Zurück zum Reportage-Magazin für Frauen

Die Neuausrichtung des Magazins in Deutschland steht unter der kreativen Leitung von Werner Mink. Gestalterische Vorgaben habe es keine gegeben, sagt er, wohl aber die klare Markenidentität von Marie Claire. »Ein Magazin für Frauen, die Wertvolles und Schönes schätzen – nennen wir es ruhig Luxusmarken – und zugleich an politischen und sozialen Themen interessiert sind«, beschreibt er die Zielgruppe. Marie Claire sei schon immer mehr als ein Lifestylemagazin gewesen: »Nicht umsonst war der Marie-Claire-Claim früher ›Das Reportage-Magazin für Frauen‹.« Diesen Charakter galt es für den deutschen Markt modern zu interpretieren. Mink enwarf ein Layout, das Gegensätze vereint: »Ein ernsthaftes, geradliniges Design mit luxuriösen Akzenten wie Weißraum und ungewöhnlicher Seitenkomposition.«

Typografie ist mehr als nur Gestaltungselement

Ein besonderes Augenmerk legte er auf die Typografie. »Eine ultraschmale Helvetica trifft auf eine sehr feminine Serifenschrift. Extreme Größenunterschiede der Elemente verleihen den Seiten zusätzlich Spannung.« Diese Vielfalt steht im Einklang mit dem Konzept der »modernen Femininität«, das weder zuckersüß noch überladen wirken soll, sondern künstlerisch und cool. Für Mink ist Typografie mehr als nur Gestaltungselement: »Wir erleben eine regelrechte Typo-Explosion, was man auch daran sieht, dass ständig neue Boutique-Typefoundries entstehen.« Seine Inspiration schöpft er aus dem internationalen Austausch – besonders, wie andere Länder die Marie-Claire-­DNA aufgreifen.

Die Stärke von Print betonen

In einer Zeit, in der digitale Plattformen dominieren, setzt Marie Claire bewusst auf die Stärke von Print. Mink beschreibt die gedruckte Ausgabe als »belohnendes Erlebnis« für Leserinnen, die sich für Premiumjournalismus und -design entscheiden. »Blättern empfinde ich als wertvoller als Scrollen«, sagt er, »und die kuratierte Themenauswahl wirkt überlegter und wertvoller als die endlose Themenflut online.« Das Feedback der Leser:innen bestätigt die Relevanz der Rückkehr. Ob treue oder neue Fans der Marke – viele seien begeistert von der Haltung, die Marie Claire verkörpert, und lobten die visuelle Umsetzung. »Ein Magazin mit der ›Marie-­Claire-Haltung‹ passt perfekt in die Zeit«, fasst Mink die Resonanz zusammen. Mit einer mutigen Gestaltung, durchdachter Typografie und dem Fokus auf anspruchsvolle Inhalte zeigt Marie Claire, dass Print nicht nur überlebt, sondern neue Maßstäbe setzen kann – ein starkes Signal für den deutschen Magazinmarkt.

Den Artikel finden Sie im aktuellen Heft, dem Grafikmagazin 01.25 »Typografie«

Zum Portfolio von Werner Mink

Die Marie Claire können Sie hier bestellen

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Schon die von Lorenz Boegli gedruckte Save-the-Date-Karte war ein Highlight und machte Lust auf mehr. Mit dem Motiv eines Papierfliegers nahm die Reise zur Independent Paper Show (IPS) ihre Anfang und wurde Ende April im Terminal 2 des Flughafens Genf fortgesetzt. Stilecht erhielten alle Besucher:innen einen Koffer aus Karton, gefertigt von der Sonderegger AG, um alle weiteren Schätze verstauen zu können, die ihnen die 21 Aussteller aus der Papier-, Druck- und Weiterverarbeitungsbranche präsentierten. Den Zutritt zur IPS gewährte ein aufwändig gefertigter und verpackter Reisepass, den Bubu umgesetzt hatte. Den Pass konnte man sich an jedem Stand abstempeln lassen und so ein schönes Erinnerungsstück an eine gelungene Veranstaltung mit nach Hause nehmen.

Neben hochwertigen und teilweise neuen Kreativpapieren konnten die Besucher:innen auch nachhaltige Materialien entdecken. Man konnte Papier schöpfen, sich informieren und beraten lassen. Den intensiven Austausch und die kreative Atmosphäre in der Gepäckabfertigungshalle, die nur während der Ski-Saison genutzt wird, schätzen die jungen Kreativen ebenso wie alte Hase der Branche.

Am 12. und 13. Juni 2024 findet erstmals eine IPS in London statt. Die nächste IPS in der Schweiz ist am 7. und 8. Mai 2025 in Zürich geplant.

www.papershow.ch

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Soлomiya steht für Frieden

In Form einer unabhängigen Printpublikation wurde Soлomiya Magazine als Reaktion auf die russische Vollinvasion in der Ukraine 2022 ins Leben gerufen. »Soлomiya« ist ein ukrainischer Frauenname, der in etwa »Frieden« bedeutet; ein erstmal widersprüchliger Titel für eine Zeitschrift zum Krieg. Gerade deshalb möchte sie als Plattform für aufstrebende und etablierte ukrainische Kreative dienen, die ihrer Sehnsucht nach einem Ende des Kriegs Ausdruck verleihen. Sie bedienen sich einer breiten Palette von kreativen Mitteln, um persönliche Erfahrungen, emotionale Beobachtungen und intellektuelle Diskurse zu teilen.

Die harsche Realität des Kriegs

Künstler:innen wie Vsevolod Kazarin regen mit ihren Fotografien und Fragen zum Nachdenken über die Konzepte von Männlichkeit im Krieg an, während Alex Mashtalers bisher unveröffentlichte Fotografien die jugendliche Unschuld mit der harten Realität des Krieges konfrontieren.

Ivanna Kozachenko und das Künstlerkollektiv Commercial Public Art die Raum-Strategien der von russischen Streitkräften in den besetzten Gebieten errichteten Architektur. Essays von Lucy Zoria und Sebastian Wells bieten eine Vielzahl von Perspektiven auf die Lebenserfahrungen junger Ukrainer:innen im Ausland.

Eine herausragende Porträtserie mit dem Titel »War Dreams« des italienischen Fotografenkollektiv Caimi&Piccini etwa fängt die Gedanken eines jungen Soldaten aus Odessa ein, der nach »einer Reise, einem Flug und Freiheit« sehnt. Diese Serie beleuchtet die emotionalen Wirren des Krieges aus der Perspektive derjenigen, die an vorderster Front kämpfen.

Die dritte Ausgabe von Soлomiy bietet auch Einblicke in die koloniale Vergangenheit und die gegenwärtige Militarisierung der Ukraine durch Interviews mit bekannten Persönlichkeiten wie Asia Bazdyrieva, Maxim Dondyuk und Henrike Naumann. Diese Gespräche liefern eine tiefere Einsicht in die komplexen Zusammenhänge, die das Land prägen – sowie Realitäten, die Russland seit vielen Jahren zum Schweigen zu bringen versucht.

Ein großes Trotz-dem

Die dritte, 132-seitige Ausgabe von Soлomiya im Format 23 × 31 cm wurde erneut vom Kollektiv Scrollan feinfühlig gestaltet sowie klimaneutral und vegan gedruckt; Publisher ist SHIFT BOOKS (International), mit Unterstützung vom Reseller Readellion in der Ukraine. Das Editorial Design führt mit einer beeindruckenden Auswahl an Texten und Bildern in die tiefsten Ecken der ukrainischen Realität. Das Redaktionsteam von Soлomiya, bestehend aus Sebastian Wells, Vsevolod Kazarin, Andrii Ushytskyi und Ivanna Kozachenko, arbeitet mit Kollektiv Scrollan in enger Kooperation an der kreativen Vision des Magazins, das einerseits für die Realitäten des Krieges sensibilisieren, andererseits auch den Mut und Stolz der Ukraniner:innen übermittelt. »Wir spürten bei der Umsetzung ein großes Trotz-dem«, wie die Gestalterin und Designprofessorin Barbara Kotte vom Kollektiv Scrollan erzählt.

Die dritte Ausgabe von Soлomiya wurde am 13. März 2024 veröffentlicht und ist ein weiterer Meilenstein in der dekolonialen Auseinandersetzung von Künstler:innen mit der von imperialer Aggression geprägten Umwelt der Ukraine.

Hier das Soлomiya Magazin #3 bestellen

Mehr zum ausführenden Kollektiv Scrollan

Die erste Ausgabe von Soлomiya Magazine stellten wir in der Ausgabe 01.23 »Bars & Drinks« vor, hier bestellen

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Im Zentrum von FREUDE.FOREVER No. 2 steht die Frage nach dem Wesen des Neuen. Das Editorial betont, dass das Neue nicht nur durch die Schaffung von etwas, das es zuvor nicht gab, entsteht. Vielmehr verbirgt es sich hinter Herausforderungen, die eine neue Perspektive erfordern. »Es braucht Aufgeschlossenheit, Mut, Flexibilität und die Bereitschaft, gegen diejenigen anzugehen, die behaupten, etwas sei unmöglich«, heißt es seitens Chefredakteur David Barnwell.

Ein immersives Erlebnis

Symbolisch für die Erkundung des Neuen steht eine Blumensskultpur, die einerseits das geprägte Cover ziert, andererseits auch in digitaler Form als Augmented-Reality-Erlebnis existiert, zugänglich via QR-Code. Diese künstlerische Kreation des isländischen Kollektivs Fischersund repräsentiert die zunehmend hybride Welt der Innovation bei BMW, die die Grenzen zwischen Physischem und Digitalem verschwimmen lässt. Sie entstand in Zusammenarbeit mit Franziska Goppold, Director Design. »Sie bietet ein immersives Erlebnis, das die Grenze zwischen der physischen und der digitalen Welt verwischt und die Sinne über den Tastsinn hinaus anspricht«, erklärt sie.

Interagieren und neu erleben

Franziska Goppold, die gemeinsam mit ihrem Team die komplette Konzeption, Idee, Layout und Umsetzung verantwortete, macht mit ihrem farbenfrohen, raumeinnehmenden Editorial Design Lust auf beide Welten. Um das Monothema »The Neue New« auszureizen, wollte das Team mit der Idee und vielleicht auch den Grenzen von neuem Printdesign experimentieren: »Wie das Magazin der Zukunft aussehen könnte. Wie man Geschichten auf verschiedene Level und Perspektiven heben kann und tiefer in sie eintauchen kann«, so Goppold.

Für sie steht außer Frage, dass Leser:innen zukünftig immer interaktiver mit eingebunden werden – und so direkt auch denjenigen Printprodukte schmackhaft zu machen, die sonst eher digital unterwegs sind, »indem sie auf ganz anderer Ebene ein Magazin erleben können und sogar damit interagieren können«. Hier kommen also nicht nur Printfans auf ihre Kosten – für das Cover wird etwa das voluminöse chlorophyll-blattgrüne Gmund-Bio-Cycle-Papier verwendet – auch die digitale Welt wird kunstvoll eingeflochten.

Die Heftstruktur orientiert sich dabei an den sieben menschlichen Sinnen und lässt jeweils Expertinnen – wie Fermentationswunderkind David Zilber in der Rubrik »Taste« oder das Künstlerduo Mixantrophy in »Sight« –, die ihre individuelle Sichtweise auf das Neue in ihrem Leben und ihrer Arbeit teilen – von der Kunst der Floristik bis zu revolutionären Ansätzen zu fühlenden Maschinen und Prothesen in der Sportwelt.

Herausgeber des Magazins ist die LOOPING GROUP, deren Vision von elegantem Magazinjournalismus und Storytelling für das Corporate Publishing von BMW bereits mehrfach ausgezeichnet wurde.

Alle Bilder sind von Roderick Aichinger

Dominik Wichmann von der Looping Group sprach auf unserer Druck und Design Konferenz im Herbst 2023, wie Printprodukte weiterhin relevant bleiben. Hier geht es zu seiner Keynote.

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Zurecht wird Verpackungsmüll als eines der großen Übel unserer Konsumgesellschaft angesehen, doch in der Branche tut sich enorm viel. In dieser Ausgabe stellen wir Projekte vor, die im Verpackungsdesign neue Wege gehen. Nachhaltigkeit und Ästhetik schließen sich nicht aus, sie machen Gestaltung anspruchsvoller, aber auch viel spannender. Dies und mehr entdecken Sie im Grafikmagazin 01.24 mit dem Schwerpunkt »Packaging Design«.

Einen wahren Schatz können wir dieses Mal in unserer Rubrik »Design & Research« präsentieren. Curt Bloch musste vor den Nazis fliehen und überstand den Krieg im Versteck in Holland. Dort produzierte er mit dem wenigen, was er hatte, das Het Onderwater-Cabaret. Nachdem die 96 Ausgaben des kleinen Magazins Jahrzehntelang bei seiner Familie in New York im Regal lagen, sind sie nun erstmals für die Öffentlichkeit zugänglich. Ein bemerkenswerter Fund und ein bewegendes Zeitzeugnis, denn Curt Blochs Worte von damals sind heute wieder erschreckend aktuell.
 
In dieser Ausgabe beginnen wir auch ein neues Fokus-Thema und zeigen, was Kommunikationsdesign für den öffentlichen Raum tun kann. Normalerweise sind es Architektinnen und Städteplaner, die öffentliche Räume gestalten, doch auch Grafiker:innen können unsere Umgebung aufwerten, transformieren und für uns alle besser nutzbar machen. So ist in Konstanz beispielsweise eine triste und unangenehme Unterführung in eine urbane Freilichtgalerie verwandelt worden, eine Abschlussarbeit macht auf Lichtverschmutzung aufmerksam und eine App führt durch die Stadt und verbindet persönliche Geschichten mit historischem Wissen.

Grafik+ »Packaging Design«

Verpackungen müssen schützen, funktionieren und verführen und auch Nachhaltigkeit wird immer wichtiger. Wer all diese Aspekte unter einen Hut bekommen möchte, braucht einen langen Atem und den Willen, zu experimentieren, zu tüfteln und um die Ecke zu denken. In unserem Grafik+ stellen wir auf 20 Seiten Projekte und Studios vor, die im Verpackungsdesign neue Wege gehen.
Wie man Verpackungen stilsicher brandet, zeigt beispielsweise das amerikanische Studio Outline. Bei Auge in Italien schafft man es, unterschiedlichste Kunden gut aussehen zu lassen, egal ob sie Kekse oder Sexspielzeuge herstellen. Bei Serviceplan wurde viel getüftelt, um ein innovatives Kosmetikprodukt raffiniert zu verpacken und das Familienunternehmen schlafgut scheute weder Mühen noch Kosten, um nachhaltige Verpackungen für sein Sortiment zu entwickeln. Hier brachte das neue Packaging Design so viel Bewegung in das Unternehmen, dass der gesamte Markenauftritt neu gestaltet wurde und die Produkte mehr Strahlkraft besitzen, die sich auch finanziell auszahlt.

Das Cover

Gleich in drei reizvollen Farben präsentiert sich das Cover dieser Ausgabe. Das Papier Pergraphica von Igepa eignet sich nicht nur gut für Luxusverpackungen, es verleiht auch dem Grafikmagazin eine gewisse Raffinesse. Wir setzen die Farbtöne Precious Purple, Shining Pearl und Calming Blue ein und realisierten das Motiv im Heißprägeverfahren. Hier brachte das Forum Druckveredelung seine Expertise ein, die präzisen Prägewerkzeuge stammen von Hinderer+ Mühlich und das Prägematerial von Kurz. Die neue Trendfarbe Emerging Yellow zieht die Blicke auf sich, während SB Abalone Select mit seinem Diffraktions-Effekt Akzente setzt. Das Motiv selbst fängt den emotionalen Moment des »Unboxings« ein. Was gibt es Schöneres, als mit Vorfreude eine Verpackung zu öffnen! Das Design stammt von der jungen Gestalterin Johanna Schmees, die mit frischem Blick an das Thema Print und Veredelung heranging.

Der Showroom

In den Showrooms weisen wir Sie auf vier großartige Portfolios hin: Der isralische, in Hamburg ansäßige Typograf und Grafikdesigner Liad Shadmi mit seinem fantastischen Auge für Details, das Wiener Studio Herrström, das sich mit Leidenschaft für die Musikbranche engagiert, der chinesische, in London lebende Illustrator Zhigang Zhang, der Alltagsmomente in ein besonderes Licht taucht und die Packaging-Agentur Think aus Auckland, Neuseeland, deren Team sich selbst als »Daft Punk des Packagings« bezeichnet – Sie werden beim Aufschlagen des Hefts sofort verstehen, weshalb.

Jetzt bestellen!

Das Grafikmagazin 01.24 mit dem Schwerpunkt »Packaging Design« können Sie hier bestellen, versandkostenfrei (innerhalb der EU).

Mehr zum Thema Verpackungsdesign finden Sie auch in unserem Blog …

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Sie haben sich für Ihre Arbeit intensiv mit der Geschichte, aber auch mit den innovativen Entwicklungen von Kösel auseinandergesetzt. Welche hat Sie am meisten beeindruckt?

Jede Technik ist für sich eine Besonderheit. Ich wusste aber beispielsweise nicht, dass die Freirücken-Broschur eine Entwicklung von Kösel ist. Zudem finde ich die Book-in-Book- Technik auch eine sehr schöne Lösung, um Inhalte zu separieren.

Ihnen war also schnell klar, dass es sich um eine besondere Druckerei handelt?

Ja, denn egal, mit wem ich gesprochen habe – mit Mitarbeiter*innen im Verlag Hermann Schmidt oder in anderen Druckereien –, alle schwärmten in den höchsten Tönen von Kösel und hatten ein Leuchten in den Augen. Darum ging die Schließung wohl auch so vielen Personen sehr nahe.

Wussten Sie von Beginn an, wie Sie diese Historie in einem Buch einfangen können?

Die Konzeption war tatsächlich ein wenig komplizierter, denn ich wollte zum einen die traditionsreiche Geschichte einfangen, aber noch einen Mehrwert bieten. Von Anfang an waren daher auch Interviews mit ehemaligen Mitarbeiterinnen und Wegbegleiterinnen eingeplant. Während meiner weiteren Recherchen erfuhr ich von den patentierten Fertigungstechniken von Kösel – hierauf richtete sich immer mehr der Fokus. Es ging auch darum, überhaupt das Bewusstsein dafür zu schaffen, dass Druckereien mehr tun, als nur Tinte auf Papier zu bringen.

Wie ging es dann formal weiter?

Ich wollte das Buch gerne selbst binden und baute ein interaktives Element in Form von ausklappbaren Fotoseiten im Teil der Fertigungstechniken ein. Die haptische Trennung war nicht von Anfang an eingeplant, sondern eine Notwendigkeit, damit meine Faltung und Bindung funktionierten.

Eine spezielle Falttechnik im Mittelteil schuf eine weitere Leseebene. Wie kamen Sie auf diese Idee?

Bei meinen Recherchen stolperte ich über einen wunderbaren Katalog der Schönsten Bücher der Niederlande, der große farbige Seiten hatte, die in der Mitte einfach gefaltet waren. Daran wollte ich gerne anknüpfen. Tagelang wurde jeder Kassenzettel und Stück Papier, das mir in die Hände fiel, auf die unterschiedlichste Art und Weise gefaltet. So kam ich schnell zu dem Knick, der es auch am Ende geworden ist. Es ist toll zu sehen, wie viele verschiedene Gestaltungsebenen sich durch drei einfache Falze ergeben können.
Die größte Hürde in der Umsetzung war die Produktion dieser Seiten. Man kann sich vorstellen, wie schwierig es ist, diese Faltung am Telefon zu erklären (lacht). Viele meinten auch, dass es nicht funktionieren würde – da hätte ich selbst gerne nochmal die Druckerei Kösel an der Seite gehabt …

Eine japanische Fadenheftung, ein offener Rücken, die Einarbeitung verkürzter Graupappen als Kapiteltrenner – was hat Ihnen am meisten Kopfzerbrechen bereitet?

Ganz klar: die Bindung! Das war wirklich ein kleiner Kampf. Ich habe zwei verschiedene Bindungen in der Arbeit verwendet, die japanische Fadenheftung und eine normale Fadenheftung. Es war eine riesige Herausforderung, die Verbindungen zwischen all den einzelnen Komponenten zu schaffen. Mit jedem Versuch ergaben sich neue Probleme und ich hatte die Sorge, dass es »gebastelt« aussehen könnte, doch nach dem Endbeschnitt wirkte alles sauber und stimmig.

Betreuer dieser Bachelorarbeit waren Prof. Victor Malsy und Hilde Gahlen.

Gucken Sie doch gerne mal in unserer Rubrik »Mensa« vorbei, dort gibt es immer wieder neue Studierenden-Projekte.

Text: Bettina Schulz

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Die Risografie ist nicht nur ein sehr umweltfreundliches, sondern auch ein enorm vielseitiges Druckverfahren. Bei Magazin-Covern läßt man jedoch in der Regel die Finger davon – zu hohe Auflagen, zu viel Farbauftrag, zu viel Abrieb, viel zu empfindliche Oberflächen. All das stimmt, doch wie heißt es so schön: Wenn es keinen Weg gibt, dann musst du dir einen machen.
Risografie-Studios sind meist klein und große Auflagen tatsächlich oft ein Problem. Also verteilte das Grafikmagazin die Last auf mehrere Schultern und lud sechs Designer:innen und Risografie-Studios ein, ihr individuelles Motiv zu entwickeln und zu drucken. Im Sommer trudelten dann trotz Urlaubszeit die Entwürfe ein und jedes neue Motiv löste in der Grafikmagazin-Redaktion Begeisterung aus. Kein Design ähnelte dem anderen und auch drucktechnisch steckte viel Raffinesse in den Motiven.

Die Vorbereitung und Koordination dauerte Monate und ohne das Engagement und eine gute Portion Selbstausbeutung und Wahnsinn auf Seiten der Riso-Crews, wäre dieses großartige Projekt nicht möglich gewesen. Also Vorhang auf für unsere Hauptdarsteller:innen …

Martin Krusche

Martin Krusche ist seit 2008 freischaffender Illustrator in Berlin und der Beruf ist für ihn gleichermaßen Berufung wie Passion. »Da ich mich schon sehr früh intensiv mit der Siebdrucktechnik beschäftigt habe, ist diese nach wie vor eine meiner Lieblingsherstellungs- und Drucktechniken«, sagt er. »Das Arbeiten beim Siebdruck (und dann auch mit der Risografie) mit reduzierten Farben und in Ebenen hat sich dadurch auch in meine Gestaltungsweise und auch in meine Denkweise eingebrannt.«

»Das Motiv selbst habe ich nach einer Skizze in Illustrator angelegt und 
dann in Photoshop mit Verläufen und Schatten und das »Aufsplitten« in 
die drei Druckfarben »risofähig« gemacht. Ich spiele beim Risodruck sehr gerne mit dessen kräftigen Druckfarben als auch mit dem schönen Druckbild und mag es, wenn überdruckt wird, so dass ganz neue Farbräume entstehen. Außerdem finde ich die Aufrasterung des Risografen sehr toll, sodass ganz eigene und besondere Verläufe 
sowie Rasterungen entstehen.«
 

Rosidruckt

Rosidruckt, das sind Sabine Bretschneider und Andreas Ullrich. Sie ist gelernte Grafikde­signerin und hat an der Akademie der Bildenden Künste in München Bildhauerei studiert. Auch er besuchte die AdBK, allerdings in der freien Klasse für Grafik und Malerei und absolvierte die Meisterschule für Mode in München. Beide sind in Grafik und Design ebenso verwurzelt wie in der Kunst und anfänglich war es der Siebdruck, dem es gelang, beide Bereiche zu verbinden, inzwischen gilt ihre Leidenschaft der Risografie.

Das Cover zeigt zwei Porträts, die auf dem Vorlagenglas der Risomaschine erstellt wurden. Nachträglich verfremdeten Brettschneider und Ullrich die Scans am Computer unter anderem mit Pinselstrichen. »Da wir, von Rosidruckt, uns hauptsächlich auf Kunstdrucke und Editionen spezialisieren, war es unser Ziel, den Individualisierungsgrad der Coverauflage durch das Design und technische Anpassungen zu erhöhen. Das Cover wurde mit zwei Farben und drei Druckprozessen auf der Zweifarbmaschine MZ 770 umgesetzt. Dabei verwendeten wir sechs verschiedene Vorlagen (Mastervorlagen), die wir immer wieder zerschnitten und verschoben haben«, erklären die Kreativen.

The Happy Club

Initiiert von der Designerin und Illustratorin Michaela Huml, öffnete der Happy Club 2022 erstmals seine Pforten: ein offenes Risografie-Studio mit Shop. Ob alleine, im Team, als Workshop, jung, alt, mit oder ohne kreativen Hintergrund, der Happy Club bringt alle zusammen. Permanent Beta und Dauercamp oder einfach ein Club ohne Türsteher – im Happy Club dreht sich alles ums Entdecken, Experimentieren, gemeinsam Austauschen, um das Überraschen und Sich-Einlassen auf ein Tänzchen mit dem Riso.

»Die Risografie schlägt eine Brücke zwischen der analogen und digitalen Welt. Sie lockt uns aus unserer Komfortzone, drängt uns zur Zusammenarbeit und erschafft einen unbezahlbaren Wert des kreativen Austausches«, sagt Michaela Huml. Genau diesen besonderen Ort des Austauschs und der Inspiration hat sie in ihrem Cover-Motiv festgehalten. Zu sehen ist der Happy Club, aber auch viele Arbeiten anderer Künstler:innen, die dort entstanden sind. Wer sich selbst einmal am Riso-Drucker ausprobieren möchte, kann im neuen Ladengeschäft in der Münchner Au im Rahmen von Workshops kreativ werden.

Herr & Frau Rio

Laura Sirch und Sascha Wellm lernten sich im Designstudium kennen und merkten nach ihrem Abschluss, dass es nicht ganz das Richtige für sie war. Also wechselten sie die Seiten und gründeten 2015 Herr & Frau Rio. Sie starteten mit einem alten Riso in der WG, heute ist die Risografie der Mittelpunkt ihrer Arbeit und sie bieten Druckdienstleistungen an, die von einfachen Postkarten bis zu komplexen Projekten wie Hard­cover-Büchern reichen. Die beiden gestalten und produzieren zudem eigene Produkte wie Wochenplaner, Notizbücher und bieten Workshops an.

»Bei unserem vierfarbigen Cover-Entwurf haben wir den Fokus auf technische Finessen gelegt«, erklären die beiden. »So war uns eine randabfallende Gestaltung wichtig, obwohl das Umschlag-Format länger als das maximale Druckformat des Risografen ist. Dafür haben wir uns eines einfachen Tricks bedient und die Bögen aus zwei unterschiedlichen Richtungen bedruckt: Für den Druck der ersten beiden Farben wurde das Papier von der Vorderkante aus eingezogen, für den zweiten Druckdurchgang von der Hinterkante. Um keine sichtbaren Nahtstellen zwischen den Motiv-Teilen zu bekommen, haben wir in der Gestaltung Verlaufskanten genutzt, die einzelnen Farbseparationen laufen also weich ineinander.
Etwas sichtbarer als die Format-Tricks ist unser Umgang mit der Rasterung. Für den Entwurf haben wir uns für eine Mischung aus unterschiedlichen AM-Rastern und FM-Rastern entschieden, teilweise auch einzelne Farbseparationen in zwei unterschiedlichen Rastern gedruckt. Da das RIP des Risografen das eigentlich nicht zulässt, wurden einzelne Bereiche des Motivs mit Hilfe unterschiedlicher Software im Vorfeld gerastert.
So entstand ein plakatives Cover, das von Weitem durch die leuchtstarken Farben ins Auge sticht und bei näherer Betrachtung viele Details zum Vorschein bringt.«

Kelli Anderson

Seit über 15 Jahren ist Kelli Anderson als selbständige Designerin tätig und sagt: »Meine Arbeit ist sehr eigenwillig und kombiniert experimentelle Ansätze aus Grafikdesign, Kunst, Technologie, Pädagogik, Forschung, Architektur und Verlagswesen. Ich glaube, dass bescheidene Materialien – wie ein Stück Papier – über ungeheure Magie verfügen. Wenn sie sich nicht so verhalten, wie man es erwartet, dann erschüttert das unseren Sinn für Realität. Genau diese emotionale Wirkung versuche ich mit meiner Arbeit zu erzielen, wenn ich Risografie in Animationen umwandele.«

Kelli Anderson nutzt risografierte Vorlagen, um daraus Animationen mit der besonderen Anmutung des Riso-Drucks zu erstellen. »Die Animation, die die Grundlage für das Cover-Motiv ist, ist eine Farbstudie. Ihre Wirkung hängt von den Farben ab, die speziell für diese Studie ausgewählt wurden.« Zum Einsatz kamen Bubble, Fluo Orange, Kelli Green, Cornflower und Black.
»Ich denke, um neue Techniken zu entwickeln und neue Möglichkeiten zu finden, die im Verborgenen liegen, muss man seine Werkzeuge missbrauchen«, sagt die Gestalterin. »Meiner Meinung nach lädt der RISO von Natur aus zum Missbrauch ein, da er als Offic-Kopierer erfunden wurde, aber niemand ihn auf diese Weise nutzt. Da Animation auf einer präzisen Ausrichtung beruht, um die Illusion von Bewegung zu erzeugen, und da passergenaues Arbeiten bei der Risografie eine große Herausforderung darstellt, war ich mir sicher, dass das Experimentieren mit Animationen auf dem RISO zu etwas Unerwartetem, Unkontrollierbarem und Coolem führen würde.«

Superkolor

Studio Superkolor sind Julian und Hendrik Klein – Brüder und Grafiker aus Münster. Seit 2019 befindet sich ihr Studio auf einem alten Bauernhof außerhalb von Münster, wo die beiden klassische Designleistungen, vom Branding bis zur Plakatkampagne, mit einem Fokus auf Nachhaltigkeit anbieten. Vor gut zehn Jahren wurden sie durch eine Kleinanzeige (Kopierer zu verschenken) auf die Risografie aufmerksam. Ihre Abschlussarbeiten waren das erste, was sie auf dem Riso-Drucker realisierten, heute unterrichten sie Gestaltungsgrundlagen am Risografen an der FH Dortmund und sind fasziniert von Limitierungen und experimentellen Ansätzen dieser Drucktechnik.

Mit ihrem Motiv für das Grafikmagazin-Cover zeigen Julian und Hendrik Klein, dass auch Fotografien im Rios-Druck eine großartige Wirkung entfalten können. Die Rückseite des Covers nutzen sie, um zu zweigen, wie das Motiv gedruckt wurde. Die im Grunde genommen ganz einfache Aufteilung in CMYK – oder in diesem Fall in Aqua, Fluorescent Pink, Yellow und Black – kennt man auch aus dem Offset-Druck. In der Darstellung von Superkolor wird aber noch einmal deutlich, dass in der Risografie auch mit verschiedenen Sättigungsgraden gearbeitet wird und dieses Druckverfahren vieles vereint, was man schon kennt, aber eben auch sehr spezielle Eigenheiten besitzt, die gelegentlich starke Nerven fordern. »Verzweifeln? Nach etlichen Jahren mit den verschiedensten Risografen, Fehlersuche in Foren aus den 90ern und Nachtschichten im Testmode, versuchen wir möglichst gelassen mit den Macken des Druckers umzugehen«, sagen die Kreativen aus Münster. »Das lässt sich auch gut auf die eigene Arbeitsweise übertragen: accept and embrace imperfection.«

Das Papier

Für das Cover dieser Ausgabe setzten wir das ungestrichene Feinpapier Munken Pure Rough in 300 g/qm ein, das sich besonders gut für den Risografie-Druck eignet.
Mit bis zu 1,4-fachem Volumen, vier Weißtönen und zwei Oberflächen sowie passenden Briefumschlägen und Versandtaschen ist die Munken-Design-Range eine hervorragende Wahl für unterschiedlichste Anwendungen. Die Papiere sind zudem »Cradle to Cradle Certified Silver« zertifiziert.
Für die Fotostrecke des Grafikmagazins 05.23 nutzten wir das Papier arto gloss in 150 g/qm. Das FSC- und PEFC-zertifizierte Bilderdruckpapier bringt mit seiner glänzenden Oberfläche Farben zum Leuchten und eignet sich besonders gut für die Darstellung von Fotografien. Die Strecke »Produktion & Publishing« wurde auf dem angestrichenen Naturpapier Amber Graphic in 150 g/qm umgesetzt. Auf den übrigen Seiten begegnen Sie PrimaSet, einem gestrichenen Papier mit hohem Volumen, das durch seine matte, reflexionsarme Oberfläche für perfekte Lesbarkeit und hochwertige Bildwiedergabe mit hohem Bildkontrast sorgt.

Alle Papier stammen von Inapa

Haben wir Sie neugierig gemacht? Im Grafikmagazin 05.23 stellen wir außerdem im Schwerpunkt »Creative Printing« viele weitere spannende Druck-Projekte vor, die es sich zu entdecken lohnt. Bestellen Sie jetzt unsere besondere Ausgabe oder die sechs Risografie-Motive als Originaldrucke als Set (einfach per Email) – so schön, man möchte sie sich am liebsten alle an die Wand hängen.

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Dominik Wichmann
Co-Founder und Chief Creative Officer, Looping Group

Im Folgenden die Keynote von Dominik Wichmann, die er auf der Druck und Design Konferenz 2023 in München hielt und die den Umbruch der Printwelt und die Relevanz des Gedruckten in digitalen Zeiten thematisiert.

Neulich, vor vielleicht wenigen Monaten, ereignete sich im Ministerbüro des Auswärtigen Amtes in Berlin folgende Szene: Da kam also der deutsche Botschafter eines fernen Landes, sagen wir zum Beispiel die Mongolei, da kam dieser besagte deutsche Botschafter ins Außenministerium, um dort der Frau Ministerin Bericht über die Lage in der Mongolei zu erstatten. Er betrat das Büro der Ministerin, man schüttelte sich kurz die Hände und setzte sich.

»Herr Botschafter«, fragte die Ministerin, »sagen Sie mir mit einem Wort: wie ist die Lage in der Mongolei?«

»Gut«, antwortete der Botschafter. »Gut, Frau Ministerin.«

»Und in zwei Worten, Herr Botschafter?«

»Nicht gut, Frau Ministerin. Nicht gut.«

Die Lage des Gedruckten und die Relevanz der Printmedien in digitalen Zeiten beschäftigt mich und gewiss auch viele andere Menschen in unserem Umfeld sehr – und das wahrscheinlich nicht erst seit ein paar Monaten. Denn die Frage, woraus sich künftig die raison d’etre des Gedruckten speise, reicht weit über die Anliegen einer Industrie und einer Branche hinaus. Genau genommen sprechen wir von der Zukunft eines kulturellen Themas, wenn wir uns Gedanken über das Morgen von Print machen.

Bedrucktes Papier, das ist und war immer mehr als nur die Möglichkeit, Informationen festzuhalten und weiter zu verbreiten. Bedrucktes Papier war das »große Vernetzungsmedium in der Herausbildung der modernen westlichen Zivilisation«, schrieb der Feuilletonist Lothar Müller über die Materie Papier in seinem Buch »Weiße Magie«.

Papier, so Lothar Müller, das war die Voraussetzung für unser gesamtes Wirtschaftsleben – die physische Bedingung für Papiergeld und Buchführung. Papier, das war auch die Voraussetzung für die gesamte Organisation unserer Gesellschaften – die physische Bedingung in Gestalt von Akten und Formularen. Papier, das war »der Schauplatz für die Erfindung der modernen Seele« – die physische Bühne für Milliarden privater Tagebucheinträge, Briefe zwischen Freunden, Liebenden und Hassenden. Papier, das war und ist ein Ort der in Worte und Bilder gegossenen Emotionalität. Papier, das war auch Schauplatz der Politik – die Tageszeitung, so formulierte es Hegel einmal sinngemäß, ist das Morgengebet des modernen, politischen denkenden Menschen.

Diese Parameter beschreiben die eigentliche Dimension der Frage nach der Relevanz des Gedruckten im digitalen Zeitalter. Es geht also um weit mehr als nur um die Höhe von Reichweiten, Auflagen, Umfängen, Erscheinungsfrequenzen, Umsätzen und Erlösen. Es geht um die Magie einer Materie. Und um das neue Versprechen eines alten Produktes. Wahrscheinlich geht es um nichts Geringeres als den Wesenskern von Kultur: dass sie sich eben niemals im bloßen Bewahren und im Stillstand konstituiert, sondern immer und seit jeher in ihrer Veränderung entfaltet, der Weiterentwicklung, der Verfeinerung und dem suchenden Blick nach vorn.

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Kommen wir zurück ins Auswärtige Amt, kehren wir zurück zu einer Fragestellung und Szene, die so natürlich niemals stattgefunden hat. Die aktuelle Lage von Print, in einem Wort, ist gut. Einig sind wir uns wahrscheinlich darüber, dass sie in zwei Worten als weitengehend »nicht gut« zu bezeichnen ist. Zumindest wenn man als Vergleichsmassstab die sogenannten Goldenen Zeiten von dereinst heranzieht.

Und doch widerstrebt es mir und womöglich auch einigen anderen im Saal, sich dieser Logik von schwarz und weiß, gut und schlecht, null und eins anzuschließen. Denn diese Antagonismen entsprechen nicht nur nicht der gelebten Wirklichkeit, sie sind auch Ausdruck des binären, digitalen Denkens. Die Wirklichkeit jedoch besteht allzu oft aus Abwägungen, aus Ambivalenzen und aus Ambiguitäten.

Das, was ich im Folgenden zur Zukunft des Gedruckten in digitalen Zeiten sagen werde, ist deshalb bewusst geprägt von einem Willen zum Uneindeutigen, zum Abwägenden. Vom amerikanischen Politiker und Friedensnobelpreisträger Henry Kissinger gibt es dazu den schönen Satz, dass man, um sich einer Sache absolut sicher sein zu können, entweder alles über diese Sache wissen müsse – oder eben gar nichts.

Weder weiß ich alles über diese Sache, noch weiß ich nichts darüber. Ich befinde mich irgendwo in der Mitte. In der Bewertung der künftigen Relevanz des Gedruckten stehe ich als ein langjähriger, sogenannter Print-Mann vor Ihnen: Ich war 15 Jahre lang Chefredakteur der Zeitschriften SZ-Magazin und STERN. Ich habe ein paar Bücher geschrieben und herausgegeben, viele Autorinnen und Autoren zu ihren jeweiligen Büchern ermutigt und inspiriert, und ich verlege heute einige Zeitschriften. Das von mir gegründete Unternehmen bedruckt jedes Jahr unzählige Tonnen Papier und schickt dieses Papier anschließend in Form von Büchern, Bildbänden, Publikumszeitschriften und Kundenzeitschriften in die Welt hinaus. Gleichwohl verdient die LOOPING GROUP, so heißt dieses Unternehmen, circa 80 Prozent seines Umsatzes nicht mit Gedrucktem. Sondern mit weitgehend digitalen Dienstleistungen.

Ich erzähle Ihnen all das, um Ihnen meine Befangenheit ebenso zu offenbaren wie auch meine Positionierung als als Halbwissender. Nehmen Sie deshalb bitte meine Einschätzungen zum Thema dieser Keynote als das, was sie sind: Beobachtungen. Vermutungen, Gedanken voller Ambivalenzen. Nicht mehr, nicht weniger.

Lassen Sie sich bitte auf ein kleines Gedankenspiel ein: Stellen wir uns vor, gedruckte Medien seien gerade erst erfunden worden. Stellen wir uns außerdem vor, sie seien nicht nur gerade erst erfunden worden, nein, sie hätten auch vor Tag eins an jene Auflagen erreicht, derer sie sich heute (noch) rühmen dürfen.

So ungefähr ging es mir vor zwei Jahren, als mich die damalige Chefredakteurin der MADAME, die wunderbare Petra Winter, anrief und fragte, ob ich einen Käufer für ihre Zeitschrift wisse. Der Hamburger Bauer Verlag wolle sie verkaufen, denn die MADAME sei leider ein Verlustbringer. Ich beriet mich mit meinen Mitgründern und einigen engen Freunden und wir entschlossen uns nach einigen Prüfungen, die Zeitschriftenmarke zu kaufen. Mit allen Schulden, allen Mitarbeitenden, mit allen Chancen, aber auch allen Herausforderungen – um nicht zu sagen: existentiellen Problemen.

Als noch sehr junges Unternehmen, das damals selbst erst vier Jahre alt war, zahlte die LOOPING GROUP eine sechsstellige Kaufsumme für ein jährlich nicht minder sattes Minus. Und das mitten im zweiten Lockdown. Als alle Läden geschlossen hatten und die Lifestyle-Branche kaum mehr Anzeigen in gedruckten Magazinen schaltete. Es gab damals viele in der Print-Branche, die uns für verrückt erklärten. Denn hatten wir einen Plan? Nein, hatten wir nicht. Hatten wir jedoch die naive, träumerische Hybris, dass die Straße beim Gehen schon irgendwie entstehen werde? Das schon.

Als ein bis zu diesem Zeitpunkt fast rein digital denkendes und agierendes Unternehmen befand sich also nun plötzlich dieser bedruckte Stapel Papier inmitten der LOOPING GROUP. Aus Protest gegen diese Akquise kündigte übrigens sogar eine Mitarbeiterin, weil sie es als überzeugte Bloggerin für komplett old school und grotesk erachtete, mit soviel Zeit und Energie und Geld ein scheintotes Print-Pferd satteln zu wollen.

Aber: So düster die Situation vermeintlich auch zu sein schien, so positiv war sie jedoch gleichermaßen. Denn wir befanden uns in einer ähnlichen Lage wie in dem eingangs zitierten Gedankenspiel: Vor uns lag ein etwas verstaubtes, aber großartiges Produkt. Ein Produkt, das sich noch immer jeden Monat, elf mal im Jahr fast 100.000 Mal verkaufte. Ein Produkt, für das die Kundinnen, sofern sie ein Abonnement abgeschlossen hatten, sogar weit im Voraus bezahlten – ohne überhaupt zu wissen, was genau ihnen dann da nach Hause geliefert werden würde. Was für ein enormer Vorschuss an Geld und an Vertrauen!

Nicht zuletzt lag da auch ein Produkt vor uns, für das viele kundige und loyale, kenntnisreiche Kolleginnen und Expertinnen arbeiteten. Eine wahrhaft großartige und motivierte Redaktion, die viel mitgemacht hatte in den Jahren zuvor. Ein Produkt, das sowohl von B2C-Kunden, also Leserinnen, wie auch gleichzeitig von B2B-Kunden, also Anzeigenkunden, als attraktiv empfunden wurde. Ein Produkt, das Monat für Monat das herstellt, was in unserer Gegenwart zu einem der gefragtesten Güter überhaupt gehört: Aufmerksamkeit. Und obendrein noch ein Produkt, das etwas hat, was alle wollen: Identität, Geschichte, Glaubwürdigkeit.

Ja, Herr im Himmel, wo gibt es denn sowas? Genau: in der angeblich so komplett kaputten, krisenhaften Print-Branche.

Als StartUp ohne viel Geld hatten wir gar nicht die Zeit, uns lange mit der Analyse von wegbrechenden Märkten, Kunden und Kundinnen aufzuhalten. Stattdessen reparierten wir das Flugzeug gewissermaßen während des Fluges. Umgehend formulierten wir eine neue Marken- und Produktvision. Diese Vision bestand nicht mehr daran, bedrucktes Papier zu verkaufen. Vielmehr definieren wir das neue MAISON MADAME als einen Ort, der wie kein zweiter im deutschsprachigen Raum für die Kenntnis der Lebenswelt von wohlhabenden Frauen ab vierzig steht, die ein Interesse an Lifestyle-Themen eint. Das Ziel: diese Gruppe an Frauen so gut zu kennen wie niemand sonst in diesem Land.

Das neue Haus namens MAISON MADAME hat viele Zimmer unter seinem Dach. In einem Zimmer befindet sich ein gedrucktes Magazin: Die MADAME. In einem zweiten Zimmer womöglich irgendwann auch mal ein weiteres gedrucktes Magazin. In einem anderen Zimmer bereits jetzt schon eine eigene Beauty-Produkt-Linie. In einem vierten Zimmer womöglich eine Fernsehserie. In einem fünften Zimmer ein Live-Event. Und auch die mehrfach Mal im Jahr beiliegende Zeitschrift MONSIEUR betrachtet den Mann aus der Sicht einer Frau. Der MONSIEUR wohnt also auch in diesem Haus, diesem MAISON MADAME. Man trifft ihn vor allem im Weinkeller und der Garage.

Wir haben also die Dachmarke auf den Kopf gestellt. Wir haben die Dachmarke von der gesamten Immobilie aus gedacht – und nicht von nur einem Zimmer. Print, das gedruckte Heft also, ist künftig ein Teil eines holistischen medialen Ökosystems – und nicht mehr die Spitze einer Pyramide, der sich alles andere unterzuordnen hat.

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Die künftige Rolle des Gedruckten wird meines Erachtens darin bestehen, weiterhin, aber weniger als bisher stattzufinden – und dies an einem anderen Ort mit einer anderen Aufgabe in diesem neuen, dritten Kommunikationssystem.

Das erste Kommunikationssystem bestand aus einem Sender und einem Empfänger. Sehr vereinfacht gesagt: ein Mönch schrieb eine Bibel ab, was ungefähr einer Lebensaufgabe gleichkam.

Das zweite Kommunikationssystem bestand aus einem Sender und unendlich vielen Empfängern. Dieses System hatte lange Bestand, es reichte von der Erfindung der Druckmaschine bis zur Erfindung des Internets. Es handelt sich um ein System, in dem mutmaßlich alle in diesem Raum, die älter als 35 Jahre sind, aufgewachsen und gesellschaftlich sozialisiert worden sind.

Ein Sender und unendlich viele Empfänger – diese Logik ist auch die Logik, in der wir unsere Industrie, unsere Branche und in Teilen auch unsere Gesellschaft organisiert haben: ein Chefredakteur (fast immer übrigens ein Mann); ein Verleger (auch fast immer ein Mann); ein Programmchef, ein Intendant. Sie alle entschieden, was für unendlich viele Empfänger wichtig ist. Aber auch: eine Titelseite, ein Cover und eine Linie, die sich (im Idealfall) von vorne nach hinten, von oben nach unten durch die Zeitung oder die Zeitschrift zieht.

»All The News That’s Fit To Print« steht noch immer jeden Tag links oben als Credo dieses zweiten Kommunikationssystems auf der Frontpage der New York Times: ein Chefredakteur entscheidet für eine potentiell unendliche Zahl an Leserinnen und Lesern, was an gestrigen Nachrichten so wichtig ist, dass sie heute in diesem Blatt abgedruckt werden. Damit wird auch das eigentliche, unausgesprochene Leistungsversprechen eines gedruckten Mediums formuliert: Du zahlst auch für die Gewissheit, dass das, was nicht so wichtig ist, es auch nicht ins Blatt geschafft hat. Das Nichts, sozusagen der Weißraum, ist also ebenso Teil des Produkts wie der Inhalt, der Grauwert.

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Mit der Erfindung des Internets und infolge dessen der sozialen Medien, begann die Zeit des dritten Kommunikationssystems. Dieses besteht aus unendlich vielen Sendern und unendlich vielen Empfängern. Das dadurch entstehende Durcheinander empfinden wir (zurecht!) als unsortiert und chaotisch.

Warum? Weil mit dem kommunikativen Chaos auch eine Krise der Autorität. Einhergeht. Wer entscheidet denn, was wirklich wichtig ist, wenn es der eine Chefredakteur nicht mehr tut? Was ist wirklich bedeutsam, wenn es statt der Hierarchie auf der Frontpage nun noch einen Thread gibt, der bei jedem User anders ist (abhängig vom jeweils individuellen Datensatz in meinem Gepäck)? Entscheidet das die Crowd? Die Weisheit der Vielen, die doch so oft in Wirklichkeit nichts anderes ist als ein bissiger, schwitzender, wütender Mob?

Doch nach und nach entwickeln sich auch in diesem Wilden Westen des dritten Kommunikationssystems Regeln und Autoritäten, bisweilen sogar marktbestimmende Monopolisten. Es gibt Mechanismen in dieser sogenannten Redaktionellen Gesellschaft, in der jeder und jede auch ein Sender, ein Redakteur ist, es gibt Mechanismen, die man verstehen muss, um eine adäquate Antwort auf die Frage nach der künftigen Relevanz des Gedruckten im digitalen Zeitalter finden zu können.

Entscheidend dabei scheint mir zu sein, nicht immer den Verfall einer glorreichen Vergangenheit von Print zum Massstab für die ungewisse Zukunft von Print zu machen. Zentral ist vielmehr eine tiefe Kenntnis und Wertschätzung des Digitalen als Ausgangspunkt für jedwede Überlegungen zur neuen Rolle des Gedruckten. Eine neue Rolle innerhalb einer durch und durch digital geprägten Gegenwart.

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Lassen Sie uns, bevor wir über die neue Relevanz des Gedruckten in digitalen Zeiten sprechen, einmal kurz vergegenwärtigen, worin eigentlich seit eh und je die wesentliche Rolle der Medien bestand: Sie unterstützten Gemeinschaften darin, sich zu konstituieren. Es ist ein elitäres Missverständnis vieler Journalistinnen und Journalisten zu glauben, dass der Sinn und Zweck einer Lokalzeitung (und letztlich sind alle Zeitungen Lokalzeitungen, übrigens selbst die vorhin zitierte „New York Times“, die nur eben die Lokalzeitung einer Weltstadt ist), dass also der einzige Sinn und Zweck einer Zeitung darin bestünde, die Leserinnen und Leser mit Nachrichten und kommentierenden Einordnungen dieser Nachrichten zu beglücken.

In Wirklichkeit war es doch immer so: In das, was uns heute noch intellektuell beglückt, wird spätestens morgen auf dem Wochenmarkt schon wieder der Fisch eingewickelt. Und das, was auf der Vorderseite so klug und flammend formuliert daherkommt, ist auf der Rückseite oftmals mit jenen Informationen bedruckt, die eben auch zum Leistungsversprechen einer Zeitung zählen. Ich rede von jenen Informationen, die uns allen dabei helfen, das soziale Zusammenleben an einem bestimmten Ort zu organisieren: Wie finde ich eine neue Wohnung? Wo finde ich einen neuen Job? Wie finde ich einen neuen Partner? An wen verkaufe ich mein Auto? Wann findet an Allerheiligen der Gottesdienst statt – und apropos: wer ist denn schon wieder gestorben? Gedruckte Medien waren immer auch ein Ort für alle Bedürfnisse und Interessen einer Gemeinschaft.

Heute konstituieren sich Gemeinschaften anders als früher. Viel differenzierter, viel granularer, viel tiefgehender (neulich entdeckte ich zum Beispiel auf TikTok ein Format zum Thema »Glukose« mit schier unglaublich vielen Followern…). Die Geografie spielt in der Definition von Gemeinschaften heute gewiss eine wesentlich geringere Rolle als vormals. Aber noch immer fällt Medien die Rolle zu, den Kitt für die Stabilität und den Sauerstoff zum Atmen für diese jeweilige Gemeinschaft bereitzustellen. Die Medien heißen heute LinkedIN, Instagram, TikTok, Facebook, Tinder, Immo-Scout, mobile_de – und so weiter. Wo eine digitale Plattform ist, dort ist in der Regel auch mindestens eine Gemeinschaft. Und umgekehrt.

Es handelt sich dabei jedoch um Gemeinschaften, die sich nicht mehr ausschließlich Top-Down organisieren. Gemeinschaften, deren Mitglieder  nicht nur empfangen, sondern auch selbst senden. Co-Creation betreiben. Gemeinschaften, deren Mitglieder bisweilen auf der ganzen Welt verstreut sind und nicht nur innerhalb des Verbreitungsgebiets einer Zeitung oder eines Magazins; Menschen, die ein Interesse, eine Leidenschaft, ein Hobby, ein Anliegen teilen; User, die auf Englisch miteinander kommunizieren, obwohl das Englische oftmals gar nicht ihre Muttersprache ist. In diesen Gemeinschaften, Communitys, ist das Bedürfnis nach Inhalten, nach Content genauso groß wie seit jeher. Wenn nicht sogar unendlich viel größer. Aber die Erzählweise, Produktion und Distribution dieser Contents geschieht grundsätzlich anders als in der prä-digitalen Zeit. 

Innerhalb von solchermaßen digital verfassten Gemeinschaften wird Gedrucktes deutlich weniger als bisher benötigt. Weniger und anders. Diese Wahrheit resultiert nicht aus der Bedürfnislage der Druck- und Verlagsindustrie. Diese Wahrheit resultiert aus dem Medien-Nutzungsverhalten der Menschen. Wenn aber eine ganze Branche vor der Herausforderung steht, ein Produkt herzustellen, das die Menschen so nicht mehr brauchen, dann hat diese Branche ein veritables Problem. Es sei denn, sie stellt künftig ein Produkt her, das die Menschen zwar nicht unbedingt brauchen, aber trotzdem haben wollen.

Und genau darum wird es meines Erachtens in Zukunft gehen. Print ist ein Produkt, das man nicht zwingend mehr braucht, das man jedoch – im Idealfall – haben möchte. Dieses Paradoxon beschreibt den Wesenskern der Luxuskonsumgüter-Industrie: Sie produziert und verkauft Produkte, die kein Mensch zum Leben braucht, die aber viele Menschen auf der ganzen Welt unbedingt haben, besitzen und konsumieren möchten. Wenn hier die künftige Bestimmung von Print liegt, und davon bin ich überzeugt, dann bedeutet dies aber auch, dass wir von einem anderen, noch wertigeren, sozusagen »printigeren« Print sprechen – und von einer anderen Funktion dieses Gedruckten innerhalb weitgehend digitaler Gemeinschaften.

Um in diese neue Normalität von Print zu gelangen, ist es von Vorteil, erstens dessen künftige Bestimmung vom Digitalen aus herzuleiten (und nicht etwa von einer sentimentalen Verteidigung des Status Quo ante). Zweitens sollte man anerkennen, dass die gedruckten Auflagen wie auch die Erscheinungsfrequenzen weiterhin irreversibel sinken werden. Drittens müssen wir konzedieren, dass die weitaus meisten künftigen Geschäftsmodelle in der Medienbranche auf Plattformen und nicht mehr in Form von Pyramiden organisiert sein werden. Viertens besteht die primäre Aufgabe von Verlagen in Zukunft darin, eine Zielgruppe zu verstehen – und erst sekundär in der Herstellung und der Verbreitung von Inhalten.

Die neuen Medienhäuser kommen deshalb dauerhaft nicht umhin, alle Formen von Content-Produktion zu beherrschen (ja, auch Print, aber eben nicht nur Print). Also auch Social, auch Audio, auch Video, auch Live. Fünftens sollten Content und Commerce konsequent zusammengedacht und zusammengebracht werden. Und sechstens muss es den Medienhäusern der Zukunft gelingen, zusätzlich zu ihrem bestehenden Personal auch Experten aus Bereichen zu rekrutieren, die heute eher wenig in der Verlagsbranche beschäftigt sind: Daten-Analysten, Programmierer, Community-Manager, Audio- und Video-Experten, SEO-Spezialisten, et cetera. Letzteres klingt einfach. Ist es aber nicht.

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Gedrucktes ist innerhalb dieser neuen medialen Ökosysteme dann relevant, wenn und weil es als Luxuskonsumgut betrachtet wird. Wie genau aber definiert sich Luxus in diesem Kontext? Und zwar heute und in Zukunft?

Das erste Merkmal erwähnte ich bereits: Luxus ist gemeinhin definiert als ein Gut, das ich nicht brauche, das ich jedoch haben möchte. Ein Luxuskonsumgut stillt also nicht primär Bedürfnisse. Es weckt vielmehr Begehrlichkeiten. Umso wichtiger sind deshalb Attribute wie »Verarbeitung«, »Substanz«, »Historie«, »Entlastung« und »Entschleunigung«.

Luxus hat aber auch noch ein zweites Merkmal: Luxus ist immer auch ein Bekenntnis zur Irrationalität, zur Unvernunft. Und damit verleiht uns der Konsum eines Luxusgutes auch etwas zutiefst Menschliches: Nur ein Mensch weiß, dass es unvernünftig ist, soviel Geld für ein Auto, eine goldene Uhr oder eine Shopping-Tour in einem Feinkostladen auszugeben. Und so widersprüchlich es auch klingen mag: Nur ein das Leben liebender Mensch weiß, dass es unvernünftig ist, Alkohol zu trinken, Zigaretten zu rauchen und anderen Lastern zu nachzugeben. Ein Tier würde all dies niemals tun. Ein Mensch schon, und das, obwohl – oder gerade weil – ihm in der Regel vollkommen bewusst ist, dass es unvernünftig und ungesund ist. Nur der Mensch gönnt sich die Unvernunft, er setzt sich über die Vernunft hinweg. Luxus ist deshalb auch immer ein Ausdruck von menschlicher Selbstbestimmtheit und damit individueller Freiheit.

Das dritte Merkmal besteht in der aktuellen Veränderung des Luxus-Begriffs selbst: Denn in der Welt des neuen Luxus wird Inklusion eine mindestens so große Rolle spielen wie die tradierte Exklusion. Was meine ich damit? Sie alle kennen die Dualität der Begriffe »Luxus« und »Exklusivität«. Bisweilen scheint es fast so, als bedingte das Eine das jeweils Andere. Luxus ist, was exklusiv ist. Und exklusiv ist das, was Luxus ist.

Diese Allianz mag früher seine uneingeschränkte Richtigkeit gehabt haben. In Zukunft jedoch wird sich der Luxus-Begriff auch hinsichtlich seiner Zugänglichkeit verändern: Inklusiv ist künftig genauso wichtig wie exklusiv. Ich störe mich zwar an dem Begriff, aber die Logik dahinter ist unzweideutig: Luxus-Marken, die ausgrenzen, werden es künftig schwerer haben, als Luxus-Marken, die Teilhabe versprechen. Teilhabe in einer definierten Gemeinschaft. Auch das ist eine Konsequenz der Redaktionellen Gesellschaft, in der wir alle leben; eine Konsequenz einer Öffentlichkeit, die aus Sendern und Empfängern gleichermaßen besteht. Zugang, Partizipation, Mitsprache und auch das menschliche Bedürfnis nach sozialer Distinktion werden sich künftig anders organisieren als noch vor zehn, 15 Jahren.

Wenn wir uns diese drei Merkmale des Luxus vergegenwärtigen, dann zeitigen sie unweigerlich erhebliche Konsequenzen für die Waren dieser Luxuskonsumgüter-Industrie. Und Gedrucktes ist eine dieser Waren.

Absolute Wertigkeit, ein kompromissloses Investment in Materialität, Optik und Inhalt sind eine Konsequenz, die ich meine. Ein Käufer, eine Käuferin eines hochwertigen Print-Produkts kann nur dann eine Leidenschaft dafür entfachen, wenn diese Leidenschaft zuvor in die Herstellung des Produkts investiert worden ist. Das mag in Ihren Ohren esoterisch klingen, aber ich glaube fest daran: man sieht und fühlt es einem Gegenstand an, ob er mit Passion hergestellt worden ist – oder doch nur mit Pragmatismus.

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Unmittelbar nachdem wir die MADAME gekauft und mit MAISON MADAME eine neue Dachmarken-Strategie dafür entwickelt hatten, schlugen wir einen entschlossenen Sparkurs ein, der auch Trennungen von Kolleginnen und Kollegen, von Gewohntem und Vertrautem beinhaltete. Das will ich gar nicht verschweigen. Wir machten die Website dicht. Wir verhandelten neue Druck- und Papier-Verträge und trennten uns von einigen Dienstleistern.

Aber dann investierten wir wieder. In neues Personal, in eine bessere Ausstattung, kurzum: in eine höhere Wertigkeit. Wir setzten den Preis nach oben, spielten plötzlich auf Augenhöhe mit den Wettbewerbern und positionierten die gedruckte MADAME als haptisch erfahrbare Eintrittskarte eine Welt ähnlich gesinnter Leserinnen. Diese Welt besteht auch aus einem gedruckten Magazin, aber eben nicht nur. Die Marke hat heute, zwei Jahre nach der Übernahme durch die LOOPING GROUP, ihren Umsatz gegenüber früher deutlich erhöht und ist inzwischen solide sechsstellig profitabel. Die Abonnements wachsen kontinuierlich und auch in diesem, gesamtwirtschaftlich nicht leichten Jahr, sind meine Kolleginnen bei ihren Anzeigenumsätzen bereits seit Anfang September über dem Vorjahr.

Sprechen wir nun über das zweite Merkmal, die Freiheit: Wenn es dem Gedruckten gelingt (und warum sollte es ihm nicht gelingen?), wenn es Print also gelingt, sich dieses Narrativs zu bemächtigen, des Narrativs der Freiheit also, dann reiht sich der Konsum von Print wieder dort ein, wo er schon mal stand. Denn das Lesen einer Zeitung oder einer Zeitschrift war sehr lange Zeit ein Ausdruck von Freiheit. Der Freiheit des Geistes und der Aufklärung. Den gesellschaftlichen Willen, diese Freiheit zu beschützen, nannte man: Pressefreiheit.

Der Dreiklang von Print, Freiheit und Menschsein ist also per se nichts Neues. Wir müssen uns dessen nur wieder mehr bewusst werden und an die Bedingungen einer neuen Zeit und einem neuen Kommunikations-System anpassen. Ich empfinde es als Ausdruck meiner subjektiven Entscheidungs-Freiheit, am Wochenende Geld für gedruckte Medien auszugeben, die ich im Netz auch für weniger Geld lesen könnte. Ich brauche es nicht, aber ich will es haben. Ich will den Genuss; die Sinneserfahrung beim Blättern und Ausreißen; das soziale Ritual auf meiner Couch; die Tasse Kaffee dazu. Zur meiner vertrauten und geliebten Lokalzeitung, aber auch zur ZEIT, zum Economist, zur Financial Times Weekend, zu Monocle, zum Atlantic Monthly, zur Mare, zu 11Freunde, zur SZ am Wochenende, zur FAZ und natürlich auch zur MADAME sowie den vielen anderen, gedruckten Zufallsbegegnungen einer Woche.

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Im dritten Kommunikationssystem, wo sich Sender und Empfänger auf Augenhöhe begegnen, kommt Print eine neue Rolle zu: Lean Back statt Lean Forward. Am Wochenende statt unter der Woche. Einordnend statt alarmierend. Wissen statt Information. Entlastend statt belastend. Aufheben statt Wegwerfen. Marke statt Produkt.

Erfolgreiche, weil relevante Printmedien werden sich entlang dieser Antagonismen positionieren. Sie werden mehr denn je ein Ausdruck von Entlastung, von intellektuellem und visuellem Genuss gleichermaßen sein; von Opulenz und von der Freiheit, sich all dies zu gönnen. Vor allem sind Printmedien Ausdruck von Zugehörigkeit zu einer Community, einer Gemeinschaft. Papiergewordene Schlüssel zu einer Lebenswelt.

Printmedien, die auf nachhaltige Wertigkeit setzen und Teil eines größeren medialen Markensystems sind, gehört die Zukunft. Letztlich handelt es sich hierbei um die Differenz von Produkt und Marke. Produkte sind so austauschbar wie Nachrichtenwebsites oder Tankstellen. Marken nicht. Marken tragen das Versprechen von Kontinuität in sich. Produkte sind regelmäßig neu. Marken dagegen achten auf ihre Wiedererkennbarkeit.

Dominik Wichmann

Für die Gestaltung künftig erfolgreicher Print-Produkte heißt das: Man sollte sie auch konsequent wie Marken gestalten. Als ich noch Chefredakteur des STERN war, schwärmten immer viele mit zittriger Stimme von der guten alten Zeit, Henri Nannen und dem STERN als sogenannter Wundertüte, die jeden Donnerstag andere, überraschende journalistische Leckerli enthalte. Diese Zeiten sind vorbei. Die Überraschung gibt es inzwischen im Netz – und weitgehend gratis. Konsistenz und Beständigkeit jedoch gibt es dort, wo Gedrucktes verkauft wird. Ja, mit wechselnden Inhalten, aber stets im identischen Layout, der exakt gleichen Bildsprache, jede Doppelseite eine Musterseite. Fast wie ein Möbelstück, ein gedrucktes Inventar.

Die neue Rolle des Gedruckten zeitigt aber nicht nur Konsequenzen für deren visuelle Gestaltung. Auch ihre inhaltliche Mischung sollte künftig anders sein, wenn Printmedien als ein gleichberechtigter Teil innerhalb eines größeren medialen Ökosystems wertgeschätzt werden wollen. Dort, wo in Social und Live eher konfrontativ erzählt werden muss, kommen Podcast und Print die Aufgaben des Verbindenden zu: Konstruktiv, erklärend und sinnstiftend. Positiv statt negativ. Harmonisch statt konfrontativ. Erklärend statt polarisierend. Print ist künftig noch mehr der versöhnliche, entlastende, kluge und reflektierende Ort einer Medienmarke.

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Mit dem Gedruckten und seiner Relevanz ist es also ein bisschen wie mit dem Land Österreich: wenn man dessen ruhmreiche Vergangenheit zum Maßstab macht, dann handelt es sich heute um ein kleines, zerteiltes, irgendwie unbedeutendes Land. Mit einer viel zu großen Hauptstadt im östlichen Winkel, einem oftmals operettenhaften Gebaren, viel zu viel Sentimentalität das eigene Ich betreffend, einer in Teilen korrupten politischen Elite – und vieles davon gespeist aus allerlei Komplexen infolge einer unermesslich großen, geopolitischen, narzisstischen Kränkung: Ungarn weg, Kaiser weg, Weltkrieg verloren, noch einen Weltkrieg verloren. Die Landkarte sieht plötzlich so klein und verschrumpelt aus wie ein Wiener Schnitzel oder ein zu heiß gewaschener Kaschmir-Pulli. Alles nicht gerade leiwand. Und ja, so kann man es sehen. Dann war früher tatsächlich Vieles, wenn nicht sogar alles: besser.

So muss man es aber nicht sehen.

Die Geschichte könnte nämlich auch wie folgt erzählt werden: ein hoch effektives Land, das durch den Wegfall des Eisernen Vorgangs plötzlich wieder im Zentrum Europas liegt und eine neue Rolle spielt im Konzert der Großen. Neutral, seit jeher polyglott, gut angebunden an die Regionen und Kulturen des Kontinents; reich an Geschichte, reich an Innovationsgeist und Ambition, wiedergeboren aus den Ruinen vieler Niederlagen und Demütigungen. Unabhängig und gedanklich frei, politisch vielleicht bisweilen etwas überambitioniert, und dennoch: heimatverbunden und zugleich modern.

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Kommt also der deutsche Botschafter aus Wien ins Auswärtige Amt, um der Frau Ministerin Auskunft über die aktuelle Lage in seinem Gastland zu geben.

»Herr Botschafter, sagen Sie mir bitte in einem Wort: Wie ist die Lage in Österreich?«

»Gut, Frau Ministerin.«

»Und in zwei Worten, Herr Botschafter?«

»Sehr gut, Frau Ministerin. Sehr gut.«

Der Beitrag »Wer Digitales nicht versteht, wird die Zukunft von Print nicht gestalten können« erschien zuerst auf Grafikmagazin.

Auch inhaltlich ist die neue Ausgabe des Grafikmagazins mindestens so bunt wie die Cover. In der Rubrik »Fokus« steht dieses Mal Ethik im Design im Zentrum. Die Wirtschaftsinformatikerin Sarah Spiekermann beschäftigt sich mit digitaler Ethik und hat ein Wertesystem für das 21. Jahrhundert entwickelt, das wir uns einmal genauer ansehen. Mit Robin Auer, Vorstand beim DDC und Designer bei IBM haben wir über die Verantwortung gesprochen, die Unternehmen und Designer:innen beim Umgang mit KI haben. Dies und mehr finden Sie in unserem »Fokus: Ethik«.

Ganz handfest ums Machen geht es in unserer Rubrik »Produktion & Publishing«, hier besuchte unsere Autorin Sylvia Lerch die Steindruckwerkstatt im Münchner Künstlerhaus und schaute der Werkstattleiterin Raquel Ro bei der Fotolithografie über die Schulter. Das portugiesische Studio This is Pacifica hat ein Buch in einen Ziegelstein verwandelt oder umgekehrt und das Jahresmagazin des VDMB ist ein Meisterstück in Sachen Druck, Design und Veredelung.

Wie Form und Inhalt sich gegenseitig befruchten können, zeigt auch das Buch »Keimzelle«, mit der Studierende ein experimentelles Gartenprojekt im öffentlichen Raum dokumentieren. Völlig zurecht einer der Preisträger beim diesjährigen Wettbewerb »Schönste deutsche Bücher«. Ferner stellen wir das Healthy Materials Lab vor, dessen Gründerinnen Alison Mears und Jonsara Ruth im Interview erklären, warum Materialgesundheit ein Thema ist, mit dem sich Designer:innen unbedingt beschäftigen sollten.

Grafik+ »Creative Printing«

Dass wir beim Grafikmagazin Print lieben, ist kein Geheimnis, in dieser Ausgabe haben wir aber selbst immer wieder gestaunt, wie spektakulär und innovativ man Druck einsetzen kann. Sei es, indem man Einladungen gestaltet, die wirklich Eindruck machen, Musterbücher, die Produkte grandios glänzen lassen oder indem man alte Drucktechniken neu entdeckt und interpretiert. An der ESAD in Portugal lernen Studierende beispielsweise, den Buchdruck für eigene Projekte zu nutzen und erfahren so viel über Gestaltungsprinzipien, Weißraum und Typografie. Dies und mehr finden Sie in unserer Rubrik Grafik+ mit dem Schwerpunkt »Creative Printing«.

Das Cover

Risografie-Druck ist sehr vielseitig, Flyer bis hin zu Postkarten oder Art Prints lassen sich mit dem umweltfreundlichen Verfahren viele Dinge umsetzen. Die Risografie auch im großen Stil für Zeitschriften-Cover einzusetzen ist jedoch ungewöhnlich. Für das Grafikmagazin haben gleich sechs Designer:innen und Riso-Studios in Deutschland und den USA Motive entwickelt und gedruckt. Jedes Motiv ist völlig anders, jedes hat seine gestalterischen und drucktechnischen Raffinessen.

Das umlaufende Cover, bei dem Vorder- und Rückseite miteinander korrespondieren, wurde zunächst im Offset vorgedruckt und dann von den Studios im Risografie-Verfahren bedruckt. Als Papier kam Munken Pure Rough in 300 g/qm von Inapa zum Einsatz.

Die Cover-Motive stammen von Herr & Frau Rio, Kelli Anderson, Martin Krusche, Rosidruckt, Superkolor und The Happy Club.

Der Showroom

Im Showroom geht die Reise dieses Mal ins jordanische Amman, wo das Studio Turbo auf höchstem Niveau zwischen Kunst und Kommunikation arbeitet und neben einem Designbüro auch eine Galerie, eine Druckwerkstatt und einen Radiosender betreibt. Wir stellen die verdienten Preisträger:innen des ADC Talent Awards sowie des Plakatwettbewerbs 100 Beste vor, außerdem die beeindruckende Arbeit des Künstlers und Illustrators Fidel Sclavo.

Das Grafikmagazin 05.23 mit dem Schwerpunkt »Creative Printing« können Sie hier bei uns versandkostenfrei (innerhalb der EU) bestellen.

Der Beitrag Grafikmagazin 05.23 – Schwerpunkt »Creative Printing« erschien zuerst auf Grafikmagazin.

Die Absolventin der OfG (Online-Schule für Gestaltung) widmete ihre Abschlussarbeit komplett der Nachhaltigkeit: Sie entwickelte einen Kalender, der nicht direkt weggeworfen, sondern weiter verwendet werden kann.
Gedruckt auf 90 g/qm Graspapier ist die visuelle Aufbereitung gestützt von natürlichen Braun- und Grüntönen, die Farbproben dafür zog sie aus einem Landschaftsbild. Auch die wiederkehrenden gestalterischen Elemente, wie beispielsweise bienenwabenförmige Sechsecke, finden immer wieder ihren Bezug zur Natur.

Anders als beim herkömmlichen Wandkalender, wo jede Seite für einen Monat den Raum schmückt und danach weitergeblättert wird, hat sich Andrea Gruber für ihr Projekt etwas Neues überlegt. Das grundlegende Material, also das Papier, ist für einen weiteren Zweck vorgesehen: ein Origami. Hierfür sind ein Großteil der Seite mit entsprechend der Anleitung kolorierten Linien bedruckt, die als Hilfestellung zum Falten dienen, sobald das Kalenderblatt am Ende des Monats als solches ausgedient hat. Auf jeder Rückseite platzierte sie außerdem einen QR-Code zu der Website mit einem entsprechenden Video-Tutorial, damit auch Faltkunst-Laien an der Bastelei teilhaben können. Das gibt dem Besitzer des Kalenders immer wieder die Möglichkeit, dem Papier eine andere Form zu geben und somit ein neues Leben einzuhauchen.

Die Auswahl der zu faltenden Tierchen ist ebenfalls nicht willkürlich, sondern orientiert sich nach dem jeweiligen Monaten: Ein Fuchs für den Januar, weil ihre Paarungszeit in diesen Zeitraum fällt, oder, aufgrund der Faschingszeit, ein Papagei für den Februar.

Um zuletzt auch die Produktion nachhaltig zu gestalten, hat die Andrea Gruber ein Print-on-Demand-Konzept vorgesehen, damit nur so viele Ressourcen verbraucht werden, wie auch angefragt werden. Alles in allem handelt es sich bei dem Projekt »Ökogami« um einen nachhaltigen Origami-Kalender, der den Reuse-Gedanken verfolgt und dem Konzept dadurch wortwörtlich eine dritte Dimension verschafft.
Dies bietet immer wieder einen kreativen Anstoß im Alltag, liefert neue Dekorationsmöglichkeiten oder lässt sich weiter verschenken.

Wenn Ihr Interesse geweckt wurde, können Sie gerne hier mehr über das Projekt erfahren.

Hier geht es außerdem zu weiteren, spannenden Absolvierenden-Projekten aus den unterschiedlichsten Bereichen.

Text: Johanna Schmees

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In seinem Jahresmagazin spürt der VDMB Themen nach, die für die Druck-Branche relevant sind, im Jahr 2022 waren das gleich vier: Dekarbonisierung, Deglobalisierung, Demografie und Digitalisierung. Diese Schwerpunkte wurden nicht nur im Magazin mit viel Sachverstand diskutiert, sie prägten auch das Design des Magazins. Nicht nur thematisch gliedert es sich in vier Teile, die Aufteilung verdeutlicht sich auch gleich auf dem Titel, der auf raffinierte Weise mit verschiedenen Papieren spielt und zeigt, dass es hier auch um das große Ganze geht.

Das Spiel mit unterschiedlichen Materialien und Veredelungen steht einem Druck-Verband gut zu Gesicht und auch das Editorial Design der Innenseiten zeugt von viel Liebe zum Detail und großem Sachverstand. Die Designerin Marina Kuhn konnte hier ihre lange Erfahrung als Magazinmacherin voll ausspielen. »Für uns sind diese vier D Teile eines Ganzen, zusammen ergeben sie die wichtigsten Herausforderungen, an denen wir nicht vorbeikommen – im Gegenteil: Wir müssen mit ihnen umgehen, arbeiten, sie gestalten – so, wie sie unser Jahresmagazin prägen und gestalten«, erklärt Marian Rappl, Leiter Kommunikation des VDMB.

Auch die Jury des mediaV-Awards war überzeugt: »Die gewählten vier Schwerpunktthemen betreffen nicht nur die Branche, sondern behandeln relevante Trends in Wirtschaft und Gesellschaft. Mit dieser breiteren Einordnung der Verbandsinteressen gelingt es, auch hinsichtlich der journalistischen Qualität zu punkten. Im Hinblick auf die grafische Gestaltung merkt man auf jeder Doppelseite, dass sich die Macher:innen ausreichend Zeit für die Verbindung von Form und Inhalt genommen haben. Alles ist klar, schlüssig und überzeugend. Insgesamt also ein High-End-Printerzeugnis, wie es einer Branche angemessen ist, bei der sich alles um Printerzeugnisse dreht«, so Margit Dorn, Mitinhaberin des WIP Wissenschaftlichen Instituts für Presseforschung und Publikumsanalysen.

Verbandskommunikation wirkt noch immer oft etwas verstaubt, beim Verband Druck und Medien Bayern gilt jedoch: practice what you preach. Bei der Preisverleihung in Köln durfte sich das VDMB-Team also sehr verdient über die Auszeichnung durch den mediaV-Award freuen.

Download des VDMB-Jahresmagazins als PDF

Ebenfalls preisgekrönt: Die schönsten deutschen Bücher in der Kategorie Kinderbücher. Hier erfahren Sie mehr darüber …

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Luzia, woher nimmst du deine Inspiration? Was hat dich zur Designerin gemacht?
Mein Weg zur Gestaltung war ziemlich klassisch – ich habe während meiner Schulzeit Kunstleistungskurs belegt und bemerkt, dass mit der Umgang mit Schrift und Plakaten mehr liegt, als Malerei oder realistische Bleistiftzeichnungen. Danach habe ich in Mainz und Hamburg Kommunikationsdesign studiert und anschließend für zwei Jahre in Festanstellung gearbeitet. Nebenher habe ich auch immer an eigenen freien Aufträgen gearbeitet, 2019 wurden meine Arbeiten mit dem Newcomer-Preis des German Design Award ausgezeichnet, das war auch ein Auslöser dafür, dass ich mich 2020 als Grafikdesignerin selbstständig gemacht habe.
Inspiration und neue Ideen finde ich oft eher in Arbeitspausen, zum Beispiel beim Spazieren gehen in Planten und Bloomen oder beim Schwimmen, wenn mein Kopf frei ist und die Gedanken kreisen können. Aber natürlich inspiriert mich auch die Arbeit von Künstler:innen und Gestalter:innen aus anderen Disziplinen, wie beispielsweise Daniel Buren, Muller van Severen oder Camille Walala.

Thea, warum wolltest du ein so großartig designtes Produkt? Jeder andere hätte sicher die schlankere Variante gewählt.

Mir persönlich war es ganz wichtig, dass das Produkt, neben der Funktionalität, ansprechend aussieht und eine Art Geschenkcharakter bekommt. Freude und Leid – so sagt man – liegen ja oft bekanntlich nah beieinander. Und genauso soll Womatics sein. Der Problemlöser, der dir aber trotzdem Freude schenkt. Und ein Design, dass dabei hilft, stille Themen auf eine würdevolle und nicht beschämte Art und Weise aus seiner stillen Ecke zu holen.
Die Tube sieht durch Luzias Design nicht nach einem Don’t-talk-about-it-Produkt aus, sondern frisch, jung, modern und stylisch.

Wie kamst du auf Luzia?
Da ich mit der Idee Womatics alleine gestartet bin, war mir sehr wichtig, dass ich jemanden finde, der in Hamburg vor Ort ist. Ich wollte meine Idee persönlich teilen. Ich entscheide im Leben viel nach dem Bauchgefühl und da war es mir besonders wichtig, dass es zwischenmenschlich passt. Ich habe Luzia in einer Art Kreativ-WG-Arbeitsplatz-Sharing Atmosphäre getroffen, wo sie damals noch ihren Schreibtisch hatte. Allein das war schon so ein tolles Erlebnis und man konnte die Kreativität an diesem Ort sofort als nicht Kreativer spüren. Luzia konnte sich für meine Idee genauso schnell begeistern, wie ich selbst. Ich fand es toll, dass sie zu 100% für etwas gebrannt hat, das es de facto damals ja noch garnicht gab. Sprich mit dem Risiko, dass da keine große Firma anklopft, sondern eine One-Woman-Show mit einer Idee im Kopf.

Welche Vorstellung hattest du vom Design und wie hast du Luzia diese vermitteln können?
In unserem ersten Gespräch wurde uns beiden schnell klar, wie das Mama Cooling Gel aussehen soll. Das Design ist nicht vorab in einem klassischen Briefing abgegeben worden, sondern durch unseren Austausch entstanden. Als ich dann kurze Zeit später die ersten Vorschläge gesehen habe, wusste ich, das mit Luzia wird eine gute und langfristige Zusammenarbeit. Und dafür bin ich sehr dankbar. Und es hat sich bis heute so bestätigt.

Luzia, wie genau geht man vor, wenn man den Auftrag erhält ein »Mama Cooling Gel« zu gestalten?
Beim ersten Gespräch mit Thea haben wir beide schnell festgestellt, dass wir eine ähnliche Vorstellung von ihrem Produkt haben, das war eine sehr gute Ausgangslage für unsere Zusammenarbeit. Für mich war es toll, dass Thea komplett neu auf dem Markt war und ich so von Anfang an das visuelle Erscheinungsbild mit gestalten konnte. Zuerst habe ich also ein Corporate Design für Womatics gestaltet bevor ich an die Umsetzung für die Verpackung des Mama Cooling Gels gegangen bin, das hat uns den ersten Rahmen für das Packaging Design gegeben. Wir waren uns einig, dass das Cooling Gel eine selbstbewusste Gestaltung braucht, also nicht nur in zarten Pastelltönen daher kommt und möglichst unauffällig aussehen soll.

Was hat dich an diesem Thema gereizt?
Ich fand Theas Geschichte gut, dass sie ein Produkt auf dem Markt bringen will, dass ihr selbst immer gefehlt hat. Für mich war auch das Feedback von anderen Müttern, mit denen ich darüber gesprochen habe, super interessant, weil die meisten auch von Kohl- und Quarkwickel die Nase voll hatten und begeistert waren, dass jemand ein Produkt gegen dieses Problem entwickelt. Außerdem fand ich es toll, dass Thea an ihre Idee geglaubt hat und sie unbedingt realisieren wollte.

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Dian Hanson ist nicht nur langjährige Autorin des Taschen Verlags, sie ist auch die Frau für die etwas schrägen und schlüpfrigen Themen. In sechs Bänden widmete sie sich Männermagazinen sowie Brüsten und Penissen oder dem Illustrator und Schöpfer schwuler Ikonen Tom of Finland. Nun hat sie sich der Kunst Frank Frazettas angenommen und wie immer ist ein Buch entstanden, dass Fans mit viel Bildmaterial und Hintergrundwissen beeindruckt und alle anderen Seite für Seite in seinen Bann schlägt.

Frank Frazetta gilt als unangefochtener Meister der Fantasy-Kunst, aber er war auch ein sehr ungewöhnlicher Mensch. Er war Profi-Baseballer in der amerikanischen Liga, Kleinkrimineller und notorischer Verführer mit dem Aussehen eines Filmstars. Der Kunst widmete er sich nach eigenen Angaben nur dann, wenn es nichts besseres zu tun gab. Trotzdem begann er schon im Alter von 16 professionell Comics zu zeichnen und für EC Comics zu arbeiten. Er stellte Tarzan und Conan dar und griff dabei auf seinen eigenen Erfahrungsschatz aus Brooklyn zurück. In seinem Viertel kannte er Typen, die genau so waren, Muskelpakete und Machos.

Frazetta machte die realen Vorlagen noch bedrohlicher und Testosteron-gesteuerter. Seine Frauenfiguren waren ebenso körperbetont und sexualisiert. Elfengesichter kombinierte er mit feisten Schenkel, vollen Hintern und Brüsten – Frazetta zeigte alles, was die Zensur gerade noch so durchgehen lies. Dabei durften seine Körper gern lebensechte Bauchansätze, Dellen und Zellulitis zeigen – was vor dem Hintergrund heutiger Sehgewohnheiten seltsam verstört.

Frazetta war vulgär, ein Gauner und Streithals aus Brooklyn, aber er erlernte sein Handwerk auch von Michele Falanga, einem neo-klassizistischen italienischen Maler. Von Disney Cartoons schaute er sich seine Linienführung ab und schuf schließlich mit Conan und anderen Comics eine eigene Welt, die sexualisiert, kraftstrotzend und für ihre Zeit absolut ungewöhnlich war. In »The Fantastic Worlds of Frank Frazetta« kann man dem Künstler und seinen sehr speziellen Bildwelten nun nachspüren. Und man muss kein Fan von Muskelmännern, barbusigen Frauen und fruchteinflößenden Kreaturen sein, um diese Welten faszinierend zu finden.

The Fantastic Worlds of Frank Frazetta
Dian Hanson, Taschen Verlag

Hardcover, Leineneinband mit Schutzumschlag,
29 x 39,5 cm, 4,87 kg, 468 Seiten, € 150 | CHF 150

ISBN 978-3-8365-7921-6 (Deutsch, Englisch, Französisch)

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Michaela Huml liebt es, andere Leute in ihre Projekte einzubeziehen, deshalb ist ihr Happy Club auch kein gewöhnliches Risografie-Studio in dem Auftragsarbeiten gedruckt werden, vielmehr geht es ums Mitmachen und Zusammenarbeiten. Wer im Happy Club einen Workshop belegt, erwirbt sich Basiskenntnisse im Riso-Druck und kann fortan die Drucker für eigene Projekte nutzen. Michaela Huml und ihr Team stehen natürlch immer mit Rat und Tat zur Seite. So entsteht eine stetig wachsende Happy-Club-Gemeinde, die experimentiert und auch gemeinsam Projekte umsetzt.

Ein solches Projekt ist der Mix & Match Kalender. Zusammen mit dem Frauennetzwerk und Kreativkollektiv Büro Chapeau lud Huml 24 Künstler:innen ein, ein Kalenderblatt zu gestalten, alle hatten völlige Freiheit und mussten sich lediglich auf zwei Farben beschränken. Das Drucken selbst war eher Happening als Arbeit, alle Kalenderblätter wurden signiert und am Ende stand eine Auswahl von 27 verschiedenen Motiven zur Auswahl.

Im kleinen Laden am Münchner Rindermarkt können Interessierte nun zwölf Motive auswählen und sich ihren individuellen Mix & Match Kalender selbst zusammenstellen. Die einzelnen Risografien sind gelocht und separat vom Kalendarium an einer speziell entwickelten Aufhängung angebracht, wenn das Jahr vorbei ist, kann man sich die schönsten Motive dann als Kunstdruck an die Wand hängen – schließlich sind alle limitiert und signiert.

Wer nicht vor Ort sein kann, hat nun die Möglichkeit, den Kalender auch online zu erwerben. Frei wählen kann man hier leider nicht, aber man kann sicher sein, dass Michaela Huml eine schöne Auswahl trifft.

Hier geht’s zum Mix & Match Art Kalender 2023

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Wir sind große Fans von schönen Kalendern, denn sie können ein echtes Schmuckstück sein. Unsere Freude war deshalb groß, als uns F&W Medien anbot, selbst einen Kalender für 2023 zu gestalten. Absolute kreative Freiheit und viel Platz, für Grafikmagazin-Art-Director Tobias Holzmann stand schnell fest, auf dieser Bühne sollte Type Design die Hauptrolle spielen. »Im Zentrum der Gestaltung steht die große Typografie«, sagt Holzmann, »und ich habe für jeden Monat eine andere, sehr ausdrucksstarke Display-Schriftart gewählt.« Zwölf sehr unterschiedliche Schriften verschmelzen nun auf den Kalenderblättern mit grafischen Elementen, die teilweise auf die Jahreszeit anspielen. 

Schön fürs Auge, gut für die Umwelt

Die visuelle Anmutung wird durch die Auswahl der Papiere zusätzlich unterstützt. Sieben verschiedene Naturpapiere kamen zum Einsatz und verleihen den Motiven durch ihre hochweißen bis natürlichen Färbungen einen zusätzlichen Reiz. Sie alle eint, dass sie aus 100 Prozent Altpapier bestehen und mit dem Blauen Engel ausgezeichnet sind. F&W Medien war es wichtig, nicht nur einen Kalender zu produzieren, der schön ist, sondern auch zu zeigen, dass man Printprodukte umweltverträglich produzieren kann. Denn nicht nur die Papiere erfüllen höchste Umweltstandards, auch die Druckfarben sind ökologisch und der gesamte Druckprozess erfolgte nach den strengen Richtlinien des Blauen Engels. »Dieser Kalender zeigt, wie Design, Druck und Papier in harmonischer Weise zur einem wunderschönen Printprodukt verschmelzen können«, sagt Benedikt Wild von F&W Medien. »Und er zeigt auch, dass nachhaltige Printproduktion eine Frage des Könnens, aber vor allem eine des Willens ist.« 

In erster Linie soll der Kalender aber ein schönes Objekt sein, das jeden Monat mit einem neuen Motiv überrascht und inspiriert, darin sind sich Wild und Holzmann einig.

Format:
47,8cm x 67cm

Auflage:
300 Stück

Druck:
F&W Druck & Mediencenter
Offsetdruck nach dem Blauen Engel-Standard

Design:
Tobias Holzmann

Papiere:
Enviro Value, 250g, Inapa / ENVIRO CARD, 250g, Inapa / Nautilus Classic, 200g, Igepa / Circle Offset PW, 200g, Igepa / ENVIRO Nature, 250g, Inapa / Vivus 89, 250g, Berberich Papier / Enviro Pure, 250g, Inapa / Les Naturales Alabastaweiß, 325g, Les Naturales

Alle Papiere sind zu 100 % aus Altpapier und mit dem Blauen Engel ausgezeichnet.

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Könnten Sie uns etwas über Ihren Werdegang erzählen?

Als Sohn von einer Künstlerin/Architektin und einem Architekten bekam ich in den formenden Jahren zwangsläufig und entgegen aller pubertierender Interessensmuster natürlich einiges mit, was Kunst- und Kulturgeschichte, Humanismus und gesellschaftsrelevante Entwicklungen anbelangt, jedoch führte mein eigener beruflicher Weg zuerst über ein abgebrochenes Rechts- und Spanischstudium, und erst in zweiter Instanz, über eine künstlerische Ausbildung. Diese unternahm ich am London College of Printing and Distributive Trades – jetzt London College of Communication – und am Central Saint Martins College of Art and Design. Nach dem Abschluss mit einem Master of Art und der damit einhergehenden Spezialisierung in Typography and Language, war ich naiv und arrogant genug, mein eigenes Studio zu gründen. Das Atelier Dreibholz gibt es also seit Herbst 2003, bzw. Frühling 2004. Neben den praktischen Arbeiten, war es mir immer ein Anliegen zu unterrichten und auch zu publizieren, da ich diese für mich schon früh als reflektierende und dementsprechend wichtige Tätigkeiten wahrnahm, und was bis zur Familiengründung mit der Geburt meines ersten Kindes auch ganz gut klappte. Seit 2012 hat zumindest die Publikationstätigkeit abgenommen. Der Fokus unserer Arbeiten lag allerdings schon bald auf Editorial Design, bzw. Buchgestaltung, was sowohl meinem eigenen Interesse als auch glücklichen Umständen zu schulden war.

Im Dezember 2014 schließlich verließen wir als Familie London aus einer Reihe von gesellschaftlich klar ersichtlichen Entwicklungen heraus, und ließen uns in Wien nieder. Meine damalige Anstellung in der Klasse für Ideen an der Universität für angewandte Kunst Wien und verzeinzelten Kund:innen aus meiner Zeit in London, erlaubte es mir langsam eine neue professionelle Basis aufzubauen in Wien aufzubauen.

Fällt Ihnen ein entscheidender Moment ein, eine Person oder etwas, das Sie dazu inspiriert hat, in den Bereich [Editorial] Design zu gehen?

Ich darf hier – in chronologischer Reihenfolge – Peter Willberg, Freda Sack, Roland Früh und Roland Stieger nennen. Peter Willberg ermöglichte mir während meines Bachelor-Studiums erste Einblicke in die Komplexität der Buchgestaltung, Freda Sack dann während des Master-Studiums in die Feinheiten der Schriftgestaltung, Roland Früh motivierte mich indem er bei gemeinsamen Gesprächen es immer schaffte mit wenigen Bemerkungen einen größeren theoretischen Rahmen um die Disziplin zu spannen und Roland Stieger, indem er es bei einem Abendessen nach einer Ausstellung in der St Bride’s Library in London – meinte, dass Buchgestaltung doch die »Königsdisziplin« ist. Letzteres bestätigte mir nämlich, dass mein Interesse an dem Kulturobjekt Buch keine Scheu war, mich anderen Aufgaben, wie Art Direction oder Werbekampagnen zu stellen, sondern eine tatsächliche Leidenschaft sein könnte. Dies sollte sich auch in weiterer Folge bewahrheiten.

Wie würden Sie Ihre Designarbeit / Ästhetik beschreiben?

Natürlich entwickelt sich in einem über 20 Jahre hinweg entstandenen Werksverzeichnis eine gewisse Ästhetik. Diese schreibe ich aber keiner Speziellen formalen Vorliebe zu, sondern den von uns angewandte Methoden und Zugängen. Typografie ist – wie alle Gestaltungsbereiche – von eben diesen abhängig, und als Gestalter:innen fühlen wir uns mit gewissen Werkzeugen wohler als mit anderen. Dass – zum Beispiel – das Buch als Medium in Generellen, oder ein gewisses Buchformat im Speziellen, nicht immer das richtige Werkzeug ist, um eine kommunikative Frage zu beantworten ist offensichtlich. Aber innerhalb gewisser Parameter entstehen automatisch etablierte Maßnahmen. Diese münden dann in einer gewissen Ästhetik. Wir sind davor nicht gefeit, versuchen aber das Packet, also unsere Gestaltungsentscheidungen, immer wieder aufzuschnüren, um nicht in die Falle zu tappen, uns aus Bequemlichkeit zu wiederholen.

Sie konzentrieren sich vor allem sehr stark auf Editorial Design, was gefällt Ihnen am meisten an dieser Kommunikationsform?

Die umfassende Komplexität in der scheinbaren Einfachheit des Mediums Buch. Die Veränderungen, die dieses Medium durchläuft, sowohl in seiner Bedeutung als Kommunikationskanal, als auch in seiner Symptomatik als (Kultur)Objekt. Über Jahrhunderte war der Kodex als Buchform einer anscheinend nur langsamen Entwicklung unterzogen. Klar ersichtlich ist jedoch, dass mit dem Aufkommen neuer Kanäle und den damit verbundenen Wahrnehmungsprozesse, das Buch ebenfalls neue Bedeutungen, Nischen und Märkte erschaffen oder erobert. Der Prozess ist jenem der neu aufkommenden Fotografie und den dadurch neuen Herausforderungen der Malerei nicht unähnlich.

Gibt es im Editorial Design ein Format (Buchgestaltung, Broschure, Magazine, Kataloge, etc) an dem Sie am Liebsten arbeiten?

Ohne auf die unzähligen spannenden Mischformen einzugehen, wäre dies wahrscheinlich jegliche Kombination aus Text und Bild. Demzufolge stellt noch am ehesten der Katalog meine bevorzugte gestalterische Spielwiese dar. Ich freue mich jedoch auch sehr über stark textlastige Projekte, und auch komplexe wissenschaftliche Publikationen sind für mich äußerst spannende Herausforderungen. Meine Begeisterungsfähigkeit gegenüber jeglichen Themen und gestalterischen Aufgaben ist auch laut Kolleg:innen mein größter Feind eine eindeutige Identität als Studio zu entwickeln.

Was ist der Unterschied zwischen dem Designprozess für kleinere und größere Formate?

In meinem Gestaltungsprozess spielt es keine Rolle, ob ein Format größer oder kleiner ausfällt. Sobald wir von mehr als einer »bespielten« Seite (wie dies beim Plakat der Fall wäre) ausgehen, greifen die Kriterien und Komplexitäten der zeitlichen und räumlichen Abfolge und entsprechender leseerognomischen Variablen. Auch wenn diese nicht zu kontrollieren sind, sind sie dennoch zu beeinflussen. Sie stehen im Gegensatz zur Gleichzeitigkeit, wo die Leser die Gesamtinformation auf einmal präsentiert bekommen.

Sind Sie optimistisch, was zeitgenössisches Editorial Design angeht, oder deprimiert Sie ein Besuch im örtlichen Zeitungsladen?

Es gibt großartige zeitlose Beispiele im Bereich Editorial Design, sowohl aus der Vergangenheit, als auch in der Gegenwart. Überraschenderweise sind es aber sehr oft die selben Protagonist:innen, welche es schaffen, ganzheitlich wertvolle Arbeiten zu gestalten, bei denen sowohl Leserschaft, Kund:in und Disziplin heraus-, aber nicht überfordert werden. Viel Zeitgenössisches verschwindet schnell wieder und das ist auch gut so.

Sie arbeiten viel im Kunst- und Kulturbereich, was gefällt Ihnen besonders an dieser Branche?

Die Fragestellungen über etablierte und neue Zusammenhänge sind im Kunst- und Kulturbereich jenen der Gestaltung ähnlich. Ein gewisser Mut neue Wege zu beschreiten, also Gestaltungs- und Bedeutungsformeln als solche zu entlarven und zu verarbeiten, steht diesen Disziplinen nahe. Eine Hypothesenbildung, im Sinn von, »Was wäre wenn?«, oder »Ist es nicht so, dass …?« ist eine oftmals willkommene Methode, sich einem Projekt zu nähern. »Unsicherheit« ist demnach keine Bedrohung, sondern eine etablierte Methode kritischer Gestaltung. Das reflektiert auch sehr akkurat unseren Zugang. Ich hoffe mit den Arbeiten, die unser Studio verlassen die Gesellschaft mitzugestalten, sie aber nicht zu entfremden.

Zur Website von Atelier Dreibholz

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