Im Technologie-Umfeld tut sich eine Menge und für all diese neuen Ausrichtungen, Produkte und Start-ups braucht es eine passende Kommunikation. Entsprechend entstehen in diesem Bereich derzeit viele spannende Design-Lösungen, die wir uns in dieser Ausgabe einmal genauer ansehen.

Nachdem wir in der vergangen Ausgabe wissen wollten, wie Kreative heute mit KI umgehen, wo sie sie sinnvoll einsetzen und in welchen Bereichen sie mehr verspricht als hält, haben wir uns jetzt gefragt, welche Fähigkeiten heute im Design noch gebraucht werden. In unserem Fokus »Skills« wollten wir wissen, was man als Gestalter:in können muss, um jetzt und in Zukunft bestehen zu können. Natürlich gibt es keine Patentrezepte, aber unsere Interview-Partner:innen haben uns viele Tipps gegeben, in welche Richtung es gehen könnte, bzw. womit sie schon jetzt Erfolg haben.

Grafik+ »Branding für Tech«

In diesem Bereich zu gestalten ist oft gar nicht so einfach, denn viele Unternehmen oder Geschäftsidee entstehen gerade erst. Für Kreative bedeutet das, etwas zu branden, dass es noch nicht gibt und das sich sicher noch verändern wird. Eine scheinbar unlösbare Aufgabe, aber gerade deshalb entstehen rund um Tech gerade so viele spannende Designs. Und es ist alles mit dabei: klassische Typografie, große Markeninszenierungen, generative Gestaltung und natürlich KI. Wir haben uns umgeschaut und stellen auf 20 Seiten großartige Brandings vor, die von erneuerbaren Energien bis hin zu Biotech das Neue in Szene setzen.

Das Cover

Ganz und gar nicht »tech« ist unser Cover oder wenn, dann auf sehr altmodische Art. Ein alter Tiegel hat unser typografisches Motiv mit einer Blindprägung versehen und der Mehrfarbdruck entstand durch ein sehr Ressourcen schonendes Verfahren, das man schon früher anwandte, wenn man etwas Besonders erschaffen wollte: den Irisdruck.

Für die außergewöhnliche Haptik sorgt ein Baumwollpapier, das es zudem erlaubt, besonders tief zu prägen.

Druck und Veredelung: Bölling

Papier: myPur Coton bianco von Ovol

Der Showroom

Im Showroom dieser Ausgabe besuchen wir die Designerin Dorothee Pape, die bei der Unternehmenskommunikation vor allem auf besondere Bücher setzt. Zum 25. Mal jährt sich der Wettbewerb die 100 Besten Plakate und wie immer ist es eine Freude, die prämierten Arbeiten zu sehen. Tatsächlich hat auch uns das Fußballfieber erwischt und zwar in Form des Magazins Glory, das großartiges Storytelling mit toller Gestaltung verbindet. Last, but not least werfen wir einen Blick in das Archiv von Heinz Edelmann – all Welt kennt seine Zeichnungen für den Beatles-Film »Yellow Submarine«, doch der Grafiker hat noch ganz andere Schätze geschaffen.

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Das Grafikmagazin 03.26 zeigt, in welchen Bereichen Gestaltung gerade sehr präsent ist. Zudem bietet diese Ausgabe viele handfeste Tipps für die Arbeit von Designer:innen. Die Ausgabe können Sie hier bestellen, versandkostenfrei (innerhalb der EU).

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Längst durchdringt KI viele unserer Arbeits- und Lebensbereiche. Wir wollten wissen, wo und wie Kreative sie aktuell einsetzen. Wo KI im Design wirkliche Verbesserungen bringt und wo ihr Nutzen überschätzt wird. Auf zwanzig Seiten stellen wir im Grafikmagazin 02.26 Ansätze und Projekte vor und zeigen, wo die Potenziale von KI im Design liegen.

Neben dem Schwerpunktthema bietet diese Ausgabe viel Wissens- und Sehenswertes aus der Welt des Designs. Wir blicken beispielsweise auf die Geschichte hinter der Geschichte von Puh dem Bär, beleuchten ein Forschungsprojekt zu Speculative Futures oder widmen uns der Schriftstrategie für Marken. In unserer Foto-Rubrik stellen wir Arbeiten vor, die sich mit zutiefst menschlichen Themen befassen: Gemeinschaft und Eltern sein. Natürlich gibt es auch viel sehenswertes Editorial Design zu entdecken, sei es zu KI-Kunst, Infografiken oder dem Zweifeln als Methode. In unserem Fokus setzen wir unseren Schwerpunkt zu Resilienz im Design fort und zeigen verschiedene Ansätze, wie Kreative erfolgreich mit Krisen und Hürden umgehen.

Grafik+ »Design & KI«

Künstliche Intelligenz ist längst fester Bestandteil gestalterischer Praxis – kaum eine aktuelle Auseinandersetzung mit Design kommt noch ohne sie aus. Umso spannender ist die Frage, wie sich ihr Einsatz weiterentwickelt hat: Bereits vor drei Jahren haben wir uns im Grafikmagazin intensiv mit KI beschäftigt und sogar eine Ausgabe mit 1000 Cover-Varianten realisiert. Was damals neu und aufregend erschien, wirkt heute stellenweise fast schon überholt. Kann man also mit KI überhaupt Dinge von bleibendem Wert schaffen? Sind zeitlose Gestaltung und schnelles Prompten Gegensätze? An welchen Stellen erzeugt KI überhaupt einen echten kreativen Mehrwert?

Das wollten wir wissen und haben nachgefragt, wie Kreative und Agenturen heute KI nutzen – wo sie Vorteile bringt und wo ihre Wirksamkeit überschätzt wird. Im Grafik+ des Grafikmagazin 02.26 stellen wir auf 20 Seiten Projekte und Positionen rund um das Thema »Design & KI« vor.

Das Cover

Das Cover-Motiv wurde von Vincent Schwenk in einem hybriden Workflow entwickelt. Der 3D-Künstler trainierte ein LoRA-Modell mit seinen Arbeiten, sodass die KI seine Bild- und Formensprache verstand und daraus eine Grundkomposition kreieren konnte. Er sagt: »KI generiert, Maschinen eröffnen Möglichkeiten und Designer treffen Entscheidungen. So schreiben wir nicht nur Prompts, sondern erschaffen echte Workflows.«

Gedruckt wurde das Cover im Offset und als Papier setzen wir Munken Kristall Rough in 300 g/qm ein. Das ungestrichene Designpapier besitzt eine sehr angenehme Haptik, bringt das Motiv strahlend zur Geltung und wird von Berberich vertrieben.

Der Showroom

Im Showroom dieser Ausgabe blicken wir hinter die Kulissen der Agentur Saatchi & Saatchi, stellen die Illustratorin Eva Revolver vor und werfen einen Blick auf das Schaffen von Dušan Bekar, der seit den 60er-Jahren im damaligen Jugoslawien unter einfachsten Bedingungen großartige Grafiken schuf. Einen Faible fürs analoge Arbeiten hat auch Tina Touli, die aus den banalsten Alltagsbeobachtungen und stundenlangen Bastelarbeiten faszinierende Visuals kreiert.

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Das Grafikmagazin 02.26 zeigt, wie sich KI sinnvoll in die Designarbeit integrieren lässt. Zudem bietet diese Ausgabe viele handfeste Tipps für die Arbeit von Designer:innen. Die Ausgabe können Sie hier bestellen, versandkostenfrei (innerhalb der EU).

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Längst sind Museen weit mehr als ein Raum, in dem man sich Bilder anschaut, denn das kann man inzwischen auch gut online. Ihr Selbstverständnis hat sich geändert, ihr Angebot und vor allem wie sie kommunizieren. Für Kreative eröffnen sich deshalb neue Herausforderungen, aber auch großartige Chancen. In unserem Schwerpunkt »Design für Museen« zeigen wir, worauf es jetzt ankommt und zeigen Best Cases aus aller Welt.

Im Grafikmagazin 01.26 erwartet Sie wieder eine breite Mischung an Designthemen. Mit Fotografien von Sylvester Stallone im Ring und am Set von »Rocky« eröffnet sich eine sehr spezielle Zeitkapsel, ebenso wie mit Illustrationen zu Christa Wolfs Buch »Kassandra«, das heute wieder erstaunlich aktuell ist – damals wie heute sah man das Unheil kommen und wusste doch nicht, wie man reagieren soll. In der Studierendenarbeit »Don’t Blink« ist die Handlungsanweisung klar: Wer versteht, was hinter dem eigenen endlosen Scrollen steckt, möchte nicht mehr manipuliert werden. Wie viel lohnenswerter zum Beispiel das Publizieren von Büchern und Magazinen sein kann, vor allem, wenn die Bedingungen wie in Beirut schwierig sind, zeigt die Arbeit »Ripped«. Warum eine stringente Schriftstrategie für Marken so wichtig sind und worauf man achten sollte, haben Julia Schygulla und Patrick Marc Sommer für das Grafikmagazin 01.26 analysiert und in unserem Fokus geht es um Resilienz und wir präsentieren wertvolle Tipps speziell für Designer:innen.

Grafik+ »Design für Museen«

Immersiv, konkret und verbindend: Auf 20 Seiten präsentiert dieser Schwerpunkt herausragende Studios aus aller Welt, die zeigen, wie zeitgemäße Kommunikation für Museen aussieht. Vom Philadelphia Art Museum, dem dänischen Nationalmuseet bis hin zum MKKD Ingolstadt wird deutlich, dass Museen längst auch in der Stadt eine ganz andere Rolle einnehmen. Und sie sprechen Besucher:innen ganz anders an, sei es durch ein Design, das auch schwere Themen wirkungsvoll vermittelt, bis zu Welten, die mit Wasserfällen oder Gerstenfeldern Produktionsprozesse erlebbar machen. All dies und weitere inspirierende Projekte finden Sie im Grafik+ des Grafimagazins 01.26.

Das Cover

Mother Earth heisst das Cover-Material dieser Ausgabe und tatsächlich vermittelt das Papier eine sehr natürliche Anmutung. Das Material von Gmund wird aus Gras- und Getreideabfällen von bayrischen Mischfeldern produziert und ist sowohl nachhaltig, als auch haptisch ein Erlebnis. Um den den Charakter dieses ungewöhnlichen Papiers zur Geltung zu bringen, wurde es mit zwei Heißfolien von Kurz veredelt, die dem Motiv von Designer Tobias Holzmann zusätzlich Reiz und Tiefe verleihen.
Die Heißprägung wurde von Gräfe Druckveredelung und dem Forum Druckveredelung umgesetzt und die Prägewerkzeuge stammen von Hinderer + Mühlich. 

Der Showroom

Sam Kim gestaltet sowohl in einem koreanischen Stil, als auch auf eine deutsche Art. Mit dem Projekt »Common Imprint« trägt er zudem asiatische Bücher in die Welt hinaus. Die Kalligrafin Petra Wöhrmann schreibt mit dem ganzen Körper und bemalt dabei auch gerne mal Kleider oder Weinetiketten. Und Slavimir Stojanovic ist ein Kreativer mit vielen Talenten, nicht zuletzt Plakatdesign. Das Studio Barath besucht gerne auch mal die Küche eines Restaurants, um ein wirklich treffsicheres Branding abzuliefern, denn die ungarischen Kreativen wissen, dass Design nur dann funktioniert, wenn man den Kontext kennt. 

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Das Grafikmagazin 01.26 zeigt, wie gelungene Gestaltung rund um Museen aussieht. Zudem bietet diese Ausgabe viele handfeste Tipps für die Arbeit von Designer:innen. Die Ausgabe können Sie hier bestellen, versandkostenfrei (innerhalb der EU). 

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Viele von Albrecht Dürers Bildern sind ikonisch, etwa die Betenden Hände, Der Hase oder sein Selbstporträt. Dass sie nach über 500 Jahren noch immer so vielen Menschen bekannt sind, liegt natürlich an Dürers Kunstfertigkeit, es liegt aber vor allem daran, dass er ein Visionär war und seiner Zeit weit voraus. Der XXL-Band »Albrecht Dürer. Sämtliche Gemälde, ausgewählte Zeichnungen und Druckgrafiken« versammelt nicht nur 500 Zeichnungen sowie alle Gemälde des Künstlers, er beschreibt auch die ungewöhnliche Karriere Dürers und welchen Einfluss er auf die Kunst und seine Zeit hatte.

Dürers Heimatstadt Nürnberg erlebte damals ihre Blütezeit und vom Handel und dem Reichtum profitierte auch die Kunst. Doch Albrecht Dürer beschränkte sich nicht darauf, Patrizier und Adlige zu porträtieren, er reiste auch viel und kam so mit dem Humanismus der Renaissance in Berührung, er erlebte die Farben Venedigs mit eigenen Augen und lernte in Italien die Ideale der klassischen Schönheit kennen. All diese Einflüsse interpretierte er neu und übertrug sie auf die Kunst, etwa in seinen Betrachtungen zu Maß und Proportion.

Dass uns die Arbeiten Dürers heute noch begeistern und berühren liegt daran, dass es ihm immer wieder gelang, eine große Intimität herzustellen. Selbst einfache Skizzen zeichnete er so meisterlich, dass sie – wie etwa der Feldhase – seit Jahrhunderten vervielfältigt werden und als Postkarte oder Duck an vielen Wänden hängen. Wie vielseitig Albrecht Dürer war, dass er die Malerei ebenso beherrschte wie die Druckgrafik oder die Zeichnung, wird einem umso mehr bewusst, je mehr man sich in den umfangreichen Band einliest. Und die Lektüre schärft auch das Bewusstsein dafür, was Kunst und Kreativität ausmacht. In Zeiten von KI ist es gut, sich das wieder ins Gedächtnis zu rufen.

»Albrecht Dürer« ist genau das Richtige, um über die Feiertage oder an langen Winterabenden abzutauchen. In den Bildern kann man sich regelrecht verlieren und die Texte vermitteln einem immer wieder Neues über diesen faszinierenden Universalgelehrten.

Albrecht Dürer. Sämtliche Gemälde.
Ausgewählte Zeichnungen und
Druckgrafiken

Christof Metzger, Julia Zaunbauer, Karl Schütz
Taschen Verlag, Hardcover mit Ausklappseiten, 798 Seiten
€ 175
ISBN 97836386(53814631) Deutsch
ISBN 97836386(53814535) Englisch

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Den rechten Weg zu finden – das ist im übertragenen Sinn wie im echten Leben oft nicht so einfach. Mit dem Schwerpunktthema »Leitsysteme« zeigen wir in dieser Ausgabe, wie Design Orientierung schafft und geben Einblick in einen ebenso anspruchsvollen wie vielfältigen Gestaltungsbereich.

Neben dem Fokus auf »Leitsystem« behandelt auch diese Ausgabe wieder ein breites Spektrum an Kommunikationslösungen. Die größte Tageszeitung Finnlands, Helsingin Sanomat, hat beispielsweise ihr komplettes Erscheinungsbild überarbeitet und dabei auf mutige Typografie gesetzt, während der deutsche Fokus behutsam, aber wirkungsvoll modernisiert wurde. In unserer Rubrik »Produktion & Publishing« haben wir wie immer bemerkenswerte Print-Projekte zusammengetragen – von ungewöhnlichen Büchern über coole Give-aways bis hin zu Urnen aus Papier. Im Grafikmagazin 06.25 setzen wir auch unsere Fokus-Reihe über neue Geschäftsfelder fort: Es ist ebenso faszinierend wie ermutigend, auf welche neuen Geschäftsideen Kreative kommen, wenn sie einen Bedarf entdecken.

Grafik+ »Leitsysteme«

Wohl kaum ein Designbereich ist so wichtig und zugleich so unsichtbar, denn ein gutes Leitsystem fällt meist nicht auf, es tut einfach seinen Job. Worauf es ankommt und wie viel Kreativität dennoch möglich ist, zeigen wir in dieser Ausgabe auf 20 Seiten. Vom Krankenhaus und der Fußballarena, bis hin zum Kindergarten, einem Studierendenwohnheim, Schulen oder Bürohäusern – wie Orientierung funktioniert bemisst sich immer an den Bedürfnissen der Nutzer:innen und an den Gegebenheiten vor Ort. Darüberhinaus sind der Kreativität keine Grenzen gesetzt, wie die Beispiele, die wir vorstellen, anschaulich zeigen.

Das Cover

Das Cover-Motiv dieser Ausgabe hat das Designerduo Craig & Karl für uns gestaltet. In ihrem unverwechselbaren Signature Style haben die Gestalter aus New York und London das Thema Orientierung mit einem Augenzwinkern umgesetzt und machen zugleich deutlich, dass Vielfalt immer auch eine Chance beinhaltet.
Als Papier setzten wir das hochwertige Designpapier Munken Polar von Berberich Papier ein, das die Farben und Kontraste des Motivs perfekt zur Geltung bringt. Den Druck setzte F&W Medien für uns im Offset um.

Der Showroom

Im Showroom des Grafikmagazins 06.25 hat uns Ingeborg Schindler von ihren Neuanfängen erzählt und uns verraten, womit sie als Illustratorin Erfolg hatte. Auch die armenische Branding-Agentur Backbone musste Hindernisse überwinden und gehört heute zu den erfolgreichsten ihres Landes. Viel Sportsgeist bekommen wir bald zu sehen, wenn die Olympiade Milano Cortina an den Start geht – wir konnten schon vorab mit der Designdirektorin über den »Look of the Games« sprechen. Und last, but not least berichten wir über Craig & Karl, die Design, Kunst und riesige Installationen zu einer faszinierenden Mischung verweben.

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Das Grafikmagazin 06.25 zeigt, wie gelungene Gestaltung rund ums Storytelling aussieht. Zudem bietet diese Ausgabe viele handfeste Tipps für die Arbeit. 

Das Grafikmagazin 06.25 mit dem Schwerpunkt »Leitsyteme« können Sie hier bestellen, versandkostenfrei (innerhalb der EU).

Mehr zum Thema Design im Raum finden Sie hier …

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Wenn große Suchmaschinen ihre Funktionsweise umstellen und Social-Media-Kanäle ihre Algorithmen verändern, wird es schwerer, gefunden zu werden. Der Bereich »Corporate Publishing« wird für Unternehmen und Marken deshalb immer interessanter, denn so können sie Zielgruppen direkt und oft auch nachhaltiger erreichen. Wir zeigen auf 20 Seiten was möglich ist – digital und im Print.

Auch in dieser Ausgabe erwartet unsere Leser:innen wieder ein spannender Mix an unterschiedlichen Designthemen. Ein Burger-Imbiss aus Paris zeigt, wie eine ungewöhnliche Interpretation von Handlettering eine Marke mit Haltung erschafft und auf den Inseln Föhr und Amrum lernen die Kinder jetzt Friesisch – mit Lehrmaterialien, die frisch, fröhlich und kindgerecht gestaltet sind. In unserer Fotostrecke wird es sinnlich: Elegante Thonet-Möbel machen Lust auf einen Barbesuch und bei den Gerichten von Molly Baz lautete das Credo schlicht »more is more«.
Für ein Mehr plädiert auch Sebastian Löwe. Er erklärt in unserer Rubrik »Design & Research« in welche Richtung sich das Internet seiner Meinung nach entwickeln wir. Er sieht uns auf ein »Empathic Web« zusteuern, indem Interfaces unsere Gefühle erkennen und darauf eingehen werden. Für Designer:innen tut sich hier ein neues und sehr verantwortungsvolles Betätigungsfeld auf.

Grafik+ »Corporate Publishing«

Geschichten zu erzählen wird für Marken und Unternehmen immer wichtiger, um herauszustechen und um Menschen emotional zu erreichen. Eine gute Möglichkeit, um das zu tun, ist der Bereich »Corporate Publishing« und deshalb zeigen wir in unserem Schwerpunkt kreative Ansätze, von Publikationen mit Sammlerwert bis hin zu crossmedialen Content-Strategien. Beim Schreibgerätehersteller Caran d’Ache ist es beispielsweise eine kleine Broschüre mit unterschiedlichen Illustrationen, die Lust aufs Zeichnen macht. Birkenstock feiert sein Jubiläum hingegen mit einem faszinierenden Prachtband, der staunen macht, wie reichhaltig diese Firmengeschichte ist. Selbst wer »Low-Interest-Produkte« verkauft, hat unter Umständen bemerkenswerte Geschichten zu erzählen. Otto Chemie teilt sie seit vielen Jahren in einem Magazin, das Kunden und Vertrieb bis heute lieben und schätzen. Wie man analoge und digitale Kommunikation sinnvoll kombiniert zeigt schließlich das Studio Butik – um nur einige Beispiele aus unserem Schwerpunkt zu nennen.

Das Cover

Auch das Design des Cover spielt mit analoger und digitaler Kommunikation.  »Corporate Publishing ist eine Schnittmenge unterschiedlicher Inhalte«, so die Kreative von 2xgoldstein. »Dazu zählen redaktionelle Beiträge ebenso wie Social-Media-Posts. Die hohe Informationsdichte haben wir durch gezielte Überlagerungen visualisiert.«
Für das das Cover dieser Ausgabe setzten wir enviro card blau von Ovol in der Grammatur 250 g/qm ein. Der hochwertige satinierte Karton besteht zu 100 Prozent aus Recyclingfasern und ist mit dem Blauen Engel und FSC zertifiziert. Bedruckt wurde das Cover von Stainer Schriften und Siebdruck. Das kühle Blau der Siebdruckfarbe steht dabei in spannungsvollem Kontrast zum warmen Papierton und Spotlackierungen sorgen für weitere Akzente.

Der Showroom

Im Showroom dieser Ausgabe stellen wir thekitchen vor, eine Stuttgarter Agentur, die strategisches Denken mit liebevollen Designlösungen verbindet. Gustavo Piqueira gehört zu den renommiertesten Designern Brasiliens und versteht es ebenso, große Marken zu inszenieren, wie Kunstwerke in Buchform zu gestalten. Ein ganz Großer seines Metiers war auch Hans Hillmann. Anlässlich seines 100. Geburtstags erinnern wir an den großartigen Plakatgestalter. Leidenschaftliches Gestalten liegt auch Landor Mailand, wo man nicht nur das Designhandwerk beherrscht, sondern auch große Emotionen.

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Das Grafikmagazin 04.25 zeigt, wie gelungene Gestaltung rund ums Storytelling aussieht. Zudem bietet diese Ausgabe viele handfeste Tipps für die Arbeit. 

Das Grafikmagazin 05.25 mit dem Schwerpunkt »Corporate Publishing« können Sie hier bestellen, versandkostenfrei (innerhalb der EU).
Mehr zum Thema Branding finden Sie hier …

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Vom 22. bis 24. Oktober versammelt das dreitägige Festival Gestalter:innen, Unternehmer:innen und Expert:innen unter dem Motto »Soziale Innovationen gestalten: für alle – mit allen« um hierauf konkrete Antworten zu formulieren. Während der Design Jam am 22. und 23. Oktober bereits restlos ausgebucht ist – hier werden im interaktiven Workshop konkrete Lösungen für den demografischen Wandel entwickelt –, sind für den Vortragstag am 24. Oktober noch Plätze verfügbar – der Eintritt ist übrigens frei.

Unter dem Motto »Soziale Innovationen gestalten: für alle – mit allen« werden die Speaker:innen zeigen: Design kann Gemeinschaft stärken, Teilhabe ermöglichen und neue Formen des Zusammenlebens schaffen. Und da geht es nicht um Theorien, sondern um erprobte Praxis. Um Projekte, die funktionieren. Um Menschen, die beweisen, dass partizipative Ansätze nicht nur ethisch richtig, sondern auch erfolgreich sind.

Einige von ihnen stellen wir hier vor, den gesamten Artikel finden Sie hier auf der Website von bayern design. Das Grafikmagazin ist als Medienpartner vor Ort.

Barbara Lersch – Design als Hebel für gesellschaftlichen Wandel

»Ich gestalte mit bei den Social Design Days, weil es heute wichtiger denn je ist, gemeinsam darüber nachzudenken, wie Gestaltung als Hebel für gesellschaftlichen Wandel wirken kann«, sagt Barbara Lersch, Chief Programme Officer der World Design Capital Frankfurt RheinMain 2026, Grafikmagazin-Leser:innen kennen sie sicher noch aus unserer Ausgabe 03.25 »Festivals & Events«. Sie wird die Veranstaltung mit ihrer Keynote eröffnen – und bringt damit eine internationale Perspektive auf ein lokales Event. Das World Design Capital Programm, das die World Design Organization alle zwei Jahre an Städte vergibt, würdigt den effektiven Einsatz von Design zur Förderung wirtschaftlicher, sozialer, kultureller und ökologischer Entwicklung. Für 2026 fiel die Wahl auf die Region Frankfurt RheinMain – unter dem Motto »Design for Democracy. Atmospheres for a better life«. Lersch kuratiert ein ganzjähriges Programm, das zeigt, was Design konkret bewirken kann. Was sie an Gestaltungsprozessen schätzt: »Sie ermöglichen Teilhabe, lassen verschiedene Perspektiven zu und tragen somit Sorge für nachhaltige Lösungen, sind bestenfalls ergebnisoffen und somit flexibel, um auf kurzfristige Herausforderungen zu reagieren. Soziale Innovation und Gestaltung ist somit ein ›perfect match‹.«

Auf die Social Design Days freut sie sich besonders: »Die Social Design Days in Nürnberg haben sich als wichtige Plattform für Social Design in Deutschland etabliert. Ich freue mich auf den fachlichen Austausch, das Wiedersehen mit engagierten Akteur:innen und spannenden Projekten. Gerade für ein Feld wie Social Design, das noch mehr Sichtbarkeit, Diskurs und konzeptionelle Schärfung braucht, sind solche Veranstaltungen von besonderer Bedeutung.«

Katja Meinecke-Meurer – Wenn Wissen alle erreichen soll

»Gestaltung macht einen Unterschied, wenn sie Menschen mitdenkt, die sonst leicht übersehen werden.« Katja Meinecke-Meurer, Geschäftsführerin des Tessloff Verlags, spricht aus, was Social Design im Kern bedeutet: die bewusste Entscheidung, niemanden zurückzulassen. Was bedeutet das konkret? »Für uns bedeutet das, Kindern den Zugang zu ermöglichen – zu Themen, die relevant sind, zu Sprache, die sie erreicht, und zu einer Welt, an der sie aktiv teilhaben können. Gute Gestaltung eröffnet Spielräume und macht Mut, sich selbst als Teil der Gesellschaft zu erleben.« Die Herausforderungen sind vielfältig: Wie erklärt man Klimawandel, ohne zu moralisieren? Wie macht man Vielfalt sichtbar, ohne zu kategorisieren? Wie schafft man Bücher, die nicht nur bildungsbürgerliche Haushalte erreichen?

»Als Kindersachbuchverlag machen wir Kinder stark für die Zukunft, fördern ihre Neugier und helfen ihnen, ihre Welt zu verstehen. Was uns antreibt: Inhalte und Formate auf Kinderaugenhöhe, die nicht nur Wissen vermitteln, sondern Charaktere stärken.« Der Verlag arbeitet heute mit wissenschaftsbasierten Analysemodellen zur Messung der Klimawirkung und hat eine umfassende Nachhaltigkeitsstrategie entwickelt.

Auf die Social Design Days freut sie sich »auf den Austausch mit Menschen, die die Zukunft kooperativ gestalten wollen – denn nur so wird es funktionieren.« Ihre These: Echte Teilhabe beginnt mit dem Zugang zu Wissen – und der muss für alle gelten, besonders für die Jüngsten.

Benedikt Buchmüller – Architektur als Einladung

Ein Raum ist nie neutral. Diese Erkenntnis hat Benedikt Buchmüller zum Fundament seiner architektonischen Praxis gemacht. Als Architekt bei der Initiative »Halle für alle« verwandelt er die Frage »Wem gehört die Stadt?« in konkrete bauliche Antworten. »Halle für alle« ist mehr als ein Bauprojekt – es ist ein gesellschaftliches Experiment. In einer Zeit, in der öffentliche Räume immer stärker kommerzialisiert werden, schafft Buchmüller Orte, die bewusst allen gehören. Sein Ansatz ist radikal partizipativ: Statt über Menschen zu planen, plant er mit ihnen. Seine Bauprozesse werden zu Demokratie-Workshops.

Seine Erfahrung spricht eine klare Sprache: »Persönlich habe ich in vielen Projekten die Erfahrung gemacht, dass gemeinschaftlich gestaltete partizipative Projektideen besser angenommen werden und mehr Beteiligung stattfindet als bei top down Ideen.« Doch dieser Ansatz fordert auch die Gestalter:innen selbst heraus: »Beruflich konnte ich da aber auch immer wieder feststellen, dass man als beruflicher Gestalter auch mal loslassen muss und Gruppenakteuren Freiräume einräumen muss.«

Buchmüller entwickelt Formate, die Sprachbarrieren überwinden, ökonomische Unterschiede ausgleichen und verschiedene Formen des Wissens – vom Expertenwissen bis zur Alltagserfahrung – gleichberechtigt einbeziehen. Auf die Social Design Days freut er sich »auf den fachlichen und interdisziplinären Austausch mit Kulturdesignschaffenden« – denn partizipative Ansätze leben vom Austausch über Disziplingrenzen hinweg.

Johannes Ehrnsperger – Pionier der partizipativen Ökonomie

Seit über drei Jahrzehnten beweist Johannes Ehrnsperger eine These, die lange als naiv galt: Nachhaltigkeit und Wirtschaftlichkeit sind nicht nur vereinbar – sie verstärken sich gegenseitig. Als Mitglied der Geschäftsleitung der Neumarkter Lammsbräu hat er das oberpfälzische Familienunternehmen zu einem der innovativsten nachhaltigen Betriebe Deutschlands gemacht sowie zu einem Experimentierfeld für partizipative Wirtschaft: Ein Unternehmen, das seine Stakeholder – von Landwirt:innen über Mitarbeiter:innen bis zu Kund:innen – systematisch in Entscheidungsprozesse einbezieht. Das Ergebnis ist ein Geschäftsmodell, das sozialen und ökologischen Impact nicht als Kostenfaktor betrachtet, sondern als Innovationstreiber.

Was bedeutet soziale Innovation konkret? Für Ehrnsperger ist die Antwort in den Unternehmenswerten verankert: »›Fürsorglich‹, als einer unserer Unternehmenswerte, ist bei uns für soziale Innovation besonders handlungsleitend. So übernehmen wir auf immer wieder neue Weise Verantwortung für Mensch und Natur.« Dieser Ansatz ist nicht statisch, sondern lebendig – er fordert das Unternehmen heraus, kontinuierlich neue Wege zu finden. »Ich freue mich am meisten auf die Inspiration, wie viele Facetten von Gestalten in einem sozial-nachhaltigen Sinn es geben kann«, sagt Ehrnsperger über die Social Design Days.

Nick Potter – Design als kollektive Intelligenz

Was passiert, wenn Design nicht mehr die Antwort auf eine Frage ist, sondern die Methode, um bessere Fragen zu stellen? Nick Potter, Mitgründer des studio formagora, verkörpert einen experimentellen Ansatz, der Design als kollektives Forschungstool begreift. Für ihn ist Design keine individuelle Kreativleistung, sondern eine Form der gemeinsamen Wissensproduktion.

Das interdisziplinäre Studio erforscht an der Schnittstelle von Design, Wissenschaft und Gesellschaft neue Formen der Zusammenarbeit. Potters These: Die komplexen Herausforderungen unserer Zeit lassen sich nicht von einzelnen Expert:innen lösen. Sie erfordern neue Formen der kollektiven Intelligenz, in denen unterschiedliche Wissensformen und Perspektiven produktiv zusammenkommen.

Dabei nimmt Potter bewusst eine Gegenposition zum gängigen Innovationsdiskurs ein: »Persönlich und beruflich versuche ich eine kritische Haltung zum Thema ›Innovation‹ einzunehmen. Ich denke, dass viele Herausforderungen und Probleme unserer Zeit nicht mit einem ›Mehr‹, nicht mit dem Modus des Neuen, nicht mit Marktmechanismen zu lösen sind. Wir suchen viel nach Lösungen in dem Bestehenden, in dem Vergangenen und in einem ›Weniger‹.« Für studio formagora wird Design zum Medium der Verständigung – durch Prototyping, Visualisierung und experimentelle Ansätze entstehen neue Möglichkeiten des gemeinsamen Denkens und Handelns.

Eli Perzlmaier und Marta Bielik – Geschichten, die verbinden

Social Design findet nicht nur in Produkten, Räumen oder digitalen Interfaces statt – sondern auch in der Art, wie wir miteinander sprechen. Mit Eli Perzlmaier und Marta Bielik moderieren zwei Frauen die Social Design Days, die selbst verkörpern, worum es geht: die bewusste Gestaltung von Begegnungen, die Menschen stärken und neue Möglichkeiten eröffnen.

»Unsere Welt braucht gerade Kreativität, Ideen und Offenheit für neue Perspektiven.« Eli Perzlmaier weiß, wovon sie spricht. Seit fast drei Jahrzehnten entwickelt sie als Geschichtenerzählerin, Story Coach und Markenberaterin Narratives, die Menschen bewegen und verbinden. Doch ihre eigentliche Expertise liegt in etwas anderem: Sie erschafft Räume, in denen Transformation möglich wird.

Vor zehn Jahren gründete Perzlmaier eine internationale Community für Frauen – nicht als Netzwerk im klassischen Sinne, sondern als Labor für kollektive Veränderung. Seit elf Jahren engagiert sie sich bei TEDx München und hat dabei erfahren, wie kraftvoll es ist, wenn Menschen ihre Visionen nicht nur entwickeln, sondern auch sichtbar machen.

»Ich freue mich auf die besondere Energie, die entsteht, wenn Menschen sich zusammentun, um gemeinsam zu überlegen, wie unsere Zukunft menschlicher und lebenswerter wird«, beschreibt sie ihre Motivation. Perzlmaier ist nicht nur Moderatorin – sie verkörpert das Grundprinzip der Veranstaltung. Als Story Coach versteht sie, dass jede Geschichte das Potenzial hat, Perspektiven zu verändern und Handlungen auszulösen.

»Wenn wir Räume schaffen, in denen Menschen sich gesehen fühlen, verändern wir die Welt Stück für Stück.« Marta Bieliks Geschichte ist eine von Brücken: Von Warschau nach Landshut, von einer Flüchtlingsunterkunft zu internationalen Projekten in Beirut, von persönlicher Erfahrung zu professioneller Expertise. In ihrer Rolle bei den Social Design Days bringt sie genau diese Sensibilität in die Co-Moderation: Sie sorgt dafür, dass nicht nur gesprochen wird, sondern gehört wird. Dass nicht nur analysiert wird, sondern echt begegnet wird. Gemeinsam mit Eli Perzlmaier gestaltet sie Dialogräume, in denen unterschiedliche Stimmen produktiv aufeinandertreffen.

Social Design Days 2025
24. Oktober 2025, 10:00–17:00 Uhr
IHK Nürnberg für Mittelfranken, Hauptmarkt 25/27, 90403 Nürnberg
Kostenfreie Anmeldung unter: eventbrite.de

Die Social Design Days Nürnberg werden von der IHK Nürnberg für Mittelfranken gefördert und unterstützt. Medienpartner sind CURT und Grafikmagazin.

Partner: WDC 2026, UrbanLab, Senioren Amt Stadt Nürnberg – Seniorentreff Bleiweiß, Social Entrepreneurship Akademie, Anders Gründen

Hier gehts zum ganzen Artikel mit allen Talk-Speaker:innen.

Alle Infos zum Design Jam.

Das gesamte Programm der Social Design Days 2025.

Mehr zur Arbeit von bayern design.

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Rund 300 Kreative, Druckexpert:innen und Entscheider:innen aus Unternehmen und Agenturen folgten unserer Einladung zur Druck und Design Konferenz 2025, um gemeinsam zentrale Fragen zu erkunden: Welche Rolle spielt Print in einer Welt, in der Algorithmen Inhalte generieren und KI Marken mitgestaltet? Und wie kann Print als Medium Vertrauen schaffen wenn es zunehmend zur umkämpften Ressource wird? Die Antwort, die sich durch den gesamten Tag zog, war eindeutig: Print stiftet Vertrauen – gerade weil es greifbar, substanziell und authentisch ist. Genau diese Qualitäten machen gedruckte Medien in einer zunehmend digitalen, KI-gesteuerten Welt relevanter denn je.

Alle Fotos: © Burke Akademie

Ein Format, das inspiriert und vernetzt

Das Besondere am Konzept unserers Konferenzformats: nicht nur informieren, sondern echten Austausch ermöglichen. Nach der Begrüßung durch Christian Meier, Grafikmagazin-Geschäftsführer, sowie Holger Busch, Hauptgeschäftsführer des Verbandes Druck und Medien Bayern, bot die Mischung aus Keynotes am Vormittag und interaktiven Work-Panels am Nachmittag den Teilnehmenden die Möglichkeit, zunächst große Perspektiven kennenzulernen und diese dann in kleineren Gruppen zu vertiefen – im direkten Gespräch mit führenden Köpfen der Branche. Die Location – Die Macherei München mit ihrem kreativen, inspirierenden Ambiente – erwies sich wieder als perfekte Kulisse für einen Tag voller Begegnungen auf Augenhöhe.

Keynotes: Vier Perspektiven auf Print und Vertrauen

Philipp Brune: Identität als größte Superpower

Den Auftakt machte Philipp Brune, CEO der renommierten Branding- und Designagentur Strichpunkt, mit seiner Keynote über Markenidentität im KI-Zeitalter. Seine zentrale These: »Identität ist die größte Superpower eines Unternehmens – und Print ein Medium, das sie sichtbar und spürbar macht.« Brune plädierte dafür, Transformation als Gestaltungsaufgabe zu verstehen. Mit Beispielen aus seiner Arbeit für Audi, Deutsche Bahn, Bucherer und Vorwerk zeigte er eindrücklich, wie Marken in Zeiten künstlicher Intelligenz Glaubwürdigkeit durch analoge Erlebnisse festigen können. Dabei sensibilisierte er die Gäste für zwei entscheidende Fragen: Was sich in Zukunft ändern wird (und was eher nicht). Denn gerade die zweite Frage wird laut Brune oftmals nicht in die strategischen Überlegungen miteinbezogen. Seine Botschaft: Im KI-Zeitalter gewinnen authentische, menschlich gestaltete Markenbegegnungen an Bedeutung, statt sie zu verlieren.

Magnus Gebauer: Print als Antwort auf die Echtzeitkultur

Magnus Gebauer, Teamlead im MedienNetzwerk Bayern, beleuchtete als erfahrener Trendforscher die gesellschaftlichen Entwicklungen im Umgang mit künstlicher Intelligenz und Informationsflut. Laut Gebauer ein großer Vorteil für Print: »Menschen suchen nach Regeneration, Orientierung und vor allem nach Vertrauen. Genau das bietet Print, wenn es Haltung zeigt und eine hohe redaktionelle Qualität aufweist.« Während sich die digitale Kommunikation immer mehr beschleunigt, wächst paradoxerweise das Bedürfnis nach Entschleunigung und Beständigkeit. Print erfüllt genau dieses Bedürfnis und schafft Momente der Konzentration – eine Qualität, die in der Echtzeitkultur des Digitalen zunehmend fehlt und damit umso wertvoller wird.

Sabine Cole: Gestaltung als demokratischer Akt

Prof. Sabine Cole von der HAWK Gestaltung Hildesheim zeigte in ihrem Vortrag, wie Gestaltung als demokratischer Akt wirken kann. Am Beispiel ihres Projekts »Der Koalitionsvertrag als Magazin«, das sie mit Verleger Oliver Wurm und einer Gruppe Studierenden in Rekordzeit umsetze, machte sie deutlich, dass Gestaltung komplexe politische Inhalte transparent vermittelbar und greifbar machen kann. Den Koalitionsvertrag als hochwertiges Printprodukt an den Kiosk zu bringen, ist für Cole ein Ausdruck des Respekts vor demokratischer Arbeit – aber vor allem eine Brücke zwischen Politik und Bürger:innen. »Vertrauen funktioniert nur, wenn es gegenseitig gelebt wird«, fasste Cole zusammen. Ihre Botschaft an die Designer:innen von morgen: Sie gestalten die Zukunft im wahrsten Sinne des Wortes mit und können durch ihre Arbeit demokratische Werte und das Vertrauen in den Rechtsstaat stärken.

Maren Martschenko: Klein, stark, konzentriert

In einer Abschluss-Keynote machte sich die Markenberaterin Maren Martschenko, die für Dirk von Gehlen eingesprungen war, dafür stark, Marken bewusst zu begrenzen, auch in Sachen Gestaltung – getreu dem Motto: »Eine Marke sollte sein wie ein Espresso: Klein, stark und konzentriert – aufs Wesentliche und Wirksame.« Sie zeigte auf, dass Design vielfältige Aufgaben erfüllt, die weit über die eigentliche Gestaltung hinausgehen und tief in den Strategieprozess einer Marke hineinreichen. Ihre Keynote rundete den Vormittag mit einem klaren Plädoyer für Fokussierung und Mut zur Reduktion ab – Qualitäten, die gerade im Print ihre Stärke ausspielen können.

Work-Panels: Inspiration trifft Praxis

Das Herzstück der Nachmittagssession bildeten die Work-Panels, in denen die Teilnehmenden in kleineren Gruppen direkt mit Expert:innen ins Gespräch kamen.

Marco Bölling, Geschäftsführer der Bölling GmbH & Co KG, stellte provokant die Frage: Ist Goethes Erkenntnis »Was man schwarz auf weiß besitzt, kann man getrost nach Hause tragen« noch zeitgemäß? Seine Antwort, unterfüttert mit Einblicken in die Arbeit seiner auf feine Papiere und klassische Druck- und Veredelungstechniken spezialisierten Druckerei: Ja – gerade heute! »Print schafft Vertrauen – gerade, weil es beständig ist«, so Bölling. Die Unveränderlichkeit gedruckter Information, ihre physische Präsenz, schafft eine Dimension von Vertrauen, die digital nicht zu ersetzen ist. Nicht umsonst florieren Manufakturen und Handdruckereien.

»Gegen die Beliebigkeit – wie Marken spürbar werden« lautete der Titel des gemeinsamen Panels von Kerstin Denzler (Geschäftsführerin effektiv Druck+Veredelung) und Lars Schrodberger (Creative Director, Tabula Rasa Hamburg). Die beiden zeigten an konkreten Beispielen, wie strategische Markenentwicklung und hochwertige Produktion zu spürbarem Vertrauen verschmelzen. Ihre Formel: Strategische Markenentwicklung + Hochwertige Produktion = Vertrauen zum Anfassen. Die Überzeugung der beiden: Design schafft den Raum für Vertrauen, hochwertige Produktion macht Markenbotschaften erlebbar. Das Panel war ein eindringliches Plädoyer für bewusste Partnerschaften zwischen Agenturen und Druckereien – und dafür, dass Vertrauen entsteht, wenn Kreativität auf handwerkliche Präzision trifft. In einer übersättigten Medienwelt führt der einfachste Weg zur Unsichtbarkeit – die beiden zeigten, wie Marken entstehen, die nicht nur gesehen, sondern gefühlt werden.

»Was Print kann, können wir schon lange! – Was die Designbranche im Kontext von KI, von der Druckbranche lernen kann«, lautete die These von Thorsten Kinnen, Business Development Manager Commercial Printing bei Konica Minolta und Initiator von WE.LOVE.PRINT. Er rückte die Parallelen zwischen Design und Druckindustrie in den Fokus, gerade auch in Bezug auf die Herausforderungen im KI-Zeitalter. Seine Botschaft: Die Druckbranche hat bereits mehrere technologische Umbrüche gemeistert und dabei gelernt, dass Automatisierung und Handwerk keine Gegensätze sind, sondern sich ergänzen. „Die Designbranche kann vom Druck lernen, wie man Vertrauen materialisiert“, machte Kinnen deutlich und verwies auf die vielfältigen Projekte der Brancheninitiative WE.LOVE.PRINT.

Der vielfach ausgezeichnete Designer und Creative Director Denis Widmann führte die Teilnehmenden in die Welt taktiler Erlebnisse ein. Mit seiner über 16-jährigen Erfahrung in Markenentwicklung und Markenkommunikation sowie seiner Arbeit für Kunden wie Adobe und Campari demonstrierte er, wie seine Philosophie zu Marken führt, die nicht nur gesehen, sondern gefühlt werden. Seine Arbeit verbindet deutsche Präzision mit britischer Kreativität – Konzept und Handwerk, Digitales und Physisches. Mit tiefem Fachwissen in den Bereichen Print, Materialität und hausinterner Prototypenentwicklung sorgt Widmann dafür, dass jede Idee Substanz hat – und Bestand.

Petra Wöhrmann, Diplom-Kommunikationsdesignerin, Künstlerin und Kalligrafin sowie ehemalige 1. Vorsitzende der Typographischen Gesellschaft München, entführte die Teilnehmenden in die Welt der Kalligraphie und des Lettering. Nach vielen Jahren als Artdirektorin im Corporate Design jongliert sie heute mit Buchstaben – digital, aber besonders gerne analog in ihrem Münchner Atelier. Ihre Arbeit, besonders im Luxusmarken- und Fashion-Bereich, zeigt, wie analoge Schriftgestaltung als bewusster Gegenpol zur digitalen Uniformität wirken kann: »Ich habe mir hier eine wunderbare Nische gefunden«, erzählt sie von ihrer beeindruckenden Reise, die viel von kreativer Intuition und persönlichem Wachstum geprägt war. Ihr Panel inspirierte die Teilnehmenden, neu über die Potenziale handgeschriebener Elemente in der Markenkommunikation nachzudenken – und sich einen eigenen Platz zu schaffen, in dem sich ungeahnte Potenziale verwirklichen lassen.

Ausstellung & Begegnung: Papierinnovationen zum Anfassen

Begleitend zum Konferenzprogramm präsentierten sich zahlreiche Aussteller mit Papierinnovationen, Druckveredelungen und kreativen Printprojekten im Ausstellungsbereich der Macherei. Als Premiumpartner waren Carl Berberich GmbH, Gmund Papier, LEONHARD KURZ und OVOL Papier Deutschland GmbH vertreten.

Als Aussteller zeigten sich Antalis, Arctic Paper, Butz & Bürker, Fedrigoni Special Papers, Forum Druckveredelung, Fujifilm, F&W Druck & Mediencenter, IGEPA, KONICA MINOLTA, Lenzing Papier GmbH, multi-druck, RUDOLPH DRUCK, THE PAPER FAMILY und WE.LOVE.PRINT. Hier entstand eine lebendige Atmosphäre, in der Designer:innen, Drucker:innen und Materialexpert:innen ins Gespräch kamen, Muster begutachteten und neue Möglichkeiten für ihre Projekte entdeckten.

Fazit: Print schafft Vertrauen

Viele Teilnehmende betonten am Abend, dass sie nicht nur fachlich inspiriert, sondern auch persönlich bereichert nach Hause gingen. Die Mischung aus theoretischen Impulsen und praktischen Einblicken, aus großen Perspektiven und konkreten Lösungsansätzen hatte genau das erreicht, was wir uns erhofft hatten: eine Konferenz, die verbindet. Der rote Faden des Tages – »Print als Vertrauensmotor im Zeitalter der Künstlichen Intelligenz« – erwies sich als tragfähig und zukunftsweisend. In einer Zeit, in der KI-generierte Inhalte die digitale Welt durchdringen, gewinnen greifbare, menschlich gestaltete Medien an Bedeutung. Print steht für Substanz, Glaubwürdigkeit und Nähe – Werte, die heute und in Zukunft mehr denn je zählen.

»Die Druck und Design ist ein Ort, an dem sich kreative Köpfe aus Design, Technik und Wirtschaft auf Augenhöhe begegnen«, sagt Christian Meier, zum Abschluss der Veranstaltung. Mit einem inhaltlich wie atmosphärisch gelungenen Veranstaltungstag bestätigte die Konferenz ihren Ruf als führendes Branchenevent im deutschsprachigen Raum. Die Druck und Design 2025 hat gezeigt: Wenn Kreativität auf erstklassige Drucktechnik trifft, wenn Designerinnen und Druckexpertinnen auf Augenhöhe zusammenarbeiten, entstehen starke Markenbotschaften, die nicht nur gesehen, sondern gefühlt werden. Print verbindet – erfolgreich, kreativ und nachhaltig.

Wir danken allen Teilnehmenden, Speaker:innen, Partner:innen und Aussteller:innen für diesen besonderen Tag!

Über die Druck und Design Konferenz

Die Druck und Design Konferenz ist eine Initiative von Grafikmagazin und dem Verband Druck und Medien Bayern e. V. (VDMB). Alle zwei Jahre vernetzt sie Fachleute aus Druck, Design, Agenturen und Industrie und bietet eine Plattform für Wissenstransfer, Inspiration und Branchendialog. Die nächste Ausgabe ist für 2027 geplant.

Weitere Informationen unter druckunddesign.org

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Storytelling ist eines der wirkmächtigsten Tools im Kommunikationsdesign. Wir beleuchten anhand unterschiedlicher Beispiele, wie sich das Storytelling weiterentwickelt, wie es Inhalte emotional auflädt und wie es Produkte und Themen attraktiv und nahbar macht.

Passend zur Jahreszeit geht es in unserer Foto-Rubrik hinaus in die Natur. Martina Borsche beschäftigt sich intensiv damit, wie sich Düfte und die damit verbundenen Emotionen in Bilder fassen lassen. Xiaole Ju verbindet einen künstlerischen mit einem dokumentarischen Ansatz und zeigt uns das Ruhrgebiet auf ebenso reizvolle wie ungewohnte Weise. Auch Gabriel Röck ist nach draußen gegangen und hat den Müll eingesammelt, den Menschen immer häufiger einfach irgendwohin werfen. Er hat aus dem Müll ein sehr ungewöhnliches Buch gemacht, und fragt: »Warum nehmen wir das hin?«. Für mobile.de, das größte deutsche Gebrauchtwagenportal ist ein neues Erscheinungsbild entstanden, besonders spannend ist hier, wie Designentscheidungen getroffen wurden – denn oft hatten weder Kunde noch Agentur das letzte Wort.

Grafik+ »Storytelling«

Durch Storytelling verkaufen sich Dinge besser, das lernt man schon im Studium. Doch die Kunst, etwas in eine Geschichte zu verpacken und auch emotional zugänglich zu machen, lässt nicht nur Produkte attraktiver erscheinen. Auch eher sperrige oder unbeliebte Themen werden dadurch zugänglich. Ein Team aus Studierenden und erfahrenen Publishing-Fachleuten hat beispielsweise den Koalitionsvertrag als Magazin gestaltet und so die wichtigen, aber trockenen Informationen interessant gemacht. In Oldenburg zeigt ab sofort eine Klimakampagne, wie Bürger:innen vom Klimaschutz profitieren. Ganz ohne erhobenen Zeigefinger, dafür mit viel Humor und poppigem Design. Storytelling der ganz anderen Art hat der Designer Gary Hustwit ausprobiert. Er hat den Musiker und Künstler Brian Eno portraitiert und einen Film geschaffen, der sich bei jeder Aufführung neu und zufällig zusammensetzt. Storytelling wird so zum Zufallsprodukt, es zeigt sich aber auch, dass man Geschichten immer wieder anders erzählen kann. Genau diese Eigenschaft macht sie so faszinierend.

Das Cover

Auch das Cover dieser Ausgabe erzählt eine Geschichte. Es beginnt mit »Once upon a time« und führt durch Stanzungen ins Heft, erlaubt Ein- und Durchblicke. Raffinierte Blindprägungen machen das Thema auch haitisch erfahrbar und das Papier Curious Particles Natural Lily Flower erzählt seinerseits eine spannende Geschichte. Das Naturpapier von Antalis verfügt nämlich über organische Einschlüsse von Blumen und Pflanzen.

Gedruckt wurde das Cover mit einer Schmuckfarbe, die Stanzungen wurden mit einem Heidelberger Tiegel gefertigt und für die Prägungen aktivierte der Fachbetrieb Bölling eine alte MAN Maternpresse. Nur sie hatte genügend Kraft, um die Linien und Strukturen randscharf prägen zu können.
Das Design des Cover-Motivs stammt von Theresa Göser unterstützt wurde sie von Tobias Holzmann.

Der Showroom

Zwei Beiträge in unserem Showroom führen besonders vor Augen, was zeitloses Design ist. Lora Lamm prägte in den 50er- und 60er-Jahren in Mailand viele Marken und auch heute haben ihre Arbeiten nichts an Charme und Strahlkraft verloren. Clavius’ Designs erinnern teilweise an die Achtziger und Neunziger, doch unverkennbar entsteht hier etwas Neues, wenn der Designer typografische Handwerkskunst mit Referenzen aus der Popkultur mischt. In Kopenhagen kombinieren die Kreativen des Studio Morfar emotionale Gestaltung mit datengetriebenen Wachstumsstrategien und bei Format Design steht der Mehrwert im Zentrum, im Packaging Design, beim Branding oder bei Events.

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Das Grafikmagazin 04.25 zeigt, wie gelungene Gestaltung rund ums Storytelling aussieht. Zudem bietet diese Ausgabe viele handfeste Tipps für die Arbeit. 

Das Grafikmagazin 04.25 mit dem Schwerpunkt »Storytelling« können Sie hier bestellen, versandkostenfrei (innerhalb der EU).

Mehr zum Thema Branding finden Sie hier …

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e er rin inner run ng g *

prof. helmut schmidt rhen
1936 – 2025

helmut schmidt rhen ist tot.

geboren wurde er 1936 in köln. nach einer abgebrochenen kunstschlosserlehre in leverkusen absolvierte er eine ausbildung zum verlagsbuchhändler. von 1957 bis 1960 studierte schmidt rhen an der staatlichen werkakademie kassel grafik bei hans leistikow und hans hillmann und malerei bei arnold bode. mit seinen studienkollegen christian chruxin und wolfgang schmidt gehört er heute zu den drei systematischen gestaltern der kasseler schule der plakatkunst, buch- und zeitschriftengrafik.

helmut schmidt rhen war designer.

seit 1956 entwickelte er im eigenauftrag konstruktive-konkrete bilder und serielle experimente im spiel mit form & farbe, system & zufall, sprache & reihung. nach seinem studium arbeitete schmidt rhen ab 1961 als grafiker und art director bei GGK in basel. für das museum morsbroich in leverkusen entwarf er 1962 in eigeninitiative ein plakatkonzept für die wechselnden ausstellungen und überzeugte damit den damaligen museumsleiter udo kultermann. 1965 übersiedelte er von basel nach köln und arbeitete als art director beim wirtschaftmagazin ‚Capital‘. für die stadtbüchereien köln entwickelte er ein visuelles erscheinungsbild und die literaturzeitschrift ‚LiK‘ (Literatur in Köln) auf senfgelbem papier.

helmut schmidt rhen war hochschullehrer.

von 1968 bis 1973 unterrichtete schmidt rhen als dozent für grafik design an der werkkunstschule düsseldorf (die spätere fachhochschule düsseldorf), von 1976 bis 1993 lehrte er als professor für kommunikationsdesign an der fachhochschule düsseldorf (der heutigen hochschule düsseldorf). während seiner lehrtätigkeit entwickelte er mit studentischen projektgruppen die gestaltungsrichtlinien für das visuelle erscheinungsbild der fachhochschule düsseldorf (FH D) und 1979 die zeitschrift ‚OETZ‘. mit seiner ‚poesie der systematik‘ setzte schmidt rhen während seiner lehrtätigkeit massstäbe in den gestaltungsdisziplinen plakat, magazin, zeitschrift und erscheinungsbild.

helmut schmidt rhen war maler.

zwischen 1984 und 1988 entstanden seine ‚strassendrucke‘, drucke von kanaldeckeln, direkt von der strasse. er entdeckte in einem gewöhnlichen ‚gully‘ einen gusseisernen druckstock mit vertieften und erhabenen flächen – ein klischee, wie es im buchdruck für die wiedergabe von bildern verwendet wurde. 1994 beendete er seine lehrtätigkeit in düsseldorf und zog mit seiner frau doris hartmann nach hamburg. in seinem hamburger atelier – er nannte es in den anfangsjahren ‚labor visuell‘ – entstanden bis 2024 sequenzen, metabilder und typoesien. schmidt rhens malerei hat seinen ursprung in seiner bildnerischen vorstellung die eher musikalisch als landschaftlich oder sonst wie gegenständlich geprägt ist. schmidt rhen geht es um „form und farbe – weniger um akt und himmel“, wie er einmal sagte. seinen bildern gab der vielleser und sprachspieler titel wie algor, bingo, color grid, color strings, color flow, chromatisches netz, chromatisch stochastische konstruktion, crepusculum, di:visibel, dougreymi, entropie, facettura, fenster, fifty:fifty, gelbes rotes und blaues quadrat für kasimir, gitterbild, matrix, palimpsest, rastermatrix, rrrrot, staccato, transition, viergrau, vokales motto, weiss wie die wand, wolke, …

helmut schmidt rhen war freund.

1985 lernte ich helmut kennen. es war gegen ende meines grafikdesign-studiums in bremen. wir tauschten briefe aus und stellten eine sache mit karl kraus richtig. ich habe nie bei helmut studiert und doch war er einer meiner wichtigsten lehrer aus der ferne. das systematische, serielle gestalten, das denken nicht in einzellösungen sondern in programmen für lösungen, hat er mir in seinen arbeiten und in seinem denken zeit seines lebens vor augen geführt. dafür und für vieles mehr: danke, helmut. und: male lichte bilder auf wolke sieben.

helmut schmidt rhen starb am 3. juli 2025 – in seinem 89. lebensjahr – in hamburg.

nachruf von victor malsy
professor für typografie und buchgestaltung am fachbereich design der hochschule düsseldorf von 2000 bis 2024

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  eine typoesie von helmut schmidt rhen in sieben bildrahmen 24 x 18 cm, 1996

Header-Bild: Plakatsammlung der Hochschule Düsseldorf

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Looking forward

Die Initiative World Design Capital (WDC) wird von der internationalen Organisation World Design Organization vergeben. Sie zeichnet Städte oder Regionen aus, die Design als strategisches Instrument für gesellschaftliche, wirtschaftliche und ökologische Entwicklung einsetzen. Nach Städten wie Helsinki, Mexiko-Stadt oder Lille wird Frankfurt RheinMain 2026 erstmals eine gesamte Metropolregion repräsentieren. »Mit der Einladung zur aktiven Beteiligung an der Gestaltung unserer Lebensräume und unserer Demokratie«, verweist die Website der WDC 2026 auf ihre – eindeutig ziemlich umfangreiche – Aufgabe.

Design als Methode, Gesellschaft aktiv mitzugestalten

Und nicht nur die Dimension erweist sich für das eigens einberufene Team als Herausforderung, eine weitere, ganz banale liegt für die Programmleiterin Barbara Lersch auf der Hand: »Die Welt hat sich seit den ersten Bemühungen um den Titel vor über zehn Jahren stark verändert«, erklärt sie im Gespräch. »Viele Themen aus der Bewerbung haben demnach an Relevanz verloren – andere sind drängender geworden.« Demokratie, Partizipation, soziale Gerechtigkeit – das sind heute zentrale Begriffe. Und genau hier setzt die Gestaltungskraft des Projekts an: Design wird nicht nur als visuelle Disziplin verstanden, sondern als Methode, Gesellschaft aktiv mitzugestalten – in, trotz oder sogar gerade wegen einer sich ständig verändernden Welt.

Lersch selbst kommt ursprünglich aus dem Kulturmanagement und der Stiftungsarbeit. Für sie war die Bewerbung ein persönlicher Schritt: »Ich bin sehr intrinsisch motiviert. Für mich war das eine seltene Gelegenheit, gesellschaftliche Wirkung mit kultureller Praxis zu verbinden.« Sie sei schon seit Schulzeiten sozial engagiert, »da landet man dann eben irgendwann in solchen Positionen«, lacht sie, die Freude an ihrer Aufgabe merkt man ihr an. Besonders reize sie die Tatsache, dass die WDC den Anspruch verfolge, öffentliche Gelder wirkungsvoll einzusetzen und so auf gesellschaftliche Herausforderungen zu reagieren.

Kommunikation als wichtiger Hebel

Im Zentrum steht dabei der Versuch, sehr unterschiedliche gesellschaftliche Gruppen miteinander ins Gespräch zu bringen. Denn gefördert wird das Projekt unter anderem von der Wirtschaftskammer – doch was heißt »Wirtschaft«, wenn gleichzeitig kulturelle und soziale Initiativen integriert werden sollen? Das WDC-Team ist daher interdisziplinär aufgestellt, Träger der Initiative ist der Verein Design FRM, unterstützt von der Stadt Frankfurt, dem Land Hessen, dem Regionalverband und Partnern aus der Wirtschaft und dem Kulturfonds Frankfurt RheinMain. »Mal geht es um politische Bildung, mal um Kreativwirtschaft, mal um Stadtentwicklung«, erklärt Lersch die Aufgabe, unterschiedliche Akteur:innen an einen Tisch zu bringen. Die Vielstimmigkeit sei Erschwernis und Potenzial zugleich – und ihre Rolle darin vor allem die einer Übersetzerin und Vernetzerin.
Ein wesentlicher Hebel, um die Anliegen an die Öffentlichkeit zu tragen: Kommunikation. Das hat auch die Zusammenarbeit mit lokalen Akteur:innen aus der Gestaltungsbranche sowie der Agentur Stan Hema gezeigt, die dem Team half, komplexe Inhalte verständlich aufzubereiten. Die Berliner Agentur, bekannt für ihre Arbeit für Auftraggeber wie die Bundeszentrale für politische Bildung oder Amnesty International, steht für markenstrategische Prozesse mit Haltung, die eine empathische und zugängliche Sprache benötigen. Der ursprüngliche Titel »Design for Democracy – Atmospheres for a better life« war vielen schlicht zu abstrakt.

»Das darf kein einmaliges Feuerwerk sein«

Heute versucht das Team, über Geschichten zu arbeiten, konkrete Bilder zu erzeugen. Etwa, wenn ein Gestaltungskollektiv gemeinsam mit einer Obdachlosenunterkunft neue Räume entwirft. »Solche Projekte wie der ›Kiosk of Solidarity‹ sind greifbar. Da versteht jeder, worum es geht«, so Lersch. »Wir versuchen, über gezielte Quervernetzung neue Wege zu gehen. Etwa über öffentliche Stammtische, Umnutzung von Räumen, das Zusammenbringen lokaler Projekte, wie Tobias Trübenbacher, der den Radweg am Main nachhaltig beleuchten will. Wir haben ihn mit einem lokalen Radprojekt und einer Mobilitätsinitiative zusammengebracht.« Als weiteres Beispiel nennt sie ein leer stehendes Hochschulgebäude mit Kunstbibliothek, das zwischengenutzt werden darf. »Ein tolles Gebäude – dort kann etwa die Stiftung Buchkunst ihre Ausstellung zum 60. Jubiläum zeigen. Solche smarten Kombinationen suchen wir.«

Und das sei insbesondere für den öffentlichen Mehrwert des Projekts wichtig, schließlich geht es einerseits darum, ein Programm zu entwickeln – ein spannendes, vielfältiges, unterhaltsames Kulturfestival im Jahr 2026. Andererseits sehe sie aber auch die Aufgabe, eine Bewegung zu initiieren – mit nachhaltiger Wirkung. »Das darf kein einmaliges Feuerwerk sein. Wir wollen tatsächlich Veränderungen anstoßen. Ich versuche das über Netzwerkarbeit, eine Mischung aus inhaltlicher Setzung und organisatorischem Zusammenbringen.« Dabei ist das Programm so angelegt, dass es sowohl thematische Tiefe als auch breite Zugänglichkeit ermöglicht: Sieben Programmschienen strukturieren die Inhalte horizontal – von Partizipation über Bildung bis zu wirtschaftlichen Aspekten –, zehn Handlungsfelder wie Gesundheit, Mobilität oder Kultur bilden die vertikale Achse. Das Ziel: Anschlussfähigkeit für möglichst viele Menschen, ob designaffin oder nicht.

Ein neuer Kontext

Partizipation ist dabei kein Schlagwort, sondern gelebtes Prinzip. Der Open Call 2024 war eine Mammutaufgabe – mit über 1000 Einreichungen. Rund 400 Ideen werden weiterverfolgt, etwa 200 davon finanziell gefördert. Die Spannweite reicht von Nachbarschaftsinitiativen bis zu Konzepten etablierter Institutionen wie dem Jüdischen Museum oder der Schirn Kunsthalle und eigenen großen WDC-Veranstaltungen. Besonders erfreulich: Rund die Hälfte aller Projekte kommt direkt aus der Bevölkerung. »Das ist wunderschön, wenn auch wahnsinnig aufwendig«, lacht Lersch. »Denn echte Teilhabe bedeutet, dass wir in die Prozesse hineinwachsen müssen. Vieles entsteht erst beim Machen.«
Gleichzeitig spiegelt das Programm einen gesellschaftlichen Wandel wider: Während 2022 noch Themen wie Nachhaltigkeit, Kreislaufwirtschaft oder Wasserstoff im Fokus standen, haben sich die Prioritäten heute verschoben. Migration, Zusammenhalt, gesellschaftliche Polarisierung – das sind die Themen, die jetzt brennen. Und damit verändert sich auch der Kontext, in dem sich das Programm verorten muss. Zumal vieles davon im Herbst 2026 stattfindet – das sei ein ständiges Austarieren zwischen Konkretion und Offenheit für den Prozess. »Unsere Regierung ist konservativer geworden, das nimmt Einfluss auf die Positionierung und unsere Themen‹«, ordnet Lersch ein. »Ich bin mit einem klaren Wertekompass angetreten, aber muss gleichzeitig anschlussfähig bleiben. Auch das gehört zur Realität eines solchen öffentlichen Projekts.

»Die Öffnung des Designbegriffs ist notwendig«

Genau hier entfaltet Design seine gesellschaftliche Relevanz. Nicht im klassischen Sinn, als schönes Produkt oder markttaugliche Innovation. Sondern als gemeinschaftlicher Prozess, als Werkzeug zur Gestaltung von Beziehungen und Räumen des Zusammenlebens. »Design kann Demokratie stärken – aber nur, wenn wir den Begriff öffnen«, so Lersch. Weg vom Autorendesign, hin zu kollektiven Prozessen. Weg vom Elfenbeinturm, hin zum Quartier. »Wie wollen wir leben? Wie hören wir einander zu? Und wie entwerfen wir gemeinsam Lösungen?«, das sind die Fragen, die sie umtreiben.
Manchmal gebe es Gegenwind – auch aus den Reihen des traditionellen Designs. »Viele sagen: Das ist doch kein Design mehr! Ich verstehe diese Kritik. Und trotzdem bin ich überzeugt: Die Öffnung des Designbegriffs ist notwendig. Nur so wird Design nachhaltiger, wirksamer, gerechter.« Zu möglichen Handlungsfeldern der WDC 2026 haben Anna Scheuermann und Matthias Wagner K daher das Buch »Was kann Design denn schon ausrichten?« herausgegeben, an dem unterschiedliche Autor:innen beteiligt waren. »Um ein so großes Thema wie Demokratie zu bearbeiten, braucht es zwingend Interdisziplinarität. Für mich ist Design immer ›Design plus eine andere Disziplin‹. Demokratie betrifft uns alle, also müssen wir Schnittstellen schaffen, um das Thema wirklich relevant zu bearbeiten.«

Und wie geht es nach 2026 weiter?

Was bleibt, ist ein Spagat: zwischen Vision und Realität, zwischen partizipativer Offenheit und der Notwendigkeit, konkret zu werden. Aber vielleicht ist genau das die eigentliche Leistung der World Design Capital Frankfurt RheinMain 2026: Sie zeigt, dass Gestaltung weit mehr sein kann als Formgebung – nämlich gesellschaftliche Verantwortung.

Und geht es nach 2026 weiter? Diese Frage wurde schon im Open Call immer wieder gestellt. »Ganz garantieren kann man das natürlich nicht. Aber durch die Sichtbarkeit und Finanzierung kann man Dinge anstoßen«, sagt Lersch. »Unser Ziel ist es, dass es danach eine Art Office gibt – dass die geschaffene Infrastruktur weiter genutzt wird, etwa durch eine geförderte Stelle von der Stadt.« Um den Impact des Projekts zu belegen, werden alle Programmpunkte evaluiert. Wenn lokale Netzwerke nachweislich gestärkt und neue Perspektiven auf gesellschaftliche Herausforderungen sichtbar gemacht wurden, wirkt das weiter, so Lersch: »Es geht ja auch um Selbstwirksamkeit: Auch beim Versuch, ganz große Räder zu drehen, können vor allem die kleinen Rädchen viel bewegen.«

Mehr zum World Design Capital 2026 auf deren Website, die auch die Projekte näher vorstellt

Weitere Infos zum Reader »Was kann Design denn schon ausrichten?«

Disclaimer: Statt des Credits des Fotografen haben wir in der Printausgabe versehentlich den Blindtext in den Druck geschickt. Dies bitten wir zu entschuldigen. Die tollen Fotos vom WDC 2026 stammen vom Frankfurter Fotograf und Fotoredakteur Ben Kuhlmann.

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Je digitaler unser Leben wird, umso höher stehen echte Begegnungen im Kurs. Festivals und Events bringen Menschen zusammen und gutes Kommunikationsdesign macht sie zu einem Erlebnis, das lange in Erinnerung bleibt. In unserem Schwerpunkt »Festivals & Design« zeigen wir herausragende Designlösungen – vom Kinderkunstfestival bis hin zur Expo mit Millionenpublikum.

Auch in dieser Ausgabe haben wir wieder eine vielfältige Mischung an sehenswerten Designprojekten und -themen für Sie zusammengestellt. Veganes Packaging-Design zeigt, dass Luxus und Nachhaltigkeit wunderbar harmonieren und ein frisches Branding macht Firmen für neue Mitarbeitende attraktiv – das funktioniert auch für Steuerberatungskanzleien. Wir blicken voraus, in die Zukunft der Typografie. Der Blick zurück gilt dem Logoklassiker der Deutschen Bank und dem legendären Erscheinungsbild der Berliner Verkehrsbetriebe.
Im Grafikmagazin 03.25 beginnen wir auch eine neue Fokus-Reihe. Dieses Mal widmen wir uns dem Thema »Public Value« und fragen, wie Design genutzt werden kann, um beispielsweise Bürgerdienste und die Verwaltung effizienter zu machen. Das CityLAB in Berlin zeigt, was man konkret tun kann, um den Umgang mit Behörden und Ämtern besser zu gestalten. Frankfurt hingegen rüstet sich, um im nächsten Jahr World Design Capital zu werden. Hier plant man schon im Vorfeld so, dass die Stadtgesellschaft auch nach dem Ende des Großevents noch einen Nutzen von den Projekten hat.

Grafik+ »Festivals & Events«

Wie bei jeder Marke setzt gutes Kommunikationsdesign auch bei Festivals und Events den Ton. In unserem Grafik+ zeigen wir viele gelungene und sehr unterschiedliche Beispiele. Das Budapest International Film Festival wurde etwa erst vergangenes Jahr neu ins Leben gerufen, doch dank seines typografisch ausgefeilten Designs hatten die Gäste das Gefühl, auf einem Event zu sein, das es schon sehr lange gibt. Wirtschaft, Kunst und Menschlichkeit bringt das House of Beautiful Business zusammen – ein ebenso frisches wie stimmiges Design schafft eine visuelle Klammer. Für Kinder und Erwachsene gleichermaßen attraktiv sollte das Family Festival des New Yorker MoMA sein und bei der HUG ging es darum, eine Atmosphäre zu schaffen, in der sich auch bei 1000 Besucher:innen alle wohlfühlen. Gut durchdachte Designlösungen haben beides möglich gemacht.
Diese und viele weitere spannende Projekte finden Sie im Grafik+ dieser Ausgabe.

Das Cover

Das Cover-Motiv fängt den Spaß und das Chaos eines Musikfestivals ein. Der britische Illustrator Sam Taylor hat es für uns gestaltet und versucht, das Gefühl festzuhalten, wenn man mitten im Getümmel steht und gar nicht anders kann, als eine richtig gute Zeit zu haben.
Dem bunten Motiv sieht man Taylors Skater-Vergangenheit an und der Subkultur-Charme bildet einen reizvollen Kontrast zum edlen Material des Covers. Für diese Ausgabe setzen wir Sirio Illusion von Fedrigoni ein. Das durchgefärbte Naturpapier besitzt eine einseitige, schillernde Beschichtung mit Mikroprägung und ist in fünf Farben erhältlich. Wir wählten den Farbton rosamalva, der im Licht golden schimmert.

Gedruckt wurde die Illustration im Digitaldruck von f&w Medien.

Der Showroom

Den Cover-Künstler Sam Taylor stellen wir auch ausführlich im Showroom vor, ebenso wie die Gestalterinnen von Groenlandbasel, die ihr Handwerk von Ausstellungsdesign bis Plakatgestaltung meisterlich beherrschen. Eine Auswahl der 100 Besten zeigen wir ebenfalls und geben einen Überblick über das aktuelle Plakatschaffen aus Österreich, Deutschland und der Schweiz. Mit viel Freude und Neugier haben wir schließlich über den Atlantik geschaut und mit dem Creative Director und der Art-Editorin des New Yorker gesprochen. Das Magazin feiert derzeit sein 100-jähriges Bestehen und Nicholas Blechman und Françoise Mouly haben uns erklärt, was die Zeitschrift noch heute relevant macht und wie die legendären illustrierten Cover zustande kommen.

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Das Grafikmagazin 03.25 zeigt, wie gelungene Gestaltung für Festivals & Events aussieht. Zudem bietet diese Ausgabe viele handfeste Tipps für die Arbeit. 

Das Grafikmagazin 03.25 mit dem Schwerpunkt »Festivals & Events« können Sie hier bestellen, versandkostenfrei (innerhalb der EU).

Mehr zum Thema Branding finden Sie hier …

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Weniger Preise, mehr Präzision

Besonders deutlich wurde dieser Anspruch im Wettbewerb: Die Jurys vergaben rund 24 Prozent weniger Nägel als im Vorjahr – eine ungewöhnlich starke Korrektur. Die Begründung: mehr Strenge, mehr Qualitätsbewusstsein, mehr Verantwortung. ADC-Präsidiumssprecher Burkhard Müller betonte, dass exzellentes Handwerk in Zeiten generativer Mittel umso wichtiger sei. Es zähle nicht nur die Idee, sondern deren präzise, glaubwürdige und mit Haltung ausgestaltete Umsetzung.

Das klingt zunächst nach einer altbekannten Binse. Doch die diesjährigen Grand Prix zeigen, dass genau das der neue Maßstab ist: Haltung ist kein Beiwerk mehr, sondern Grundvoraussetzung – sowohl gestalterisch als auch kommunikativ.

Gestaltung mit Rückgrat

Beispiele? Die »Penny Price Packs« von Serviceplan sind nicht nur verkaufsfördernde Sonderverpackungen, sondern ein radikaler Kommentar zur sozialen Wirklichkeit – direkt im Regal, direkt im Alltag. Oder die Schriftfamilie »FC Sans Pauli« von Karl Anders, die dem FC St. Pauli ein eigenes typografisches Rückgrat verpasst – visuell wie ideologisch. Und »Am I?« von Elastique. stellt die KI-Frage nicht als Toolfrage, sondern als ästhetisches Szenario – mit einer poetischen Roboterinstallation, die das Publikum weder belehrt noch beunruhigt, sondern zum Nachdenken bringt. Was diese Projekte eint: Sie vertrauen auf Gestaltung als kulturelle Praxis. Und sie zeigen, dass Design nicht nur Mittel zum Zweck ist, sondern Träger von Haltung, Kontext und Verantwortung.

Grand Prix für »The First Speech« und »Solomiya Magazine – No.3«

Zwei der prägnantesten Grand Prix des ADC 2025 vereinen politische Relevanz mit gestalterischer Konsequenz. »The First Speech« von INNOCEAN Berlin für Reporter ohne Grenzen basiert auf den ersten offiziellen Antrittsreden autoritärer Führer – Putin, Maduro und Erdogan. Diese ursprünglichen Versprechen werden kontrastiert mit Bildern hoffnungsvoller Bürger:innen – und entlarven so per Reduktion und Brillanz den schmerzlichen Bruch zwischen Worten und Realität. Die Bildsprache, geprägt durch analoges Kinofeeling, kommt ohne Showeffekte aus – und entfaltet still, aber eindrücklich, die Stärke des dokumentarischen Kinos.

Das »Solomiya Magazine – No. 3« gestaltet von Kollektiv Scrollan wiederum erzählt von Ukraine im Krieg – roh, emotional, gleichwohl grafisch hochwertig gearbeitet. Als gedrucktes Zeitdokument überzeugt es durch eine visuelle Grammatik, die Zerrissenheit, Hoffnung und Verzweiflung gleichermaßen abbildet. Ohne plakative Symbolik schafft das Magazin Nähe – und verankert Design als Erfahrungsmedien, nicht als bloße Informationsvermittlung. Es ist ein Beispiel dafür, wie Editorial Design kritische Narrative bedienen kann, indem es Gestaltung und Inhalt so eng koppelt, dass das Magazin selbst zum Träger von Solidarität wird.

KI: Showcase oder Substanz?

Dass die KI-Debatte nicht am ADC vorbeigeht, war zu erwarten. Auf der Conference Stage lieferten unter anderem Nicolas Neubert (Runway) und Mieke Haase mit ihrer AI-Künstlerin KOI anschauliche Cases. KI ist hier längst mehr als Produktionsmittel – sie wird zum Kooperationspartner, zur stilprägenden Kraft. Doch gerade in einem gestalterisch anspruchsvollen Kontext wie dem ADC stellt sich die Frage: Wie lässt sich Qualität in KI-getriebenen Prozessen überhaupt bewerten?

Es war spürbar, dass viele Jurys sich noch in einer gewissen Abtastphase befinden. Die Unsicherheit, ob KI-Ästhetik nun Innovation oder Effekt ist, durchzog zahlreiche Diskussionen. Ein Umstand, der sich nur durch eine stärkere Auseinandersetzung mit Technologie und gestalterischer Theorie beheben lässt. Hier liegt eine Aufgabe, nicht nur für den ADC, sondern für die gesamte Designausbildung und -kritik.

Zwischen Buzz und Berufsbild

Das Festival bot wie immer ein breites Angebot für die nächste Generation: Speed Recruiting, Mappenchecks, Workshops. Besonders gefragt: Kurse zu KI-Texting, Storytelling und Female Leadership. Auch das ist ein Signal: Die künftige Kreativbranche sucht nach Werkzeugen, aber ebenso nach Werten. Der Beruf des Designers ist heute mehr denn je mit Fragen nach Verantwortung, Sinn und Wirkung konfrontiert. Eine gute Idee allein reicht nicht mehr – es braucht Kontext, Haltung und Resonanz.

So bleibt das ADC Festival 2025 ein Festival im Übergang. Der Wille zur Erneuerung ist deutlich spürbar – ebenso wie der Spagat zwischen Festivalökonomie und inhaltlichem Tiefgang. In einer Branche, die sich selbst immer wieder neu erfinden muss, ist das vielleicht unvermeidlich. Entscheidend ist, ob die kreative Szene diesen Wandel nicht nur benennt, sondern auch mitträgt. Denn wenn der ADC wirklich »die Welt mit Kreativität verändern« will, dann braucht es mehr als Bühnen und Buzz. Es braucht Diskurs, Qualität – und ein Designverständnis, das mehr ist als Packaging.

Bilder: © Kevin Mohr / Paul Feuerboether / Art Directors Club für Deutschland

Mehr zum Art Directors Club für Deutschland

Regelmäßig berichten wir über unsere Lieblingsprojekte der Talent Awards, etwa in der Ausgabe 05.24 »Haptik & Print«

Der nächste große Termin beim ADC ist die ADC Design Conference am 20. Oktober in Stuttgart

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Design war nie nur schön. Es war immer auch Werkzeug, Haltung, Zukunftslabor. Genau das wurde an diesem Morgen im Bayerischen Hof deutlich, wo ein interdisziplinär besetztes Panel über Verantwortung, Visionen und Gestaltungsspielräume sprach. »Design ist immer in der Krise«, brachte Designtheoretiker Dr. Oliver Herwig die Grundspannung auf den Punkt. Der Satz ist kein Kulturpessimismus – sondern ein realistischer Ausgangspunkt. Und natürlich ein großes Potenzial – schließlich bewegt sich Gestaltung stets im Spannungsfeld zwischen Anspruch und Realität, zwischen Form und Funktion, zwischen Hoffnung und Grenzen.

Design, das verbindet

Die Ethiken der Permakultur – earth care, people care, limits of consumption and growth – wurden als möglicher Zukunftskompass vorgeschlagen. Design, das sich dieser Wertegemeinschaft verpflichtet, könne Brücken schlagen: zwischen Ökonomie und Ökologie, zwischen Individualität und Gesellschaft, zwischen Technologie und Menschlichkeit.

Nadine Vicentini, Geschäftsführerin von bayern design, verantwortlich für die munich creative business week, formulierte den Anspruch so: »Technologie sollte im Dienst der Menschheit stehen – Design muss hier Lösungen finden für das, was uns ausmacht.«

Dabei gehe es auch um ein neues Selbstverständnis der Branche. Vicentini mahnte an, dass Designer:innen sich zu oft erklären oder rechtfertigen müssten. »Vielleicht müssen wir mit einem neuen Selbstverständnis an das Thema ran – dazu, was wir im großen Kontext eigentlich machen.«

Designwirtschaft mit Haltung

Dara Sepehri, Vorstand des DDC, betonte: »Design ist die drittgrößte Wirtschaftsmacht – wo sind die Anknüpfungspunkte? Wir müssen uns die Worthoheit über Begriffe wie ›Wertegemeinschaft‹ zurückholen.« Design, so Sepehri weiter, könne eine Form des demokratischen Lobbyings sein – sichtbar, wirksam, verantwortlich.

Wie das konkret aussehen kann, zeigte unter anderem das Projekt »Ruffini Chair«: ein sogenanntes Communication Furniture, das nicht nur als Objekt, sondern als Gesprächsanlass dient. Mit einer individuell gestaltbaren Oberfläche und integriertem Weinkühler soll der Stuhl Auseinandersetzung fördern – sinnlich und funktional zugleich.

Design mit Unsicherheit

Produktdesigner Christian Zanzotti sprach offen über die Herausforderungen der Materialwahl und das ständige Dazulernen: »Jedes Projekt ist ein Learning – wir wissen oft nicht, was uns erwartet. Materialität ist eine unglaubliche Herausforderung.«

Auch Prof. Dr. Moritz Basil Mungenast, Architekt und Zukunftsdenker, sprach sich für eine positive Sichtweise aus: »Unsere Zeit birgt Potenzial. Als Designer:innen wollen wir, dass Optimismus und nicht Pessimismus die Oberhand gewinnen.«

Vielfalt, so die einhellige Meinung des Panels, sei keine bloße Floskel, sondern Voraussetzung für echte Resilienz. Design kann diese Vielfalt abbilden – und nutzbar machen.

Der DDC Salon München machte deutlich, dass Design nicht die Antwort auf alle Krisen ist – aber sehr wohl ein Werkzeug, um Fragen zu stellen, Diskurse zu eröffnen und Wandel zu begleiten. Vielleicht ist das schon eine der wichtigsten Aufgaben heute: Räume zu schaffen für Verständigung, Verantwortung und Visionen. Oder, wie es Nadine Vicentini ausdrückte: »Als bayern design wollen wir die Gestaltungskompetenz in den Unternehmen stärken.« Der morgendliche Salon war ein starkes Plädoyer für genau das: Gestaltung nicht nur als Profession zu denken – sondern als Haltung, die Wirkung zeigt.

Alle Fotos: © Nele Holland-Moritz

Mehr zur Arbeit des DDC

Eine Übersicht zum Programm der munich creative business week

Alle Termine und das Programm von Various Others

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Meist bekommen große Kampagnen und Brandings Aufmerksamkeit oder Arbeiten für »coole« Kunden wie Kunst- und Kultureinrichtungen oder Start-ups. Aber wie sieht es aus, wenn der Etat überschaubar ist, der Kunde eher konservativ und das Produkt nicht schick? Erstaunlich gut, haben wir herausgefunden. In dieser Ausgabe widmen wir uns dem Schwerpunkt »Design für KMUs« und zeigen bemerkenswerte Arbeiten und warum es eine gute Idee ist, sich auf diese Kundengruppe zu spezialisieren.

In dieser Ausgabe haben wir wieder eine vielfältige Mischung an sehenswerten Projekten und nützlichen Informationen für Sie zusammengestellt. In unserer Bücher-Rubrik finden Sie gleich mehrere Ratgeber, die wertvolle Tipps für die eigene Arbeit liefern, etwa welche Wirkmacht Marken entwickeln können, wie man für Leichte Sprache gestaltet oder was es bedeutet, im Design Haltung zu zeigen. Dem Thema Emojis widmet das toll gestaltete Buch »Emojization« und auch in unserer Rubrik »Looking Back« beschäftigen wir uns mit einem Buchklassiker des großen Gestalters Dieter Rams.

In unserem Fokus geht es um Self-Marketing, also darum, wie man sich als Designer:in gut positionieren kann. Etwa im Bereich Social Media oder wenn es um die Kommunikation und Communities geht. Welche neuen Papiere sie derzeit begeistern, erzählt unsere Produktionsspezialistin Sylvia Lerch und wie man Schritt für Schritt einen Auftrag angeht, erklärt ein über zwei Meter langer Spickzettel.

Grafik+ »Design für KMUs«

In dieser Ausgabe widmen wir uns sogenannten »Hidden Champions«. Meist sind es die großen Marken, die die Branche feiert, Brandings für coole Start-ups oder ungewöhnliche Designlösungen für Kunst- und Kultureinrichtungen. Mit viel Etat oder großer künstlerischer Freiheit lässt sich natürlich einiges zaubern, aber wie sieht es aus, wenn das Geld knapp ist, der Kunde eher konservativ und sein Produkt nicht eben sexy? Wir sind dieser Frage nachgegangen und haben festgestellt, dass für kleine und mittlere Unternehmen oft Projekte entstehen, die bemerkenswert gut gestaltet sind. Ihnen fehlt es nicht an Qualität, sondern an Sichtbarkeit. Mit unserem Grafik+-Thema »Design für KMUs« möchten wir das ändern und stellen sehenswerte Projekte vor sowie Studios, die sich genau auf diese Kundengruppe spezialisiert haben. Fun Fact: Alle scheinen viel zufriedener oder wie es eine Agentur ausdrückte, »90 Prozent unserer Kunden werden Freunde«. 

Das Cover

Für das Cover dieser Ausgabe konnten wir den großartigen Illustrator Christoph Niemann gewinnen. Er begeistert immer wieder mit Titelbildern für das New York Times Magazine oder The New Yorker und auch für das Grafikmagazin hat er sich etwas ganz Besonderes einfallen lassen. Seine Technik beschreibt er als Prozess, etwas Dreidimensionales in 2D neu zu erfinden und sagt: »Mit viel Glück führt dieser Prozess sogar zu einem frischen Blick auf die ›echte‹ Welt, die uns umgibt.« 
Das monochrome Motiv setzten wir auf einem Naturpapier von Peyer Cover um. Peydur Recycled ist eine weiße Papier- und Kartonqualität aus 100 Prozent Recyclingfasern. Die Variante lissé verfügt über eine leichte Hammerschlagstruktur und eine angenehme Haptik. Der Druck erfolgte bei F&W Medien.

Der Showroom

Für den Showroom werfen wir einen Blick nach Malaysia, wo Lew Tau Fei vielfältige kulturelle Einflüsse in seine Designs einfließen läßt. Die Illustratorin Jill Senft liebt schräge Figuren und satte Farben und begeistert Fans von Berlin bis Peking. Hinter dem Namen LIT verbirgt sich ein Team von Branding-Expert:innen, die Design und Strategie zusammendenken und anlässlich seines 100. Geburtstages zeigen wir Plakate von Almir Mavignier, die auch heute noch begeistern.  

Jetzt bestellen!

Das Grafikmagazin 02.25 zeigt, dass gute Gestaltung keine Frage des Budgets ist und warum es für Designer:innen oft lohnenswerter ist, Nischen zu bedienen. Zudem bietet diese Ausgabe viele handfeste Tipps für die Arbeit. 

Das Grafikmagazin 02.25 mit dem Schwerpunkt »Design für KMUs« können Sie hier bestellen, versandkostenfrei (innerhalb der EU).

Mehr zum Thema Branding finden Sie hier …

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Die Essenz von Communities

Eines wurde bei der Anmoderation von Sabine Hansky und beim Einstieg ins Thema mit dem Panel schnell klar: Eine Community lässt sich nicht eindeutig definieren – und das ist auch gut so. Sie ist weit mehr als eine lose Gruppe Gleichgesinnter, die für jede:n etwas anderes bedeuten kann. Fast immer jedoch geht es um Austausch, Vertrauen und gemeinsames Arbeiten an Ideen oder Projekten.

Dass eine lebendige Community kein Nice-to-have ist, sondern ein essentielles Netzwerk – quasi ein Zugeständnis, dass man einander braucht –, haben wir beim Grafikmagazin selbst oft erlebt. Unsere Crowdfunding-Kampagne zum Start des Magazins wurde von weit über 500 unterstützenden Menschen getragen. Die ersten zwei Jahre verbrachten wir im Coworking Space des Ruffinihauses, wo Begegnungen und Gespräche unser Arbeiten prägten. Unsere Konferenzen – von der Creative Paper Conference bis zur Druck und Design Konferenz – bringen regelmäßig Kreative zusammen, die sich sonst vielleicht nie begegnet wären. Auch der Abend im Munich Urban Colab hat eindrucksvoll gezeigt, wie sehr Menschen den persönlichen Austausch in physischen Räumen suchen – denn virtuelle Netzwerke können echte Begegnungen nicht ersetzen.

Zentrale Erkenntnisse aus der Diskussion

Achtung vor der Bubble-Bildung: So wertvoll eine Community ist – sie kann auch ausschließend wirken. Wer nicht aufpasst, bleibt unter sich. Digitale Algorithmen verstärken diese Tendenz zusätzlich. Die Herausforderung besteht darin, Communities offen und durchlässig zu halten. Eine tolle Intiative ist hier die hiesige munich creative business week, die es sich auch mit dem diesjährigen Motto »How to design a vibrant community« zur Aufgabe macht, auf die verschiedensten Akteur:innen zuzugehen und Synergien zu schaffen. Auch das Programm des mcbw Design Summit spiegelt dies wider; der Tag voller Keynotes und Panels findet am 12. Mai 2025 übrigens ebenfalls im Munich Urban Colab statt.

Auch der Wert physischer Orte sowie der direkte Austausch bleiben essenziell, das wurde im Panel mehrmals betont. Das Munich Urban Colab selbst zeigt, wie Orte Begegnung und Zusammenarbeit ermöglichen können. Doch ohne engagierte Menschen, die diese Räume beleben und vernetzen, bleibt es nur ein Gebäude. Community Manager spielen hier eine entscheidende Rolle, davon erzählte auch Marco Eisenack, der neben der Arbeit am Mucbook zig Coworking Spaces und Zwischennutzungen mitinitiiert hat. Er plädierte sehr für mehr echtes Interesse an Mitgestaltung und Engagement im Lokalen: »Empathie ist nicht laut – zumindest nicht im Vergleich zu Hass. Die virtuelle Welt kann hier nicht die alleinige Lösung sein, da sie dort zu leise ist. Wir brauchen echte Begegnungsorte, denn nur dort können wir sie wirklich spüren.«

Eine Wortmeldung aus dem Publikum definierte auch das Ehrenamt als treibende Kraft, was auf viel Zustimmung stieß: Viele erfolgreiche Communities basieren auf freiwilligem Engagement. Ohne Menschen, die sich in ihrer Freizeit für eine Sache einsetzen, würden viele Initiativen gar nicht existieren. Doch auch städtische Initiativen, wie diejenigen, von denen Julia Christiansen berichtet, werden natürlich gebraucht. Genauso relevant ist es, dass wirtschaftliche Akteur:innen hier engagieren; just zum Panel stellte die Mars Wrigley Foundation das Förderprojekt »Zusammen.Halt« vor, das im Großraum München Begegnungsstätten mit bis zu 100.000 $ unterstützt und so einen »aktiven Beitrag zu einem zukunftsfähigen und lebendigen München leisten möchte«, hieß es.

Für mehr reale Vernetzung in der Kreativszene!

Für das Grafikmagazin stand an dem Abend thematisch die Vernetzung mit dem Kreativquartier und der Münchner Designszene im Fokus – eine Community, die uns in unserer Arbeit konkret beeinflusst und immer wieder inspiriert. Viele unserer Artikel entstehen aus Gesprächen und Begegnungen, oft direkt im Viertel oder bei Events. Das Munich Urban Colab und das Kreativquartier sind tolle Beispiele für diese Synergien – sie ermöglichen spontane Zusammenarbeit und den direkten Austausch, der Innovation erst möglich macht.

Doch auch über die Grenzen Münchens hinaus möchten wir mit unserer Arbeit immer wieder für mehr reale Zusammenarbeit und lokale Vernetzung plädieren. Das gelungene »Inspiration & Talk«-Format hat auch dank der vielseitigen Wortmeldungen aus dem Publikum eindrucksvoll gezeigt: Communities sind essenziell für Innovation, gesellschaftlichen Zusammenhalt und lebenswerte Städte. Die Diskussion auf der Bühne war inspirierend, die Gespräche im Anschluss umso wertvoller.

Danke an Sabine Hansky für die tolle Moderation und an alle Gäste für den lebendigen Austausch! Es war eine Freude, Teil dieser Runde zu sein.

Mehr zum Programm und Hintergrund des Innovation Hub und Gründungszentrum Munich Urban Colab

Zum diesjährigen Motto und zum Programm der munich creative business week

Alle Infos zum mcbw Design Summit, der im Munich Urban Colab stattfinden wird

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