. Gemeinsam mit Eli Perzlmaier gestaltet sie Dialogräume, in denen unterschiedliche Stimmen produktiv aufeinandertreffen.

Social Design Days 2025
24. Oktober 2025, 10:00–17:00 Uhr
IHK Nürnberg für Mittelfranken, Hauptmarkt 25/27, 90403 Nürnberg
Kostenfreie Anmeldung unter: eventbrite.de

Die Social Design Days Nürnberg werden von der IHK Nürnberg für Mittelfranken gefördert und unterstützt. Medienpartner sind CURT und Grafikmagazin.

Partner: WDC 2026, UrbanLab, Senioren Amt Stadt Nürnberg – Seniorentreff Bleiweiß, Social Entrepreneurship Akademie, Anders Gründen

Hier gehts zum ganzen Artikel mit allen Talk-Speaker:innen.

Alle Infos zum Design Jam.

Das gesamte Programm der Social Design Days 2025.

Mehr zur Arbeit von bayern design.

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Rund 300 Kreative, Druckexpert:innen und Entscheider:innen aus Unternehmen und Agenturen folgten unserer Einladung zur Druck und Design Konferenz 2025, um gemeinsam zentrale Fragen zu erkunden: Welche Rolle spielt Print in einer Welt, in der Algorithmen Inhalte generieren und KI Marken mitgestaltet? Und wie kann Print als Medium Vertrauen schaffen wenn es zunehmend zur umkämpften Ressource wird? Die Antwort, die sich durch den gesamten Tag zog, war eindeutig: Print stiftet Vertrauen – gerade weil es greifbar, substanziell und authentisch ist. Genau diese Qualitäten machen gedruckte Medien in einer zunehmend digitalen, KI-gesteuerten Welt relevanter denn je.

Alle Fotos: © Burke Akademie

Ein Format, das inspiriert und vernetzt

Das Besondere am Konzept unserers Konferenzformats: nicht nur informieren, sondern echten Austausch ermöglichen. Nach der Begrüßung durch Christian Meier, Grafikmagazin-Geschäftsführer, sowie Holger Busch, Hauptgeschäftsführer des Verbandes Druck und Medien Bayern, bot die Mischung aus Keynotes am Vormittag und interaktiven Work-Panels am Nachmittag den Teilnehmenden die Möglichkeit, zunächst große Perspektiven kennenzulernen und diese dann in kleineren Gruppen zu vertiefen – im direkten Gespräch mit führenden Köpfen der Branche. Die Location – Die Macherei München mit ihrem kreativen, inspirierenden Ambiente – erwies sich wieder als perfekte Kulisse für einen Tag voller Begegnungen auf Augenhöhe.

Keynotes: Vier Perspektiven auf Print und Vertrauen

Philipp Brune: Identität als größte Superpower

Den Auftakt machte Philipp Brune, CEO der renommierten Branding- und Designagentur Strichpunkt, mit seiner Keynote über Markenidentität im KI-Zeitalter. Seine zentrale These: »Identität ist die größte Superpower eines Unternehmens – und Print ein Medium, das sie sichtbar und spürbar macht.« Brune plädierte dafür, Transformation als Gestaltungsaufgabe zu verstehen. Mit Beispielen aus seiner Arbeit für Audi, Deutsche Bahn, Bucherer und Vorwerk zeigte er eindrücklich, wie Marken in Zeiten künstlicher Intelligenz Glaubwürdigkeit durch analoge Erlebnisse festigen können. Dabei sensibilisierte er die Gäste für zwei entscheidende Fragen: Was sich in Zukunft ändern wird (und was eher nicht). Denn gerade die zweite Frage wird laut Brune oftmals nicht in die strategischen Überlegungen miteinbezogen. Seine Botschaft: Im KI-Zeitalter gewinnen authentische, menschlich gestaltete Markenbegegnungen an Bedeutung, statt sie zu verlieren.

Magnus Gebauer: Print als Antwort auf die Echtzeitkultur

Magnus Gebauer, Teamlead im MedienNetzwerk Bayern, beleuchtete als erfahrener Trendforscher die gesellschaftlichen Entwicklungen im Umgang mit künstlicher Intelligenz und Informationsflut. Laut Gebauer ein großer Vorteil für Print: »Menschen suchen nach Regeneration, Orientierung und vor allem nach Vertrauen. Genau das bietet Print, wenn es Haltung zeigt und eine hohe redaktionelle Qualität aufweist.« Während sich die digitale Kommunikation immer mehr beschleunigt, wächst paradoxerweise das Bedürfnis nach Entschleunigung und Beständigkeit. Print erfüllt genau dieses Bedürfnis und schafft Momente der Konzentration – eine Qualität, die in der Echtzeitkultur des Digitalen zunehmend fehlt und damit umso wertvoller wird.

Sabine Cole: Gestaltung als demokratischer Akt

Prof. Sabine Cole von der HAWK Gestaltung Hildesheim zeigte in ihrem Vortrag, wie Gestaltung als demokratischer Akt wirken kann. Am Beispiel ihres Projekts »Der Koalitionsvertrag als Magazin«, das sie mit Verleger Oliver Wurm und einer Gruppe Studierenden in Rekordzeit umsetze, machte sie deutlich, dass Gestaltung komplexe politische Inhalte transparent vermittelbar und greifbar machen kann. Den Koalitionsvertrag als hochwertiges Printprodukt an den Kiosk zu bringen, ist für Cole ein Ausdruck des Respekts vor demokratischer Arbeit – aber vor allem eine Brücke zwischen Politik und Bürger:innen. »Vertrauen funktioniert nur, wenn es gegenseitig gelebt wird«, fasste Cole zusammen. Ihre Botschaft an die Designer:innen von morgen: Sie gestalten die Zukunft im wahrsten Sinne des Wortes mit und können durch ihre Arbeit demokratische Werte und das Vertrauen in den Rechtsstaat stärken.

Maren Martschenko: Klein, stark, konzentriert

In einer Abschluss-Keynote machte sich die Markenberaterin Maren Martschenko, die für Dirk von Gehlen eingesprungen war, dafür stark, Marken bewusst zu begrenzen, auch in Sachen Gestaltung – getreu dem Motto: »Eine Marke sollte sein wie ein Espresso: Klein, stark und konzentriert – aufs Wesentliche und Wirksame.« Sie zeigte auf, dass Design vielfältige Aufgaben erfüllt, die weit über die eigentliche Gestaltung hinausgehen und tief in den Strategieprozess einer Marke hineinreichen. Ihre Keynote rundete den Vormittag mit einem klaren Plädoyer für Fokussierung und Mut zur Reduktion ab – Qualitäten, die gerade im Print ihre Stärke ausspielen können.

Work-Panels: Inspiration trifft Praxis

Das Herzstück der Nachmittagssession bildeten die Work-Panels, in denen die Teilnehmenden in kleineren Gruppen direkt mit Expert:innen ins Gespräch kamen.

Marco Bölling, Geschäftsführer der Bölling GmbH & Co KG, stellte provokant die Frage: Ist Goethes Erkenntnis »Was man schwarz auf weiß besitzt, kann man getrost nach Hause tragen« noch zeitgemäß? Seine Antwort, unterfüttert mit Einblicken in die Arbeit seiner auf feine Papiere und klassische Druck- und Veredelungstechniken spezialisierten Druckerei: Ja – gerade heute! »Print schafft Vertrauen – gerade, weil es beständig ist«, so Bölling. Die Unveränderlichkeit gedruckter Information, ihre physische Präsenz, schafft eine Dimension von Vertrauen, die digital nicht zu ersetzen ist. Nicht umsonst florieren Manufakturen und Handdruckereien.

»Gegen die Beliebigkeit – wie Marken spürbar werden« lautete der Titel des gemeinsamen Panels von Kerstin Denzler (Geschäftsführerin effektiv Druck+Veredelung) und Lars Schrodberger (Creative Director, Tabula Rasa Hamburg). Die beiden zeigten an konkreten Beispielen, wie strategische Markenentwicklung und hochwertige Produktion zu spürbarem Vertrauen verschmelzen. Ihre Formel: Strategische Markenentwicklung + Hochwertige Produktion = Vertrauen zum Anfassen. Die Überzeugung der beiden: Design schafft den Raum für Vertrauen, hochwertige Produktion macht Markenbotschaften erlebbar. Das Panel war ein eindringliches Plädoyer für bewusste Partnerschaften zwischen Agenturen und Druckereien – und dafür, dass Vertrauen entsteht, wenn Kreativität auf handwerkliche Präzision trifft. In einer übersättigten Medienwelt führt der einfachste Weg zur Unsichtbarkeit – die beiden zeigten, wie Marken entstehen, die nicht nur gesehen, sondern gefühlt werden.

»Was Print kann, können wir schon lange! – Was die Designbranche im Kontext von KI, von der Druckbranche lernen kann«, lautete die These von Thorsten Kinnen, Business Development Manager Commercial Printing bei Konica Minolta und Initiator von WE.LOVE.PRINT. Er rückte die Parallelen zwischen Design und Druckindustrie in den Fokus, gerade auch in Bezug auf die Herausforderungen im KI-Zeitalter. Seine Botschaft: Die Druckbranche hat bereits mehrere technologische Umbrüche gemeistert und dabei gelernt, dass Automatisierung und Handwerk keine Gegensätze sind, sondern sich ergänzen. „Die Designbranche kann vom Druck lernen, wie man Vertrauen materialisiert“, machte Kinnen deutlich und verwies auf die vielfältigen Projekte der Brancheninitiative WE.LOVE.PRINT.

Der vielfach ausgezeichnete Designer und Creative Director Denis Widmann führte die Teilnehmenden in die Welt taktiler Erlebnisse ein. Mit seiner über 16-jährigen Erfahrung in Markenentwicklung und Markenkommunikation sowie seiner Arbeit für Kunden wie Adobe und Campari demonstrierte er, wie seine Philosophie zu Marken führt, die nicht nur gesehen, sondern gefühlt werden. Seine Arbeit verbindet deutsche Präzision mit britischer Kreativität – Konzept und Handwerk, Digitales und Physisches. Mit tiefem Fachwissen in den Bereichen Print, Materialität und hausinterner Prototypenentwicklung sorgt Widmann dafür, dass jede Idee Substanz hat – und Bestand.

Petra Wöhrmann, Diplom-Kommunikationsdesignerin, Künstlerin und Kalligrafin sowie ehemalige 1. Vorsitzende der Typographischen Gesellschaft München, entführte die Teilnehmenden in die Welt der Kalligraphie und des Lettering. Nach vielen Jahren als Artdirektorin im Corporate Design jongliert sie heute mit Buchstaben – digital, aber besonders gerne analog in ihrem Münchner Atelier. Ihre Arbeit, besonders im Luxusmarken- und Fashion-Bereich, zeigt, wie analoge Schriftgestaltung als bewusster Gegenpol zur digitalen Uniformität wirken kann: »Ich habe mir hier eine wunderbare Nische gefunden«, erzählt sie von ihrer beeindruckenden Reise, die viel von kreativer Intuition und persönlichem Wachstum geprägt war. Ihr Panel inspirierte die Teilnehmenden, neu über die Potenziale handgeschriebener Elemente in der Markenkommunikation nachzudenken – und sich einen eigenen Platz zu schaffen, in dem sich ungeahnte Potenziale verwirklichen lassen.

Ausstellung & Begegnung: Papierinnovationen zum Anfassen

Begleitend zum Konferenzprogramm präsentierten sich zahlreiche Aussteller mit Papierinnovationen, Druckveredelungen und kreativen Printprojekten im Ausstellungsbereich der Macherei. Als Premiumpartner waren Carl Berberich GmbH, Gmund Papier, LEONHARD KURZ und OVOL Papier Deutschland GmbH vertreten.

Als Aussteller zeigten sich Antalis, Arctic Paper, Butz & Bürker, Fedrigoni Special Papers, Forum Druckveredelung, Fujifilm, F&W Druck & Mediencenter, IGEPA, KONICA MINOLTA, Lenzing Papier GmbH, multi-druck, RUDOLPH DRUCK, THE PAPER FAMILY und WE.LOVE.PRINT. Hier entstand eine lebendige Atmosphäre, in der Designer:innen, Drucker:innen und Materialexpert:innen ins Gespräch kamen, Muster begutachteten und neue Möglichkeiten für ihre Projekte entdeckten.

Fazit: Print schafft Vertrauen

Viele Teilnehmende betonten am Abend, dass sie nicht nur fachlich inspiriert, sondern auch persönlich bereichert nach Hause gingen. Die Mischung aus theoretischen Impulsen und praktischen Einblicken, aus großen Perspektiven und konkreten Lösungsansätzen hatte genau das erreicht, was wir uns erhofft hatten: eine Konferenz, die verbindet. Der rote Faden des Tages – »Print als Vertrauensmotor im Zeitalter der Künstlichen Intelligenz« – erwies sich als tragfähig und zukunftsweisend. In einer Zeit, in der KI-generierte Inhalte die digitale Welt durchdringen, gewinnen greifbare, menschlich gestaltete Medien an Bedeutung. Print steht für Substanz, Glaubwürdigkeit und Nähe – Werte, die heute und in Zukunft mehr denn je zählen.

»Die Druck und Design ist ein Ort, an dem sich kreative Köpfe aus Design, Technik und Wirtschaft auf Augenhöhe begegnen«, sagt Christian Meier, zum Abschluss der Veranstaltung. Mit einem inhaltlich wie atmosphärisch gelungenen Veranstaltungstag bestätigte die Konferenz ihren Ruf als führendes Branchenevent im deutschsprachigen Raum. Die Druck und Design 2025 hat gezeigt: Wenn Kreativität auf erstklassige Drucktechnik trifft, wenn Designerinnen und Druckexpertinnen auf Augenhöhe zusammenarbeiten, entstehen starke Markenbotschaften, die nicht nur gesehen, sondern gefühlt werden. Print verbindet – erfolgreich, kreativ und nachhaltig.

Wir danken allen Teilnehmenden, Speaker:innen, Partner:innen und Aussteller:innen für diesen besonderen Tag!

Über die Druck und Design Konferenz

Die Druck und Design Konferenz ist eine Initiative von Grafikmagazin und dem Verband Druck und Medien Bayern e. V. (VDMB). Alle zwei Jahre vernetzt sie Fachleute aus Druck, Design, Agenturen und Industrie und bietet eine Plattform für Wissenstransfer, Inspiration und Branchendialog. Die nächste Ausgabe ist für 2027 geplant.

Weitere Informationen unter druckunddesign.org

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Hara ist auf vielen Gestaltungsgebieten tätig. So ist er seit 2001 Art Director bei Muji und entwarf die Programme für die Eröffnungs- und Abschlussfeiern der Olympischen Winterspiele 1998 in Nagano. Außerdem schuf er, neben vielen anderen Designprojekten, die offiziellen Plakate für die EXPO 2005 in Aichi, das Orientierungssystem für das Umeda-Krankenhaus, das Corporate Design des Kunstmuseums der Präfektur Nagasaki und das neue Design für das Kaufhaus Matsuya in Ginza. Im Jahr 2008 arbeitete Hara für das Herrenparfüm Kenzo Power mit dem Modelabel Kenzo zusammen, um nur einige Aufgaben aus seinem reichen Schaffen zu nennen. Entsprechend vielfältig sind die ausgewählten Beispiele, denn der Prozess des Skizzierens und Zeichnens mit der Hand hat für ihn immer eine bedeutsame Rolle gespielt. 

Das beginnt in der Frühzeit seiner Karriere: Nach dem Studium an der Musashimo Art University wollte er unbedingt in das Studio von Eiko Ishioka. Sie war in den frühen 1980er-Jahren nicht nur eine herausragende Figur für Mode und kommerzielle Werbung in Japan, sondern offenbar auch eine unerbittliche, von Hara aber sehr geschätzte Lehrmeisterin. Sie legte großen Wert auf Illustration, das blieb für ihn nicht ohne Folgen. So finden sich in »Draw« zu Beginn kunstreiche, teils hochkomplexe Ornamente – wertvolle Fingerübungen für seine späteren Entwürfe. Doch ebenso sind zahlreiche Varianten für Etiketten und Flaschen vertreten sowie Modellzeichnungen für Ausstellungsgebäude und ganze Häuserareale. Teilweise sind die gezeigten Ideen verblüffend, lassen aber vor allem den einfallsreichen Schaffensprozess erahnen, der schließlich zu ikonischen Ergebnissen geführt hat. Für Kenya Hara soll dieses Buch die nächste Generation von Kreativen inspirieren und ist durchaus als Plädoyer für eine Rückkehr zu analogen Prozessen im Design zu verstehen. Skizzieren und Zeichnen mit der Hand kann die gewohnte Entwurfsarbeit am Computer wirkungsvoll fördern und ergänzen, das beweist »Draw« überzeugend.

Text: Herbert Lechner

Kenya Hara: Draw
Lars Müller Verlag, 2025
352 Seiten mit rund 720 Illustrationen. Text in Englisch
ISBN: 978-3-03778-761-8
60,– Euro

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