»Sei nett zur Maschine, sie lernt noch«

Die inhaltliche Dramaturgie des Tages spannte den Bogen von technologischer Neugier bis zu analoger Rückbesinnung. Liza Enebeis von Studio Dumbar/DEPT schien den Tag mit einem leidenschaftlichen Plädoyer für kreative Verantwortung zu untermauern: KI sei ein Werkzeug, »das wir erst verstehen lernen müssen«, wie sie mit einem Augenzwinkern in ihrer Keynote »For the love of sound and motion« betonte. Zu Projekten ihrer Agentur zählen etwa die visuelle Identität für das van Gogh Museum sowie das Podcast-Projekt Typeradio.org, zusätzlich engagiert sie sich in internationalen Designnetzwerken wie der Alliance Graphique Internationale. Diese Kombination aus Branchenkenntnis und großer Liebe zu einer gestalterischen Bandbreite von strategischem Branding bis Motion Design macht sie zu einer Idealfigur für den Vortrag über KI & Gestaltung – sie verbindet technologischen Ansatz mit dem klassischen Gestalterblick. Ihre Haltung prägte den Grundton der Konferenz: Optimismus statt Angst, Experiment statt Abwehr.

Marina Willer, Partnerin bei Pentagram London, brachte eine tiefere Dimension ins Spiel und plädierte unter dem Titel »More human than ever« fürs Spielen, Experimentieren, das Händische und Kindliche. Als Gestalterin ikonischer Identitäten wie für Tate Modern, Amnesty International, Oxfam oder Rolls-Royce erinnerte sie daran, dass »die Zukunft des Designs stark vom menschlichen Gespür für Kreativität und Vorstellungskraft abhängt – gerade, um KI sinnvoll einzusetzen.« Zudem betonte sie, mit Referenz zu ihrer brasilianischen Herkunft und ihren daraus resultierenden kreativen Ressourcen, sich auf seine einzigartige Perspektive auf die Welt zu verlassen.

Das Herz schlägt noch

Beinahe emotional war die Keynote »Serious Fun.« des Schweizer Gestalters Niklaus Troxler, der als Jazz-Plakatkünstler und Tape-Art-Pionier längst Designgeschichte geschrieben hat; er hatte Typografie/Grafik an der Schule für Gestaltung Luzern studiert, war Art Director in Paris und gründete dann 1973 eine eigene Grafik-Werkstatt in Willisau. Sein Hintergrund im analogen, typografischen Handwerk und seine jahrzehntelange Praxis im Gestalten von grafischen Statements sorgten für eine starke Verbindung zur Debatte um das Unersetzbare, Menschliche im Design: Sein Appell, »auf das Herz zu hören und aus dem Bauch zu arbeiten«, wirkte wie ein poetischer Gegenentwurf zur datengetriebenen Diskussion – und gleichzeitig wie deren notwendige Ergänzung.

Auch Prof. Jochen Rädeker, ehemaliger ADC-Vorstand und Mitgründer von Strichpunkt Design, brachte die Haltung des Tages schon eingangs auf eine treffende Formel: »Wir müssen nicht gegen die KI spielen, sondern mit ihr. Wir sind nicht ihr Gegner, sondern Schiedsrichter.«

Design als »visible strategy«

Um die Frage nach strategischem Design ging es im Panel »Design als Strategie – Zwischen Revolution und radikaler Transformation«, das von unserer stellvertretenden Chefredakteurin moderiert wurde. Corinna Asmus, die bei Beiersdorf die Markenentwicklung von Nivea verantwortet, gewährte Einblicke in die Evolution eines Designklassikers. Die Beratung von Arne Schultchen, Design for Human Nature, versteht Gestaltung als Brücke zwischen Business und Impact – als Katalysator für Veränderung, nicht als deren Dekoration. Und wie sich diese Haltung im Unternehmensalltag durchsetzt, illustrierte Head of Strategy Lisa Krick mit Beispielen aus ihrer Arbeit bei der Markenberatung MetaDesign, die Design als »visible strategy« definierte.

Zwischen den drei Positionen entspann sich schließlich ein aufschlussreiches Gespräch: Wie oft folgt man der Analyse, und wann entscheidet das Bauchgefühl? Während bei manchen Kunden Daten und Konsumentenforschung essenziell für die interne Überzeugungsarbeit sind, betonte etwa Krick, dass wahre Innovation häufig dort beginne, »wo man den Intent konsequent priorisiert.« Das Fazit der Runde: Designer:innen und Strateg:innen brauchen einander für Vision und Reflektion gestalterischer Projekte, erst gemeinsam können sie sinnvoll wirtschaftliche Faktoren, Empathie und Vision verbinden – und sich in der Sprache der Vorstände ebenso sicher bewegen wie in der der Nutzer:innen.

Handwerk trifft Hightech

Überraschend aktuell auf beiden Bühnen: die Renaissance des Handwerks. Tilla Goldberg von der Ippolito Fleitz Group formulierte es so: »So sehr sich die Welt gerade verändert, umso mehr brauchen wir reale Räume und Produkte, die faszinierende Möglichkeitsräume gestalten.« Das Business-Panel mit Walter Knoll und Gaggenau unterstrich wiederum: Handwerk ist kein Gegenpol zur Digitalisierung, sondern kulturelles Kapital.

Und Ina Yamaguchi und Julian Zimmermann von der Stuttgarter Agentur Deutsche & Japaner sprachen ein Problem an, das viele kennen: Bei der heutigen Fülle an Inspiration fällt es schwer, die eigene Lösung zu finden statt fremde zu adaptieren. Lucas Hesse bleibt sich dagegen konsequent treu: »Statt das große Feuerwerk zu zünden, simple Bewegungen auf interessante Art kombinieren.«

Stuttgart als kreativer Hotspot

»Mit der ADC Design Conference haben wir Stuttgart als lebendigen Hotspot für internationale Kreativität etabliert«, resümierte Patrick Amor vom ADC Vorstand. Die Mischung aus internationalen Größen mit lokalen Talenten – die drei Gewinner:innen des »42 x 30 Design Wettbewerbs« wurden vor Ort gekürt – machte die besondere Atmosphäre aus. Die ADC Design Conference 2025 hat gezeigt: Die Designbranche steht nicht vor einem Entweder-oder. Es geht um das Sowohl-als-auch von menschlicher Intuition und maschineller Präzision, von Tradition und Innovation, von Herz und Algorithmus.

Die ADC Design Conference wird im Herbst wieder stattfinden, aktuelle Events finden sich hier, sowie auch der Nachbericht zur diesjährigen Konferenz.

Das Grafikmagazin ist als Medienpartner auch bei der ADC Digital Conference in Düsseldorf dabei, hier Tickets für den 10. November 2025 reservieren.

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Rund 300 Kreative, Druckexpert:innen und Entscheider:innen aus Unternehmen und Agenturen folgten unserer Einladung zur Druck und Design Konferenz 2025, um gemeinsam zentrale Fragen zu erkunden: Welche Rolle spielt Print in einer Welt, in der Algorithmen Inhalte generieren und KI Marken mitgestaltet? Und wie kann Print als Medium Vertrauen schaffen wenn es zunehmend zur umkämpften Ressource wird? Die Antwort, die sich durch den gesamten Tag zog, war eindeutig: Print stiftet Vertrauen – gerade weil es greifbar, substanziell und authentisch ist. Genau diese Qualitäten machen gedruckte Medien in einer zunehmend digitalen, KI-gesteuerten Welt relevanter denn je.

Alle Fotos: © Burke Akademie

Ein Format, das inspiriert und vernetzt

Das Besondere am Konzept unserers Konferenzformats: nicht nur informieren, sondern echten Austausch ermöglichen. Nach der Begrüßung durch Christian Meier, Grafikmagazin-Geschäftsführer, sowie Holger Busch, Hauptgeschäftsführer des Verbandes Druck und Medien Bayern, bot die Mischung aus Keynotes am Vormittag und interaktiven Work-Panels am Nachmittag den Teilnehmenden die Möglichkeit, zunächst große Perspektiven kennenzulernen und diese dann in kleineren Gruppen zu vertiefen – im direkten Gespräch mit führenden Köpfen der Branche. Die Location – Die Macherei München mit ihrem kreativen, inspirierenden Ambiente – erwies sich wieder als perfekte Kulisse für einen Tag voller Begegnungen auf Augenhöhe.

Keynotes: Vier Perspektiven auf Print und Vertrauen

Philipp Brune: Identität als größte Superpower

Den Auftakt machte Philipp Brune, CEO der renommierten Branding- und Designagentur Strichpunkt, mit seiner Keynote über Markenidentität im KI-Zeitalter. Seine zentrale These: »Identität ist die größte Superpower eines Unternehmens – und Print ein Medium, das sie sichtbar und spürbar macht.« Brune plädierte dafür, Transformation als Gestaltungsaufgabe zu verstehen. Mit Beispielen aus seiner Arbeit für Audi, Deutsche Bahn, Bucherer und Vorwerk zeigte er eindrücklich, wie Marken in Zeiten künstlicher Intelligenz Glaubwürdigkeit durch analoge Erlebnisse festigen können. Dabei sensibilisierte er die Gäste für zwei entscheidende Fragen: Was sich in Zukunft ändern wird (und was eher nicht). Denn gerade die zweite Frage wird laut Brune oftmals nicht in die strategischen Überlegungen miteinbezogen. Seine Botschaft: Im KI-Zeitalter gewinnen authentische, menschlich gestaltete Markenbegegnungen an Bedeutung, statt sie zu verlieren.

Magnus Gebauer: Print als Antwort auf die Echtzeitkultur

Magnus Gebauer, Teamlead im MedienNetzwerk Bayern, beleuchtete als erfahrener Trendforscher die gesellschaftlichen Entwicklungen im Umgang mit künstlicher Intelligenz und Informationsflut. Laut Gebauer ein großer Vorteil für Print: »Menschen suchen nach Regeneration, Orientierung und vor allem nach Vertrauen. Genau das bietet Print, wenn es Haltung zeigt und eine hohe redaktionelle Qualität aufweist.« Während sich die digitale Kommunikation immer mehr beschleunigt, wächst paradoxerweise das Bedürfnis nach Entschleunigung und Beständigkeit. Print erfüllt genau dieses Bedürfnis und schafft Momente der Konzentration – eine Qualität, die in der Echtzeitkultur des Digitalen zunehmend fehlt und damit umso wertvoller wird.

Sabine Cole: Gestaltung als demokratischer Akt

Prof. Sabine Cole von der HAWK Gestaltung Hildesheim zeigte in ihrem Vortrag, wie Gestaltung als demokratischer Akt wirken kann. Am Beispiel ihres Projekts »Der Koalitionsvertrag als Magazin«, das sie mit Verleger Oliver Wurm und einer Gruppe Studierenden in Rekordzeit umsetze, machte sie deutlich, dass Gestaltung komplexe politische Inhalte transparent vermittelbar und greifbar machen kann. Den Koalitionsvertrag als hochwertiges Printprodukt an den Kiosk zu bringen, ist für Cole ein Ausdruck des Respekts vor demokratischer Arbeit – aber vor allem eine Brücke zwischen Politik und Bürger:innen. »Vertrauen funktioniert nur, wenn es gegenseitig gelebt wird«, fasste Cole zusammen. Ihre Botschaft an die Designer:innen von morgen: Sie gestalten die Zukunft im wahrsten Sinne des Wortes mit und können durch ihre Arbeit demokratische Werte und das Vertrauen in den Rechtsstaat stärken.

Maren Martschenko: Klein, stark, konzentriert

In einer Abschluss-Keynote machte sich die Markenberaterin Maren Martschenko, die für Dirk von Gehlen eingesprungen war, dafür stark, Marken bewusst zu begrenzen, auch in Sachen Gestaltung – getreu dem Motto: »Eine Marke sollte sein wie ein Espresso: Klein, stark und konzentriert – aufs Wesentliche und Wirksame.« Sie zeigte auf, dass Design vielfältige Aufgaben erfüllt, die weit über die eigentliche Gestaltung hinausgehen und tief in den Strategieprozess einer Marke hineinreichen. Ihre Keynote rundete den Vormittag mit einem klaren Plädoyer für Fokussierung und Mut zur Reduktion ab – Qualitäten, die gerade im Print ihre Stärke ausspielen können.

Work-Panels: Inspiration trifft Praxis

Das Herzstück der Nachmittagssession bildeten die Work-Panels, in denen die Teilnehmenden in kleineren Gruppen direkt mit Expert:innen ins Gespräch kamen.

Marco Bölling, Geschäftsführer der Bölling GmbH & Co KG, stellte provokant die Frage: Ist Goethes Erkenntnis »Was man schwarz auf weiß besitzt, kann man getrost nach Hause tragen« noch zeitgemäß? Seine Antwort, unterfüttert mit Einblicken in die Arbeit seiner auf feine Papiere und klassische Druck- und Veredelungstechniken spezialisierten Druckerei: Ja – gerade heute! »Print schafft Vertrauen – gerade, weil es beständig ist«, so Bölling. Die Unveränderlichkeit gedruckter Information, ihre physische Präsenz, schafft eine Dimension von Vertrauen, die digital nicht zu ersetzen ist. Nicht umsonst florieren Manufakturen und Handdruckereien.

»Gegen die Beliebigkeit – wie Marken spürbar werden« lautete der Titel des gemeinsamen Panels von Kerstin Denzler (Geschäftsführerin effektiv Druck+Veredelung) und Lars Schrodberger (Creative Director, Tabula Rasa Hamburg). Die beiden zeigten an konkreten Beispielen, wie strategische Markenentwicklung und hochwertige Produktion zu spürbarem Vertrauen verschmelzen. Ihre Formel: Strategische Markenentwicklung + Hochwertige Produktion = Vertrauen zum Anfassen. Die Überzeugung der beiden: Design schafft den Raum für Vertrauen, hochwertige Produktion macht Markenbotschaften erlebbar. Das Panel war ein eindringliches Plädoyer für bewusste Partnerschaften zwischen Agenturen und Druckereien – und dafür, dass Vertrauen entsteht, wenn Kreativität auf handwerkliche Präzision trifft. In einer übersättigten Medienwelt führt der einfachste Weg zur Unsichtbarkeit – die beiden zeigten, wie Marken entstehen, die nicht nur gesehen, sondern gefühlt werden.

»Was Print kann, können wir schon lange! – Was die Designbranche im Kontext von KI, von der Druckbranche lernen kann«, lautete die These von Thorsten Kinnen, Business Development Manager Commercial Printing bei Konica Minolta und Initiator von WE.LOVE.PRINT. Er rückte die Parallelen zwischen Design und Druckindustrie in den Fokus, gerade auch in Bezug auf die Herausforderungen im KI-Zeitalter. Seine Botschaft: Die Druckbranche hat bereits mehrere technologische Umbrüche gemeistert und dabei gelernt, dass Automatisierung und Handwerk keine Gegensätze sind, sondern sich ergänzen. „Die Designbranche kann vom Druck lernen, wie man Vertrauen materialisiert“, machte Kinnen deutlich und verwies auf die vielfältigen Projekte der Brancheninitiative WE.LOVE.PRINT.

Der vielfach ausgezeichnete Designer und Creative Director Denis Widmann führte die Teilnehmenden in die Welt taktiler Erlebnisse ein. Mit seiner über 16-jährigen Erfahrung in Markenentwicklung und Markenkommunikation sowie seiner Arbeit für Kunden wie Adobe und Campari demonstrierte er, wie seine Philosophie zu Marken führt, die nicht nur gesehen, sondern gefühlt werden. Seine Arbeit verbindet deutsche Präzision mit britischer Kreativität – Konzept und Handwerk, Digitales und Physisches. Mit tiefem Fachwissen in den Bereichen Print, Materialität und hausinterner Prototypenentwicklung sorgt Widmann dafür, dass jede Idee Substanz hat – und Bestand.

Petra Wöhrmann, Diplom-Kommunikationsdesignerin, Künstlerin und Kalligrafin sowie ehemalige 1. Vorsitzende der Typographischen Gesellschaft München, entführte die Teilnehmenden in die Welt der Kalligraphie und des Lettering. Nach vielen Jahren als Artdirektorin im Corporate Design jongliert sie heute mit Buchstaben – digital, aber besonders gerne analog in ihrem Münchner Atelier. Ihre Arbeit, besonders im Luxusmarken- und Fashion-Bereich, zeigt, wie analoge Schriftgestaltung als bewusster Gegenpol zur digitalen Uniformität wirken kann: »Ich habe mir hier eine wunderbare Nische gefunden«, erzählt sie von ihrer beeindruckenden Reise, die viel von kreativer Intuition und persönlichem Wachstum geprägt war. Ihr Panel inspirierte die Teilnehmenden, neu über die Potenziale handgeschriebener Elemente in der Markenkommunikation nachzudenken – und sich einen eigenen Platz zu schaffen, in dem sich ungeahnte Potenziale verwirklichen lassen.

Ausstellung & Begegnung: Papierinnovationen zum Anfassen

Begleitend zum Konferenzprogramm präsentierten sich zahlreiche Aussteller mit Papierinnovationen, Druckveredelungen und kreativen Printprojekten im Ausstellungsbereich der Macherei. Als Premiumpartner waren Carl Berberich GmbH, Gmund Papier, LEONHARD KURZ und OVOL Papier Deutschland GmbH vertreten.

Als Aussteller zeigten sich Antalis, Arctic Paper, Butz & Bürker, Fedrigoni Special Papers, Forum Druckveredelung, Fujifilm, F&W Druck & Mediencenter, IGEPA, KONICA MINOLTA, Lenzing Papier GmbH, multi-druck, RUDOLPH DRUCK, THE PAPER FAMILY und WE.LOVE.PRINT. Hier entstand eine lebendige Atmosphäre, in der Designer:innen, Drucker:innen und Materialexpert:innen ins Gespräch kamen, Muster begutachteten und neue Möglichkeiten für ihre Projekte entdeckten.

Fazit: Print schafft Vertrauen

Viele Teilnehmende betonten am Abend, dass sie nicht nur fachlich inspiriert, sondern auch persönlich bereichert nach Hause gingen. Die Mischung aus theoretischen Impulsen und praktischen Einblicken, aus großen Perspektiven und konkreten Lösungsansätzen hatte genau das erreicht, was wir uns erhofft hatten: eine Konferenz, die verbindet. Der rote Faden des Tages – »Print als Vertrauensmotor im Zeitalter der Künstlichen Intelligenz« – erwies sich als tragfähig und zukunftsweisend. In einer Zeit, in der KI-generierte Inhalte die digitale Welt durchdringen, gewinnen greifbare, menschlich gestaltete Medien an Bedeutung. Print steht für Substanz, Glaubwürdigkeit und Nähe – Werte, die heute und in Zukunft mehr denn je zählen.

»Die Druck und Design ist ein Ort, an dem sich kreative Köpfe aus Design, Technik und Wirtschaft auf Augenhöhe begegnen«, sagt Christian Meier, zum Abschluss der Veranstaltung. Mit einem inhaltlich wie atmosphärisch gelungenen Veranstaltungstag bestätigte die Konferenz ihren Ruf als führendes Branchenevent im deutschsprachigen Raum. Die Druck und Design 2025 hat gezeigt: Wenn Kreativität auf erstklassige Drucktechnik trifft, wenn Designerinnen und Druckexpertinnen auf Augenhöhe zusammenarbeiten, entstehen starke Markenbotschaften, die nicht nur gesehen, sondern gefühlt werden. Print verbindet – erfolgreich, kreativ und nachhaltig.

Wir danken allen Teilnehmenden, Speaker:innen, Partner:innen und Aussteller:innen für diesen besonderen Tag!

Über die Druck und Design Konferenz

Die Druck und Design Konferenz ist eine Initiative von Grafikmagazin und dem Verband Druck und Medien Bayern e. V. (VDMB). Alle zwei Jahre vernetzt sie Fachleute aus Druck, Design, Agenturen und Industrie und bietet eine Plattform für Wissenstransfer, Inspiration und Branchendialog. Die nächste Ausgabe ist für 2027 geplant.

Weitere Informationen unter druckunddesign.org

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Liberté, Créativité, Diversité

Rébecca Dautremer hat das Festivalplakat gestaltet. Unter dem Titel »Sechs Personen auf der Suche nach einem Autor« versammelt sie eine bunte Gesellschaft: eine Vampirgräfin, ein Monster, ein Wolfsmensch, eine Hexe, eine Kriegerin und eine eigens erfundene Gestalt namens Lukawa – halb Manga, halb Lucca. Sie stehen auf einer imaginären Bühne, inspiriert von Pirandellos berühmtem Theaterstück, und suchen nach dem Kuss, der ihre Geschichte fortschreibt. Ein Motiv, das für den Dialog zwischen Kulturen und Kunstformen stehen soll, so die französische Illustratorin. 
Dautremer wird zugleich mit einer großen Werkschau im Palazzo Guinigi vertreten sein. Dort gibt sie Einblicke in Skizzen und Arbeitsprozesse zu ihrem neuesten Werk »Ruby Rose«, das 2026 in Frankreich erscheinen wird.

An ihrer Seite gibt es weitere Höhepunkte im Palazzo zu entdecken: 

Kevin Eastman, Mitbegründer der Teenage Mutant Ninja Turtles, präsentiert Skizzen und Storyboards und erzählt von der Entstehungsgeschichte seiner Kultreihe.

Die Schau »L’Eternauta: Beyond Space and Time« dokumentiert anhand von hundert Originalzeichnungen ein Meisterwerk des argentinischen Comics. Die düstere Zukunftsvision von Héctor Germán Oesterheld steht als Allegorie gegen den Totalitarismus – und wurde für den Autor persönlich tragisch, da er später zu den »Desaparecidos« gehörte.

Mit Grazia La Padula wird eine der spannendsten Stimmen des italienischen Comics vorgestellt – von frühen Zeitschriftenbeiträgen bis zu ihrem neuen Werk »Les insoumises«.

Kulinarische Kunst bietet »Foodmetti – Artists of the Tables«: Rezepte, Getränke und Küchenwelten werden in Illustrationen, Workshops und Live-Kochen neu interpretiert.

Hexagones

Die kreative Tour de France setzt sich in der Ausstellung »Hexagones« fort. Im Sitz der Fondazione Banca del Monte di Lucca alias Palais de France werden zwölf prägende Stimmen der bande dessinée präsentiert – darunter Claire Bretécher, Moebius, Philippe Druillet, Gotlib, Jean-Marc Reiser und Jacques Tardi. Sie haben die Entwicklung der Bilderzählung hinsichtlich ihrer Bedeutung, Methoden und Wirkung tiefgreifend beeinflusst, indem sie die Emotionen der Leser:innen und neue Potenziale des Mediums freisetzten. Besonders Künstlerinnen erkundeten ab den 70er-Jahren ihre innere Welt durch sehr persönliche Werke und machten diese zu einer Erweiterung ihres Geistes und Körpers.

Ergänzt wird die Schau durch Podiumsgespräche und Signierstunden. Florence Cestac und Edmond Baudoin werden über ihren Werdegang und die gesellschaftliche Bedeutung der »Neunten Kunst« sprechen. Die Intention der Lucca Comics & Games 2025 ist es, in einem generationsübergreifenden Diskurs einen Bogen von der französischen Tradition in die Gegenwart zu spannen.

Internationale Stars

Neben den französischen Gästen hat das Festival ein vielversprechendes Line-up internationaler Illustrationsgrößen angekündigt:

Tetsuo Hara, legendärer Zeichner von »Fist of the North Star«, zeigt in der Chiesa dei Servi erstmals in Italien über hundert Originalzeichnungen und exklusive Sammlerstücke. Seine Werke verbinden Action mit spiritueller Dimension – sogar den Gegnern verleiht er Menschlichkeit.

Auch Kei Urana und Hideyoshi Andou, Schöpfer des Graffiti-Mangas »Gachiakuta«, werden nach Lucca für Panels und Workshops reisen.

Sollte man inmitten der vielen Cosplayer fokussiert bleiben, könnte man auch dem frankokanadischen Comiczeichner und Animator Guy Delisle begegnen. Er ist bekannt für seine autobiografischen Graphic Novels wie »Pjöngjang« oder »Aufzeichnungen aus Jerusalem«.

Liebhaber:innen unabhängiger US-Comics dürfen sich freuen: Aus den USA kommt Mike Richardson, Gründer und CEO von Dark Horse Media. Begleitet wird er von David Scroggy, einer prägenden Figur des 1986 gegründeten Verlags, der über fünf Jahrzehnte Erfahrung teilen wird – von Agent und Buchhändler bis hin zum Vizepräsidenten für Produktentwicklung.

Neues aus Italien

Auch die großen Namen der italienischen Szene kommen nicht zu kurz. Mit frischen Arbeiten werden Zerocalcare, Milo Manara, Leo Ortolani und Fumettibrutti (Josephine Yole Signorelli) dabei sein. Die Cartoonistin und Aktivistin aus Sizilien, die bereits 2019 mit dem Gran Guinigi Award ausgezeichnet wurde, gilt inzwischen als feste Größe im europäischen Comicbetrieb.

Mit Spannung erwartet werden die neuen, stark autobiografisch geprägten Projekte von Zuzu (Giulia Spagnulo), ebenfalls Preisträgerin von 2019. Damit setzt das Festival einen klaren Akzent auf junge Stimmen, die Illustration, Tagebuch und soziale Beobachtung miteinander verbinden.

Ein Fest der Begegnung

Das interessante Programm, eine erweiterte Kinder-Sektion, zahlreiche Neuheiten aus Gaming und Streaming sowie musikalische Live-Acts – unter anderem von der Kultband Elio e le Storie Tese – sind die besten Vorzeichen, um mit Fans aller Altersgruppen und Kulturen fünf volle Festivaltage zu feiern, mitten in der Toskana.

www.luccacomicsandgames.com

Lucca Comics & Games 2025

29. Oktober bis 2. November 2025

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Das legendäre ICC-Messegebäude öffnet am 11. und 12. September 2025 anlässlich des Tag des offenen Denkmals für ein besonderes Konferenzformat seine Türen: FORM / FUTURE ist weniger Veranstaltung, mehr Experiment – ein radialer Versuch, Design nicht als schmückendes Beiwerk, sondern als gesellschaftlichen Transformationsmotor zu begreifen.

Design als Mindset, nicht als Disziplin

»Wir sehen Design nicht als Disziplin, sondern als Mindset«, erklärt Kurator Dara Sepehri, der mit seiner Agentur 3STN. das Organisationsteam stellt. Dieser Perspektivwechsel entpuppt sich auch als programmatisches Statement: Während andere Konferenzen Portfolio-Shows abhalten, stellt FORM / FUTURE relevante Systemfragen: Wie navigieren wir Unsicherheit? Wie schaffen wir mehr verbindende als trennende Elemente in einer Zeit multipler Krisen und Katastrophen? Wie öffnen wir neue Möglichkeitsräume – für Hoffnung, Mut, Tatendrang und Freude am Gestalten?

Die Speaker:innen-Liste liest sich wie ein Who’s Who der Design-Vordenker: etwa Phil Gilbert, ehemaliger Design-Chef bei IBM und Pionier des Design Thinking, oder Friedrich von Borries, der Grenzgänger zwischen Design, Kunst und Gesellschaftskritik, den Leser:innen vielleicht noch aus unserer zweiten Ausgabe kennen; »Gestaltung ist politisch, weil Politik die Verhandlung darüber ist, wie wir unser Miteinander gestalten, und dieses Miteinander wird bestimmt durch die – im klassischen Sinne politischen – gesetzlichen Rahmensetzungen, aber eben auch durch Wohnungsgrundrisse, Smartphones und Kommunikationsinterfaces, also die Ergebnisse von Gestaltungsprozessen, die viele Menschen erstmal nicht als politisch ansehen«, sagte er uns schon 2021 im Interview. Frederike Kintscher-Schmidt, Präsidentin des VDID, oder Simone Kapeller von Ravensburger die das Spielen in Relation zur Zukunft der Kreativwirtschaft setzt.

Zirkuläres Design trifft auf Disaster Design

Die Themenpalette ist demnach bewusst extrem vielfältig: Circular Design steht neben »Design & Disaster«, Transformationsprozesse in der Industrie treffen auf öffentliche Infrastruktur, KI-unterstütztes Design auf Stadtentwicklung – Design möchte man überall dort denken, wo es gesellschaftlich relevant wird.

»Wir bringen Stimmen auf die Bühne, die Optimisten im Herzen sind, angetrieben von Neugier und Change-Maker durch radikales Denken«, so die Veranstalter, schließlich halte man sich zu oft in der Designbranche damit auf, über Trends zu diskutieren während es eigentlich längst um einen Systemwandel gehen sollte.

Vier Bühnen, vier Perspektiven

Und der Ort könnte hierfür passender nicht sein: das ICC Berlin, dieses brutalistische Raumschiff aus den 70ern, wird zum Labor für die Zukunft. Erstmal wird in der Geschichte des Hauses hier eine Konferenz stattfinden und das ICC zur begehbaren Metapher. Vier verschiedene Bühnen schaffen vier verschiedene Diskursräume: Die imposante Conference Stage in Saal 2 für die großen Keynotes. Die »Raumschiffbrücke« in Saal 6 – ein konzentrierter, kreisrunder Raum für intensive Diskurse. Die interaktive Foyer Stage mitten im Networking-Bereich. Und schließlich verschiedene Spots im gesamten Gebäude für Masterclasses und Workshops.

Diese räumliche Dramaturgie ist mehr als Eventarchitektur – sie ist angewandte Designphilosophie. Jeder Raum erzählt eine andere Geschichte darüber, wie Design wirkt: vom großen Narrativ bis zur intimen Arbeitsatmosphäre.

Mehr als Networking: Dialog statt Werbefläche

FORM/FUTURE positioniert sich explizit als »Dialogue, not ad space«. Keine Portfolio-Präsentationen, keine Produktshows, sondern Skill-Sharing und Strategiediskussion. Die Teilnehmer sollen nicht konsumieren, sondern co-kreieren. Masterclasses von Circular Design bis zu »Design Futures« und »Transformation Storytelling« sorgen für konkrete Handlungskompetenzen.

Besonders interessant: Die Konferenz ist Teil des 49h ICC Projekts, einer Initiative von visitBerlin im Rahmen von Berlins Status als UNESCO City of Design. Das ICC wird zum temporären Creative Hub – ein Experiment in Zwischennutzung und kultureller Transformation. Das Internationale Congress Centrum, 1979 eröffnet und lange Zeit größtes Konferenzzentrum der Welt, ist selbst ein Designstatement: radikal, polarisierend, zukunftsweisend. Heute steht es für eine Zeit, in der man noch an die transformative Kraft der Architektur glaubte. Genau diese Haltung braucht die Designszene wieder: den Mut zur großen Geste, zur gesellschaftlichen Relevanz.

Die Organisatoren verstehen das ICC nicht nur als Venue, sondern als Teil der Story. Installationen, Pop-ups, Performances und kuratierte Räume verwandeln das Kongresszentrum in eine Bühne. Hospitality, Retail, Health, Mobility: »Experience tomorrow’s spaces, today.«

Ein Festival der Transformation

FORM/FUTURE ist weniger Konferenz, mehr Festival – ein zwei Tage andauerndes Experiment in angewandter Designphilosophie. Zwischen Keynotes und Masterclasses, zwischen Networking und Skill-Sharing entsteht ein temporärer Raum des Möglichen. Hier treffen Entscheider auf Kreative, Strategen auf Visionäre, Theorie auf Praxis.

Die Preisstruktur ist bezeichnend demokratisch: Standard-Tickets für 199 Euro, Studententickets für nur 45 Euro. Auch das ist ein Statement: Design-Diskurs darf kein Elitenprojekt sein.

Tickets und weitere Informationen hier

Das Wichtigste in Kürze:

• Was: FORM/FUTURE Design Conference
• Wann: 11.–12. September 2025
• Wo: ICC Berlin
• Tickets: Ab 199 Euro (Studenten: 45 Euro)
• Besonderheit: Teil des 49h ICC Projekts, UNESCO City of Design Initiative
• Speaker: 50+ Sprecher aus Design, Business, Wissenschaft und Politik

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Nicht nur der wachsende Erfolg von Animé-Filmen bei jungen Leuten und die wachsende bedienerfreundliche und einfachere Produktion von Animationsfilm durch Computer-Unterstützung sorgte dafür, dass diesmal 18.200 Badgeholder aus 118 verschiedenen Ländern vor Ort waren. Wieder fast tausend mehr Besucher als im Vorjahr! Um dem gerecht zu werden, gab es dieses Jahr mehr Kinos (u.a. Pathe 6 und Dome) für das Screening von Programmen. Das Festival-Angebot war mit Wettbewerbsfilmen, Premieren, Workshops, Ausblicken, Konferenzen und Ausstellungen überwältigend. Zudem lockten ja bei bestem Wetter auch die historische Stadt und der See (der klarste Bergsee der Savoie-Region). Ab dem dritten Festivaltag dann zusätzlich auch die Eröffnung der MIFA-Messe, die neben Ständen, Software-Vorstellungen, Merchandising, Jobbörsen und Filmhandel auch Networking-Möglichkeiten bereithielt.

Nicht zu vergessen: Ohne die 650 Freiwilligen, die auf dem gesamten Festivalgelände rund um das Bonlieu-Zentrum, in den verschiedenen Kinos, den Info-Ständen, den Ausstellungsräumen und dem MIFA-Gelände am Imperial-Palast ihren vielfältigen Organisationsaufgaben nachgingen, wäre so eine gigantische Veranstaltung nicht möglich gewesen. Doch CITIA-CEO Mickael Marin lobte auch die Offenheit, Toleranz und Kreativität der vielen Besucher des Festivals selbst, als er bei der Schlussveranstaltung im Bonlieu-Theater sein Fazit zog: »Rund um die geplanten einzelnen Veranstaltungen und Ereignisse unseres Festes der Animation ist unsere besondere Rezeptur das Lachen der Besucher, die gute Laune, die Begeisterung zwischen den Filmen, das emotionale Schweigen während der Screenings und passionierten Diskussionen der Festival-Goer am See! All das gibt diesem Festival seine ganz spezielle Bedeutung und Schönheit!«

Drei besondere Persönlichkeiten bekamen schon bei der Eröffnung des Festivals den großen Annecy-Award (Kristall) für ihr Trickfilm-Lebenswerk überreicht: Eingerahmt von den beiden männlichen Ikonen Matt Groening (Vater der »Simpsons«) und Michael Gondry (»L’écume des jours«) war es besonders die britische Trickfilmerin Joanna Quinn, die von den Zuschauern tosenden Beifall für ihr Schaffen erntete. Unvergessen ihre Frauenpower-Filme wie »Girls Night out« oder »Body Beautiful« mit dem unvergleichlichen Quinn-2D-Zeichenstil! Gondry präsentierte in Annecy diesmal sein neues Werk »Maya – Give me a Title«, das bereits auf der Berlinale 2025 in Berlin lief. Da Annecy dieses Jahr einen Scheinwerfer auf das Thema »Animation in Musik-Videos« warf, passte auch zu diesem Thema Michael Gondry als Star-Gast. Ist er doch bestens bekannt für seine Arbeit als Director in Zusammenarbeit mit Pop-Größen wie u.a. Björk, The White Stripes und Daft Punk.

Große Präsenz zeigten diesmal auf dem Festival amerikanische Majors. Vom 3D-CGI-Marktführer Pixar waren im Bonlieu-Center erste animierte Teile in Reinausführung vom kommenden Feature »Elio« zu sehen. Pixars Partner Disney Animation Studios gewährten einen ersten Blick auf »Zootopia 2«. Disney kündigte zudem eine von den Festival-Besuchern gefeierte Rückkehr zum eigentlichen eigenen Markenzeichen – dem handgezeichneten Zeichentrickfilm – an! Den hatte der Major 2011 zum Entsetzen der weltweiten Fan-Gemeinde komplett aufgegeben. Jetzt müssen bei Disney verdiente grauköpfige Animatoren aus dem Ruhestand zurückgeholt werden, um eine neue Generation von Trickfilm-Zeichnern neu zu schulen! Wettbewerber DreamWorks präsentierte fertige Ausschnitte von »Bad Guys 2« – zudem als fertiges Werk die Premiere vom CGI-unterstützten Kino-Realfilm »Drachenzähmen leichtgemacht« (»How to train your Dragon«). 

Jedes Jahr zeigt Annecy einen aktuellen Überblick über das Trickfilmschaffen eines bestimmten Landes. Diesmal wurde der Scheinwerfer auf Ungarn und geworfen. Partner aus dem sogenannten »Gastgeberland« waren das Nationale ungarische Filminstitut, das Institut Liszt und das einheimische Ungarn-Kulturcenter Paris. Eingeladen waren aber auch unabhängige Autorenfilmer des Landes, die sich vom Staat Ungarn aus Angst vor umfangreicher staatlicher Zensur nicht fördern lassen wollen. Festival-Director Jean wies besonders darauf hin, dass das Annecy-Festival hier in seinen Entscheidungen für die Programmgestaltung frei und unabhängig bleiben wolle und keine politischen Vorschriften der Regierung Orban dulde.

Die Trickfilm-Ausbildung war immer schon ein Schlüssel für die Existenz des Festivals in den französischen Alpen. 24 Prozent der diesjährigen Festival-Goer waren wieder Studentinnen und Studenten. Viele kamen das erste Mal und werden sicherlich wiederkehren in den nächsten Jahren. Auch wenn das Leben hier im touristischen Städtchen mittlerweile recht teuer geworden ist – gerade in der Festival-Woche. Wer sich von den Studierenden die Nacht im Hotel oder Privatzimmer nicht leisten kann, kommt günstig auf dem städtischen Belvedere-Campingplatz unter. Die normalen Wohnmobilisten müssen den idyllischen Platz hoch über Stadt und See dann verlassen und weichen einer sich rasch aufbauenden Zelt-Stadt der jungen Trickfilmschaffenden. Aber nicht nur die akkreditierten Studenten möchten die schönsten Festival-Highlights erleben vor den großen Leinwänden. Zu oft sind die Plätze von den Trickfilm-Interessierten schnell ausgebucht!.

Geduld zählt sich dann aus, nicht nur beim Trickfilm-Nachwuchs. Festival-Director Jean hat hier einen Rat. Besonders für Neulinge, die während des Festivals die Geduld nicht verlieren sollten. »Wenn Du wirklich etwas sehen willst und keinen Platz mehr bei der Reservierung erhalten hast, einfach nicht aufgeben! Komm´ rechtzeitig für die obligatorische Annecy-Festival-Warteschlange! Eine Stunde und früher solltest du da sein. Es gibt dort jede Menge Kommunikation zwischen den Besuchern gratis! Dort kannst Du die besten Infos und Tipps bekommen von den ebenfalls wartenden Fachleuten. Quasi Akquise und Networking gratis! Typisch Annecy Festival.« Überall zeichnen Trickfilmschaffende in ihrer Wartezeit vor den Kino-Eingängen. Üben sich in Skizzen, Porträts, künstlerischen Studien. Verschenken ihre Werke an andere Wartende! Give Aways zwischendurch als Andenken an eine schöne und kreative Woche in Annecy.

Das Annecy-Festival 2025 begann übrigens diesmal mit dem Start der Programm-Buchungsmöglichkeiten etwas unglücklich. Denn das Onlinesystem stürzte erst einmal durch einen Bot-Angriff von außen ab. Hunderte von Anfragen innerhalb von Sekunden für bestimmte Programme machten eine Restaurierung der Plattform notwendig. Erstmalig in der Geschichte des Festivals. Hier zahlte sich aber aus, dass es für die vielen Bagdeholder unterschiedliche Kategorien der Zuteilung gibt. Die Buchungen konnten schließlich ohne Komplikationen abgeschlossen und verteilt werden.

Eines der Highlights des diesjährigen Events war die Uraufführung der neu als Animationsfilm umgesetzten Version von »Animal Farm« – der weltbekannten Novelle von George Orwell. Verantwortlich für die Neu-Interpretation ist niemand anderes als Andy Serkis, der sich nach seiner Schauspieler-Karriere (»Herr der Ringe«/ »Hobbit«/ »Planet der Affen« etc.) in den letzten Jahren besonders einen Namen als Regisseur gemacht hat. Andy präsentierte die Premiere des fertiggestellten Werks selbst im Bonlieu – das große Theater hätte beim großen Zuschauer-Andrang mehrmals ausgebucht sein können! 2012 hatte Serkis mit seinem Partner Jonathan Cavendish die Rechte für den Film von den Orwell-Nachkommen erworben und wollte die Story in die heutige Zeit transportieren. Parallel zu »Planet of the Apes« arbeitete er sofort am Film, der anfangs noch nicht als reiner Animationsfilm geplant war. Performance Capture und Motion-Capture durch Computerunterstützung sollten es dann auf jeden Fall sein. Reiner Zeichenrickfilm-Look wurde nach anfänglichen Versuchen ausgeschlossen. Serkis wollte kein märchenhaftes Werk, sondern eines mit Realität und Perspektive. »Man sollte beispielsweise das Gewicht der Schweine im Film sehen und spüren. Wenn sie durch den Schlamm laufen, versinken sie regelrecht im Matsch!« Verschiedenen Produktionshäusern wurde der langsam wachsende Film über Jahre angeboten, bis er 2018 bei Netflix landete. Das Unternehmen erkannte aber nicht das Potential des Werks für das Streaming. So wurde es schließlich durch die Umsetzung von Imaginarium/ Aniventure ein großartiger Langfilm mit Kino-Qualität. Durch die langjährige Arbeitszeit von 2012 bis 2025 ist die Umsetzung auch mit aktuellem politischen Hintergrund garniert. Die Figur »Napoleon«, der bekannte Herrscher der Schweine auf der Farm, erinnert durch sein Agieren und Outfit doch sehr stark an Donald Trump. Serkis lobte bei der Vorstellung besonders Filmpartner Aniventure, die ihm bei der Umsetzung des Films freie Hand gelassen hätten. »Das ist in der heutigen Zeit sehr selten«, so Serkis. »Ich kenne mittlerweile genug andere Film-Unternehmen, die das nicht zulassen und angstgetriebene Entscheidungen fällen. Jeder Film soll seine Produktionskosten sofort wieder einspielen. Meine Partner waren mutig, daher konnten wir eine stimmige Umsetzung des Stoffes in neuem Gewand schaffen!«

Groß gefeiert wurde in Annecy diesmal auch, denn die Trickfilmmesse MIFA zelebrierte ihren 40. Geburtstag! Film-Einkäufer der TV-Anstalten, Softwarehersteller, Fernsehanstalten, Produzenten, Unternehmen, Hochschulen, Autoren, Filmemacher und Headhunter gaben sich hier die Hand und kommunizierten auf dem großen Gelände zwischen Imperial-Palast und dem Seeufer. Neue Projekte wurden den Vertretern aus mehr als 100 Ländern vorgestellt. Länder wie Australien, Neuseeland, Vietnam, Schottland, Bangladesh, Costa Rica und Kosovo hatten erstmalig einen großen Messe-Stand. Die deutschen Vertreter von German Films, German Animation und der Kurzfilm AG veranstalteten wieder den »Deutschen Empfang« am Dienstag der Annecy-Woche und luden ganz originell einen Tag später Festival-Goer zu einem »Animation-Picknick« am Seeufer ein. Stark vertreten auf der MIFA war 2025 Japan – in Nachbarschaft mit Ständen aus China und Südkorea. Auch hier wurde deutlich, dass der Markt für Animé-Filme deutlich wächst.

Deutschland war in Annecy mit mehreren Filmen vertreten, konnte aber in den Wettbewerben die Annecy-Jurys – bis auf den den Bereich der TV-Serien – nicht entscheidend beeindrucken. Viel Lob und Aufmerksamkeit bekamen aber besonders das Feature von Heinrich Sabl (»Memory Hotel«) und der animierte Unterwasser-Kurzfilm »9 Millionen Farben« von Bara Anna. Im Off Limits- und Perspektives-Shortfilmprogramm bekamen »Gerhard« von Ulu Braun und »All this Death« von Fadi Syriani viel Beifall. »Gerhard« war insofern außergewöhnlich, weil Ulu Braun bei der Entstehung des Films KI eingesetzt hatte. Ein großes aktuelles Thema im Filmschaffen, heiß diskutiert vom Fachpublikum des Festivals und auf der MIFA! Das sicherlich zukünftig im Kontext von Vergleichbarkeit der Wettbewerbskriterien auch eine Herausforderung für die Annecy-Jurys werden wird!

Auch VR bleibt ein großes Gesprächsthema, hat aber bereits seinen eigenständigen Wettbewerb im Annecy-Programm. Der deutsche Filmemacher Pedro Harres, im Vorjahr mit einem Award für seine VR-Arbeit ausgezeichnet, präsentierte diesmal auf der MIFA sein neues Projekt »LaLaLabyrinth«. An seiner Stelle starteten 2025 im Wettbewerb »VR Works« Aria Wolf und Janina Zlotos für Deutschland mit dem VR-Film »Lichtung« (Filmakademie Baden-Württemberg), der aber schließlich ohne Auszeichnung blieb. 

Das Festival wurde mit der großen Vergabe-Zeremonie der Awards abgeschlossen. Besonders wichtig waren die großen Preise für Kurz- und Langfilm. Hier gewann in der Langfilm-Kategorie den Kristall für Feature-Film Ugo Bienvenu (Frankreich/2D-Zeichentrick) für »Arco«. Der Grimault-Award ging an »Dandelion’s Odyssey« von Momoko Seto (Belgien/ verschiedene Animation-Techniken). Für das Feature »ChaO«, eines der überraschend starken Animé-Werke in Annecy 2025, bekam Director Yasuhioro Aoki (Japan/ 2D-Zeichentrick) den Jury Award überreicht. Das Annecy-Publikum hatte sich für den Audience Award »Little Amelie or the Character of Rain« von Mailys Vallade und Liane-Cho Han (Frankreich/2D-Zeichentrick) ausgesucht. Aber auch in der Kategorie Kurzfilm gab es vielfältige Awards zu überreichen. Gleich mehrere Preise verdiente sich Pierre-Luc Granjon (Frankreich/2D-Bleistift-Zeichentrick) für seinen Short-Film »Night Boots«, gewann dabei den Kristall von Annecy.

Der Jury-Award für Shorts war diesmal die einzige Auszeichnung für einen amerikanischen Film (Michael Granberry/ Puppentrick). Auch die Studenten-Filme hatten in Annecy ihren besondern Platz im Wettbewerb mit einem eigenen großen Award. Dieses Jahr ging der Kristall für den besten Debut-Short an Lena Martinez (Frankreich) mit »Zootrope« (2D-Zeichentrick). Martin Bonnin (Frankreich) wurde für »Between the Gaps« (2D/3D-CGI) mit dem Jury-Award für Studentenfilm bedacht. Preisträger im Bereich VR war Ondrej Moravec (Tschechische Republik) mit »Fragile Home« (3D-CGI). Auch für den besten Video-Clip war ein Kristall vorgesehen, den die Jury an Lola Lefevre (Frankreich/ 2D-Zeichentrick) überreichte. Sie hatte das Musikvideo »Naive New Beaters« für die Pop-Gruppe Ye Kou si Kuo produziert.

Dieses Jahr wurde in Annecy nur eine einzige deutsche Produktion mit einem Award bedacht. Der Jurypreis für eine TV-Serie wurde der Regisseurin Elena Walf der Stuttgarter Trickfilmschmiede Studio Film Bilder für die Serie »Lenas Hof« (»Lena’s Nest«) verliehen. Die Reihe wurde in Koproduktion mit Minya Film aus Zagreb und dem ZDF produziert (Producer: Thomas Meyer-Herrmann). Die Trickfilm-Serie besteht aus 26 Episoden mit einer Laufzeit von je 5 Minuten und 40 Sekunden, die alle auch als eigenständige Kurzfilme funktionieren. Zielgruppe der Shorts sind Kinder im Vorschulalter und ihre Familien, sie beschreiben das bunte Zusammenleben auf einem Bauernhof mit all seinen unterschiedlichen Tier-Charakteren. Regisseurin Elena Walf hat die tierischen Beziehungen mit Empathie und Humor in poetische Geschichten und liebevoll gezeichnete Bilder in einem originellen klassischen Zeichentrickfilm-Stil umgesetzt.

Zum Abschluss des Festivals konnte Director Marcel Jean noch die große Neuigkeit verkünden, dass gerade zentral in Annecy ein neuer beeindruckender Ort gebaut wird, der zukünftig das ganze Jahr außerhalb der jährlichen Festival-Woche jeden Besucher der Stadt mit Aktionen/Screenings/Ausstellungen daran erinnern soll, Zeit in der Welt-Hauptstadt des Animationsfilms zu verbringen! Jean hatte diesmal mit ausgesuchten Gästen während des Festivals schon die Baustelle besucht, auf der dieses neue Trickfilm-Mekka aktuell entsteht. Auch ein weiteres Groß-Kino mit vielen Plätzen wird dort eingerichtet, das vielleicht schon nächstes Jahr bei sicherlich erneut wachsender Besucherzahl des Festivals zusätzliche Zuschauer aufnehmen kann. Au revoir 2026, Annecy-Festival!

Autor: Jürgen Keuneke

Mehr zu den Trickfilmfestivals der vergangenen Jahre finden Sie hier …

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Looking forward

Die Initiative World Design Capital (WDC) wird von der internationalen Organisation World Design Organization vergeben. Sie zeichnet Städte oder Regionen aus, die Design als strategisches Instrument für gesellschaftliche, wirtschaftliche und ökologische Entwicklung einsetzen. Nach Städten wie Helsinki, Mexiko-Stadt oder Lille wird Frankfurt RheinMain 2026 erstmals eine gesamte Metropolregion repräsentieren. »Mit der Einladung zur aktiven Beteiligung an der Gestaltung unserer Lebensräume und unserer Demokratie«, verweist die Website der WDC 2026 auf ihre – eindeutig ziemlich umfangreiche – Aufgabe.

Design als Methode, Gesellschaft aktiv mitzugestalten

Und nicht nur die Dimension erweist sich für das eigens einberufene Team als Herausforderung, eine weitere, ganz banale liegt für die Programmleiterin Barbara Lersch auf der Hand: »Die Welt hat sich seit den ersten Bemühungen um den Titel vor über zehn Jahren stark verändert«, erklärt sie im Gespräch. »Viele Themen aus der Bewerbung haben demnach an Relevanz verloren – andere sind drängender geworden.« Demokratie, Partizipation, soziale Gerechtigkeit – das sind heute zentrale Begriffe. Und genau hier setzt die Gestaltungskraft des Projekts an: Design wird nicht nur als visuelle Disziplin verstanden, sondern als Methode, Gesellschaft aktiv mitzugestalten – in, trotz oder sogar gerade wegen einer sich ständig verändernden Welt.

Lersch selbst kommt ursprünglich aus dem Kulturmanagement und der Stiftungsarbeit. Für sie war die Bewerbung ein persönlicher Schritt: »Ich bin sehr intrinsisch motiviert. Für mich war das eine seltene Gelegenheit, gesellschaftliche Wirkung mit kultureller Praxis zu verbinden.« Sie sei schon seit Schulzeiten sozial engagiert, »da landet man dann eben irgendwann in solchen Positionen«, lacht sie, die Freude an ihrer Aufgabe merkt man ihr an. Besonders reize sie die Tatsache, dass die WDC den Anspruch verfolge, öffentliche Gelder wirkungsvoll einzusetzen und so auf gesellschaftliche Herausforderungen zu reagieren.

Kommunikation als wichtiger Hebel

Im Zentrum steht dabei der Versuch, sehr unterschiedliche gesellschaftliche Gruppen miteinander ins Gespräch zu bringen. Denn gefördert wird das Projekt unter anderem von der Wirtschaftskammer – doch was heißt »Wirtschaft«, wenn gleichzeitig kulturelle und soziale Initiativen integriert werden sollen? Das WDC-Team ist daher interdisziplinär aufgestellt, Träger der Initiative ist der Verein Design FRM, unterstützt von der Stadt Frankfurt, dem Land Hessen, dem Regionalverband und Partnern aus der Wirtschaft und dem Kulturfonds Frankfurt RheinMain. »Mal geht es um politische Bildung, mal um Kreativwirtschaft, mal um Stadtentwicklung«, erklärt Lersch die Aufgabe, unterschiedliche Akteur:innen an einen Tisch zu bringen. Die Vielstimmigkeit sei Erschwernis und Potenzial zugleich – und ihre Rolle darin vor allem die einer Übersetzerin und Vernetzerin.
Ein wesentlicher Hebel, um die Anliegen an die Öffentlichkeit zu tragen: Kommunikation. Das hat auch die Zusammenarbeit mit lokalen Akteur:innen aus der Gestaltungsbranche sowie der Agentur Stan Hema gezeigt, die dem Team half, komplexe Inhalte verständlich aufzubereiten. Die Berliner Agentur, bekannt für ihre Arbeit für Auftraggeber wie die Bundeszentrale für politische Bildung oder Amnesty International, steht für markenstrategische Prozesse mit Haltung, die eine empathische und zugängliche Sprache benötigen. Der ursprüngliche Titel »Design for Democracy – Atmospheres for a better life« war vielen schlicht zu abstrakt.

»Das darf kein einmaliges Feuerwerk sein«

Heute versucht das Team, über Geschichten zu arbeiten, konkrete Bilder zu erzeugen. Etwa, wenn ein Gestaltungskollektiv gemeinsam mit einer Obdachlosenunterkunft neue Räume entwirft. »Solche Projekte wie der ›Kiosk of Solidarity‹ sind greifbar. Da versteht jeder, worum es geht«, so Lersch. »Wir versuchen, über gezielte Quervernetzung neue Wege zu gehen. Etwa über öffentliche Stammtische, Umnutzung von Räumen, das Zusammenbringen lokaler Projekte, wie Tobias Trübenbacher, der den Radweg am Main nachhaltig beleuchten will. Wir haben ihn mit einem lokalen Radprojekt und einer Mobilitätsinitiative zusammengebracht.« Als weiteres Beispiel nennt sie ein leer stehendes Hochschulgebäude mit Kunstbibliothek, das zwischengenutzt werden darf. »Ein tolles Gebäude – dort kann etwa die Stiftung Buchkunst ihre Ausstellung zum 60. Jubiläum zeigen. Solche smarten Kombinationen suchen wir.«

Und das sei insbesondere für den öffentlichen Mehrwert des Projekts wichtig, schließlich geht es einerseits darum, ein Programm zu entwickeln – ein spannendes, vielfältiges, unterhaltsames Kulturfestival im Jahr 2026. Andererseits sehe sie aber auch die Aufgabe, eine Bewegung zu initiieren – mit nachhaltiger Wirkung. »Das darf kein einmaliges Feuerwerk sein. Wir wollen tatsächlich Veränderungen anstoßen. Ich versuche das über Netzwerkarbeit, eine Mischung aus inhaltlicher Setzung und organisatorischem Zusammenbringen.« Dabei ist das Programm so angelegt, dass es sowohl thematische Tiefe als auch breite Zugänglichkeit ermöglicht: Sieben Programmschienen strukturieren die Inhalte horizontal – von Partizipation über Bildung bis zu wirtschaftlichen Aspekten –, zehn Handlungsfelder wie Gesundheit, Mobilität oder Kultur bilden die vertikale Achse. Das Ziel: Anschlussfähigkeit für möglichst viele Menschen, ob designaffin oder nicht.

Ein neuer Kontext

Partizipation ist dabei kein Schlagwort, sondern gelebtes Prinzip. Der Open Call 2024 war eine Mammutaufgabe – mit über 1000 Einreichungen. Rund 400 Ideen werden weiterverfolgt, etwa 200 davon finanziell gefördert. Die Spannweite reicht von Nachbarschaftsinitiativen bis zu Konzepten etablierter Institutionen wie dem Jüdischen Museum oder der Schirn Kunsthalle und eigenen großen WDC-Veranstaltungen. Besonders erfreulich: Rund die Hälfte aller Projekte kommt direkt aus der Bevölkerung. »Das ist wunderschön, wenn auch wahnsinnig aufwendig«, lacht Lersch. »Denn echte Teilhabe bedeutet, dass wir in die Prozesse hineinwachsen müssen. Vieles entsteht erst beim Machen.«
Gleichzeitig spiegelt das Programm einen gesellschaftlichen Wandel wider: Während 2022 noch Themen wie Nachhaltigkeit, Kreislaufwirtschaft oder Wasserstoff im Fokus standen, haben sich die Prioritäten heute verschoben. Migration, Zusammenhalt, gesellschaftliche Polarisierung – das sind die Themen, die jetzt brennen. Und damit verändert sich auch der Kontext, in dem sich das Programm verorten muss. Zumal vieles davon im Herbst 2026 stattfindet – das sei ein ständiges Austarieren zwischen Konkretion und Offenheit für den Prozess. »Unsere Regierung ist konservativer geworden, das nimmt Einfluss auf die Positionierung und unsere Themen‹«, ordnet Lersch ein. »Ich bin mit einem klaren Wertekompass angetreten, aber muss gleichzeitig anschlussfähig bleiben. Auch das gehört zur Realität eines solchen öffentlichen Projekts.

»Die Öffnung des Designbegriffs ist notwendig«

Genau hier entfaltet Design seine gesellschaftliche Relevanz. Nicht im klassischen Sinn, als schönes Produkt oder markttaugliche Innovation. Sondern als gemeinschaftlicher Prozess, als Werkzeug zur Gestaltung von Beziehungen und Räumen des Zusammenlebens. »Design kann Demokratie stärken – aber nur, wenn wir den Begriff öffnen«, so Lersch. Weg vom Autorendesign, hin zu kollektiven Prozessen. Weg vom Elfenbeinturm, hin zum Quartier. »Wie wollen wir leben? Wie hören wir einander zu? Und wie entwerfen wir gemeinsam Lösungen?«, das sind die Fragen, die sie umtreiben.
Manchmal gebe es Gegenwind – auch aus den Reihen des traditionellen Designs. »Viele sagen: Das ist doch kein Design mehr! Ich verstehe diese Kritik. Und trotzdem bin ich überzeugt: Die Öffnung des Designbegriffs ist notwendig. Nur so wird Design nachhaltiger, wirksamer, gerechter.« Zu möglichen Handlungsfeldern der WDC 2026 haben Anna Scheuermann und Matthias Wagner K daher das Buch »Was kann Design denn schon ausrichten?« herausgegeben, an dem unterschiedliche Autor:innen beteiligt waren. »Um ein so großes Thema wie Demokratie zu bearbeiten, braucht es zwingend Interdisziplinarität. Für mich ist Design immer ›Design plus eine andere Disziplin‹. Demokratie betrifft uns alle, also müssen wir Schnittstellen schaffen, um das Thema wirklich relevant zu bearbeiten.«

Und wie geht es nach 2026 weiter?

Was bleibt, ist ein Spagat: zwischen Vision und Realität, zwischen partizipativer Offenheit und der Notwendigkeit, konkret zu werden. Aber vielleicht ist genau das die eigentliche Leistung der World Design Capital Frankfurt RheinMain 2026: Sie zeigt, dass Gestaltung weit mehr sein kann als Formgebung – nämlich gesellschaftliche Verantwortung.

Und geht es nach 2026 weiter? Diese Frage wurde schon im Open Call immer wieder gestellt. »Ganz garantieren kann man das natürlich nicht. Aber durch die Sichtbarkeit und Finanzierung kann man Dinge anstoßen«, sagt Lersch. »Unser Ziel ist es, dass es danach eine Art Office gibt – dass die geschaffene Infrastruktur weiter genutzt wird, etwa durch eine geförderte Stelle von der Stadt.« Um den Impact des Projekts zu belegen, werden alle Programmpunkte evaluiert. Wenn lokale Netzwerke nachweislich gestärkt und neue Perspektiven auf gesellschaftliche Herausforderungen sichtbar gemacht wurden, wirkt das weiter, so Lersch: »Es geht ja auch um Selbstwirksamkeit: Auch beim Versuch, ganz große Räder zu drehen, können vor allem die kleinen Rädchen viel bewegen.«

Mehr zum World Design Capital 2026 auf deren Website, die auch die Projekte näher vorstellt

Weitere Infos zum Reader »Was kann Design denn schon ausrichten?«

Disclaimer: Statt des Credits des Fotografen haben wir in der Printausgabe versehentlich den Blindtext in den Druck geschickt. Dies bitten wir zu entschuldigen. Die tollen Fotos vom WDC 2026 stammen vom Frankfurter Fotograf und Fotoredakteur Ben Kuhlmann.

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Weniger Preise, mehr Präzision

Besonders deutlich wurde dieser Anspruch im Wettbewerb: Die Jurys vergaben rund 24 Prozent weniger Nägel als im Vorjahr – eine ungewöhnlich starke Korrektur. Die Begründung: mehr Strenge, mehr Qualitätsbewusstsein, mehr Verantwortung. ADC-Präsidiumssprecher Burkhard Müller betonte, dass exzellentes Handwerk in Zeiten generativer Mittel umso wichtiger sei. Es zähle nicht nur die Idee, sondern deren präzise, glaubwürdige und mit Haltung ausgestaltete Umsetzung.

Das klingt zunächst nach einer altbekannten Binse. Doch die diesjährigen Grand Prix zeigen, dass genau das der neue Maßstab ist: Haltung ist kein Beiwerk mehr, sondern Grundvoraussetzung – sowohl gestalterisch als auch kommunikativ.

Gestaltung mit Rückgrat

Beispiele? Die »Penny Price Packs« von Serviceplan sind nicht nur verkaufsfördernde Sonderverpackungen, sondern ein radikaler Kommentar zur sozialen Wirklichkeit – direkt im Regal, direkt im Alltag. Oder die Schriftfamilie »FC Sans Pauli« von Karl Anders, die dem FC St. Pauli ein eigenes typografisches Rückgrat verpasst – visuell wie ideologisch. Und »Am I?« von Elastique. stellt die KI-Frage nicht als Toolfrage, sondern als ästhetisches Szenario – mit einer poetischen Roboterinstallation, die das Publikum weder belehrt noch beunruhigt, sondern zum Nachdenken bringt. Was diese Projekte eint: Sie vertrauen auf Gestaltung als kulturelle Praxis. Und sie zeigen, dass Design nicht nur Mittel zum Zweck ist, sondern Träger von Haltung, Kontext und Verantwortung.

Grand Prix für »The First Speech« und »Solomiya Magazine – No.3«

Zwei der prägnantesten Grand Prix des ADC 2025 vereinen politische Relevanz mit gestalterischer Konsequenz. »The First Speech« von INNOCEAN Berlin für Reporter ohne Grenzen basiert auf den ersten offiziellen Antrittsreden autoritärer Führer – Putin, Maduro und Erdogan. Diese ursprünglichen Versprechen werden kontrastiert mit Bildern hoffnungsvoller Bürger:innen – und entlarven so per Reduktion und Brillanz den schmerzlichen Bruch zwischen Worten und Realität. Die Bildsprache, geprägt durch analoges Kinofeeling, kommt ohne Showeffekte aus – und entfaltet still, aber eindrücklich, die Stärke des dokumentarischen Kinos.

Das »Solomiya Magazine – No. 3« gestaltet von Kollektiv Scrollan wiederum erzählt von Ukraine im Krieg – roh, emotional, gleichwohl grafisch hochwertig gearbeitet. Als gedrucktes Zeitdokument überzeugt es durch eine visuelle Grammatik, die Zerrissenheit, Hoffnung und Verzweiflung gleichermaßen abbildet. Ohne plakative Symbolik schafft das Magazin Nähe – und verankert Design als Erfahrungsmedien, nicht als bloße Informationsvermittlung. Es ist ein Beispiel dafür, wie Editorial Design kritische Narrative bedienen kann, indem es Gestaltung und Inhalt so eng koppelt, dass das Magazin selbst zum Träger von Solidarität wird.

KI: Showcase oder Substanz?

Dass die KI-Debatte nicht am ADC vorbeigeht, war zu erwarten. Auf der Conference Stage lieferten unter anderem Nicolas Neubert (Runway) und Mieke Haase mit ihrer AI-Künstlerin KOI anschauliche Cases. KI ist hier längst mehr als Produktionsmittel – sie wird zum Kooperationspartner, zur stilprägenden Kraft. Doch gerade in einem gestalterisch anspruchsvollen Kontext wie dem ADC stellt sich die Frage: Wie lässt sich Qualität in KI-getriebenen Prozessen überhaupt bewerten?

Es war spürbar, dass viele Jurys sich noch in einer gewissen Abtastphase befinden. Die Unsicherheit, ob KI-Ästhetik nun Innovation oder Effekt ist, durchzog zahlreiche Diskussionen. Ein Umstand, der sich nur durch eine stärkere Auseinandersetzung mit Technologie und gestalterischer Theorie beheben lässt. Hier liegt eine Aufgabe, nicht nur für den ADC, sondern für die gesamte Designausbildung und -kritik.

Zwischen Buzz und Berufsbild

Das Festival bot wie immer ein breites Angebot für die nächste Generation: Speed Recruiting, Mappenchecks, Workshops. Besonders gefragt: Kurse zu KI-Texting, Storytelling und Female Leadership. Auch das ist ein Signal: Die künftige Kreativbranche sucht nach Werkzeugen, aber ebenso nach Werten. Der Beruf des Designers ist heute mehr denn je mit Fragen nach Verantwortung, Sinn und Wirkung konfrontiert. Eine gute Idee allein reicht nicht mehr – es braucht Kontext, Haltung und Resonanz.

So bleibt das ADC Festival 2025 ein Festival im Übergang. Der Wille zur Erneuerung ist deutlich spürbar – ebenso wie der Spagat zwischen Festivalökonomie und inhaltlichem Tiefgang. In einer Branche, die sich selbst immer wieder neu erfinden muss, ist das vielleicht unvermeidlich. Entscheidend ist, ob die kreative Szene diesen Wandel nicht nur benennt, sondern auch mitträgt. Denn wenn der ADC wirklich »die Welt mit Kreativität verändern« will, dann braucht es mehr als Bühnen und Buzz. Es braucht Diskurs, Qualität – und ein Designverständnis, das mehr ist als Packaging.

Bilder: © Kevin Mohr / Paul Feuerboether / Art Directors Club für Deutschland

Mehr zum Art Directors Club für Deutschland

Regelmäßig berichten wir über unsere Lieblingsprojekte der Talent Awards, etwa in der Ausgabe 05.24 »Haptik & Print«

Der nächste große Termin beim ADC ist die ADC Design Conference am 20. Oktober in Stuttgart

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Design war nie nur schön. Es war immer auch Werkzeug, Haltung, Zukunftslabor. Genau das wurde an diesem Morgen im Bayerischen Hof deutlich, wo ein interdisziplinär besetztes Panel über Verantwortung, Visionen und Gestaltungsspielräume sprach. »Design ist immer in der Krise«, brachte Designtheoretiker Dr. Oliver Herwig die Grundspannung auf den Punkt. Der Satz ist kein Kulturpessimismus – sondern ein realistischer Ausgangspunkt. Und natürlich ein großes Potenzial – schließlich bewegt sich Gestaltung stets im Spannungsfeld zwischen Anspruch und Realität, zwischen Form und Funktion, zwischen Hoffnung und Grenzen.

Design, das verbindet

Die Ethiken der Permakultur – earth care, people care, limits of consumption and growth – wurden als möglicher Zukunftskompass vorgeschlagen. Design, das sich dieser Wertegemeinschaft verpflichtet, könne Brücken schlagen: zwischen Ökonomie und Ökologie, zwischen Individualität und Gesellschaft, zwischen Technologie und Menschlichkeit.

Nadine Vicentini, Geschäftsführerin von bayern design, verantwortlich für die munich creative business week, formulierte den Anspruch so: »Technologie sollte im Dienst der Menschheit stehen – Design muss hier Lösungen finden für das, was uns ausmacht.«

Dabei gehe es auch um ein neues Selbstverständnis der Branche. Vicentini mahnte an, dass Designer:innen sich zu oft erklären oder rechtfertigen müssten. »Vielleicht müssen wir mit einem neuen Selbstverständnis an das Thema ran – dazu, was wir im großen Kontext eigentlich machen.«

Designwirtschaft mit Haltung

Dara Sepehri, Vorstand des DDC, betonte: »Design ist die drittgrößte Wirtschaftsmacht – wo sind die Anknüpfungspunkte? Wir müssen uns die Worthoheit über Begriffe wie ›Wertegemeinschaft‹ zurückholen.« Design, so Sepehri weiter, könne eine Form des demokratischen Lobbyings sein – sichtbar, wirksam, verantwortlich.

Wie das konkret aussehen kann, zeigte unter anderem das Projekt »Ruffini Chair«: ein sogenanntes Communication Furniture, das nicht nur als Objekt, sondern als Gesprächsanlass dient. Mit einer individuell gestaltbaren Oberfläche und integriertem Weinkühler soll der Stuhl Auseinandersetzung fördern – sinnlich und funktional zugleich.

Design mit Unsicherheit

Produktdesigner Christian Zanzotti sprach offen über die Herausforderungen der Materialwahl und das ständige Dazulernen: »Jedes Projekt ist ein Learning – wir wissen oft nicht, was uns erwartet. Materialität ist eine unglaubliche Herausforderung.«

Auch Prof. Dr. Moritz Basil Mungenast, Architekt und Zukunftsdenker, sprach sich für eine positive Sichtweise aus: »Unsere Zeit birgt Potenzial. Als Designer:innen wollen wir, dass Optimismus und nicht Pessimismus die Oberhand gewinnen.«

Vielfalt, so die einhellige Meinung des Panels, sei keine bloße Floskel, sondern Voraussetzung für echte Resilienz. Design kann diese Vielfalt abbilden – und nutzbar machen.

Der DDC Salon München machte deutlich, dass Design nicht die Antwort auf alle Krisen ist – aber sehr wohl ein Werkzeug, um Fragen zu stellen, Diskurse zu eröffnen und Wandel zu begleiten. Vielleicht ist das schon eine der wichtigsten Aufgaben heute: Räume zu schaffen für Verständigung, Verantwortung und Visionen. Oder, wie es Nadine Vicentini ausdrückte: »Als bayern design wollen wir die Gestaltungskompetenz in den Unternehmen stärken.« Der morgendliche Salon war ein starkes Plädoyer für genau das: Gestaltung nicht nur als Profession zu denken – sondern als Haltung, die Wirkung zeigt.

Alle Fotos: © Nele Holland-Moritz

Mehr zur Arbeit des DDC

Eine Übersicht zum Programm der munich creative business week

Alle Termine und das Programm von Various Others

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Inzwischen hat es schon Tradition, dass die Künstler:innen beim ESC mit einem Introduction-Video angekündigt werden, das Impressionen aus dem jeweiligen Gastland vermittelt. Die Schweiz knüpfte in diesem Jahr an die eigene Illustrationsgeschichte an, und präsentierte gezeichnete Motive im Stil alter Plakate aus der goldenen Ära des Schweizer Tourismus. Der ESC knüpft so visuell an die Tourismus-Tradition der Schweiz an und lässt auch den Brauch des Versendens von Urlaubspostkarten neu aufleben, denn alle Motive wurden gedruckt und physisch an die Interpret:innen geschickt.

Das Kreativbüro Vaudeville Studios aus Zürich illustrierte alle Postkarten inhouse. Die 37 grossformatigen Illustrationen sind komplett von Hand und ohne jegliche KI-Unterstützung entstanden, zu sehen sind Orte aus allen Landesteilen. Eine solche illustrierte Serie habe es bisher noch nicht gegeben, sagen die Kreativen von Vaudevile Studios stolz.

Mehr zum Hintergrund

Die Vaudeville Studios wurden im November 2024 von der Zürcher Filmproduktionsfirma Dynamic Frame für die Mitarbeit am ESC-Pitch zur Erstellung der Artists-Introfilme, den sogenannten Postcards, angefragt. Die SRG als ausführendes Organ des ESC Basel 2025 lud sechs Produktionsfirmen ein, um für die Erstellung der Filme und der illustrierten Vintage-Postkarten zu pitchen. Zwei Firmen haben es in die zweite Runde geschafft. Hier musste eine Postkarte produziert werden. Jeder Artist der 37 Länder erhält von einem Ambassador aus der Schweiz (reguläre, diverse Personen, keine berühmten Persönlichkeiten) eine physische Postkarte zugeschickt und wird an einen speziellen Ort in der Schweiz für eine gemeinsame Aktion eingeladen. Basel als austragende Stadt hat die meisten vertretenen Events (inklusive Fasnacht, Beyeler Museum, Tramfahrt mit historischer Strassenbahn etc.).

»Eine der grössten Herausforderungen für uns war, die fertig gezeichneten und gedruckten Postkarten rechtzeitig vor Drehbeginn physisch bei Dynamic Frame abzuliefern. Denn in den Postcard-Filmen halten die Artists die physischen Postkarten in den Händen. Ab Entscheid Drehort und Interaktion Ambassador mit Artist(s) blieben uns oft nur 3 bis 5 Tage für eine komplette Umsetzung inklusive Druckproduktion pro Postkarte! Dies bei gleichzeitigem Dreh von diversen Postcards in wenigen Tagen. Das bedurfte der perfekten Planung unsererseits und der Bereitstellung von genügend Women- und Menpower in der Zeit von Mitte Januar bis Mitte April«, erklärt Roger Zürcher, Inhaber und Head 2D & Animation bei Vaudeville Studios.

»Alle Postkarten sind inhouse in Zürich Wipkingen mit unseren Angestellten entstanden. Ohne jegliche KI-Unterstützung. In der Pitch-Phase sind diverse generative KI-Tools zwar getestet, aber verworfen worden. Sie haben sich allesamt als nicht zielführend  herausgestellt. Keines der Tools besaß die nötige Präzision (exaktes Sujet inklusive Aktion mit Ambassador, Optimierung des Bildausschnittes durch Weglassung oder Ergänzung von Gewünschtem und Ungewünschtem etc.), Flexibilität (sehr vertikale Hierarchiestufen mit vielen Personen, die Korrekturwünsche anmerken) und Kontinuität (37 Postkarten im selben, neu entwickelten Stil).«

»Entstanden ist eine bisher – nach unserem Wissen – einzigartige, umfassende Serie von 37 grossformatigen Postkarten-Illustrationen (können problemlos auf A1 oder grösser ausgedruckt werden – Plakate sind im offiziellen Shop erhältlich) zu ausgewählten Locations in allen Landesteilen der Schweiz. Sobald alle 37 illustrierten Postkarten beim ESC veröffentlicht worden sind (die ersten 18 Sujets im 1. Halbfinale, weitere 19 beim 2. Halbfinale), werden sie als kultiges Set online erhältlich sein«, sagt Roger Zürcher.

Team

Verantwortlich bei Vaudeville Studios: Projektverantwortlicher und Creative Direction: Roger Zürcher. Illustration Postkarten: Nicolas Charly, Lead Artist. Marlene Low, Illustration. Zéa Schaad, additional Illustration. Dania Terzi, additional Illustration. Anaïs Voirol, additional Illustration. Giulia Laugel, additional Illustration.

Verantwortlich bei der SRG: Art’ur Deyneuve, Art Director. Mira Bürgi, Associate Show Producer.

Verantwortlich bei Dynamic Frame: Luzius Fischer, Executive Producer. Theresa Berres Creative Producer. Jen Ries, Creative Director. Luca Zurfluh, Creative Director.

Schriftgestaltung: Designstudio Tristesse 

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Text: Susanne Schaller

Im Castello Sforzesco stehen Besucher:innen im Halbdunkel vor Michelangelo Buonarrotis Pietà in Kontemplation. Hinter ihnen erklingen die ergreifenden Live-Stimmen von Arvo Pärts Stabat Mater, während magische Lichtspiele über die unvollendeten Formen des Meisterwerks tanzen: Die Performance »Mother« des amerikanischen Regisseurs Robert Wilson steht als Auftakt der diesjährigen Mailänder Designwoche – eine Eröffnung, mit der sich der Salone unter dem Motto »Thought for Humans« bewusst als ein kulturelles Gesamtkunstwerk präsentiert.

Seit seiner Gründung im Jahr 1961, als eine Gruppe findiger italienischer Unternehmer die Möbelmesse ins Leben rief – inspiriert von der positiven internationalen Resonanz auf die erste deutsche Ausstellung der Koelnmesse im Vorjahr – hat sich der Salone Jahr für Jahr zu einem globalen Aushängeschild für Designkultur entwickelt.
Spricht man in diesem Jahr von den Highlights der Fiera in Milano Rho, fällt zum Ersten der Begriff: »La dolce attesa«. Eine Inszenierung des italienischen Regisseurs Paolo Sorrentino, die dem Warten und Innehalten gewidmet ist – »eine Einladung, sich in einem schwebenden Raum zu entspannen, ohne Angst und Unruhe«, wie die Szenografin Margherita Palli es beschreibt. Jeweils zwei Gäste – die Plätze waren binnen kürzester Zeit ausgebucht – stiegen in einen kleinen Aufzug, der sie in eine andere Wirklichkeit entführte. Dort geleiteten sie »Krankenschwestern«, Schauspielerinnen des Teatro Piccolo mit leiser Geste zu Chaises-Longues, wo sie die Schönheit des Augenblicks kosteten. 

Die meisten Messebesucher:innen jedoch konnten es kaum erwarten, den endlosen Marathon mit 2100 Ausstellern aus 37 Ländern zu starten – auf der Suche nach den neuesten Trends und Inspirationen. 

Hier ein kurzer Einblick zur Chronik: 
Dominant sind satte, tiefe Farbtöne – Barolo-Rot, erdiges Moosgrün sowie warme Cognac- und Bernstein-Nuancen. Brokatartige Stoffe in gedeckten Farben, pastellige Akzente, samtige Oberflächen und skulpturale Silhouetten – insbesondere bei Polstermöbeln – erleben ein Comeback. Neben dieser neuen, organischen Opulenz zeichnet sich die Tendenz zu einem »Soft Minimalism« ab, der das kühle skandinavische Stil-Understatement hinter sich gelassen hat: Klare Linien bleiben erhalten, werden jedoch durch Naturmaterialien und weiche Texturen entschärft.

Neben zahlreichen Re-Editionen historischer Klassiker und Design-Ikonen wächst das Angebot individuell konfigurierbarer, modularer Möbelstücke. Im Schlafzimmer dehnen sich großzügige XXL-Betten zu regelrechten Cocooning-Landschaften aus – häufig ergänzt durch passendes, funktionales Begleitmobiliar.

Nahezu allgegenwärtig intelligente Materialien: Oberflächen, die Ladestationen integrieren, smarte Textilien, die auf Temperatur reagieren, und modulare Systeme, die durch Apps gesteuert werden können. Sie zeigen, wie Technik über ihren funktionalen Zweck hinaus integraler Bestandteil der Material- und Formentwicklung wird, um sich – auch in Bezug auf Leuchtmittel – als atmosphärisches, adaptives Erlebnis nahtlos ins Interieur einzufügen.

Materialität: Der Rohstoff als Botschaft

Das Schlagwort »Materialwende« war omnipräsent. Kork, Hanf, Myzelium, recycelte Kunststoffe und lokal gewonnenes Holz dominieren die Materiallisten der großen Hersteller ebenso wie die der jungen Designstudios. Zellulosefaser-Verbundstoffe, sogenanntes »Holzmetall«, werden vielfältig eingesetzt und auch Beton wird zu einem Gestaltungstool. 
Das Streben nach Perfektion in der Materialästhetik weicht dabei zugunsten des Unfertigen und Prozesshaften. Raue, sichtbar recycelte oder gar bewusst unvollkommene Oberflächen spiegeln die neue Zentralität von Geschichte, Authentizität und Materialbiografie.

Mit einem caveat jedoch: Noch immer dominieren bei vielen Ausstellern Marketingstrategien über echte Materialinnovationen. Während Nachhaltigkeit und ethisches Design von vielen Marken als Werte hochgehalten werden, bleibt oft unklar, wie tief diese Prinzipien tatsächlich im Unternehmensalltag integriert sind. Der Einsatz natürlicher Materialien wie Kork und recycelter Kunststoffe ist ein Schritt in die richtige Richtung, doch deren Umsetzung und Lebenszyklus müssen kritisch hinterfragt werden.
Gut zu wissen ist, dass im April in Mailand die größte Materiothek Italiens eröffnet hat. Auf 500 m² mit über 1.200 Mustern, 5.000 Exponaten und 15.000 Produkten im Katalog will sich Materia 2.0 als Ort für Forschung, Inspiration und innovative Materialerfahrung etablieren.

Vor dem Sog des Mare Magnum der Design Week in der Innenstadt, noch einen Blick in den SaloneSatellite: Unter der kuratorischen Leitung von Paola Antonelli – Senior Curator im Department of Architecture and Design sowie Director of Research and Development am New Yorker MoMA – präsentierten hier unter dem diesjährigen Motto »New Craftsmanship: A New World« U-35 Designer ihre Prototypen. Der erste Preis ging an Kazuki Nagasawa vom japanischen Studio Super Rat für seine Behältnisse aus Rinde, gefertigt unter Anwendung traditioneller Färbetechniken. Platz zwei belegte das niederländische Studio Luis Marie mit »Plissade«, einem Paravent aus reinem Textil, der gänzlich ohne Bindemittel oder Klebstoff auskommt – allein durch die Kunst des Plissees in Form gehalten.

Fuorisalone

Interaktive Architekturen und ästhetische Eskapaden 

Im Ehrenhof der Pinacoteca di Brera dreht sich die »Library of Light« von Es Devlin: Die Skulptur aus leuchtenden Bücherregalen erinnert an eine Sonnenuhr. Sie symbolisiert die Bibliothek als Ort der Erkenntnis, ein poetischer Raum für Lesungen und kollektives Nachdenken, der – so die britische Künstlerin – dazu anhalten soll, den Wert der Zeit wiederzuentdecken.

Aber die Zeit, ja, sie ist das Problem. Kaum einer der Design-Pilger setzte sich zum Lesen – wohl aber zu einem erschöpften Pitstop im schwindelerregenden Karussell dieser Mailänder Aprilwoche mit rund 1.050 Beiträgen, wo kollektive Liegelandschaften – wie das bunte Lümmeln bei Marimekko im Teatro Litta – und eskapistische Konzepte gerne angenommen werden. Der Zeitgeist sucht Ruhe. Schlangen bildeten sich vor immersiven Installationen wie »Making the Invisible Visible« von Lachlan Turczan für Google – wortwörtlich blieb man dabei mit den Füßen erstmal auf dem Boden – verführt im Kunstnebel globaler Marketingmaschinen.

Kunst und Literatur als Markenbotschaft

Knallbunt strahlt das »Hyper Portal« der Künstlerin Michela Picchi am Palazzo Moscova. Die medienwirksame Pop-Art-Verkleidung ist Teil eines Kunstförderprojekts von Glo. Der Tabakerhitzer-Hersteller, gemeinsam mit dem Automobilhersteller Denza Hauptsponsoren des Fuorisalone, steht dabei nicht allein: Auch Grand Seiko liegt mit den leuchtenden dahinschmelzenden Eisskulpturen (»Frozen«) des japanischen Designers Tokujin Yoshioka am Puls der Zeit.

Lavazza lässt die portugiesische Bildhauerin Joana Vasconcelos für sich sprechen: Im kolonnadengesäumten Innenhof des Palazzo del Senato eröffnet sich eine 18 Meter durchmessende Installation, die vollständig mit Kaffeepulver bedeckt ist, im Inneren tropische Pflanzen und Wasserspiele.

Im Anschluss ist man wieder wach genug für den »Literary Club« von Miu Miu im Circolo Filologico Milanese, wo über Bildung, Gleichberechtigung, Simone de Beauvoir und Fumiko Enchi diskutiert wird. Oder man hopst herum per KI in eine Chiquita-Banane verwandelt. Im Dickicht der Fuorisalone-Events unter dem Motto »Connected Worlds« gibt es alles zwischen sacro e profano, nur eines nicht: Business as usual. Und das ist gut so. 

Kreative Kontaminationen

Im wahrsten Sinne des Wortes herausragend ist die Ausstellung »Weaving Anni Albers« im sechzehnten Stock des Torre Velasca. In Zusammenarbeit mit der Josef & Anni Albers Foundation hat Dedar textile Entwürfe und Werke der Künstlerin, die zwischen 1936 und 1974 entstanden sind, mit zeitgenössischen Mitteln neu interpretiert und sensibel in die Gegenwart übersetzt.

Doch nicht nur in luftiger Höhe, auch unter der Erde verbirgt sich ästhetisches Potential: Zwischen alten Duschen und travertingetäfelten Umkleideräumen mit pastellfarbenen Mosaiken schimmern in der ehemaligen öffentlichen Badeanstalt Piscina Cozzi von 1934 unter dem Titel »Two-Fold Silence« Lampen und Accessoires aus mundgeblasenem Glas – präsentiert von 6:AM Glassworks.

In ein labyrinthisches Spiel aus schwebenden Strukturen und bunten Lichtreflexen tauchen die Design Addicts in der ehemaligen Sporthalle Pelota. Charlotte Macaux Perelman, künstlerische Leiterin von Hermès, hat hier die Home-Collection des Hauses wie Schätze in einem geheimen Schmuckkästchen inszeniert.

Marken-Rituale

Im Brera Design District zelebrieren Mode- und Lifestyle-Labels ihre Exklusivität gerne in Andacht suggerierenden Sakralbauten: So würdigt Gucci in den Chiostri di San Simpliciano aus dem 16. Jahrhundert mit der Ausstellung »Bamboo Encounters« den Werkstoff Bambus – sowohl in der Geschichte des Designs als auch in der Historie des Hauses, die mit der legendären Gucci-Bamboo-Bag von 1947 ihren Anfang nahm.

Im Klosterhof der Chiesa del Carmine steht ein 16 Meter langer Tisch aus Libanonzeder von Sebastian Cox (UK). Gedeckt hat ihn das australische Körperpflege-Label Aēsop und lädt auch in die Sakristei, um die Gäste mittels der multisensorischen Installation »The Second Skin« wieder zu sensibilisieren. 

Ein abwechslungsreicher »Teapot«-Walk erwartet sie im Palazzo Citterio: Von surreal bis minimalistisch sind die Teekannen, die 25 Kreative für Loewe gestaltet haben. 

In die Biblioteca Ostinata führt der Wegweiser zu »The Last Pot«. Alessi stellt hier eine eklektische Kollektion von Graburnen vor – eine zugleich ästhetisch wie symbolisch interpretierte Serie, entworfen von internationalen Designgrößen, darunter Giulio Iacchetti, Philippe Starck, David Chipperfield, Naoto Fukasawa und Daniel Libeskind.

Design-Theater

Mit einer ausgefallenen Inszenierung im Teatro Lirico Giorgio Gaber feierte Cassina das 60-jährige Jubiläum seiner an Le Corbusier, Jeanneret und Perriand inspirierten Kollektionen mit »Staging Modernity«. Formafantasma und Fabio Cherstich suggerierten eine modernistische Vision, die Natur und Design neu denkt und die Grenzen zwischen Mensch, Tier, Wildnis und Moderne bewusst verschwimmen lässt – ein Ansatz, der in einigen Designpositionen in Mailand in Nature Reframed- und post-anthropozentrischen Konzepten zum Tragen kam.

Designer als Protagonisten

Selbst zu Hauptdarstellern wurden die Gestalter in »The Theatre of Things – 7 Nights and 7 Days: Living with Collectible Design«. Die Künstlergruppe, darunter Objects of Common Interest, Linde Freye Tangelder und Espace Aygo bezog während der Design Week die Galerie Delvis (Un)Limited, die sich für diesen Anlass in eine Sammlerwohnung verwandelt hatte – mit Schaufensterblick auf die belebte Via Fatebenefratelli. Jeden Morgen wurden die Designer von einem Journalisten oder Kurator bei Kaffee geweckt – für ein informelles Gespräch über die Erfahrung.

Alcova goes Varedo

Auf der Suche nach atmosphärischen Kulissen verlegte Alcova sein Experimentierfeld in diesem Jahr in die Gemeinde Varedo nahe Monza und bespielte dort vier außergewöhnliche Orte: die historischen Villen Borsani und Bagatti Valsecchi, eine stillgelegte SNIA-Chemiefabrik sowie die von der Natur zurückeroberten Pasino-Gewächshäuser – einst eine der größten Orchideenzuchten Europas. Diese bildeten einen kontrastreichen Rahmen für die einfallsreichen wie materialbewussten Konzepte junger Designer:innen. So präsentierte das Studio Tooj eine Kollektion aus 3D-gedrucktem Quarzsand. Das Atelier Luma zeigte Möbel aus Bioplastik und Teppiche aus Palmwedeln, entstanden in Kooperation mit dem Irthi Contemporary Crafts Council.

Dialog im Palazzo 

Neben den Ausstellungen in der Triennale, dem ADI Design Museum, legendären Galerien wie Nilufar und hochkarätig kuratierten Showrooms bietet die Mailänder Design Week immer auch die seltene Gelegenheit, prachtvolle Palazzi zu betreten, die sonst der Öffentlichkeit verschlossen bleiben – etwa den Palazzo Donizetti, eine faszinierende Residenz aus dem 19. Jahrhundert. Hier zelebrierte Artemest sein zehnjähriges Bestehen, indem sechs internationale Designstudios jeweils einen Raum auf ihre ganz eigene Weise interpretierten.

Im Palazzo Serbelloni wiederum zeigt Louis Vuitton seine Kollektion »Objets Nomades«: experimentelle, funktionale Designerstücke in limitierter Auflage, die inmitten einer Assemblage aus Teppichen, Tellern und Illustrationen aus dem Archiv des futuristischen Künstlers Fortunato Depero pointiert in Szene gesetzt sind.

Kreativität und und kultureller Durchdringung treffen sehr suggestiv in den barocken Räumen des Palazzo Litta aufeinander, wo Designer und Manufakturen aus aller Welt in der Ausstellung »MoscaPartners Variations« das Thema »Migrationen« erforschen.

Vision und Handwerk

Bereits in den vergangenen Fuorisalone-Editionen hat sich das House of Switzerland in der Casa degli Artisti als Plattform für zeitgenössisches Schweizer Design etabliert. Im diesjährigen Fokus stand »Kollaboration« als treibende Kraft für kreative Prozesse und gesellschaftlichen Wandel. Unter den Exponaten die »Ramel Series«, Alltagsgegenstände aus recyceltem Aluminium, die Antonio Severi in Kollaboration mit dem Exil Collective aus Beirut realisierte sowie die gemeinschaftlich entwickelte Stuhl-Serie der Hochschule ECAL in Kooperation mit dem japanischen Label Karimoku New Standard.

»Romantic Brutalism: A Journey into Polish Craft and Design« in der Visteria Foundation

Immer eine Augenweide sind die originellen Designobjekte von »Doppia Firma – Double Signature« in der Villa Mozart – ein Projekt, das innovatives europäisches Design mit traditionellem, regional verwurzeltem Handwerk vereint. Die Edition 2025 zeigte alpenländisches Kunsthandwerk im spannungsreichen Dialog mit den Entwürfen internationaler Designer wie Antonio Aricò, Cara/Davide, Bethan Laura Wood und Draga & Aurel.

Kontraste

»Secret location by appointment only« – so zu lesen in der Premiere-Einladung der Capsule Collection Garçonnière von Interior Designer Giuseppe Porcelli. Nicht jeder kam in den Genuss, einen voyeuristischen Blick in das Junggesellenrefugium zu werfen – eine Rauminszenierung, gelesen als subtile Interpretation homoerotischer Erfahrung. Intellektuelle Referenzen – von Jacques-Émile Ruhlmann bis Jacques Adnet, von Eileen Gray bis Jean Royère – warteten hier darauf, entschlüsselt zu werden.

Wesentlich zugänglicher war das Muji Muji-Minihaus des Pariser Studios 5·5 im Garten Pippa Bacca. Claire Renard und Jean-Sébastien Blanc, beide Pioniere des Upcyclings, ließen sich von der japanischen Architektur inspirieren und begegneten mit ihrem Wohnkonzept dem zunehmenden Bedürfnis nach Rückzug im urbanen Trubel.

Besonders quirlig ging es derweil in der Via Tortona zu, in primis im legendären Superstudio, das sein 25-jähriges Jubiläum unter dem Motto »Glück« feierte – und alles zeigte, was zwischen futuristischen Visionen (Lexus), multisensorischen Wasserspielen (Geberit) und einer Schau thailändischer Kreativität noch Platz hatte.

Kollaboratives Design

Ein lohnender Zwischenstopp in der Zona Tortona war auch das Projekt »The Convivial Laboratory« des Kulturzentrums BASE. Hier werden soziale Räume neu gedacht und die gemeinschaftliche Nutzung von Ressourcen vorangetrieben. Installationen wie Talamo oder The Camp luden dazu ein, sich aktiv mit den Themen Gemeinschaft, Protest und nachhaltiger Alltagsgestaltung auseinanderzusetzen.

Alternative Perspektiven auf Design und Architektur in Zeiten globaler Systemkrisen zu entwickeln, hat sich auch Dropcity zur Aufgabe gemacht. Das von Andrea Caputo initiierte Zentrum, beheimatet in den miteinander verbundenen Tunneln hinter dem Mailänder Hauptbahnhof, zeigte mit der Ausstellung »Prison Times – Spatial Dynamics of Penal Environments« eine kritische wie einfühlsame Reflexion über die Einrichtung weltweiter Strafanstalten.

Oben auf den Gleisen von Milano Centrale wartete indes der von Gio Ponti und Giulio Minoletti designte Zug »Arlecchino«: Darin Platz nehmen konnte man bei »Prada Frames« – einem interdisziplinären Symposium, das jährlich zum Salone del Mobile von Formafantasma kuratiert wird. Die diesjährige thematische Reise »In Transit« führte zu globalen Transport- und Logistiksystemen – und deren Einfluss auf Umwelt, Gesellschaft und Designkultur.

Soziale Verantwortung 

Formate und Konzepte wie diese machen deutlich: Design ist längst mehr als die Gestaltung von Objekten, Oberflächen oder Materialien. Es begreift sich als Medium, Spiegel und Experimentierfeld gesellschaftlicher Veränderungen. Die diesjährige Ausgabe des Mailänder Salone zeigte eine Branche, die sich ihrer Verantwortung für Umwelt, Gesellschaft und Kultur zunehmend bewusst wird. Der Salone sollte dies durch zunehmende Kommerzialisierung und den Einfluss großer Luxusmarken nicht verspielen – schon gar nicht zulasten unabhängiger Designer und Manufakturen. Die Diskrepanz zwischen ästhetischem Anspruch, ethischem Selbstverständnis und marktwirtschaftlicher Realität besteht weiterhin. Und genau hier liegt die Aufgabe der kommenden Jahre: Design als aktives Werkzeug für eine nachhaltige und lebenswerte Zukunft zu begreifen.

www.salonemilano.it

www.fuorisalone.it

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Die Essenz von Communities

Eines wurde bei der Anmoderation von Sabine Hansky und beim Einstieg ins Thema mit dem Panel schnell klar: Eine Community lässt sich nicht eindeutig definieren – und das ist auch gut so. Sie ist weit mehr als eine lose Gruppe Gleichgesinnter, die für jede:n etwas anderes bedeuten kann. Fast immer jedoch geht es um Austausch, Vertrauen und gemeinsames Arbeiten an Ideen oder Projekten.

Dass eine lebendige Community kein Nice-to-have ist, sondern ein essentielles Netzwerk – quasi ein Zugeständnis, dass man einander braucht –, haben wir beim Grafikmagazin selbst oft erlebt. Unsere Crowdfunding-Kampagne zum Start des Magazins wurde von weit über 500 unterstützenden Menschen getragen. Die ersten zwei Jahre verbrachten wir im Coworking Space des Ruffinihauses, wo Begegnungen und Gespräche unser Arbeiten prägten. Unsere Konferenzen – von der Creative Paper Conference bis zur Druck und Design Konferenz – bringen regelmäßig Kreative zusammen, die sich sonst vielleicht nie begegnet wären. Auch der Abend im Munich Urban Colab hat eindrucksvoll gezeigt, wie sehr Menschen den persönlichen Austausch in physischen Räumen suchen – denn virtuelle Netzwerke können echte Begegnungen nicht ersetzen.

Zentrale Erkenntnisse aus der Diskussion

Achtung vor der Bubble-Bildung: So wertvoll eine Community ist – sie kann auch ausschließend wirken. Wer nicht aufpasst, bleibt unter sich. Digitale Algorithmen verstärken diese Tendenz zusätzlich. Die Herausforderung besteht darin, Communities offen und durchlässig zu halten. Eine tolle Intiative ist hier die hiesige munich creative business week, die es sich auch mit dem diesjährigen Motto »How to design a vibrant community« zur Aufgabe macht, auf die verschiedensten Akteur:innen zuzugehen und Synergien zu schaffen. Auch das Programm des mcbw Design Summit spiegelt dies wider; der Tag voller Keynotes und Panels findet am 12. Mai 2025 übrigens ebenfalls im Munich Urban Colab statt.

Auch der Wert physischer Orte sowie der direkte Austausch bleiben essenziell, das wurde im Panel mehrmals betont. Das Munich Urban Colab selbst zeigt, wie Orte Begegnung und Zusammenarbeit ermöglichen können. Doch ohne engagierte Menschen, die diese Räume beleben und vernetzen, bleibt es nur ein Gebäude. Community Manager spielen hier eine entscheidende Rolle, davon erzählte auch Marco Eisenack, der neben der Arbeit am Mucbook zig Coworking Spaces und Zwischennutzungen mitinitiiert hat. Er plädierte sehr für mehr echtes Interesse an Mitgestaltung und Engagement im Lokalen: »Empathie ist nicht laut – zumindest nicht im Vergleich zu Hass. Die virtuelle Welt kann hier nicht die alleinige Lösung sein, da sie dort zu leise ist. Wir brauchen echte Begegnungsorte, denn nur dort können wir sie wirklich spüren.«

Eine Wortmeldung aus dem Publikum definierte auch das Ehrenamt als treibende Kraft, was auf viel Zustimmung stieß: Viele erfolgreiche Communities basieren auf freiwilligem Engagement. Ohne Menschen, die sich in ihrer Freizeit für eine Sache einsetzen, würden viele Initiativen gar nicht existieren. Doch auch städtische Initiativen, wie diejenigen, von denen Julia Christiansen berichtet, werden natürlich gebraucht. Genauso relevant ist es, dass wirtschaftliche Akteur:innen hier engagieren; just zum Panel stellte die Mars Wrigley Foundation das Förderprojekt »Zusammen.Halt« vor, das im Großraum München Begegnungsstätten mit bis zu 100.000 $ unterstützt und so einen »aktiven Beitrag zu einem zukunftsfähigen und lebendigen München leisten möchte«, hieß es.

Für mehr reale Vernetzung in der Kreativszene!

Für das Grafikmagazin stand an dem Abend thematisch die Vernetzung mit dem Kreativquartier und der Münchner Designszene im Fokus – eine Community, die uns in unserer Arbeit konkret beeinflusst und immer wieder inspiriert. Viele unserer Artikel entstehen aus Gesprächen und Begegnungen, oft direkt im Viertel oder bei Events. Das Munich Urban Colab und das Kreativquartier sind tolle Beispiele für diese Synergien – sie ermöglichen spontane Zusammenarbeit und den direkten Austausch, der Innovation erst möglich macht.

Doch auch über die Grenzen Münchens hinaus möchten wir mit unserer Arbeit immer wieder für mehr reale Zusammenarbeit und lokale Vernetzung plädieren. Das gelungene »Inspiration & Talk«-Format hat auch dank der vielseitigen Wortmeldungen aus dem Publikum eindrucksvoll gezeigt: Communities sind essenziell für Innovation, gesellschaftlichen Zusammenhalt und lebenswerte Städte. Die Diskussion auf der Bühne war inspirierend, die Gespräche im Anschluss umso wertvoller.

Danke an Sabine Hansky für die tolle Moderation und an alle Gäste für den lebendigen Austausch! Es war eine Freude, Teil dieser Runde zu sein.

Mehr zum Programm und Hintergrund des Innovation Hub und Gründungszentrum Munich Urban Colab

Zum diesjährigen Motto und zum Programm der munich creative business week

Alle Infos zum mcbw Design Summit, der im Munich Urban Colab stattfinden wird

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Die bereits fünfte Edition der Talk-Serie »New Modes of Being«, initiiert von BMW Group Design und Die Neue Sammlung – The Design Museum, zeigte einmal mehr, dass Design nicht nur Form und Funktion verbindet, sondern auch unsere Geschichten – und damit unser Leben – berühren und verändern kann. Angelika Nollert, Direktorin der Neuen Sammlung, leitete das Gespräch, das passenderweise im X-Depot umringt von Designklassikern stattfand, mit einer wichtigen Beobachtung ein: »Design ist immer auch Storytelling – funktional und lösungsorientiert.« Für Nollert ist es entscheidend, über Narrative Neugierde zu schaffen, die das Interesse der Menschen weckt und sie zum Nachdenken anregt.

Moderiert wurde das Panel von der Designjournalistin und Stilkolumnistin Valerie Präkelt, die die Diskussion gekonnt lenkte und spannende Einblicke herauskitzelte. Doris Dörrie, bekannte Filmemacherin und Schriftstellerin, eröffnete das Gespräch mit einer kritischen Perspektive auf das Storytelling. »Es ist für mich ein wenig beklagenswert, dass alles in eine Story verwurstet wird«, meinte Dörrie und hinterfragte die unersättliche Nachfrage nach Narrativen, die oft ausschließlich kommerzielle Interessen verfolgen. Ihrer Erfahrung seien die besten Geschichten diejenigen, die eine echte Transformation verlangen. »Man muss unterscheiden zwischen dem, was ein Held möchte und was er braucht – beides kann sehr unterschiedlich sein«, erklärte sie. Mit Bezug auf aktuelle Herausforderungen fügte sie hinzu: „Die Welt braucht etwas anderes als das, was wir oft möchten. Wir brauchen eine Welt, die überlebt.“

Christoph Niemann, Künstler und vielfach ausgezeichneter Illustrator, schloss an und sprach über den Einfluss des Schriftstellers Stephen King auf sein Verständnis des Erzählens – seine Illustrationen fänden seitdem oft ergebnisoffen statt. »Dinge, die keine konkrete Absicht haben, bewegen uns manchmal mehr«, erklärte er und betonte, dass wahre Kreativität oft dort entsteht, wo Kontrolle losgelassen wird. Niemann sieht die persönliche Perspektive als »eine Projektion und Empathietool« an, das die Menschen anzieht, weil es authentische Erinnerungen und Emotionen wiedergibt.

Der Designer Anders Warming, Leiter von BMW Group Designworks & Advanced Design, unterstrich, wie wichtig es sei, durch Design Erlebnisse zu schaffen, die für Menschen relevant sind: »Wir setzen uns bei unserer Arbeit in Menschen hinein, die in der Zukunft etwas erleben dürfen«, sagte er und betonte die Notwendigkeit, sich auf neue Ideen einzulassen, die über das Planbare hinausgehen. Diese Herangehensweise ermögliche es, das Unbekannte willkommen zu heißen und innovative Perspektiven zu entwickeln.

Abschließend kam das Gespräch auf die Frage der Vorhersehbarkeit in einer Welt, in der künstliche Intelligenz immer dominanter wird. Doris Dörrie warnte vor einer »Algorithmus-Kultur«, die Unvorhersehbarkeit zunehmend minimiert. »Das genaue Berichten über die eigene Wahrnehmung ist unser Schatz. Unsere Einzigartigkeit müssen wir pflegen, besonders in Zeiten von KI«, erklärte sie und hob hervor, dass gerade die Unvollkommenheit und Diversität des menschlichen Blicks einen unschätzbaren Wert darstelle.

Die Diskussion machte eindrucksvoll deutlich, dass Storytelling und Design auch in der heutigen Zeit ein kraftvolles Mittel sind, um persönliche und gesellschaftliche Transformationen zu begleiten. Mit dem Appell, Kreativität als individuelle und oft unvorhersehbare Ausdrucksform zu pflegen, hinterließen die Gäste eine inspirierende Botschaft, die über den Tag hinaus nachhallte.

Die nächste Edition von New Modes wird im Rahmen der MCBW 2025 stattfinden, alle Termine und Infos dazu finden Sie hier

Mehr zum X-D-E-P-O-T der Neuen Sammlung

Weitere Infos zu den Arbeiten von Christoph Niemann

Zum Durchklicken einige spannende Projekte von BMW Group Design

Weitere Infos zu Doris Dörrie auf ihrem Instagramkanal

Zur Website von Designjournalistin Valerie Präkelt

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»Print zeigt seine wahre Stärke«

Das diesjährige Motto sollte zeigen, was Print – besonders im digitalen Zeitalter – so großartig und relevant macht. Der Auftaktvortrag vom Sirene Design Studio schlug gleich eine inspirierende Richtung ein, und zeigte Print als Werkzeug der Transformation, dessen spielerische Gestaltung Sirene im Kollektiv angeht und dabei für die Freude an Experimenten und Solidarität plädiert.

Das Thema Haptik durchzog die Konferenz wie ein roter Faden. Chrish Knigge von Studio Grau erzählte eindrucksvoll, wie haptische Markenerlebnisse langfristige Verbindungen schaffen und im Gedächtnis bleiben. Am Nachmittag nahm Carolin Blöink von der Stiftung Buchkunst das Publikum mit auf eine Reise durch die Welt der Buchkunst. Seit mehr als fünfzig Jahren zeichnet die Stiftung die besten Buchgestaltungen aus und setzt sich für das gedruckte Buch als Kulturgut ein. »Unser Ziel ist es, die Qualität des Gebrauchsbuchs durch vielfältige Aktivitäten zu fördern«, sagt Blöink. Ein intensives Interesse ist spürbar, als die Zuhörer:innen über die kunstvollen Aspekte des Buchdesigns und mehr über die Kriterien des renommierten Auszeichnungen lernen.

Für Editorial Designer:innen besonders eindrucksvoll war auch der darauffolgende Vortrag von Florian Lamm vom Studio Lamm & Kirch, er sprach über die Gestaltung visueller Identitäten im Kultursektor und teilte mit dem Publikum seine Erfahrungen in der Buch- und Ausstellungsgestaltung. Lamm zeigte auf, wie herausragendes Design die Identität von kulturellen Projekten prägen und verstärken kann, und wie das Zusammenspiel von fantastischen Ideen und ausgefuchsten produktionstechnischen Clues in diesem Bereich genutzt werden kann.

Am späteren Nachmittag setzte Andreas Uebele von Büro Uebele mit seinem Vortrag über die gesellschaftliche Rolle des Designs ein klares Statement: »Kann Kommunikation die Welt verbessern?« Uebele beleuchtete die Verantwortung, die Designer:innen der Vermittlung komplexer Themen übernehmen können und stellte dabei das Corporate Design des Deutschen Bundestags als Beispiel vor. Er zeigte, wie prägnantes Design und durchdachte visuelle Kommunikation gesellschaftliche Werte transportieren und den öffentlichen Diskurs bereichern können.

Von Lithographie bis Markenentwicklung hinzu KI Trends

Auch der zweite Tag bot viele neue Perspektiven: Alexandros Michalakopoulos und Andreas Ruhe vom Morphoria Design Collective sprachen über kollaborative Kreativität, und begeisterte das Publikum mit globalen Print- und Ausstellungsprojekten von Palermo bis Shanghai. Raquel Ro von der Steindruck Werkstatt nahm uns mit auf eine Reise in die faszinierende Welt der Lithographie. »In der Lithographie steckt eine Kraft, die das Digitale nicht ersetzen kann«, erklärte sie und führte die Gäste in durch die Historie der ehemals transformativen Drucktechnik: »Wie so oft machten Kreative und Künster:innen vor, wie man sie einsetzen kann, und wurden von der Wirtschaft mit ihren Ideen kopiert«, erzählte sie.

Der Nachmittag startete mit der Session dreier Kurzvorträge von Sandra Teschow, Art Directorin des Wissenschaftsmagazins Science Notes, die Nachwuchsdesigner:innen Valeria Schriber und Niklas Wolf aus Hamburg, die über ihre vielfach ausgezeichnete Masterarbeit »Uprooted« sprachen, und der Prodiktioner und »Nachhaltig drucken«-Autor Marco Hanecke. Ihre kurzen, prägnanten Impulsen boten einen vielfältigen Überblick über aktuelle Ansätze – und Herausforderungen – im Design und der Druckproduktion.

Einen technologischen Kontrast bot Grit Wolany, Art Direktorin und Trend Scout aus Zürich, die in ihrem Vortrag über die Rolle von künstlicher Intelligenz in der Kreativbranche sprach: »KI eröffnet uns viele Möglichkeiten, stellt uns aber auch vor ethische Fragen. Wie weit wollen wir gehen? Wie können wir sicherstellen, dass menschliche Kreativität im Zentrum bleibt?« Wolanys Vortrag regte zu Überlegungen über Chancen und Grenzen von KI in der kreativen Arbeit an und zeigte humorvoll die Balance zwischen traditionellen Gestaltungsmethoden und innovativen Tools.

Mit ihr bildete die Keynote von Tom Ising und Hans Findling den Abschluss, der preisgekrönte Projekte zur Markenentwicklung kultureller Institutionen durch ihr Studio Herburg Weiland präsentierte – etwa die Arbeit für den Münchner Genusstempel Tantris Maison Culinaire oder die Stiftung Bauhaus in Dessau. Ein echtes Highlight, das den Stellenwert von Print in der kulturellen Kommunikation betonte.

Der Messebereich: Begegnungen mit Innovationen

Blättern, fühlen, mit allen Sinnen spüren: Einer der zentralen Dreh- und Angelpunkte der CPC war der Messebereich, in dem führende Unternehmen der Papier-, Druck- und Veredelungsbranche ihre Produkte präsentierten. Über 700 Quadratmeter, gefüllt mit innovativen Materialien und Veredelungstechniken. Die Begeisterung der Besucherwar spürbar, als sie bei Ausstellern wie G.F Smith, Igepa und Antalis neue Inspiration fanden. »Hier kann ich direkt erfühlen, was ich später für meine Designs nutzen werde«, erzählte uns eine Designstudierende, die mit zahlreichen Schätzen und Materialkatalogen von den Ständen wiederkehrte.

Wir sagen: Tausend Dank!

Wir freuen uns sehr über den Erfolg der Creative Paper Conference 2024, die lebhaft zeigte, dass Print vielen begeisterte Fans sowie einen festen Platz in der Kreativbranche hat. Zwei Tage voller kreativer Energie, inspirierender Vorträge und einzigartiger Begegnungen haben uns bestärkt: Print bleibt stark – weil es berührt, inspiriert und verbindet.

Es war eine große Freude für uns zu sehen, wie Designer:innen aus der ganzen DACH-Region, Branchenexpert:innen und Kreative sich über neue Ideen und Erfahrungen austauschen. Ein Aussteller, der beim Dinner an unserem Tisch saß, fasste es treffend zusammen: »Das ist das Besondere an der CPC – hier finden wir Gleichgesinnte, die die Leidenschaft für Print teilen. Man hat mit allen direkt ein Gesprächsthema.« Wir hoffen, dass viele neue Kontakte geknüpft oder alte Bekanntschaften aufgefrischt wurden – und wir spätestens bei der CPC 2026 von so manchem gemeinsamen Projekt hören werden. Das gilt natürlich auch für uns selbst: Die Dichte an frischen Ideen inspirierten auch uns zu intensiven Diskussionen und gaben uns neue Denkanstöße für die eigene Arbeit. Wir sagen tausend Dank an unsere Sponsor:innen, an die fleißigen Helfer:innen hinter den Kulissen, an alle Gäste und Aussteller:innen – und freuen uns aufs nächste Mal!

Alle Bilder: © Burke Akademie

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Das Line-up der Konferenz ist beeindruckend: Hochkarätige Speaker:innen wie Christina von Messling vom Future Today Institute, Sina Otto von Monotype oder Vincent Lammers vom preisgekrönten Designstudio BUCK, garantieren spannende Vorträge und Einblicke in die neuesten Entwicklungen. Von KI und AR über VR bis hin zu digitalen Transformationen wird alles diskutiert, was Marken, Kreative und Unternehmen in den kommenden Monaten beschäftigen wird.

Einer der großen Stars der Veranstaltung ist die Plattform selbst: Zwei Bühnen, vollgepackt mit international renommierten Expert:innen aus unterschiedlichen Disziplinen. Zentral für die Konferenz ist der Dialog zwischen visionären Kreativen und den Entscheider:innen führender Marken. Egal, ob es um neue Marketingansätze, zukunftsweisende Technologien oder konkrete Anwendungsfälle geht – die Teilnehmer:innen erwartet eine inspirierende Mischung aus praxisorientierten Tipps und visionären Ausblicken. Ein Höhepunkt ist zudem die Möglichkeit, sich in den ADC Masterclasses weiterzubilden. Hier teilen Branchenprofis ihre Erfolgsstrategien und bieten Workshops an, die helfen, Fachwissen zu erweitern.

Mit dabei sind große Namen wie Christian Mio Loclair von Journee, Franziska von Lewinski von The Observatory International, Karsten Kühn von HORNBACH und viele mehr. Die Speakerliste liest sich wie das Who-is-Who der digitalen Kreativszene, ergänzt von Unternehmen wie Lufthansa, Telekom, Procter & Gamble und Meta.

Parallel zur Konferenz lädt der Kunstpalast Düsseldorf mit einer Ausstellung von Gerhard Richter ein – die perfekte Gelegenheit, zwischen spannenden Vorträgen etwas Kunst zu tanken.

Kreativität trifft Zukunftstechnologie

Für Studierende gibt es übrigens ein besonderes Schmankerl: Mit einem stark vergünstigten Ticketpreis von 29 Euro bietet die ADC Digital Conference eine unschlagbare Gelegenheit, die ersten Schritte in die Welt der Kreativbranche zu machen und sich mit den Profis zu vernetzen.

Wohin die Reise in der digitalen Kommunikation geht, weiß natürlich keiner ganz genau. Doch wer sich von Expert:innen der Kreativbranche, Technologie und Wirtschaft inspirieren lassen möchte, findet bei der ADC Digital Conference 2024 Inspiration, die Zukunft der Kreativität selbst mitzugestalten.

Mehr Infos zum Lineup und den Speaker:innen

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Am einem heißen Donnerstag Ende Juni öffnete der Digital Hub Mainz erneut die Türen für die lokale Kreativ- und Designbranche: Das Open Festival brachte als wegweisendes Eventformat den Nachwuchs in den Austausch mit renommierten Studios und Medien, samt vielseitigen Rundgängen durch die Agenturen der Landeshauptstadt, Vorträgen und Netzwerkmöglichkeiten. Besonders faszinierend für uns als Medienpartner: Organisiert wurde der Tag maßgeblich von Studierenden des Fachbereichs Gestaltung der Hochschule Mainz selbst.

Individuelle Routen durch die Mainzer Kreativlandschaft

Kein schlechter Ort, um einen tollen Tag zu verbringen: Das Open Festival Mainz fand am malerischen Rhein statt, genauer gesagt im zentral gelegenen Gutenberg Digital Hub, ein regionaler Hub für Vernetzung von Wirtschaft, Wissenschaft und öffentlichen Institutionen. Dort fanden sich morgens die rund 150 Teilnehmenden in sechs Gruppen zusammen, um auf individuellen Route die Vielfalt der Mainzer Kreativlandschaft zu erkunden: Von Foto- und Filmstudios über Digitalagenturen bis hin zu Architektur- und Designbüros – die Teilnehmenden erhielten einen tiefen Einblick in die unterschiedlichsten kreativen Disziplinen.

Erst der Rundgang, dann die Dialoge

Zu den 30 teilnehmenden Agenturen, Studios und Ateliers zählten etwa Tip-Top Express, Herzblut & Bock, Supernju, Funk, 
Mathilda Mutant, 3st Kommunikation, BB25, alma, Schiebezimmer, Designfunktion, MPM, Formaat, descom, Autorenkombinat, martin & Friends, N,Eis, Amor Coffee, Signalkraft, Worthafen, Frau Annika, Kontrastfilm, REZO, flyingshapes, Stephan Günther, tripmind, Eumel Film, Less, Labor und Faerber Architekten. Das Besondere an diesem Jahr war die Erweiterung des Veranstaltungsprogramms: Nach den Rundgängen und divseren Austauschmöglichkeiten fanden die »Open Talks« statt – eine Art Speeddating mit den Agenturen, die eine direkte und dynamische Austauschmöglichkeit boten. Hierfür kamen alle teilnehmenden Studios abends wieder im Gutenberg Digital Hub zusammen und standen bei Wein und Snacks zum Gespräch zur Verfügung. So konnten die Nachwuchskreativen in kurzer Zeit wertvolle Kontakte knüpfen, Visitenkarten oder Portfolios überreichen und Rückfragen zu den Vorträgen der verschiedenen Kreativen gewinnen.

Wer hat die besten Fragen? Der Nachwuchs!

Dass wir solch wegweisende Netzwerkevents als Medienpartner begleiten und den Austausch vor Ort direkt miterleben können, ist für uns vom Grafikmagazin ein großes Privileg. Wann kommen schon so viele namhafte Kreativagenturen an einem Ort zusammen, um Studierenden direkt Rede und Antwort zu stehen? Eigentlich eine simple Idee – doch natürlich aufwendig zu organisieren und umzusetzen. Umso beeindruckender also, dass unter Leitung von Silke Philipps-Deters vom Designforum Rheinland-Pfalz sowie Professor Gregor Ade von der Hochschule Mainz eine engagierte Gruppe von Studierenden die Planung eigenhändig verantwortete.

Eine große Freude für uns: den Seite an Seite mit unseren Fachkolleg:innen von Slanted Publishers und Verlag Hermann Schmidt zu erleben, und sich einerseits untereinander, andererseits mit den Studierenden zum Verlagswesen auszutauschen. Wir waren höchst begeistert von den vielen komplexen Fragen zur Printproduktion, zu Bezahlmodellen, der kreativen Ideenfindung und dem Redaktionsablauf, die sich nach unseren Impulsvorträgen anschlossen. Dass wir uns außerdem in Mainz quasi in der Wiege des Buchdrucks befinden, machte viel Hoffnung für die Zukunft der Printlandschaft…

Gemeinsamer Abschluss und Ausblick

Beim abschließenden Get-together sprachen die Präsidentin der Hochschule Mainz, Prof. Dr. Susanne Weissman, und die Wirtschaftsdezernentin der Landeshauptstadt Mainz, Manuela Matz, und schlossen den Tag mit enthusiastischen Worten ab, die die Bedeutung der kreativen und medialen Vernetzung in Mainz betonten. Die lockere Atmosphäre bot den idealen Rahmen für vertiefende Gespräche und das Knüpfen neuer Kontakte. Nicht zuletzt der Einsatz und die Förderung der Hochschule und der Stadt Mainz selbst machte das Festival zu einem eindrucksvollen Beispiel für studentisches Engagement und professionelle Umsetzung. Das Eventteam zeigte nicht nur ihr organisatorisches Talent, sondern auch eine kreative Vision für die ganze Region, die das Festival zu einem unvergesslichen Erlebnis machte – für alle Beteiligten.

Was bleibt? Große Dankbarkeit für solche inspirierenden Eventformate, die den Dialog fördern, und die Vorfreude aufs nächste Open Festival Mainz, das auch im nächsten Jahr wieder die vielseitige Medien- und Kreativbranche der Stadt zusammenbringen möchte und seine Türen für einen Tag voller Inspiration und Austausch öffnet. Bis dahin: Open your eyes for creativity!

Alle Fotos © Jan Bema

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Die mcbw 2024 in ein paar Zahlen

Wenn man die Zahlen für sich sprechen lassen möchte, kommt bei der mcbw eine stolze Summe zusammen: Weit über 65.000 Besucher:innen und 190 Partner:innen kamen rund um das Motto »How to co-create with nature« in München zusammen, zwischen dem 11. und 19. Mai 2024 fanden mehr als 200 Events mit 290 Speaker:innen und Gästen statt. Und noch eine interessante Zahl: Die mcbw ist Mitglied der sogenannten World Design Week, ein Netzwerkverband aus über 40 Designwochen und Festivals auf der ganzen Welt. Ihr erklärtes Ziel ist, die Zusammenarbeit im Designbereich im Zeichen dieser Events und demnach auch die Kreativwirtschaft zu fördern.

Wie geht nature-centered design?

Exemplarisch für diese Mission stand bei der mcbw 2024 etwa der Design Summit 2024, der sich mit der drängenden Frage befasste, wie es sich mit der Natur leben, wirtschaften und gestalten lässt. Wie kann man also »nature-centered design« mit der Natur als Co-Creator umsetzen und mithilfe von Design Nachhaltigkeit begehrlich machne? Wie schaffen wir es, gängige Muster der Konsumgesellschaft zu überdenken und sowohl Designausbildung als auch Designverständnis darauf anzupassen? »Hier geht es nicht um Naturromantik, sondern um konkrete Fakten und Ergebnisse, denn die Zukunft unseres Planeten geht uns alle etwas an. Dabei kommt gerade dem Design eine Schlüsselrolle zu, denn 80% der Umweltauswirkungen eines Produkts werden tatsächlich schon in der Entwurfsphase festgelegt«, so hieß es seitens der mcbw. Zu dem komplexen Thema sprachen und diskutierten knapp 20 Speaker:innen, etwa der italienische Architekt und mcbw creative explorer 2024 Stefano Boeri, Daniela Bohlinger, Head of Sustainability Design der BMW Group sowie weiteren international renommierten Speaker:innen, die mit ihren diversen Perspektiven die Natur in den Mittelpunkt stellten.

Let’s walk together

Bei den Designwalks in Haidhausen konnten Besucher:innen das sogenannte Franzosenviertel mit neuen Augen erkunden. An neun inspirierenden Stationen luden die jeweiligen Gründer:innen mit ihren regionalen und nachhaltigen Konzepten dazu ein, kreative Köpfe, ihre Läden und Produkte kennenzulernen.

Wer den Designwalk nachträglich nochmal anhören möchte, hat Glück: das mcbw-Team hat hier alle Interviews mit den diesjährigen Stationen hinterlegt. Mit dabei: Jules & Mel im HIER Store, Suupinga, Macy Munich, Studio B, Studio 11, Wineslingers, REIBOLDS, Silberfabrik und die Stadtmöblierungs Insel der Städtischen. Viel Spaß beim Hören! 

Installationen und Publikumsmagnete in ganz München

Doch auch jenseits von Haidhausen hat die mcbw für die gesamten neun Tage maßgeblich den Münchner Stadtraum geprägt: Interaktiven Installationen, einem sehr präsenten Keyvisual bis hin zur Installation »Turning Point« von BLACKSPACE, die stellvertretend für die bedrohten Wälder eine 45 Jahre alte Bergkiefer auf der Grünfläche hinter der Alten Pinakothek inszenierte; mit einer Kurbel konnte sie durch Rotation, Licht und Sound interaktiv zum Leben erweckt werden. Besondere Publikumsmagneten waren die beiden mcbw pop up Container auf dem Königsplatz und »Am Pschorr« am Viktualienmarkt, und mit der Installation »Feierabendziegel« lockte man Passant:innen auf den Königsplatz: Drees & Sommer stellten mit ihrer Aktion Brand Experience und EPEA das Wegwerfen von Baustoffen nach deren Einsatz in Gebäuden in Frage. Die mit Zitaten namhafter Künstler:innen bedruckten Kunstwerke durften von den Besucher:innen mitgenommen werden. In unserer Redaktion erinnert ebenfalls einer dieser Ziegel sowohl an die Natur, als auch die mcbw, die wir als Medienpartner begleiten durften – und schürt schon die Vorfreude aufs nächste Jahr.

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