Design ist längst mehr als reine Ästhetik – es ist die transformative Kraft für unsere Zukunft. Am 10. September kommen Designer:innen, Führungskräfte und Vordenker:innen auf der FORM / FUTURE zusammen, um zu diskutieren, wie Design den systemischen Wandel in Wirtschaft, Gesellschaft und Politik vorantreiben kann.

Die Konferenz richtet sich an alle, die mit Transformation zu tun haben: Unternehmen, die Strukturen neu denken. Designer:innen, die strategisch wirken wollen. Institutionen, die nach neuen Formen der Zusammenarbeit suchen. Mit Keynotes, Cases und Panels schafft die FORM / FUTURE einen Raum, der neue Prozesse und anwendbare Werkzeuge ins Zentrum stellt.

Zum 20-jährigen Jubiläum von Berlin als UNESCO City of Design ist die FORM / FUTURE in diesem Jahr kostenfrei.

Unsere Welt verändert sich gerade grundlegend – in Unternehmen, in Prozessen, in unserem Zusammenleben. Organisationsstrukturen, die jahrzehntelang funktionierten, stehen zur Debatte. Werte, auf die wir uns verlassen haben, werden neu verhandelt. Für Design ist Veränderung alltägliche Aufgabe. Designer:innen und Design- Manager:innen sind wertschöpfend in sämtlichen Industrien tätig und begleiten Innovation und Zukunftsgestaltung disziplinübergreifend, indem sie Brücken bauen zwischen Marken, Produkten und Menschen. Sie gestalten damit neue Geschäftsmodelle, Erlebnisse und unsere Umwelt maßgeblich mit. Am 10. September kommen Designer:innen, Führungskräfte und Vordenker:innen auf der FORM / FUTURE in Berlin zusammen, um zu diskutieren, wie Design den systemischen Wandel in Wirtschaft, Gesellschaft und Politik vorantreiben kann. Keynotes, Panels und Sessions widmen sich den Fragen, die unsere Zukunft prägen – auf Deutsch und Englisch.

Bereits angekündigt sind unter anderem Alice Rawsthorn, Anaïs Guillemané Mootoosamy, Daniel-Jan Girl, Dara Sepehri, Dr. Corinna Kühnapfel, Felix Kosok, Robin Auer, Sylvia Schenk und weitere spannende Persönlichkeiten.
Ein vielseitiges Programm für alle, die Design nicht nur gestalten, sondern Zukunft mitdenken wollen.

Die Konferenz richtet sich an alle, die Transformation gestalten: Unternehmen und Führungskräfte, die Strukturen neu denken. Designer:innen, die strategisch wirken wollen. Institutionen, die nach neuen Formen der Zusammenarbeit suchen. Und alle, die Wandel nicht verwalten, sondern gestalten wollen. Mit spannenden Keynotes, inspirierenden Cases, packenden Panels und Pop-up-Erlebnissen schafft FORM / FUTURE einen Begegnungsraum und ein Programm, das neue Prozesse und anwendbare Werkzeuge ins Zentrum stellt.

Die Veranstaltung findet am ehemaligen Flughafen Tempelhof statt – einem Ort des Wandels, der zugleich Geschichte, Gegenwart und Zukunft Berlins verkörpert.
Nach der Premiere im ICC Berlin im vergangenen Jahr zieht FORM / FUTURE damit an einen Ort, der kaum ambivalenter sein könnte: eines der größten Baudenkmäler Europas, mitten in der Stadt und heute lebendiger Treffpunkt für Veranstaltungen, Begegnungen und gesellschaftlichen Austausch.

Tempelhof steht für Veränderung – für neue Interessen und Lebensweisen, für kulturellen Wandel, Infrastruktur und Klimafragen, aber auch für Kontroversen und unterschiedliche Perspektiven. Gerade dieser unvollendete und vielschichtige Charakter macht den Ort zum idealen Schauplatz für das diesjährige Motto „Prozess & Prinzipien“.
Im September wird der ehemalige Flughafen für einen Tag zur Ideenschmiede, zum Erlebnisraum und zur Plattform für Dialog und Austausch – mitten im Herzen Berlins.

2026 feiert Berlin 20 Jahre als UNESCO City of Design, als erste ausgezeichnete Stadt Europas. FORM / FUTURE ist Teil dieses Jubiläums. Als Format, das zeigt, was ein erweiterter Designbegriff in Wirtschaft, Gesellschaft und Politik leisten kann.

Veranstalter:
FORM ⁄ FUTURE ist eine Initiative im Rahmen von Berlins Auszeichnung als UNESCO City of Design. Finanziert durch die Senatsverwaltung für Wirtschaft, Energie und Betriebe I Umgesetzt von Berlin Partner I Kuratiert von 3STN

Datum: 10.09.2026 von 9 bis 18 Uhr

Veranstaltungsort: Flughafen Tempelhof Berlin, Haupthalle, Platz der Luftbrücke 5, 12101 Berlin

Alle Informationen zum Programm und die Tickets finden Sie unter formfuture.berlin.

Visual: © 3STN.

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In den vergangenen Jahren beging das Annecy-Trickfilmfestival, seines Zeichens das weltweit größte und bedeutendste Stelldichein für Filmschaffende der analogen und digitalen Animation, mehrere Jubiläen und runde Geburtstage seiner vielen Wettbewerbe, Awards, Workshops und der angeschlossenen Trickfilm-Messe MIFA. Diesmal feierte dort ausschließlich die britische Knetanimations-Schmiede Aardman ihren 50. Geburtstag – mit großer Konferenz und Trailer in jedem Programm. Waren im letzten Jahr Anfang Juni über 17.000 Professionelle in der gesamten Festival-Woche in der idyllischen mittelalterlichen Stadt in den französischen Alpen zu Besuch, pilgerten 2026 (diesmal wegen des G7-Gipfels in Annecy drei Wochen nach hinten verschoben) über 20.000 Trickfilm-Interessiere hierher. Einer der vielen Festival-Besucher in der Trickfilm-Hauptstadt war unser Autor Jürgen Keuneke.

Während des diesjährigen Annecy-Festivals wurde im Stadtzentrum das neue ganzjährig für Besucher geöffnete Trickfilm-Institut »Cité Internationale du Cinema d’Animation« offiziell eröffnet, das Festivaldirektor Jean schon auf dem Event 2025 angekündigt hatte. Ausgewählte Besucher durften dabei vor einem Jahr schon die Baustelle besichtigen. Diesmal machten die Tore des neuen Zentrums nun für alle Festival-Goer auf! Im neuen »Animation-Tempel« gab es u.a. große Ausstellungen der Studios Laika (Stop-Motion-Filme wie »Coraline«) und Ankama (Features wie »Krosmoz«) zu sehen. Besonders die Laika-Präsentation von Puppen und Kulissen machte dabei richtig Lust darauf, den kommenden Stop-Motion-Kinofilm »Wildwood« im Kino zu erleben.

Film-Wettbewerb in 5 verschiedenen Programmen

Der Filmwettbewerb 2026 bot eine breite Palette aller Trickfilm-Genres und Animations-Techniken für die möglichen Zielgruppen zur Ansicht. Zusätzlich gab es sehnsüchtig erwartete Film-Premieren für das Kino und diverse Serienformate für TV und Internet. Festival-Besucher konnten Neuerungen aus aller Welt entdecken, Workshops besuchen und zudem in VR-Welten eintauchen. Der Wettbewerb 2026 war in fünf Programme für unterschiedliche Zielgruppen unterteilt, denn Trickfilme werden nicht nur für Jugendliche produziert. Sie richten sich immer verstärkter an ein adultes Publikum! Während die Hauptkinos Großes und kleines Theater weiterhin im Bonlieu (direkt zentral in der Stadt am See) zu finden sind, sind weitere Kinos mit Programm-Screening über die Stadt verteilt. Diesmal war ein neues großes Kino im Cité dazu gekommen. Im Imperial-Palast gab es für die Professionellen Workshops und Vorstellungen von Projekten, die gerade im Entstehen sind. Besucher konnten »Work in Progress« auch im »Salle Pierre Lamy« erleben – direkt gelegen zwischen den kleinen Kanälen des »Alpen-Venedigs«. Immerhin wurden dafür 16 Projekte aus 10 Ländern ausgewählt. Eine einzigartige Gelegenheit für Festival-Besucher, verschiede Produktionsphasen in der Entstehung zu sehen und etwas über den kreativen Prozess des Trickfilmschaffens zu erfahren.

Ehrungen 2026 für das Trickfilmschaffen

Kein Festival ohne Ehrungen für ein Lebenswerk! Die Annecy-Jury hat 2026 an das Schaffen von Mike Judge gedacht, dem für sein Gesamtwerk der Kristall-Award überreicht werden soll. Er folgte damit Joanna Quinn (»Girls Night Out«), die letztes Jahr ausgezeichnet wurde. Judge wurde bekannt durch seine Arbeiten für »King of the Hill« und »Beavis and Butthead« und über 30-jährige Produktionstätigkeit mit Animationsfilmen. »Mike Judge ist eine Kulturikone, der legendäre Charaktere geschaffen, neue Formate entwickelt und den nahtlosen Übergang von Animation zu Realfilm vollzogen hat«, sagte Marcel Jean, künstlerischer Leiter des Annecy Festivals. »Sein Besuch ist ein bedeutendes Ereignis und unterstreicht unser Bestreben, die Dynamik, die gesellschaftliche Relevanz und die rebellische Kühnheit amerikanischer Animationsserien für Erwachsene hervorzuheben. Mike Judges Einfluss auf zwei Generationen von Kreativen ist unbestreitbar: Er hat die Gesellschaftssatire auf ein neues Niveau gehoben, und wir wollten sein Werk und ihn würdigen.« In Annecy geehrt werden im Juni zudem besonders die Gebrüder Quay für ihr Lebenswerk, das sie dem Stop-Motion-Film gewidmet haben. Hierzulande bekannt sind sie besonders für ihre Zusammenarbeit mit Peter Gabriel zu »Sledgehammer«. Die Quay-Brothers leiteten auf dem Festival eine Masterclass, in der sie ihre Erfahrungen an andere Trickfilm-Schaffende weitergaben. »Für Annecy ist die Ehrung der Gebrüder Quay ein Weg, das Gleichgewicht zwischen den großen Studios, den Branchenriesen und den eingefleischten unabhängigen Filmemachern zu bewahren«, sagte Marcel Jean. »Dies ist eine hochsymbolische Geste. An dem Tag, an dem Annecy aufhört, diese Art von Künstlern zu würdigen, haben wir den Bezug zu unseren Wurzeln, zu denen, die das Festival ins Leben gerufen haben, verloren. Denn diese Verbindung ist uns das Wertvollste.«

Besonders geehrt wurde posthum in Annecy auch Richard Williams (1933-2019), der mit dem Kurzfilm »Prolog, Lysistrata« sein animiertes Vermächtnis hinterließ. Der dreifache Oscar-Gewinner schrieb und animierte diesen Short, der auf Aristophanes berühmte Komödie zurückgeht.

Spotlight auf aktuelle und kommende Geburtstage

Das Trickfilm-Festival dachte diesmal auch verstärkt an den Fußball, natürlich im Kontext der WM 2026. Konnte man letztes Jahr Daffy Duck aus »Looney Tunes« schon in einem Annecy-Festivaltrailer wiedersehen, wartete diesmal der bald offiziell weltweit veröffentlichte Kurzfilm »Daffy-Saison« auf die Festival-Goer. Der Streifen soll in Kinos als Vorfilm für Hauptfilme eingesetzt werden soll. Wie es schon vor gefühlten Ewigkeiten in Verbindung mit legendären Hollywood-Blockbustern der Fall war! Auch Elmer Fudds mit seiner Soccer-Leidenschaft ist hier wieder mit von der Partie. Die Film-Premiere des Streifens stellte in Annecy Warners Director Todd Wilderman persönlich vor. By the way: Mit der Veröffentlichung bereitet sich Warner Bros. Pictures bereits auf die Feierlichkeiten zum 90. Geburtstag von Daffy & Co. im nächsten Jahr vor.

Geburtstag in Annecy in diesem Jahr feierte auch Aardman-Animation aus Bristol, denn diese berühmte Knetanimationsschmiede wurde hier auf dem Festival 50. Jahre alt! Eine große Konferenz – die Sekunden nach der Möglichkeit zur digitalen Platzbuchung schon ausverkauft war – ehrte hier nicht nur die Claymation-Helden Wallace & Gromit und Shaun the Sheep, sondern auch andere bekannte Aardman-Filme rund um die Figur Morph und die legendären Hühner-Charaktere aus »Chicken Run«. Prominente Directors und Animatoren des Unternehmens waren dafür vor Ort – allen voran Peter Lord und Nick Park.

Welt-Premieren für »Ghost in the Shell« und »Batman: Knightfall«

Trickfilm-Prominenz aus Fernost war ebenfalls vertreten, denn in Annecy 2026 wurde die Serie zum Filmklassiker »Der Geist in der Muschel« vorgestellt. Science Saru und Bandai Namco Filmworks aus Japan haben sich erneut des Stoffes angenommen. »Das weltweit berühmteste Cyberpunk-Franchise wird in Annecy zu sehen sein, wo die ersten beiden Episoden der neuen Serie gezeigt werden. Die Serie wird hier auf dem Festival enthüllt«, teilte Festival-Direktor Jean schon im Vorfeld mit. »Die wichtigsten Macher der Serie werden außerdem einige Geheimnisse hinter den Kulissen mit dem Publikum teilen.« Premiere in Annecy hatte auch ein neues Batman-Werk! Mit „Knightfall“ hat Warner Bros. den ersten Teil eines mehrteiligen Animationsevents fertiggestellt, das eine der legendärsten Batman-Geschichten aller Zeiten zum visuellen Leben erweckt.

Der Kurzfilm-Wettbewerb

Das Trickfilm-Festival von Annecy wird immer größer! Es wird für Besucher schwer, wirklich jeden wichtigen Film in Augenschein zu nehmen. Schon die Anzahl der ausgewählten Filme macht das deutlich: 141 Filme aus 43 Ländern wurden von der Vorauswahl-Jury als Kandidaten für die unterschiedlichen Annecy-Awards gekürt. 35 Filme stellten sich im Haupt-Wettbewerb zur Schau. 46 Studentenfilme liefen in den verschiedenen Kinos. 8 Shorts waren zudem im außergewöhnlichen »Off-Limits«-Wettbewerb zu sehen (vornehmlich zu später Stunde). 17 Kurzfilme präsentierten sich in »Perspectives« und 10 in »Young Audiences«. Besonders beliebt sind in Annecy gerade beim jüngeren Publikum die nächtlichen Midnight-Special-Events im Bonlieu-Theater. Daher gab es diesmal auch in der Nacht 2 brandneue Wettbewerbe zu beobachten: 16 besondere Kurzfilme liefen in den Midnight-Shorts und 9 in »WTF«. Diesmal in der Nachtvorstellung übrigens mit einem deutschen Beitragsfilm: »Soul Shift« von Director Christian Franz Schmidt. 

Für Trickfilm-Interessierte aus unseren Landen sind natürlich auch die ausgewählten deutschen Kurz-Filme für den Haupt-Wettbewerb von besonderer Bedeutung. Denn allein die Teilnahme in Annecy ist für die deutschen Trickfilm-Schaffenden bereits eine große Auszeichnung! Mit dabei waren diesmal unter anderem die Filme »The Daughters of the Late Colonel«, »The Amazing Kitsuverse«, »Vor meiner Tür auf einer Matte«, »Eco Beat« und »Core Dump«.

Langfilme im Wettbewerb

Die Vorauswahl-Jury des Annecy-Festivals hatte entschieden, 2026 folgende 11 Feature-Filme ins Rennen um den großen Preis (den Kristall) zu schicken:

»Viva Carmen« (Director: Sebastien Ludenbach – Frankreich), »Iron Boy« (Director: Louis Clichy – Frankreich und Belgien), »Decorado« (Director: Alberto Vasquez – Spanien), »The Sunrise File« (Directors:  Rupert Wyatt/Emilie Phuong – Frankreich und Luxemburg), »In Waves« (Director: Phuong Mai Nguyen – Frankreich und Belgien), »Lucy Lost« (Director: Olivier Clert – Frankreich), »Nobody« (Director Shui Yu – China), »Tana« (Director Ji Zhao – China), »Tangles« (Director Leah Nelson – USA und Kanada), »The Violonist« (Director: Ervin Han – Singapur und Spanien) und »We are Aliens« (Director: Kohei Kadowaki – Japan)

Die Trickfilm-Messe MIFA mit Neuerungen

Die Trickfilm-Messe MIFA blieb auch 2026 der größte weltweite Marktplatz für Trickfilme und Tummelplatz für die Einkauf-Verantwortlichen unterschiedlicher weltweiter TV-Sender. Aber auch Trickfilm-Studenten waren hier in großer Zahl vertreten, um sich bei bekannten Studios um Arbeitsplätze zu bewerben. Dafür gab es auch den »Le Campus MIFA«, auf dem neue Technologien erkundet und ausprobiert werden können. 7000 Quadratmeter MIFA-Gelände boten dieses Jahr 975 angemeldeten Ausstellern aus 118 Ländern genug Raum für Messe-Stände, Meeting-Rooms und Präsentationen. Zudem stellen sich Schulen und Ausbildungs-Institute für Trickfilm vor.

Die Majors zeigen starke Präsenz 

Neben den vielen Autorenfilmern und kleineren Studios der internationalen Trickfilm-Branche zeigen sich in Annecy besonders gern die angestammten großen Majors mit neuen Filmen und Projekten. Netflix, seit einiger Zeit ganz groß in der Beauftragung von Animationsfilmen, präsentierte wieder Ausschnitte aus seinem zukünftigen Streaming-Trickfilmprogramm. Fans warteten hier besonders auf die ersten Bilder der neuen »Ghostbusters«-Serie und dem Feature »Ray Gunn« von Director Brad Bird. Walt Disney Animation Studios zeigt im Bonlieu-Theater zudem erste Ausschnitte aus dem Kinofilm »Verhext«, der im November auch in deutschen Kinos läuft. Auch die 3D-CGI-Schmiede Pixar durfte auf dem Annecy Festival nicht fehlen, denn der legendäre Marktführer hat mit »Cats« von Direktor Heinrich Casarosa ein unkonventionelles malerisches Märchen in Produktion, das in einer abenteuerlichen Reise ins verborgene Reich der Hexen führt. Auch DreamWorks-Animation hielt Annecy die Treue und veranstaltete eine Konferenz im Kontext des gerade in Produktion befindlichen kommenden 3D-CGI-animierten Kinofilms »Nakalimutan«.  Vor dem Hintergrund einer philippinischen Mythologie geht es hier beim aktuellen Projekt um die Wiederentdeckung einer lange vergessenen Insel. 

Der Trickfilm interessiert immer mehr junge Menschen aus aller Welt. Nicht zuletzt auch wegen der vielen neuen digitalen Hilfsmittel, die der Branche auch viel Nachwuchs von den Medien- und Kunsthochschulen beschert. Innovationen betreffen hier aber zurzeit nicht den Einsatz von KI. Denn Festival-Direktor Marcel Jean und sein engagiertes Team – samt der hochkarätig besetzten Festival-Jurys für die verschiedenen Wettbewerbe – legen weiterhin großen Wert auf Anspruch der Filme in künstlerischer Umsetzung und fundierte Storys. Und die jährlich vergebenen Annecy-Awards (inklusive dem Kristall jeweils für Langfilm und Kurzfilm) sind in der Trickfilmwelt weit bedeutender als die allgemein bekannten Trickfilm-Oscars! 

Der Kristall für Langfilm ging diesmal an den klassischen Zeichentrickfilm »The Violinist« (Ervin Han, Raúl García/ Singapur-Spanien) und war auch einer der Publikums-Favoriten! Im Feature aus Singapur war alles stimmig: Mit großartigen Bildern wird eine ergreifende Kriegsgeschichte aus dem zweiten Weltkrieg erzählt, als die Japaner Singapur besetzt hielten. Audio und Musik runden den Film ab – wie schon der Filmtitel vermuten lässt. Umstritten diesmal war allerdings die Vergabe des Kristalls für Kurzfilm, den die Jury rund um »Simpsons«-Director David Silverman an Don Hertzfeldt aus den USA überreichte. Gelobt wurde nach der Preisverleihung von der Kritik zwar der dadaistische Ansatz des Shorts »Paper Trail«, der im Schwerpunkt aber nur eine zusammengewürfelte Collage von Typografie und Audio-Fragmenten sei. Kritisch wurden besonders die fehlende Story, fehlende Innovation, ständige Wiederholungen und eine kaum Sinn ergebende Überlänge des Streifens gesehen. Viele Festival-Goer erachteten die Auszeichnung als einen Tiefschlag für die vielen anderen rundum gelungenen und kreativen Kurzfilme, die den Kristall wirklich verdient hätten. Diese Auszeichnung sorgte für viel Gesprächsstoff auf dem Abschluss-Fest am See von Annecy.

Annecys wichtigste Festival-Awards 2026 im Überblick 

Kristall für Langfilm: »The Violinist«, Ervin Han, Raúl García (Singapur-Spanien) // Jury Award für Langfilm und Publikumspreis: »Iron Boy«, Louis Clichy (Frankreich – Belgien) // Paul Grimault Award: »Decorado«, Alberto Vasquez (Spanien – Portugal) // Großer Preis für Nicht-Mainstream-Langfilm: »Blaise«, Dimitri Planchon (Frankreich) // Jury Award für Nicht-Mainstream-Langfilm: »A New Dawn«, Asmik Ace (Japan – Frankreich) // Kristall für Kurzfilm: »Paper Trail«, Don Hertzfeldt (USA) // Jury Award für Kurzfilm: »God is Shy«, Jocelyn Charles (Frankreich) // Off-Limits Award: »Core Dump«, Alona Rodeh (Deutschland) // Jean-Luc Xiberras Award: »Please«, Anna Mantzaris (Frankreich – Tschechische Republik – Norwegen) // Publikumspreis für Kurzfilm: »God is Shy«, Jocelyn Charles (Frankreich) // Kristall für einen Fernsehfilm: »The Great Dreamscape«, Remi Durin (Belgien – Frankreich) // Jury Award für eine Serie: »Takopi’s Original Sin«, Shinya Enishiya (Japan) // Jury Award für TV Special: »Song of Storms«, Caroline Attia (Frankreich – Belgien) // Publikumspreis für Fernsehfilm: »The Broos«, David Mirailles (Frankreich) // Kristall für Werbespot: »Unloved«, Victor Caire (Frankreich) // Jury Award für Werbespot: »Eco Beat«, Eva Bienert und Max Mörtl (Deutschland) // Jury Award für Studentenfilm: »Dying Embers«, Lea Pulini (Frankreich) // Kristall für beste VR-Applikation: »A Long Goodbye«, Kate Voet und Victor Maet (Luxemburg – Niederlande) // ARTE Award für Kurzfilm: »Uka-uka«, Henri Veermäe (Litauen) // Midnight Shorts Award: »Eclosion«, Luis Morillo (Dominikanische Republik – Spanien) 

Bis auf den mit dem Jury Award ausgezeichneten deutschen Werbespot »Eco Beat« von Eva Bienert & Max Mörtl und dem Off Limits Award (für experimentellen Kurzfilm) für »Core Dump« von Alona Rodeh blieben weitere deutsche Beiträge diesmal ohne Auszeichnung. Immerhin wurden die in Annecy anwesenden deutschen Künstler im Rahmen des Deutschen Empfangs (organisiert von der AG Kurzfilm und German Films) auf der MIFA dem Publikum vorgestellt. So auch Director Christian Franz Schmidt, dessen origineller Zeichentrick-Langfilm »Soul Shift« (Produzent Thomas Schneider-Trumpp) in Annecys »Midnight Specials«-Programm lief. Bald wird das außergewöhnliche Werk (Co-Produktion vom HR) für Erwachsene auch in der ARD (in mehrere Serien-Häppchen aufgeteilt) zu sehen sein. 

Allen Interessierten, die in die aktuelle Welt des Trickfilms eintauchen und sich einen Überblick über das kreative weltweite Schaffen der Film-Branche verschaffen wollen, sei eine Reise im Juni 2027 in die Animation-Hauptstadt Annecy ans Herz gelegt!

Autor: Jürgen Keuneke (Bildrecherche: Angelika Hirschkorn)

Welche Filme im Jahr 2025 ausgezeichnet wurden, lesen Sie hier …

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Man muss weder Bodybuilding-Fan sein, noch Actionfilme mögen, um vor dieser Lebensleistung den Hut zu ziehen. Ein – wie könnte es anders sein –, schwergewichtiger Band aus dem Taschen Verlag erzählt die Geschichte von Arnold Schwarzenegger, der nicht nur der stärkste Mann der Welt wurde, sondern auch Filmstar, Politiker und Pop-Ikone.

Der amerikanische Traum bleibt für die meisten ein Mythos, doch für einen Jungen aus der Steiermark wurde er nicht nur wahr, er erfüllte sich in so vielen Bereichen, dass man es kaum glauben mag. Arnold Schwarzenegger wuchs in Thal auf, wo er von Leuten umgeben war, die ohne Tatendrang und ohne Ehrgeiz waren, wie er sagt, die vom Krieg physisch, psychisch und finanziell ausgelaugt waren. Schwarzenegger wollte mehr vom Leben.

Als 14-jähriger sah er die Weltmeisterschaft im Gewichtheben und realisierte, dass auch normale Menschen so stark werden konnten. Auf dem Cover einer amerikanischen Zeitschrift begegnete im dann Reg Park, der nicht nur Bodybuilder war, sondern auch die Hauptrolle in verschiedenen Herkules-Filmen spielte. Schwarzenegger hatte also einen Plan, er wollte der stärkste Mann der Welt werden, sich den Mister-Universum-Titel holen und er wollte erst nach Amerika, dann zum Film. »Du musst es vor Augen haben, daran glauben und es dann verwirklichen«, sagt Schwarzenegger. »Alles, was ich seit jenem Tag in Angriff nahm, bin ich auf diese Weise angegangen und so habe ich letztendlich auch alles erreicht.«

Die Neuausgabe von »Arnold« folgt Schwarzeneggers Erfolgsgeschichte, seinen sportlichen Triumphen, seinem Erfolg als Fitness-Idol und Sexsymbol und dem Interesse, dass die Öffentlichkeit plötzlich an ihm hatte. Fotografen wie Eliott Erwitt und Robert Mapplethorpe wollten ihn ablichten, ebenso wie Andy Warhol, in dessen Factory er verkehrte. Auch mit der Filmkarriere hat es bekanntlich geklappt und von Barbaren über Killermaschinen bis hin zu Kindergarden-Cops und Batman-Bösewichten spielte Schwarzenegger in unzähligen Hollywood-Filmen mit, selbst bei den Simpsons tauchte er auf. Als »Governator« war ihm schließlich noch eine politische Karriere vergönnt, inzwischen engagiert sich Arnold Schwarzenegger für Kinder- und Jugendprojekte, Umweltschutz und die Demokratie. »Sei nützlich«, habe ihm sein Vater immer mitgegeben. Kein schlechtes Lebensmotto, wenn man bedenkt, was man damit alles erreichen kann.

Der XL-Band »Arnold« ist eine Neuauflage der Collector’s Edition und auf 528 Seiten kann man in die nahezu unglaubliche Lebensgeschichte von Arnold Schwarzenegger eintauchen. Fotografien unter anderem von Annie Leibowitz, Robert Mapplethorpe, Herb Ritts, Sante D’Orazio, Francesco Scavullo und Andy Warhol verleihen dem Buch eine künstlerische Note, während viele Bodybuilding-Fotos, Film-Stills und Making-of-Aufnahmen sowie Bilder aus Schwarzeneggers persönlichen Archiv zu einer Zeitreise einladen und immer wieder Schwarzeneggers humorvolle Seite zeigen.

Arnold
Dian Hanson
Taschen Verlag
Hardcover mit Ausklappseite, 528 Seiten
125,– Euro

Video zum Buch

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Im Technologie-Umfeld tut sich eine Menge und für all diese neuen Ausrichtungen, Produkte und Start-ups braucht es eine passende Kommunikation. Entsprechend entstehen in diesem Bereich derzeit viele spannende Design-Lösungen, die wir uns in dieser Ausgabe einmal genauer ansehen.

Nachdem wir in der vergangen Ausgabe wissen wollten, wie Kreative heute mit KI umgehen, wo sie sie sinnvoll einsetzen und in welchen Bereichen sie mehr verspricht als hält, haben wir uns jetzt gefragt, welche Fähigkeiten heute im Design noch gebraucht werden. In unserem Fokus »Skills« wollten wir wissen, was man als Gestalter:in können muss, um jetzt und in Zukunft bestehen zu können. Natürlich gibt es keine Patentrezepte, aber unsere Interview-Partner:innen haben uns viele Tipps gegeben, in welche Richtung es gehen könnte, bzw. womit sie schon jetzt Erfolg haben.

Grafik+ »Branding für Tech«

In diesem Bereich zu gestalten ist oft gar nicht so einfach, denn viele Unternehmen oder Geschäftsidee entstehen gerade erst. Für Kreative bedeutet das, etwas zu branden, dass es noch nicht gibt und das sich sicher noch verändern wird. Eine scheinbar unlösbare Aufgabe, aber gerade deshalb entstehen rund um Tech gerade so viele spannende Designs. Und es ist alles mit dabei: klassische Typografie, große Markeninszenierungen, generative Gestaltung und natürlich KI. Wir haben uns umgeschaut und stellen auf 20 Seiten großartige Brandings vor, die von erneuerbaren Energien bis hin zu Biotech das Neue in Szene setzen.

Das Cover

Ganz und gar nicht »tech« ist unser Cover oder wenn, dann auf sehr altmodische Art. Ein alter Tiegel hat unser typografisches Motiv mit einer Blindprägung versehen und der Mehrfarbdruck entstand durch ein sehr Ressourcen schonendes Verfahren, das man schon früher anwandte, wenn man etwas Besonders erschaffen wollte: den Irisdruck.

Für die außergewöhnliche Haptik sorgt ein Baumwollpapier, das es zudem erlaubt, besonders tief zu prägen.

Druck und Veredelung: Bölling

Papier: myPur Coton bianco von Ovol

Der Showroom

Im Showroom dieser Ausgabe besuchen wir die Designerin Dorothee Pape, die bei der Unternehmenskommunikation vor allem auf besondere Bücher setzt. Zum 25. Mal jährt sich der Wettbewerb die 100 Besten Plakate und wie immer ist es eine Freude, die prämierten Arbeiten zu sehen. Tatsächlich hat auch uns das Fußballfieber erwischt und zwar in Form des Magazins Glory, das großartiges Storytelling mit toller Gestaltung verbindet. Last, but not least werfen wir einen Blick in das Archiv von Heinz Edelmann – all Welt kennt seine Zeichnungen für den Beatles-Film »Yellow Submarine«, doch der Grafiker hat noch ganz andere Schätze geschaffen.

Jetzt bestellen!

Das Grafikmagazin 03.26 zeigt, in welchen Bereichen Gestaltung gerade sehr präsent ist. Zudem bietet diese Ausgabe viele handfeste Tipps für die Arbeit von Designer:innen. Die Ausgabe können Sie hier bestellen, versandkostenfrei (innerhalb der EU).

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Längst durchdringt KI viele unserer Arbeits- und Lebensbereiche. Wir wollten wissen, wo und wie Kreative sie aktuell einsetzen. Wo KI im Design wirkliche Verbesserungen bringt und wo ihr Nutzen überschätzt wird. Auf zwanzig Seiten stellen wir im Grafikmagazin 02.26 Ansätze und Projekte vor und zeigen, wo die Potenziale von KI im Design liegen.

Neben dem Schwerpunktthema bietet diese Ausgabe viel Wissens- und Sehenswertes aus der Welt des Designs. Wir blicken beispielsweise auf die Geschichte hinter der Geschichte von Puh dem Bär, beleuchten ein Forschungsprojekt zu Speculative Futures oder widmen uns der Schriftstrategie für Marken. In unserer Foto-Rubrik stellen wir Arbeiten vor, die sich mit zutiefst menschlichen Themen befassen: Gemeinschaft und Eltern sein. Natürlich gibt es auch viel sehenswertes Editorial Design zu entdecken, sei es zu KI-Kunst, Infografiken oder dem Zweifeln als Methode. In unserem Fokus setzen wir unseren Schwerpunkt zu Resilienz im Design fort und zeigen verschiedene Ansätze, wie Kreative erfolgreich mit Krisen und Hürden umgehen.

Grafik+ »Design & KI«

Künstliche Intelligenz ist längst fester Bestandteil gestalterischer Praxis – kaum eine aktuelle Auseinandersetzung mit Design kommt noch ohne sie aus. Umso spannender ist die Frage, wie sich ihr Einsatz weiterentwickelt hat: Bereits vor drei Jahren haben wir uns im Grafikmagazin intensiv mit KI beschäftigt und sogar eine Ausgabe mit 1000 Cover-Varianten realisiert. Was damals neu und aufregend erschien, wirkt heute stellenweise fast schon überholt. Kann man also mit KI überhaupt Dinge von bleibendem Wert schaffen? Sind zeitlose Gestaltung und schnelles Prompten Gegensätze? An welchen Stellen erzeugt KI überhaupt einen echten kreativen Mehrwert?

Das wollten wir wissen und haben nachgefragt, wie Kreative und Agenturen heute KI nutzen – wo sie Vorteile bringt und wo ihre Wirksamkeit überschätzt wird. Im Grafik+ des Grafikmagazin 02.26 stellen wir auf 20 Seiten Projekte und Positionen rund um das Thema »Design & KI« vor.

Das Cover

Das Cover-Motiv wurde von Vincent Schwenk in einem hybriden Workflow entwickelt. Der 3D-Künstler trainierte ein LoRA-Modell mit seinen Arbeiten, sodass die KI seine Bild- und Formensprache verstand und daraus eine Grundkomposition kreieren konnte. Er sagt: »KI generiert, Maschinen eröffnen Möglichkeiten und Designer treffen Entscheidungen. So schreiben wir nicht nur Prompts, sondern erschaffen echte Workflows.«

Gedruckt wurde das Cover im Offset und als Papier setzen wir Munken Kristall Rough in 300 g/qm ein. Das ungestrichene Designpapier besitzt eine sehr angenehme Haptik, bringt das Motiv strahlend zur Geltung und wird von Berberich vertrieben.

Der Showroom

Im Showroom dieser Ausgabe blicken wir hinter die Kulissen der Agentur Saatchi & Saatchi, stellen die Illustratorin Eva Revolver vor und werfen einen Blick auf das Schaffen von Dušan Bekar, der seit den 60er-Jahren im damaligen Jugoslawien unter einfachsten Bedingungen großartige Grafiken schuf. Einen Faible fürs analoge Arbeiten hat auch Tina Touli, die aus den banalsten Alltagsbeobachtungen und stundenlangen Bastelarbeiten faszinierende Visuals kreiert.

Jetzt bestellen!

Das Grafikmagazin 02.26 zeigt, wie sich KI sinnvoll in die Designarbeit integrieren lässt. Zudem bietet diese Ausgabe viele handfeste Tipps für die Arbeit von Designer:innen. Die Ausgabe können Sie hier bestellen, versandkostenfrei (innerhalb der EU).

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Der Band ist eine stilvolle Ergänzung in der Küche. Das edle Hardcover mit riesigem Pilz glänzt durch Eingängigkeit. Im Buch finden sich Kunstwerke von Andy Warhol, Modefotografien und sogar Super Mario. Besonders die Bilder von Bobby Doherty und Ben Toms stechen heraus und finden sich im ganzen Buch. »All Mushrooms are edible, but some only once.« sagte einmal Terry Pratchett. Dieser Band ist immer wieder konsumierbar, denn die opulente Hommage an den Pilz bietet viele geheimnisvolle Geschichten und Rezepte. Im Panorama zwischen Mythos, Medizin und Muse, von Heilritualen zu Haute Cuisine findet jeder eine spannende Erzählung oder ein passendes Rezept —  und das immer wieder.

Im ersten Teil findet sich nicht nur kulinarische Geschichte, sondern auch wissenschaftliche Beiträge über die Giftigkeit von Pilzen, Mythen und Sagen, und ein Artikel über die grafische Welt von Takashi Murakami, der seine Grafiken auch in 3d-Modelle übersetzt. Ganz nach »Form Follows Fungi« wird Möbel- und Modedesign in Verbindung mit Pilzen vorgestellt.

Der Rezeptteil umfasst Vor- und Hauptspeisen, von Klassikern wie Pilzrisotto bis einem Old-Fashion Mushroom-Ketchup oder dem Herstellen von Pilzpulver finden sich kreative Ideen für die herbstliche Küche. Natürlich wird auch mit verschiedenen Sorten gekocht, wie Enoki, Portobello, Shiitake oder Steinpilze.

Text: Anna Grellert

Mushroom Omelette
(Photography, Bobby Doherty. Food styling, Jamie Kimm. Set design, Noemi Bonazzi)
© 2026 The Gourmand All rights reserved www.thegourmand.co.uk

The Gourmand’s Mushroom. A Collection of Stories and Recipes ist auf taschen.com verfügbar.

Weitere Publikationen finden Sie auf grafikmagazin.de

TASCHEN
The Gourmand’s Mushroom. A Collection of Stories & Recipes
Hardcover, 20 x 27.9 cm, 1,40 kg, 292 Seiten
€40
Taschen.com

links: Wild Chanterelles on Toast (Svamptoast)
(Photography, Bobby Doherty. Food styling, Jamie Kimm. Set design, Noemi Bonazzi)
© 2026 The Gourmand All rights reserved www.thegourmand.co.uk

rechts: Bobby Doherty, Mushroom on Green Plaid Blanket, 2024
© 2026 The Gourmand All rights reserved www.thegourmand.co.uk

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Claudius: Nach vielen Jahren in der Markenarbeit kennt man die Mechanik: Briefing, CI-Guidelines, Abstimmungen. Diese Struktur ist essenziell – aber sie darf nicht zu früh greifen. Denn Kreativität entsteht nicht aus Ordnung, sondern aus Reibung. Wenn Prozesse zu früh dominieren, wird Gestaltung vorhersehbar. Genau hier bringen junge Kolleginnen wie Kathrin einen anderen Zugang ein: weniger Angst vor dem falschen ersten Schritt, mehr Mut zum Unfertigen. Das wirkt manchmal chaotisch, ist aber ein notwendiger Zustand, um neue Bilder, Gedanken und Richtungen überhaupt entstehen zu lassen.

Kathrin: Ich starte bewusst ohne Filter. Am Anfang eines Projekts möchte ich möglichst wenig bewerten und möglichst viel zulassen. Das ist der Moment größtmöglicher Freiheit – und auch der Moment, in dem Ideen entstehen, die man später nicht mehr „herdenken“ kann. Erst im nächsten Schritt wird diese Offenheit kanalisiert. Claudius hilft mir dabei, Ideen zu verdichten, zu schärfen und so zu übersetzen, dass sie zur Marke passen. Diese Klarheit am Ende funktioniert aber nur, weil am Anfang bewusst Unklarheit zugelassen wurde.

Ihre gemeinsame Erkenntnis: Zeitgemäßes Branding braucht klare Dramaturgie. Erst maximale Offenheit und Irritation, später Struktur, Einordnung und Markenkonformität. Nicht alles muss sofort Sinn ergeben – aber am Ende muss alles Sinn machen. Wie beim Fahrradfahren: Wenn Rahmen, Teile und Antrieb zusammenpassen, fährt es sich nicht nur leichter, sondern macht auch mehr Spaß.

Mehr Informationen über BECC finden Sie auf https://www.becc-agency.com/ und mehr über AI gibt es hier zu lesen: Grafikmagazin.de

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For more than two years, Felipe took notes of the phrases that came to his mind at any time, during day or night — even when he was sleeping! He made a list of more than 200 phrases.

The book “Diálogos Ambíguos” (Ambiguous Dialogues) is published by WMF Martins Fontes Editions www.wmfmartinsfontes.com.br

See more about the illustrator Alejandro Magallanes www.alejandromagallanes.com  @magallanes71 and Writer Felipe Taborda http://www.felipetaborda.com.br/en/ @ftaborda.design. You can find another article about illustration and books here: Grafikmagazin.de

Der Beitrag “Diálogos Ambíguos” (Ambiguous Dialogues) by Felipe Taborda erschien zuerst auf Grafikmagazin.

„Schulzeit. Jugend. Rebellion.” T. H. Minh Volls Publikation ist chronologisch in drei Lebensabschnitte unterteilt. Sie werden durch Text, Kalligrafie und Collage-Illustrationen eingeleitet. Besonders das zweite Kapitel, dass eine rebellische Jugend behandelt, zeichnet sich durch eine besondere Gestaltung aus: wilde Kalligrafie trifft hier auf abstrakte Collage-Ausschnitte. Die Anekdoten sind kurze lyrische Texte und in Schwarz-Weiß gehalten.

Seit Mitte 2025 ist die Publikation beim ADC Talent Award auf der Shortlist und wurde mit einem Bronzenagel ausgezeichnet.

Mehr über T. H. Minh Voll finden Sie auf Instagram.com/vollmeng und Instagram.com/westlicherwasserspinat und ein anderes illustriertes Buchprojekt innerhalb des Studiums hier: grafikmagazin.de

Der Beitrag Westlicher Wasserspinat erschien zuerst auf Grafikmagazin.

Im sechsten Semester haben die Studierenden in Nürnberg gerade ihr Praktikum hinter sich und stehen kurz vor dem Abschluss. In dieser Zeit sollen sie lernen zu recherchieren, sich selbst Inhalte zu erarbeiten und eigene Blickwinkel zu entwickeln. Markus Lange plante deshalb für seinen Grafikdesign-Kurs, ein Buch zu erstellen, und übertrug den Studierenden die Aufgabe, zum Thema Freiheit eigene Texte zu schreiben und jeweils 16 Seiten zu layouten. »Viele haben Respekt davor, ein ganzes Buch zu gestalten«, sagt Lange, »durch den Kurs wird die Hürde kleiner, weil man gemeinschaftlich an die Sache herangeht.« Aufgaben rund um die Buchproduktion wurden aufgeteilt und somit auf viele Schultern verteilt, ihre eigenen Seiten mussten die Studierenden aber selbst entwickeln und dann auch am Risografen drucken. Nur zwölfmal traf sich die 14-köpfige Gruppe, bis von der ersten Besprechung hin zum Drucken der Seiten ein fertiges Buch entstand. Ein sportlicher Zeitplan, doch Markus Lange lacht nur, im Berufsleben seien die Projektzyklen doch oft wesentlich straffer. Und im Kurs steckte noch so manch anderes ­Learning. Um den Zeitrahmen nicht völlig zu sprengen, durften die Studierenden nur maximal mit zwei Farben drucken – eine Beschränkung, die für viele irritierend war. »Mir war es wichtig«, sagt Lange, »dass die Studierenden vom Vierfarb­denken wegkommen, das sie vom Computer gewohnt sind. Sie sollten erfahren, wie der Druckprozess die Gestaltung beeinflusst.« 

Durch die Limitierungen mussten die jungen Kreativen neue Lösungen finden und machten die Erfahrung, dass auch Zufälle oder Handwerksspuren im Druck zu reizvollen Ergebnissen führen können. Auch in puncto Papier war das Projekt kein Wunschkonzert, gedruckt wurde auf Metapaper Rough Air, das sich für Risografie gut eignet und auch bei der Weiterverarbeitung war man gezwungen, im Budget zu bleiben. »Für Designer:innen ist es wichtig zu merken, dass ihre Entscheidungen Kosten verursachen«, meint der Dozent, doch Beschränkungen seien auch immer eine Chance, kreativ zu werden. 

Am Ende wurden die 14 Studierenden auf jeden Fall reich belohnt mit einem hochwertigen Buch, das ihre eigenen Arbeiten bestens zur Geltung brachte. Und sie hatten erfahren, dass man in der Gestaltung besser vorankommt, wenn man zusammenarbeitet und sich gegenseitig unterstützt. »Es ist schön zu sehen, wenn die Erleuchtung kommt«, erinnert sich Markus Lange, »Design ist einfach Teamsport.«    

Mehr Studierendenarbeiten und einen Schwerpunkt auf Education gibt es in der Ausgabe 02.24 hier: grafikmagazin.de

Auf der Website der TH Nürnberg stehen mehr Infos zum Studiengang Design th-nuernberg.de

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Doch Emily Gelbert war es wichtig, nicht nur zu beschreiben, was passieren könnte. Der Perspektivwechsel – wie er im Titel ihrer Arbeit schon angelegt ist – bedeutet für sie vor allem auch, dass wir lernen müssen, uns dem Klimawandel anzupassen. Die Informationsvermittlung in »Paradigm Shifting« erfolgt sehr minimalistisch und Gelbert setzte neben den Primärfarben Schwarz und Weiß nur wenige Farben ein, die an die sogenannten Warming Stripes angelehnt sind. Für Print entschied sie sich, um durch das haptische Erleben eine stärkere Interaktion und Verbindung mit den Inhalten zu erreichen. Das Buch selbst ist kleiner als A5 und verfügt über rund 80 auf Recyclingpapier gedruckte Seiten. Bei der Schriftwahl setzte die Gestalterin auf die zurückhaltende Acumin Variable Concept und setzte die Wortmarke und die Überschriften in der Ambiguity Radical. »Der Wandel des Klimas ist vielschichtig und radikal – genauso wie es der Kampf sein muss, ihn einzudämmen«, erklärt sie. »Diese vielseitigen Aspekte wollte ich auch mit der Schrift­art deutlich machen.« Auch die Papierwahl unterstützt die Thematik, so erlaubt der Einsatz von Transparentpapieren, zum Beispiel Veränderung und Zusammenhänge einfach zu visualisieren, etwa die Abnahme der Schneedecke. Auch bei der Nummerierung ließ sich Emily Gelbert etwas einfallen, statt Seitenzahlen setzte sie auf einen Countdown, der sich langsam auf zwölf Uhr zubewegt. Das letzte Kapitel endet jedoch nicht um Mitternacht, sondern eine Minute davor – Gelberts Botschaft: Noch können wir handeln.    

Mehr Informationen zum Projekt gibt es auf www.emilygelbert.de 

Der Master »Transformation Design & Print« an der Berliner Hochschule für Technik (BHT) verbindet Nachhaltigkeit und Konzeption. Mehr darüber gibt es hier: grafikmagazin.de

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Unsere Ressourcen sind endlich, trotzdem basiert unser Wirtschaftssystem auf stetigem Wachstum. Man muss nicht Einstein sein, um zu sehen, das kann nicht ewig gut gehen. Doch wie ginge es anders und würden wir dann nicht alle an Wohlstand verlieren? Meike Althaus hat einmal genauer hingeschaut und mit »Die Kurve kriegen« ein unterhaltsames Sachbuch verfasst, bei dem natürlich auch der berühmt-berüchtigte erhobene Zeigefinger nicht fehlen darf.  

Schon während ihres Studiums an der HS Mainz interessierte sich Meike Althaus für gesellschaftspolitische Themen und sah die Bachelorarbeit als Chance an, Neues hinzuzulernen und Spaß an der Sache zu haben. Bei Klimaprotesten war ihr aufgefallen, dass oft der Slogan »System Change, not Climate Change« auftauchte, und auch das Buch »Das Ende des Kapitalismus« der Wirtschaftsredakteurin Ulrike Herrmann brachte die Studentin zum Nachdenken. Wie also könnte eine Welt aussehen, in der Wirtschaftswachstum anders definiert wird? Meike Althaus’ Arbeit ist als Sachbuch angelegt und beschreibt zunächst einmal die Problematik in Form eines Comics. Es folgen Beispiele für alternative Wachstumsbegriffe, die bereits existieren, so zum Beispiel die Donut-Ökonomie in Amsterdam, Buen Vivir in Ecuador oder das Bruttonationalglück in Bhutan. Abschließend bietet »Die Kurve kriegen« noch einen Ausblick auf unser Leben, sollte die Wirtschaft schrumpfen. 

Wichtig war es Meike Althaus, das Thema visuell greifbar zu machen und unterhaltsam darzustellen. Deshalb griff sie zu Illustrationen und nutzte auch den erhobenen Zeigefinger als humoristisches Stilmittel. Die Farbgebung ist satt und wirkt positiv und bei den Schriften achtete Althaus auf gute Lesbarkeit und einen freundlichen Charakter. Die Texte verfasste die Gestalterin bewusst einfach und leicht zugänglich, notwendige Fachbegriffe erklärt ein Glossar am Ende des Bandes. Ein Leineneinband sorgt für haptische Erfahrungen und schafft Wertigkeit und das Format (17 x 23 cm) macht das Buch leicht und handlich. Wissensvermittlung kann auch unterhaltsam sein, davon ist Meike Althaus überzeugt. Weniger Wachstum muss nicht mit einem Verlust an Lebensqualität einhergehen, es kann auch einen Gewinn für unsere Zukunft bedeuten. »Die Kurve kriegen« möchte einladen, über Alternativen nachzudenken, und seine Gestaltung signalisiert: Das kann auch Spaß machen. 

Mehr von Meike Althaus gibt es hier: Instagram.com

Gestaltung ist oft politisch aufgeladen. Die Social Design Day 2025 haben erforscht, wie Design als Werkzeug für gesellschaftliche Transformation genutzt werden kann. Mehr dazu hier: Grafikmagazin.de

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Längst sind Museen weit mehr als ein Raum, in dem man sich Bilder anschaut, denn das kann man inzwischen auch gut online. Ihr Selbstverständnis hat sich geändert, ihr Angebot und vor allem wie sie kommunizieren. Für Kreative eröffnen sich deshalb neue Herausforderungen, aber auch großartige Chancen. In unserem Schwerpunkt »Design für Museen« zeigen wir, worauf es jetzt ankommt und zeigen Best Cases aus aller Welt.

Im Grafikmagazin 01.26 erwartet Sie wieder eine breite Mischung an Designthemen. Mit Fotografien von Sylvester Stallone im Ring und am Set von »Rocky« eröffnet sich eine sehr spezielle Zeitkapsel, ebenso wie mit Illustrationen zu Christa Wolfs Buch »Kassandra«, das heute wieder erstaunlich aktuell ist – damals wie heute sah man das Unheil kommen und wusste doch nicht, wie man reagieren soll. In der Studierendenarbeit »Don’t Blink« ist die Handlungsanweisung klar: Wer versteht, was hinter dem eigenen endlosen Scrollen steckt, möchte nicht mehr manipuliert werden. Wie viel lohnenswerter zum Beispiel das Publizieren von Büchern und Magazinen sein kann, vor allem, wenn die Bedingungen wie in Beirut schwierig sind, zeigt die Arbeit »Ripped«. Warum eine stringente Schriftstrategie für Marken so wichtig sind und worauf man achten sollte, haben Julia Schygulla und Patrick Marc Sommer für das Grafikmagazin 01.26 analysiert und in unserem Fokus geht es um Resilienz und wir präsentieren wertvolle Tipps speziell für Designer:innen.

Grafik+ »Design für Museen«

Immersiv, konkret und verbindend: Auf 20 Seiten präsentiert dieser Schwerpunkt herausragende Studios aus aller Welt, die zeigen, wie zeitgemäße Kommunikation für Museen aussieht. Vom Philadelphia Art Museum, dem dänischen Nationalmuseet bis hin zum MKKD Ingolstadt wird deutlich, dass Museen längst auch in der Stadt eine ganz andere Rolle einnehmen. Und sie sprechen Besucher:innen ganz anders an, sei es durch ein Design, das auch schwere Themen wirkungsvoll vermittelt, bis zu Welten, die mit Wasserfällen oder Gerstenfeldern Produktionsprozesse erlebbar machen. All dies und weitere inspirierende Projekte finden Sie im Grafik+ des Grafimagazins 01.26.

Das Cover

Mother Earth heisst das Cover-Material dieser Ausgabe und tatsächlich vermittelt das Papier eine sehr natürliche Anmutung. Das Material von Gmund wird aus Gras- und Getreideabfällen von bayrischen Mischfeldern produziert und ist sowohl nachhaltig, als auch haptisch ein Erlebnis. Um den den Charakter dieses ungewöhnlichen Papiers zur Geltung zu bringen, wurde es mit zwei Heißfolien von Kurz veredelt, die dem Motiv von Designer Tobias Holzmann zusätzlich Reiz und Tiefe verleihen.
Die Heißprägung wurde von Gräfe Druckveredelung und dem Forum Druckveredelung umgesetzt und die Prägewerkzeuge stammen von Hinderer + Mühlich. 

Der Showroom

Sam Kim gestaltet sowohl in einem koreanischen Stil, als auch auf eine deutsche Art. Mit dem Projekt »Common Imprint« trägt er zudem asiatische Bücher in die Welt hinaus. Die Kalligrafin Petra Wöhrmann schreibt mit dem ganzen Körper und bemalt dabei auch gerne mal Kleider oder Weinetiketten. Und Slavimir Stojanovic ist ein Kreativer mit vielen Talenten, nicht zuletzt Plakatdesign. Das Studio Barath besucht gerne auch mal die Küche eines Restaurants, um ein wirklich treffsicheres Branding abzuliefern, denn die ungarischen Kreativen wissen, dass Design nur dann funktioniert, wenn man den Kontext kennt. 

Jetzt bestellen!

Das Grafikmagazin 01.26 zeigt, wie gelungene Gestaltung rund um Museen aussieht. Zudem bietet diese Ausgabe viele handfeste Tipps für die Arbeit von Designer:innen. Die Ausgabe können Sie hier bestellen, versandkostenfrei (innerhalb der EU). 

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Viele von Albrecht Dürers Bildern sind ikonisch, etwa die Betenden Hände, Der Hase oder sein Selbstporträt. Dass sie nach über 500 Jahren noch immer so vielen Menschen bekannt sind, liegt natürlich an Dürers Kunstfertigkeit, es liegt aber vor allem daran, dass er ein Visionär war und seiner Zeit weit voraus. Der XXL-Band »Albrecht Dürer. Sämtliche Gemälde, ausgewählte Zeichnungen und Druckgrafiken« versammelt nicht nur 500 Zeichnungen sowie alle Gemälde des Künstlers, er beschreibt auch die ungewöhnliche Karriere Dürers und welchen Einfluss er auf die Kunst und seine Zeit hatte.

Dürers Heimatstadt Nürnberg erlebte damals ihre Blütezeit und vom Handel und dem Reichtum profitierte auch die Kunst. Doch Albrecht Dürer beschränkte sich nicht darauf, Patrizier und Adlige zu porträtieren, er reiste auch viel und kam so mit dem Humanismus der Renaissance in Berührung, er erlebte die Farben Venedigs mit eigenen Augen und lernte in Italien die Ideale der klassischen Schönheit kennen. All diese Einflüsse interpretierte er neu und übertrug sie auf die Kunst, etwa in seinen Betrachtungen zu Maß und Proportion.

Dass uns die Arbeiten Dürers heute noch begeistern und berühren liegt daran, dass es ihm immer wieder gelang, eine große Intimität herzustellen. Selbst einfache Skizzen zeichnete er so meisterlich, dass sie – wie etwa der Feldhase – seit Jahrhunderten vervielfältigt werden und als Postkarte oder Duck an vielen Wänden hängen. Wie vielseitig Albrecht Dürer war, dass er die Malerei ebenso beherrschte wie die Druckgrafik oder die Zeichnung, wird einem umso mehr bewusst, je mehr man sich in den umfangreichen Band einliest. Und die Lektüre schärft auch das Bewusstsein dafür, was Kunst und Kreativität ausmacht. In Zeiten von KI ist es gut, sich das wieder ins Gedächtnis zu rufen.

»Albrecht Dürer« ist genau das Richtige, um über die Feiertage oder an langen Winterabenden abzutauchen. In den Bildern kann man sich regelrecht verlieren und die Texte vermitteln einem immer wieder Neues über diesen faszinierenden Universalgelehrten.

Albrecht Dürer. Sämtliche Gemälde.
Ausgewählte Zeichnungen und
Druckgrafiken

Christof Metzger, Julia Zaunbauer, Karl Schütz
Taschen Verlag, Hardcover mit Ausklappseiten, 798 Seiten
€ 175
ISBN 97836386(53814631) Deutsch
ISBN 97836386(53814535) Englisch

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Den rechten Weg zu finden – das ist im übertragenen Sinn wie im echten Leben oft nicht so einfach. Mit dem Schwerpunktthema »Leitsysteme« zeigen wir in dieser Ausgabe, wie Design Orientierung schafft und geben Einblick in einen ebenso anspruchsvollen wie vielfältigen Gestaltungsbereich.

Neben dem Fokus auf »Leitsystem« behandelt auch diese Ausgabe wieder ein breites Spektrum an Kommunikationslösungen. Die größte Tageszeitung Finnlands, Helsingin Sanomat, hat beispielsweise ihr komplettes Erscheinungsbild überarbeitet und dabei auf mutige Typografie gesetzt, während der deutsche Fokus behutsam, aber wirkungsvoll modernisiert wurde. In unserer Rubrik »Produktion & Publishing« haben wir wie immer bemerkenswerte Print-Projekte zusammengetragen – von ungewöhnlichen Büchern über coole Give-aways bis hin zu Urnen aus Papier. Im Grafikmagazin 06.25 setzen wir auch unsere Fokus-Reihe über neue Geschäftsfelder fort: Es ist ebenso faszinierend wie ermutigend, auf welche neuen Geschäftsideen Kreative kommen, wenn sie einen Bedarf entdecken.

Grafik+ »Leitsysteme«

Wohl kaum ein Designbereich ist so wichtig und zugleich so unsichtbar, denn ein gutes Leitsystem fällt meist nicht auf, es tut einfach seinen Job. Worauf es ankommt und wie viel Kreativität dennoch möglich ist, zeigen wir in dieser Ausgabe auf 20 Seiten. Vom Krankenhaus und der Fußballarena, bis hin zum Kindergarten, einem Studierendenwohnheim, Schulen oder Bürohäusern – wie Orientierung funktioniert bemisst sich immer an den Bedürfnissen der Nutzer:innen und an den Gegebenheiten vor Ort. Darüberhinaus sind der Kreativität keine Grenzen gesetzt, wie die Beispiele, die wir vorstellen, anschaulich zeigen.

Das Cover

Das Cover-Motiv dieser Ausgabe hat das Designerduo Craig & Karl für uns gestaltet. In ihrem unverwechselbaren Signature Style haben die Gestalter aus New York und London das Thema Orientierung mit einem Augenzwinkern umgesetzt und machen zugleich deutlich, dass Vielfalt immer auch eine Chance beinhaltet.
Als Papier setzten wir das hochwertige Designpapier Munken Polar von Berberich Papier ein, das die Farben und Kontraste des Motivs perfekt zur Geltung bringt. Den Druck setzte F&W Medien für uns im Offset um.

Der Showroom

Im Showroom des Grafikmagazins 06.25 hat uns Ingeborg Schindler von ihren Neuanfängen erzählt und uns verraten, womit sie als Illustratorin Erfolg hatte. Auch die armenische Branding-Agentur Backbone musste Hindernisse überwinden und gehört heute zu den erfolgreichsten ihres Landes. Viel Sportsgeist bekommen wir bald zu sehen, wenn die Olympiade Milano Cortina an den Start geht – wir konnten schon vorab mit der Designdirektorin über den »Look of the Games« sprechen. Und last, but not least berichten wir über Craig & Karl, die Design, Kunst und riesige Installationen zu einer faszinierenden Mischung verweben.

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Das Grafikmagazin 06.25 zeigt, wie gelungene Gestaltung rund ums Storytelling aussieht. Zudem bietet diese Ausgabe viele handfeste Tipps für die Arbeit. 

Das Grafikmagazin 06.25 mit dem Schwerpunkt »Leitsyteme« können Sie hier bestellen, versandkostenfrei (innerhalb der EU).

Mehr zum Thema Design im Raum finden Sie hier …

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»Sei nett zur Maschine, sie lernt noch«

Die inhaltliche Dramaturgie des Tages spannte den Bogen von technologischer Neugier bis zu analoger Rückbesinnung. Liza Enebeis von Studio Dumbar/DEPT schien den Tag mit einem leidenschaftlichen Plädoyer für kreative Verantwortung zu untermauern: KI sei ein Werkzeug, »das wir erst verstehen lernen müssen«, wie sie mit einem Augenzwinkern in ihrer Keynote »For the love of sound and motion« betonte. Zu Projekten ihrer Agentur zählen etwa die visuelle Identität für das van Gogh Museum sowie das Podcast-Projekt Typeradio.org, zusätzlich engagiert sie sich in internationalen Designnetzwerken wie der Alliance Graphique Internationale. Diese Kombination aus Branchenkenntnis und großer Liebe zu einer gestalterischen Bandbreite von strategischem Branding bis Motion Design macht sie zu einer Idealfigur für den Vortrag über KI & Gestaltung – sie verbindet technologischen Ansatz mit dem klassischen Gestalterblick. Ihre Haltung prägte den Grundton der Konferenz: Optimismus statt Angst, Experiment statt Abwehr.

Marina Willer, Partnerin bei Pentagram London, brachte eine tiefere Dimension ins Spiel und plädierte unter dem Titel »More human than ever« fürs Spielen, Experimentieren, das Händische und Kindliche. Als Gestalterin ikonischer Identitäten wie für Tate Modern, Amnesty International, Oxfam oder Rolls-Royce erinnerte sie daran, dass »die Zukunft des Designs stark vom menschlichen Gespür für Kreativität und Vorstellungskraft abhängt – gerade, um KI sinnvoll einzusetzen.« Zudem betonte sie, mit Referenz zu ihrer brasilianischen Herkunft und ihren daraus resultierenden kreativen Ressourcen, sich auf seine einzigartige Perspektive auf die Welt zu verlassen.

Das Herz schlägt noch

Beinahe emotional war die Keynote »Serious Fun.« des Schweizer Gestalters Niklaus Troxler, der als Jazz-Plakatkünstler und Tape-Art-Pionier längst Designgeschichte geschrieben hat; er hatte Typografie/Grafik an der Schule für Gestaltung Luzern studiert, war Art Director in Paris und gründete dann 1973 eine eigene Grafik-Werkstatt in Willisau. Sein Hintergrund im analogen, typografischen Handwerk und seine jahrzehntelange Praxis im Gestalten von grafischen Statements sorgten für eine starke Verbindung zur Debatte um das Unersetzbare, Menschliche im Design: Sein Appell, »auf das Herz zu hören und aus dem Bauch zu arbeiten«, wirkte wie ein poetischer Gegenentwurf zur datengetriebenen Diskussion – und gleichzeitig wie deren notwendige Ergänzung.

Auch Prof. Jochen Rädeker, ehemaliger ADC-Vorstand und Mitgründer von Strichpunkt Design, brachte die Haltung des Tages schon eingangs auf eine treffende Formel: »Wir müssen nicht gegen die KI spielen, sondern mit ihr. Wir sind nicht ihr Gegner, sondern Schiedsrichter.«

Design als »visible strategy«

Um die Frage nach strategischem Design ging es im Panel »Design als Strategie – Zwischen Revolution und radikaler Transformation«, das von unserer stellvertretenden Chefredakteurin moderiert wurde. Corinna Asmus, die bei Beiersdorf die Markenentwicklung von Nivea verantwortet, gewährte Einblicke in die Evolution eines Designklassikers. Die Beratung von Arne Schultchen, Design for Human Nature, versteht Gestaltung als Brücke zwischen Business und Impact – als Katalysator für Veränderung, nicht als deren Dekoration. Und wie sich diese Haltung im Unternehmensalltag durchsetzt, illustrierte Head of Strategy Lisa Krick mit Beispielen aus ihrer Arbeit bei der Markenberatung MetaDesign, die Design als »visible strategy« definierte.

Zwischen den drei Positionen entspann sich schließlich ein aufschlussreiches Gespräch: Wie oft folgt man der Analyse, und wann entscheidet das Bauchgefühl? Während bei manchen Kunden Daten und Konsumentenforschung essenziell für die interne Überzeugungsarbeit sind, betonte etwa Krick, dass wahre Innovation häufig dort beginne, »wo man den Intent konsequent priorisiert.« Das Fazit der Runde: Designer:innen und Strateg:innen brauchen einander für Vision und Reflektion gestalterischer Projekte, erst gemeinsam können sie sinnvoll wirtschaftliche Faktoren, Empathie und Vision verbinden – und sich in der Sprache der Vorstände ebenso sicher bewegen wie in der der Nutzer:innen.

Handwerk trifft Hightech

Überraschend aktuell auf beiden Bühnen: die Renaissance des Handwerks. Tilla Goldberg von der Ippolito Fleitz Group formulierte es so: »So sehr sich die Welt gerade verändert, umso mehr brauchen wir reale Räume und Produkte, die faszinierende Möglichkeitsräume gestalten.« Das Business-Panel mit Walter Knoll und Gaggenau unterstrich wiederum: Handwerk ist kein Gegenpol zur Digitalisierung, sondern kulturelles Kapital.

Und Ina Yamaguchi und Julian Zimmermann von der Stuttgarter Agentur Deutsche & Japaner sprachen ein Problem an, das viele kennen: Bei der heutigen Fülle an Inspiration fällt es schwer, die eigene Lösung zu finden statt fremde zu adaptieren. Lucas Hesse bleibt sich dagegen konsequent treu: »Statt das große Feuerwerk zu zünden, simple Bewegungen auf interessante Art kombinieren.«

Stuttgart als kreativer Hotspot

»Mit der ADC Design Conference haben wir Stuttgart als lebendigen Hotspot für internationale Kreativität etabliert«, resümierte Patrick Amor vom ADC Vorstand. Die Mischung aus internationalen Größen mit lokalen Talenten – die drei Gewinner:innen des »42 x 30 Design Wettbewerbs« wurden vor Ort gekürt – machte die besondere Atmosphäre aus. Die ADC Design Conference 2025 hat gezeigt: Die Designbranche steht nicht vor einem Entweder-oder. Es geht um das Sowohl-als-auch von menschlicher Intuition und maschineller Präzision, von Tradition und Innovation, von Herz und Algorithmus.

Die ADC Design Conference wird im Herbst wieder stattfinden, aktuelle Events finden sich hier, sowie auch der Nachbericht zur diesjährigen Konferenz.

Das Grafikmagazin ist als Medienpartner auch bei der ADC Digital Conference in Düsseldorf dabei, hier Tickets für den 10. November 2025 reservieren.

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